escultura barroca

La escultura barroca es aquella asociada al estilo barroco del periodo comprendido entre principios del siglo XVII y mediados del siglo XVIII. En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirieron una nueva importancia, y las formas humanas se caracterizaron por un dinamismo y una energía que las envolvían: giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío o se extendían hacia el espacio circundante. La escultura barroca solía ofrecer múltiples ángulos de visión ideales y reflejaba la continuación de la tendencia renacentista , que se alejaba del relieve para dar paso a la escultura tridimensional, diseñada para ubicarse en el centro de un gran espacio. Fuentes elaboradas como la Fontana dei Quattro Fiumi de Gian Lorenzo Bernini (Roma, 1651) o las de los Jardines de Versalles eran una especialidad barroca. El estilo barroco se adaptaba perfectamente a la escultura, siendo Bernini la figura dominante de la época con obras como El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652). ^{[ 1 ]} Gran parte de la escultura barroca incorporó elementos extraescultóricos, como iluminación oculta o fuentes de agua, o fusionó escultura y arquitectura para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se consideraban parte de la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y la romana posterior, en lugar de la de los períodos más "clásicos" tal como se perciben hoy en día. ^{[ 2 ]}

La escultura barroca sucedió a la renacentista y al manierismo , y fue sucedida por la rococó y la neoclásica . Roma fue el primer centro donde se formó este estilo. Se extendió al resto de Europa, y Francia, en particular , le dio un nuevo rumbo a finales del siglo XVII. Finalmente, se propagó más allá de Europa, llegando a las posesiones coloniales de las potencias europeas, especialmente a Latinoamérica y Filipinas.

La Reforma Protestante había puesto fin casi por completo a la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente los bustos de retrato y los monumentos funerarios , continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene un componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. ^{[ 3 ]} En parte como reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo como en la Baja Edad Media. Los Países Bajos meridionales católicos vieron un florecimiento de la escultura barroca a partir de la segunda mitad del siglo XVII, con muchos talleres locales que producían una amplia gama de escultura barroca, incluyendo mobiliario eclesiástico, monumentos funerarios y esculturas de pequeño tamaño ejecutadas en marfil y maderas duraderas como el boj. Los escultores flamencos desempeñarían un papel destacado en la difusión del estilo barroco en el extranjero, incluyendo la República Holandesa, Italia, Inglaterra, Suecia y Francia. ^{[ 4 ]}

En el siglo XVIII, gran parte de la escultura continuó siguiendo las líneas barrocas; la Fontana di Trevi no se terminó hasta 1762. El estilo rococó se adaptaba mejor a las obras de menor tamaño. ^{[ 5 ]}

El estilo barroco surgió de la escultura renacentista, que, inspirándose en la escultura clásica griega y romana, había idealizado la forma humana. Esto fue modificado por el manierismo , cuando los artistas se esforzaron por dotar a sus obras de un estilo único y personal. El manierismo introdujo la idea de esculturas con fuertes contrastes: juventud y vejez, belleza y fealdad, hombres y mujeres. El manierismo también introdujo la figura serpentina , que se convirtió en una característica principal de la escultura barroca. Esta consistía en la disposición de figuras o grupos de figuras en espiral ascendente, lo que aportaba ligereza y movimiento a la obra. ^{[ 6 ]}

Miguel Ángel introdujo la figura serpentina en El esclavo moribundo (1513-1516) y Genio victorioso (1520-1525), pero estas obras estaban pensadas para ser vistas desde un único punto de vista. Un ejemplo de obra que puede verse desde varios puntos de vista es la escultura de finales del siglo XVI de Giambologna , El rapto de las sabinas (1581-1583), que cambia según el punto de vista. Esto se convirtió en una característica muy común de la escultura barroca. La obra de Giambologna tuvo una fuerte influencia en los maestros de la época barroca, particularmente en Bernini . ^{[ 6 ]}

Otra influencia importante que condujo al estilo barroco fue la Iglesia Católica, que buscaba armas artísticas en la batalla contra el auge del protestantismo. El Concilio de Trento (1545-1563) otorgó al Papa mayores poderes para guiar la creación artística y expresó una fuerte desaprobación de las doctrinas del humanismo , que habían sido centrales para las artes durante el Renacimiento. ^{[ 7 ]} Durante el pontificado de Pablo V (1605-1621), la Iglesia comenzó a desarrollar doctrinas artísticas para contrarrestar la Reforma y encargó a nuevos artistas que las llevaran a cabo.

