educación en artes visuales

Históricamente, el arte se enseñaba en Europa mediante el sistema de talleres ^{[ 12 ],} donde los artistas acogían aprendices que aprendían su oficio de forma muy similar a como lo hacían los gremios de artesanos, como los canteros o los orfebres . Durante su tiempo libre, la formación formal tenía lugar en talleres de arte o, más a menudo, en casas particulares o al aire libre. Era en estos talleres donde los artistas aprendían el oficio mediante el aprendizaje con maestros, una relación regulada por los estatutos del gremio. Los contratos florentinos de finales del siglo XIII establecen que se esperaba que el maestro vistiera y alimentara al aprendiz, quien, a cambio, debía ser un fiel servidor. El aprendiz solía pagar al maestro durante los primeros años de su formación; si el aprendizaje era productivo, el estudiante recibía una compensación más adelante. Los talleres del norte de Europa presentaban condiciones similares. ^{[ 13 ]}

Inicialmente, aprender a dibujar era una prioridad en este sistema. Miguel Ángel recomendaba que un joven pintor dedicara un año exclusivamente al dibujo, luego seis años moliendo colores, preparando paneles y utilizando pan de oro, tiempo durante el cual continuaría el estudio del dibujo. Se requerirían otros seis años para dominar la pintura al fresco y al temple. ^{[ 14 ]}

Históricamente, el diseño ha tenido cierta precedencia sobre las bellas artes, con escuelas de diseño que se establecieron por toda Europa en el siglo XVIII. Estos ejemplos de habilidad y valores del arte europeo primitivo inspiraron a generaciones posteriores, incluidos los colonos de los inicios de América.

Las personas que recurren a la apropiación cultural tienen la capacidad de producir obras de considerable mérito estético. ^{[ 15 ]} El uso de elementos artísticos de diferentes culturas, como la decoración o la emulación del proceso creativo, puede fomentar una mayor comprensión y apreciación de las artesanías de distintas culturas. Esta técnica se puede apreciar en la producción de proyectos de elaboración de máscaras africanas o nativas americanas, donde los estudiantes emulan técnicas y exploran nuevos usos de materiales y métodos de construcción que valoran las prácticas de otras culturas. ^{[ 16 ]}

País líder en el desarrollo de las artes en América Latina , creó en 1875 la Sociedad Nacional para Estímulo de las Artes, fundada por los pintores Eduardo Schiaffino , Eduardo Sívori , y otros artistas. En 1905, su gremio fue reestructurado como Academia Nacional de Bellas Artes, luego en 1923, por iniciativa del pintor y académico Ernesto de la Cárcova , pasó a ser un departamento de la Universidad de Buenos Aires , con el nombre de Escuela Superior de Arte de la Nación. Actualmente, la organización educativa para las artes líder en el país es la UNA Universidad Nacional de las Artes . ^{[ 17 ]}

Las universidades australianas que cuentan con departamentos o cursos de Artes Visuales/Bellas Artes han pasado de los modelos de enseñanza basados ​​en el estudio, asociados a las escuelas de arte, a un enfoque más integrado teórico-práctico. La Universidad de Australia Occidental ha pasado de una maestría con énfasis teórico a una licenciatura en Artes con enfoque teórico.

Se han implementado iniciativas de enseñanza basadas en estudios que integran elementos contextuales y de medios como parte de un proyecto nacional de enseñanza en estudios ^{[ 18 ]} apoyado por el Consejo Australiano de Aprendizaje y Enseñanza (ALTC) desde 2007.

La primera escuela de arte moderno en Egipto se inauguró en 1908 como el Colegio de Bellas Artes de El Cairo. ^{[ 19 ]} Estas primeras escuelas de arte enseñaban principalmente las tradiciones estéticas occidentales. Como resultado, después de la independencia, se hizo un esfuerzo por incorporar las tradiciones egipcias y de Oriente Medio en los cursos de arte y apreciación artística. ^{[ 20 ]} Sin embargo, el proceso fue lento; los estudiantes del Colegio de Bellas Artes de El Cairo no pudieron especializarse en historia del arte no europeo hasta 1999. ^{[ 20 ]}

La primera academia, la Académie royale de peinture et desculpture , fue fundada en 1648.