La figura dominante de la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Era hijo del escultor florentino Pietro Bernini , quien había sido llamado a Roma por el papa Pablo V. El joven Bernini realizó sus primeras obras en solitario a los quince años y, entre 1618 y 1625, recibió un importante encargo de estatuas para la villa del cardenal Scipion Borghese. Sus obras, de gran dramatismo, diseñadas para ser vistas desde múltiples puntos de vista y con una forma que se elevaba en espiral, tuvieron un inmenso impacto en la escultura europea. Continuó dominando la escultura italiana con sus obras en fuentes romanas, el Baldaquino de San Pedro y la tumba del papa Alejandro VII en la Basílica de San Pedro, así como con su conjunto de altar para la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Recibió su último encargo de escultura de fuente para la Fuente del Elefante (1665-1667), seguido de una serie de ángeles para el Puente de Sant'Angelo en Roma (1667-1669). ^{[ 8 ]}

Bernini falleció en 1680, pero su estilo influyó en escultores de toda Europa, especialmente en Francia, Baviera y Austria.

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  Violación de Proserpina (1621-1622) de Gian Lorenzo Bernini (Galería Borghese)
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  Apolo y Dafne (1622–1625) de Gian Lorenzo Bernini (Galería Borghese)
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  David (1623–1624) de Gian Lorenzo Bernini (Galería Borghese)
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  El éxtasis de santa Teresa (1647-1652), de Gian Lorenzo Bernini (Santa Maria Della Victoria, Roma)
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  Fuente de los Cuatro Ríos, Roma (1648-1651)
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  Ángel con una lanza (1667-1669) Puente de Sant'Angelo, Roma

La mayor parte de la escultura barroca francesa tenía como objetivo glorificar no a la Iglesia, sino a los monarcas franceses: Luis XIII , Luis XIV y Luis XV . Si bien la escultura barroca ya había surgido en Francia en la década de 1630 con artistas como Jacques Sarazin y Philippe de Buyster , gran parte de ella fue producida por los escultores de la nueva Real Academia de Pintura y Escultura, fundada en 1648 y posteriormente supervisada de cerca por Jean-Baptiste Colbert, ministro de Hacienda del rey. Los escultores franceses colaboraron estrechamente con pintores, arquitectos y paisajistas como André Le Nôtre para crear los efectos escultóricos que se encuentran en el Palacio de Versalles y sus jardines, las demás residencias reales y las estatuas para las nuevas plazas de París y otras ciudades francesas. Colbert también fundó la Academia Francesa en Roma para que los escultores y pintores franceses pudieran estudiar los modelos clásicos. ^{[ 13 ]}

A principios del período barroco, los escultores franceses, como Pierre de Francqueville , estuvieron muy influenciados por artistas de Flandes y los Países Bajos, en particular por el manierismo de Giambologna . Sin embargo, los escultores Simon Guillain (1581-1658) y Jacques Sarazin (1592-1660) realizaron parte de su formación en Italia, cuando el estilo barroco ganaba popularidad, antes de regresar a Francia. El propio Bernini , en la cima de su fama, llegó a París en 1665 para presentar su proyecto para el Louvre a Luis XIV. Al rey y a sus ministros no les gustó la obra de Bernini, y el proyecto fue rechazado, aunque Bernini realizó un magnífico busto de Luis XIV , que fue muy admirado y que actualmente se exhibe en el Palacio de Versalles . ^{[ 14 ]}

Los mejores escultores franceses fueron contratados para realizar estatuas para las fuentes y jardines del Palacio de Versalles y otras residencias reales. Entre ellos se encontraban Pierre Puget , quien había trabajado en Italia antes de servir a Luis XIV; Jacques Sarazin ; François Girardon , autor del gran grupo escultórico de mármol de Apolo acompañado de ninfas para los jardines de Versalles en 1666 ; Jean-Baptiste Tuby ; Antoine Coysevox , quien realizó varios bustos y estatuas ecuestres de Luis XIV; y Nicolas Coustou . En el siglo XVIII, Guillaume Coustou , hermano menor de Nicolas, creó un grupo de caballos particularmente célebre para los jardines del Castillo de Marly , conocido como los Caballos de Marly . ^{[ 15 ]}

Algunos escultores franceses importantes desarrollaron su actividad principalmente en Italia, especialmente en Roma, como Nicolas Cordier a principios del siglo XVII, y más tarde en el mismo siglo Pierre Le Gros el Joven y Pierre-Étienne Monnot , quienes adoptaron un estilo más berniniano.