Hoy en día, la educación artística, que incluye la educación en artes visuales, es una parte obligatoria de la educación escolar desde el segundo ciclo en adelante ^{[ 21 ]} (seis años) y continúa hasta el final de la escuela secundaria inferior ( collège ) .

En algunos centros educativos existen clases especializadas en arte ( classes à horaires aménagés ) que ofrecen formación artística avanzada en paralelo a la educación primaria o secundaria básica. En la educación secundaria superior , es posible obtener el bachillerato tecnológico en ciencias y tecnologías del diseño y artes aplicadas (STD2A, antiguo F12).

En la educación terciaria , las escuelas dedicadas proponen un diplôme national des métiers d'art et du design (DN MADE, diploma nacional de profesiones de arte y diseño) con varios diplômes des métiers d'art (DMA, licenciatura en profesiones artísticas), y luego un diplôme supérieur d'arts appliqués (DSAA, maestría en artes aplicadas).

Las escuelas de arte se establecieron en Italia ya en el siglo XIII, comenzando con una escuela de pintura en Venecia fundada por un pintor griego llamado Teófanes alrededor del año 1200. ^{[ 22 ]}

La Asociación Neerlandesa de Profesores de Arte (Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs) se fundó en 1880 y comenzó a publicar una revista mensual en 1884. ^{[ 23 ]} Desde finales del siglo XX, la creciente diversidad de la sociedad neerlandesa ha hecho que el arte y la educación artística en los Países Bajos sean cada vez más multiculturales . ^{[ 24 ]}

La educación artística formal surgió en el Reino Unido a principios del siglo XIX, motivada en parte por el deseo de igualar la calidad del trabajo de diseño que se realizaba en Francia. ^{[ 25 ]} El modelo adoptado inicialmente fue el de las escuelas comerciales alemanas. ^{[ 25 ]} El príncipe Alberto fue particularmente influyente en la creación de escuelas de arte en el Reino Unido. ^{[ 26 ]}

Actualmente en el Reino Unido, el currículo de arte está prescrito por el Currículo Nacional del gobierno , excepto en las escuelas públicas o privadas. ^{[ 27 ]} El príncipe Carlos creó la Escuela de Dibujo del Príncipe en Hoxton para preservar la enseñanza del dibujo académico.

El estudio de la apreciación artística en Estados Unidos comenzó con el Movimiento de Artistas de Hoy a finales del siglo XIX y empezó a decaer a finales de la década de 1920. El estudio de imágenes era una parte importante del currículo de educación artística. La atención a la estética en las aulas generó un interés público por embellecer la escuela, el hogar y la comunidad, lo que se conoció como "Arte en la Vida Cotidiana". La idea era acercar la cultura al niño para influir en los padres. ^{[ 43 ]} El movimiento de estudio de imágenes desapareció a finales de la década de 1920 como resultado de nuevas ideas sobre el aprendizaje de la apreciación artística a través del trabajo en el estudio, que se popularizaron en Estados Unidos.

El filósofo de la educación y reformador escolar estadounidense John Dewey influyó en la ampliación del acceso a la educación artística en los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX.

Desde la Segunda Guerra Mundial , la formación artística se ha trasladado a las escuelas primarias, y el arte contemporáneo se ha convertido en un campo cada vez más académico e intelectual. Antes de la Segunda Guerra Mundial, un artista no solía necesitar un título universitario. Desde entonces, la Licenciatura en Bellas Artes y, posteriormente, la Maestría en Bellas Artes se convirtieron en títulos recomendados para ser un artista profesional, gracias a la aprobación de la Ley de Reajuste de Militares (GI Bill) en 1944, que permitió que una oleada de veteranos de la Segunda Guerra Mundial se matriculara, incluyendo escuelas de arte. Los departamentos de arte universitarios se expandieron rápidamente. Los artistas estadounidenses que antes podrían haber estudiado en escuelas bohemias y centradas en la artesanía, como la Art Students League , el Black Mountain College o la Hans Hofmann School of Art en Greenwich Village , comenzaron a matricularse en universidades. Para la década de 1960, la Escuela de Artes Visuales , el Instituto Pratt y la Cooper Union en la ciudad de Nueva York, y otras escuelas de arte en todo el país, como el Instituto de Arte de Kansas City , el Instituto de Arte de San Francisco , la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , Princeton y Yale, se habían convertido en una de las primeras academias de arte. ^{[ 44 ]} Esta tendencia se extendió desde los Estados Unidos por todo el mundo.