En los últimos años de la época barroca, Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) y Jean Baptiste Lemoyne (1704-1778), director de la Academia Francesa en Roma, fueron considerados los mejores escultores rococó , junto con Robert Le Lorrain , Michel-Ange Slodtz , Lambert Sigisbert Adam , Étienne Maurice Falconet y Clodion . La obra de Edme Bouchardon marcó una transición temprana entre la rocalla y un clasicismo más severo, mientras que el discípulo de Lemoyne, Jean-Antoine Houdon, lideró la transición de la escultura francesa del barroco al neoclasicismo . ^{[ 16 ]}

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  Cariátides en el Pavillon de l'Horloge de Jacques Sarazin , Palacio del Louvre (1639-1640)
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  Cuenca de Saturno, François Girardon , Palacio de Versalles (1672-1677)
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  Pierre Puget , San Sebastián , Santa Maria Assunta di Carignano , Génova, 1668
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  Jean-Baptiste Tuby , Carroza de Apolo, jardines del Palacio de Versalles (1668-1670)
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  La Fama montando a Pegaso, de Antoine Coysevox para Marly, actualmente en el Louvre (1701-1702).
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  Michel-Ange Slodtz , monumento funerario de Jean-Baptiste Languet de Gergy, Saint-Sulpice , París (1757)

Los Países Bajos meridionales, que permanecieron bajo dominio español católico , desempeñaron un papel importante en la difusión de la escultura barroca en el norte de Europa. La Contrarreforma católica exigía que los artistas crearan pinturas y esculturas en contextos eclesiásticos que se dirigieran a los analfabetos en lugar de a los cultos. La Contrarreforma hizo hincapié en ciertos puntos de la doctrina religiosa, lo que conllevó una mayor importancia de ciertos elementos del mobiliario eclesiástico, como el confesionario . Estos acontecimientos provocaron un marcado aumento de la demanda de escultura religiosa en los Países Bajos meridionales. ^{[ 17 ]} Un papel fundamental lo desempeñó el escultor bruselense François Duquesnoy, quien desarrolló la mayor parte de su carrera en Roma. Su estilo barroco, más elaborado y cercano al clasicismo de Bernini, se difundió en los Países Bajos meridionales a través de su hermano Jérôme y otros artistas flamencos que estudiaron en su taller de Roma, como Rombaut Pauwels y posiblemente Artus Quellinus el Viejo . ^{[ 18 ] [ 19 ]}

El escultor más destacado fue Artus Quellinus el Viejo , miembro de una familia de famosos escultores y pintores, y primo y maestro de otro destacado escultor flamenco, Artus Quellinus el Joven . Nacido en Amberes, pasó un tiempo en Roma, donde se familiarizó con la escultura barroca local y la de su compatriota François Duquesnoy. A su regreso a Amberes en 1640, trajo consigo una nueva visión del papel del escultor. El escultor ya no sería un ornamentalista, sino un creador de una obra de arte total en la que los componentes arquitectónicos fueron reemplazados por esculturas. El mobiliario de la iglesia se convirtió en una ocasión para la creación de composiciones a gran escala, incorporadas al interior de la iglesia. ^{[ 4 ]} A partir de 1650, Quellinus trabajó durante 15 años en el nuevo ayuntamiento de Ámsterdam junto con el arquitecto principal Jacob van Campen . Ahora llamado Palacio Real en la Dam , este proyecto de construcción, y en particular las decoraciones de mármol que él y su taller produjeron, se convirtieron en un ejemplo para otros edificios en Ámsterdam. El equipo de escultores que Artus supervisó durante su trabajo en el ayuntamiento de Ámsterdam incluía a muchos escultores, principalmente de Flandes, que se convertirían en escultores destacados por derecho propio, como su primo Artus Quellinus II , Rombout Verhulst , Bartholomeus Eggers y Gabriël Grupello y probablemente también Grinling Gibbons . Más tarde difundirían su estilo barroco en la República Holandesa, Alemania e Inglaterra. ^{[ 20 ] [ 21 ]} Otro importante escultor barroco flamenco fue Lucas Faydherbe (1617-1697), originario de Malinas , el segundo centro importante de escultura barroca en los Países Bajos meridionales. Se formó en Amberes en el taller de Rubens y desempeñó un papel fundamental en la difusión de la escultura del Alto Barroco en los Países Bajos meridionales. ^{[ 22 ]}

Si bien los Países Bajos del Sur habían presenciado una fuerte disminución en el nivel de producción y reputación de su escuela de pintura en la segunda mitad del siglo XVII, la escultura reemplazó a la pintura en importancia, bajo el impulso de la demanda nacional e internacional y la producción masiva y de alta calidad de varios talleres familiares en Amberes. En particular, los talleres de Quellinus, Jan y Robrecht Colyn de Nole, Jan y Cornelis van Mildert , Hubrecht y Norbert van den Eynde , Pedro I, Pedro II y Hendrik Frans Verbrugghen , Willem y Willem Ignatius Kerricx , Pieter Scheemaeckers y Lodewijk Willemsens produjeron una amplia gama de esculturas que incluían mobiliario eclesiástico, monumentos funerarios y esculturas de pequeño formato ejecutadas en marfil y maderas duraderas como el boj. ^{[ 17 ]} Mientras que Artus Quellinus el Viejo representó el alto barroco, una fase más exuberante del barroco, denominada barroco tardío, comenzó a partir de la década de 1660. Durante esta fase las obras se volvieron más teatrales, manifestándose a través de representaciones religioso-extáticas y decoraciones suntuosas y llamativas. ^{[ 4 ]}

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  Luis de Benavides Carrillo, marqués de Caracena por Artus Quellinus el Viejo (1664), Museo Real de Bellas Artes de Amberes
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  Hércules , de Lucas Faydherbe (1640-1650), Museo del Louvre-Lens
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  Monumento funerario a Marcas De Velasco, de Pieter Scheemaeckers (1694-1697), Iglesia de Santiago de Amberes
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  Púlpito de la catedral de Bruselas , de Hendrik Frans Verbruggen (1695-1699)
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  El último juicio de Willem Kerricx (1695-1699), Iglesia de San Pablo, Amberes.

Tras independizarse de España, la República Holandesa, predominantemente calvinista, produjo un escultor de renombre internacional: Hendrick de Keyser (1565-1621). Fue también el arquitecto principal de Ámsterdam y creador de importantes iglesias y monumentos. Su obra escultórica más famosa es la tumba de Guillermo el Silencioso (1614-1622) en la Nieuwe Kerk de Delft . La tumba fue esculpida en mármol, originalmente negro pero ahora blanco, con estatuas de bronce que representan a Guillermo el Silencioso, la Gloria a sus pies y las cuatro Virtudes Cardinales en las esquinas. Dado que la iglesia era calvinista, las figuras femeninas de las Virtudes Cardinales estaban completamente vestidas de pies a cabeza. ^{[ 23 ]}

Los alumnos y ayudantes del escultor flamenco Artus Quellinus el Viejo, que a partir de 1650 trabajó durante quince años en el nuevo ayuntamiento de Ámsterdam, desempeñaron un papel importante en la difusión de la escultura barroca en la República Holandesa. Este proyecto de construcción, ahora llamado Palacio Real de la Plaza Dam , y en particular las decoraciones de mármol que él y su taller produjeron, se convirtieron en un ejemplo para otros edificios de Ámsterdam. Los numerosos escultores flamencos que se unieron a Quellinus para trabajar en este proyecto tuvieron una importante influencia en la escultura barroca holandesa. Entre ellos se encuentra Rombout Verhulst , quien se convirtió en el principal escultor de monumentos de mármol, incluyendo monumentos funerarios, figuras de jardín y retratos en la República Holandesa. ^{[ 24 ]}

Otros escultores flamencos que contribuyeron a la difusión del estilo barroco en la escultura de la República Holandesa fueron Jan Claudius de Cock , Jan Baptist Xavery , Pieter Xavery , Bartholomeus Eggers y Francis van Bossuit . Algunos de ellos formaron a escultores locales. Por ejemplo, el escultor holandés Johannes Ebbelaer (c. 1666-1706) probablemente recibió formación de Rombout Verhulst, Pieter Xavery y Francis van Bossuit. ^{[ 25 ]} Se cree que Van Bossuit también fue maestro de Ignatius van Logteren . ^{[ 26 ]} Van Logteren y su hijo Jan van Logteren dejaron una huella importante en la arquitectura y decoración de las fachadas de Ámsterdam del siglo XVIII. Su obra constituye la última cumbre del barroco tardío y el primer estilo rococó en la escultura de la República Holandesa. ^{[ 27 ]}

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  Tumba de Guillermo el Silencioso, obra de Hendrick de Keyser (1614-1622).
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  Tumba de Van In- en Kniphuisen por Rombout Verhulst y Bartholomeus Eggers (1665–69), iglesia de Midwolde
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  Alegoría del verano , de Jan Baptist Xavery (1726), Rijksmuseum de Ámsterdam
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  Dos tontos riendo , de Pieter Xavery (1773), Rijksmuseum de Ámsterdam
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  Baco , de Jan van Logteren , Museo Calouste Gulbenkian