La matrícula en clases de arte en la escuela secundaria alcanzó su punto máximo a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970. Con la ley " Ningún Niño se Queda Atrás " (NCLB, por sus siglas en inglés) (que mantiene las artes como parte de la "vida cotidiana", pero no exige informes ni datos de evaluación en esta área), se ha producido un declive adicional de la educación artística en las escuelas públicas estadounidenses. El Departamento de Educación de los Estados Unidos ahora otorga subvenciones para el desarrollo y la difusión de modelos de artes en la educación, con el fin de apoyar a organizaciones con experiencia en arte en el desarrollo de currículos artísticos. Después de 2010, se estima que el 25 % de las escuelas secundarias públicas del país eliminarán todos sus programas de arte. Varias empresas de "tecnología educativa" como Kadenze y edX han intentado mitigar esta pérdida a través de la educación artística en línea. ^{[ 45 ]}

Las organizaciones nacionales que promueven la educación artística incluyen Americans for the Arts ^{[ 46 ]} incluyendo Art. Ask For More. , ^{[ 47 ]} su campaña nacional de concientización pública sobre la educación artística; Association for the Advancement of Arts Education; Arts Education Partnership.; ^{[ 48 ]}

Entre las organizaciones profesionales para educadores artísticos se incluyen la Asociación Nacional de Educación Artística , ^{[ 49 ]} que publica la revista Art Education, orientada a profesionales , y la revista de investigación Studies in Art Education ; USSEA (la Sociedad de los Estados Unidos para la Educación a través del Arte ) e InSEA (la Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte ^{[ 50 ]} ).

La educación a través de las artes visuales es una influencia importante y eficaz que permite a los estudiantes, desde temprana edad, comprender e implementar el proceso democrático fundamental que se enfatiza dentro de la estructura social de los Estados Unidos. ^{[ 51 ]} En 2008, la Evaluación Nacional del Progreso Educativo (NAEP, por sus siglas en inglés) estudió a 7900 estudiantes de octavo grado en los campos de arte y música. Los resultados del estudio concluyeron que las estudiantes obtuvieron puntuaciones más altas que sus compañeros varones tanto en música como en artes visuales. ^{[ 52 ]}

Olivia Gude , ganadora en 2009 de la beca Lowenfeld Lecture de la Asociación Nacional de Educación Artística, habló sobre las numerosas maneras en que la educación artística es fundamental para formar un ciudadano informado, consciente de sí mismo y del mundo. Afirma que:

Mediante la educación artística, los estudiantes desarrollan habilidades mejoradas para comprender la construcción de significado de los demás. A través de una educación artística de calidad, los jóvenes desarrollan la capacidad de aprender varios trabajos con mucha más facilidad que otros. Lo más importante es que la participación en las artes enseña a los jóvenes a percibir la complejidad como placer y posibilidad, no como una incertidumbre irritante. Una mayor autoconciencia se extiende a una mayor conciencia de los demás... ^{[ 51 ]}

Michelle Marder Kamhi , quien ha escrito sobre educación artística , ^{[ 53 ]} critica duramente las tendencias recientes en este campo en Estados Unidos y otros países. Desestima gran parte del arte contemporáneo exhibido en los principales museos, considerándolo gestos políticos que no son arte. ^{[ 54 ]} En "Repensando la educación artística", capítulo 8 de su libro ¿Quién dice que eso es arte?, se centra en dos tendencias que, en su opinión, "deberían preocupar a los ciudadanos reflexivos, incluso a aquellos con poco interés en el arte". Por ejemplo, un artículo de opinión suyo en el Wall Street Journal criticaba Brinco de Judi Werthein —una obra de " arte performativo " que consistía principalmente en que Werthein repartiera zapatillas deportivas especialmente equipadas a inmigrantes ilegales—, la cual había sido recomendada para su estudio por un destacado educador artístico en una sesión de la conferencia de la NAEA. ^{[ 55 ]}