La escultura barroca temprana en Inglaterra estuvo influenciada por la llegada masiva de refugiados de las Guerras de Religión en el continente. Uno de los primeros escultores ingleses en adoptar este estilo fue Nicholas Stone (también conocido como Nicholas Stone el Viejo) (1586-1652). Fue aprendiz de otro escultor inglés, Isaak James, y luego, en 1601, del renombrado escultor holandés Hendrick de Keyser , quien se había refugiado en Inglaterra. Stone regresó a Holanda con de Keyser, se casó con su hija y trabajó en su taller en la República Holandesa hasta su regreso a Inglaterra en 1613. Stone adaptó el estilo barroco de los monumentos funerarios, por el que de Keyser era conocido, especialmente en la tumba de Lady Elizabeth Carey (1617-18) y en la tumba de Sir William Curle (1617). Al igual que los escultores holandeses, también adoptó el uso del mármol blanco y negro contrastante en los monumentos funerarios, detalló minuciosamente los drapeados y representó rostros y manos con un naturalismo y realismo notables. Al mismo tiempo que trabajaba como escultor, también colaboraba como arquitecto con Íñigo Jones . ^{[ 28 ]}

En la segunda mitad del siglo XVIII, el escultor y tallador de madera anglo-holandés Grinling Gibbons (1648-1721), quien probablemente se formó en la República Holandesa, creó importantes esculturas barrocas en Inglaterra, incluyendo en el Castillo de Windsor y el Palacio de Hampton Court, la Catedral de San Pablo y otras iglesias de Londres. La mayor parte de su obra consiste en guirnaldas barrocas decorativas realizadas en madera de tilo ( Tilia ). ^{[ 29 ]} Inglaterra no tenía una escuela de escultura propia que pudiera satisfacer la demanda de tumbas monumentales, esculturas de retratos y monumentos a sus luminarias (los llamados ilustres ingleses). Como resultado, los escultores del continente desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la escultura barroca en Inglaterra. Varios escultores flamencos estuvieron activos en Inglaterra desde la segunda mitad del siglo XVII, incluyendo a Artus Quellinus III , Antoon Verhuke, John Nost , Peter van Dievoet y Laurens van der Meulen . ^{[ 30 ]} Estos artistas flamencos a menudo colaboraban con artistas locales como Gibbons. Un ejemplo es la estatua ecuestre de Carlos II para la cual Quellinus probablemente esculpió los paneles en relieve para el pedestal de mármol, según diseños de Gibbons. ^{[ 31 ]}

En el siglo XVIII, el estilo barroco fue continuado por una nueva oleada de artistas continentales, entre ellos los escultores flamencos Peter Scheemakers , Laurent Delvaux y John Michael Rysbrack, y el francés Louis François Roubiliac (1707-1767). Rysbrack fue uno de los escultores más destacados de monumentos, decoraciones arquitectónicas y retratos en la primera mitad del siglo XVIII. Su estilo combinaba el barroco flamenco con influencias clásicas. Dirigió un importante taller cuya producción dejó una huella significativa en la práctica de la escultura en Inglaterra. ^{[ 32 ]} Roubiliac llegó a Londres hacia 1730, tras formarse con Balthasar Permoser en Dresde y Nicolas Coustou en París. Se labró una reputación como escultor de retratos y posteriormente también trabajó en monumentos funerarios. ^{[ 33 ]} Entre sus obras más famosas se encuentra un busto del compositor Handel , ^{[ 34 ]} realizado durante la vida de Handel para el mecenas de los Jardines de Vauxhall y la tumba de Joseph y Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Elizabeth había fallecido trágicamente de un falso parto provocado por un rayo en 1731, y el monumento funerario capturó con gran realismo el patetismo de su muerte. Sus esculturas y bustos representaban a sus sujetos tal como eran. Estaban vestidos con ropa común y se les daban posturas y expresiones naturales, sin pretensiones de heroísmo. ^{[ 35 ]} Sus bustos retratos muestran una gran vivacidad y, por lo tanto, se diferenciaban del tratamiento más amplio de Rysbrack. ^{[ 33 ]}

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  Tumba de Lady Elizabeth Carey, obra de Nicholas Stone (1617-1618), Stowe Nine Churches , Northamptonshire.
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  Panel en honor a la alianza entre Toscana e Inglaterra , obra de Grinling Gibbons (1680-1682).
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  Sir John Cutler por Artus Quellinus III , (c. 1683) Guildhall
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  Busto de Hans Sloane, obra de John Michael Rysbrack (1753), Museo Británico.
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  Handel, obra de Louis-François Roubiliac (1738), Museo Victoria y Alberto.

El movimiento barroco floreció especialmente a finales del siglo XVII y principios del XVIII en Alemania y los estados del Imperio Habsburgo gobernados desde Viena . Un gran número de iglesias y estatuas habían sido destruidas por los iconoclastas protestantes durante la Reforma y las Guerras de Religión , y se crearon numerosas obras nuevas para reemplazarlas. Muchas de estas nuevas obras expresaban temas triunfales: Hércules matando a un león, San Miguel matando a un dragón y otros temas que representaban el triunfo de la Iglesia católica sobre los protestantes. ^{[ 36 ]}

Varios escultores procedentes de los Países Bajos participaron en la reconstrucción. Entre ellos se encontraba Hubert Gerhard (1550-1622), originario de Ámsterdam y discípulo de Giambologna , a quien el banquero alemán Hans Fugger encargó una fuente monumental para su castillo en Kirchheim . Esta fue la primera fuente de estilo barroco italiano realizada al norte de los Alpes. Gerhard pronto recibió el encargo de crear una fuente de estilo barroco italiano para la plaza de Augsburgo y una estatua de San Miguel matando a un dragón para la residencia del príncipe en Múnich . Los escultores Hans Krumper (1570-1634), Hans Reichle (1570-1624) y el neerlandés Adrien de Vries (1545-1626) realizaron fuentes y estatuas monumentales de bronce similares, llenas de acción y dramatismo, para fachadas de iglesias y plazas en Baviera. ^{[ 36 ]}

Uno de los escultores alemanes más singulares del Barroco tardío fue Franz Xaver Messerschmidt , conocido tanto por su escultura religiosa como por una serie de retratos esculpidos que representan expresiones extremas. ^{[ 37 ]}

Balthasar Permoser (1651–1732) pasó catorce años en Italia, de 1675 a 1689, antes de convertirse en escultor de la corte en Dresde . Trabajó en Venecia, Roma y Florencia, e introdujo el barroco italiano en Dresde, especialmente en los jardines y la decoración interior del Palacio Zwinger . Su obra más famosa fue una escultura de La Apoteosis del Príncipe Eugenio de Saboya , el general que derrotó la invasión de los turcos otomanos. El Príncipe aparece representado con el pie sobre un turco derrotado y con los atributos de Hércules. Su púlpito esculpido para la Hofkirche de Dresde es otra obra maestra de la escultura barroca. ^{[ 38 ]}

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  Hubert Gerhard , Fuente de Augusto en Augsburgo , 1589-1594)
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  Adriaen de Vries , Hércules mata a un dragón (ahora en el Palacio Waldstein, Praga)
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  Fuente del Arcángel Miguel, obra de Hans Reichle en Augsburgo (1603-1606).
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  La Fuente de Hércules en Augsburgo por Adriaen de Vries (1596-1602)
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  Bostezando, de Franz Xaver Messerschmidt (circa 1770)
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  Púlpito de la Hofkirche de Dresde, de Balthasar Permoser

El escenario más dramático para la escultura barroca en Alemania fue la arquitectura religiosa. Retablos y altares particularmente complejos, repletos de estatuas y que casi alcanzaban el techo, fueron creados por Hans Riechle , Jörg Zürn , Hans Degler y otros artistas. La familia de Michael Zürn produjo varias generaciones de escultores muy prolíficos, que crearon figuras de madera policromada o dorada y estuco. Otros artistas que produjeron retablos notables fueron Thomas Schwanthaler . ^{[ 37 ]}

En Viena, los últimos años del siglo XVIII produjeron algunas obras extraordinarias que marcaron la transición del Barroco al Rococó . Entre ellas se encuentra La Caída de los Ángeles en la iglesia de San Miguel de Viena, de Karl Georg Merville.

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  Altar mayor en Ueberlingen , obra de Jorg Zurn (hacia 1613).
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  San Sebastián, de Michael Zürn
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  Interior de la iglesia Asamkirche en Múnich, obra de Egid Quirin Asam , con esculturas integradas en la arquitectura.
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  Capilla Friesing de Egid Quirin Asam
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  La Caída de los Ángeles, en la iglesia de San Miguel, Viena, por Karl Georg Merville (1781)

El surgimiento del estilo barroco en España, al igual que en Italia, fue impulsado en gran medida por la Iglesia Católica, que lo utilizó durante la Contrarreforma como un arma poderosa contra los protestantes. La gran mayoría de las obras se realizaron para tumbas, altares y capillas. Al mismo tiempo, el siglo XVII fue un período de declive económico y aislamiento político y cultural; pocos artistas españoles viajaron al extranjero, y solo un puñado de escultores del norte de Europa, en particular el artista flamenco José de Arce, llegaron a España. Como resultado, el barroco español se desarrolló independientemente del resto de Europa y tuvo sus propias características específicas. ^{[ 39 ]}

La coronación del francés Felipe V, nieto de Luis XIV, como rey de España, y el inicio de la dinastía Borbón a principios del siglo XVIII provocaron un cambio drástico en la política cultural y en el estilo. A partir de entonces, los encargos de grandes obras de arte fueron controlados por el rey, no por la Iglesia, y la Real Academia de las Artes, como en Francia, determinaba los temas, el estilo y los materiales. Este periodo se prolongó hasta aproximadamente 1770. ^{[ 40 ]}

Se encargaron numerosas esculturas para retablos, relicarios y monumentos funerarios en iglesias, así como estatuas para procesiones religiosas. Surgieron nuevos temas, en particular obras dedicadas al culto de la Virgen María . El estilo, concebido para el público general, tendía al realismo. El material más utilizado era la madera, que frecuentemente se pintaba de diferentes colores. A partir de 1610, apareció un elemento específicamente español del realismo: los escultores adornaban sus estatuas con pelucas de cabello natural, utilizaban cristales para simular lágrimas, dientes de marfil auténtico y pintaban la piel con un realismo minucioso. ^{[ 40 ]}

A principios del siglo XVI existieron dos importantes escuelas de escultura española: la de Castilla y la de Andalucía . La escuela castellana se centraba más en el sacrificio y el martirio, con una abundante y vívida representación del sufrimiento. La escuela andaluza, en general, empleaba mayor ornamentación y menos violencia; el Niño Jesús y la Virgen María eran temas más frecuentes que en Castilla. ^{[ 41 ]} El primer centro del estilo castellano fue Valladolid , donde residió el rey Felipe III de España entre 1601 y 1606. El artista más importante de la primera escuela castellana fue Gregorio Fernández (1576-1636). Su obra temprana mostraba un realismo y naturalismo extraordinarios, representando todas las heridas. Su Descendimiento de la Cruz en Valladolid, de gran detalle y realismo, fue concebido para ser llevado en procesiones. ^{[ 40 ]} Su éxito le permitió crear un gran taller con muchos ayudantes y realizar obras de gran envergadura, sobre todo el retablo de la catedral de Plasencia , realizado entre 1625 y 1632, considerado uno de los puntos culminantes del arte español de la primera mitad del siglo XVII. ^{[ 42 ]}

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  Cristo martirizado, por Gregorio Fernández (hacia 1619), madera policromada, Valladolid , Vera Cruz.
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  El Descendimiento de la Cruz, de Gregorio Fernández (1623-1625), madera policromada, Valladolid.
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  San Francisco de Borja de Juan Martínez Montañés (1624)
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  Retablo de la catedral de Plasencia, de Gregorio Fernández (1625-1632)
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  Altar del Hospital de Caidad de Sevilla (1670-72) de Pedro Roldán (1624-1699)

Otro centro importante de la escultura barroca española fue Sevilla , ciudad que se había enriquecido enormemente gracias a la riqueza de las colonias españolas en el Nuevo Mundo. El escultor más destacado de la primera escuela sevillana fue Juan Martínez Montañés (1568-1649), cuyas obras retrataban equilibrio y armonía, con un mínimo de violencia y sangre. ^{[ 42 ]} Otro importante escultor sevillano fue Pedro Roldán (1624-1699), cuya obra principal fue el suntuoso retablo que representa el Descendimiento de la Cruz de Cristo, realizado para el Hospital de Caidad de Sevilla (1670-1672). La hija de Roldán, Luisa Roldán (1654-1704), también alcanzó gran renombre por su obra y se convirtió en la primera mujer nombrada escultora real en España. ^{[ 43 ]}

Entre otros escultores barrocos españoles destacados se encuentra Alonso Cano de Granada (1601-1634), quien también fue pintor y escultor, y cuyas obras se caracterizaban por un naturalismo idealizado. Su discípulo, Pedro de Mena (1628-1688), se convirtió en uno de los escultores más importantes de la escuela sevillana, con sus delicadas y realistas estatuas de santos a tamaño natural. ^{[ 44 ]}

A principios del siglo XVIII se crearon varias obras suntuosas de estilo barroco, entre ellas el altar El Transparente de Narciso Tomé en Toledo , un enorme altar creado de tal manera que, con los cambios de luz, parece moverse. Fue una de las pocas obras en España realizadas en bronce y mármol, en lugar de madera. Constituía la pieza central de un enorme complejo artístico compuesto por escultura, pintura y arquitectura que ocupa el centro de la catedral. ^{[ 45 ]}

Con la llegada al poder de la dinastía Borbón, el centro del mundo artístico se trasladó a Madrid, cuna de los encargos reales. El aislamiento del arte español respecto al resto de Europa llegó a su fin con la llegada de artistas franceses e italianos, invitados a decorar el palacio real. Esto también trajo consigo nuevas obras de arte de corte más radical, como la atormentada Cabeza de San Pablo de Juan Alonso Villabrille y Ron , junto con obras más delicadas, como la escultura de San Florentino de Francisco Salzillo .

El reinado de Carlos III de España (1760-1788) puso fin abruptamente al barroco español y marcó el comienzo del neoclasicismo. En 1777, el rey decretó que todas las esculturas de altar y retablos debían ser aprobadas previamente por la Real Academia de San Fernando, y que, siempre que fuera posible, se utilizara mármol y piedra en lugar de madera en la escultura.

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  El Entierro de Cristo, de Luisa Roldán (1654-1704)
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  La Inmaculada Concepción, de Alonso Cano , madera policromada, Catedral de Granada (1655).
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  María Magdalena la Penitente de Pedro de Mena (1664)
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  El Transparente , de Narciso Tomé , mármol y bronce, Catedral de Toledo (1704).
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  San Francisco Javier de Luis Salvador Carmona (1750)
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  San Florentino de Francisco Salzillo (1755)

El primer escultor y arquitecto barroco que trabajó en Latinoamérica fue Pedro de Noguera (1580-), nacido en Barcelona y aprendiz en Sevilla . En 1619 se trasladó al Virreinato del Perú , donde, junto con Martín Alonso de Mesa, esculpió las sillerías barrocas del coro de la Catedral Basílica de Lima (1619-).

El estilo barroco de la escultura fue llevado a otras partes de Latinoamérica por misioneros españoles y portugueses en el siglo XVIII, quienes encargaron obras a artistas locales. Se utilizó principalmente en iglesias. La Escuela de Quito, en Ecuador, fue un importante grupo de escultores barrocos. Entre los artistas más destacados de esta escuela se encuentran Bernardo de Legarda y Caspicara .

Caspicara (1723–1796) fue un artista ecuatoriano que creó figuras elegantes y ornamentadas para exhibir en iglesias. Fue una figura central de lo que se conoce como la Escuela de Quito .

Aleijadinho (1730 o 1738-1814) fue hijo de un colono portugués y una esclava africana. Es conocido por un grupo de estatuas monumentales de santos en esteatita (1800-1805) para el Santuario de Bom Jesus de Matosinhos en Congonhas , declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. También realizó una serie de figuras de la Pasión a tamaño natural, que representan los acontecimientos previos a la crucifixión de Cristo (1780-1790).

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  Sillería del coro, Catedral de Lima, Perú, de Pedro de Noguera (1619-)
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  La Inmaculada Concepción de Popayán, de Bernardo de Legarda , de la escuela quitina de Ecuador (siglo XVIII).
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  Belén de Caspicara (Museo Metropolitano de Arte) (siglo XVIII)
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  El profeta Daniel de Aleijadinho en Congonhas (1800-1805)
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  Cabeza de Cristo, de Aleijadinho , en Congonhas , Brasil
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  El camino al Gólgota de Aleijadinho en Congonhas (1780-1790)

• Boucher, Bruce, Escultura barroca italiana , 1998, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 0500203075
• Geese, Uwe (2015). «Sección sobre escultura barroca». En Toman, Rolf (ed.). El arte barroco: arquitectura, escultura, pintura . Colonia: HF Ullmann. ISBN 978-3-8480-0856-8.
• Jeancolas, Claude (1992). Escultura francesa (en francés). París: CELIF. ISBN 2-86535-162-9.
• Redondo, José Ignacio Hernández, Escultura barroca en España , de Arte barroco - Arquitectura - Escultura - Pintura , HF Ullmann, Colonia, 2015. ( ISBN) 978-3-8480-0856-8)
• Hugh Honour y John Fleming, Historia mundial del arte , 1.ª ed. 1982 (muchas ediciones posteriores), Macmillan, Londres, referencias de página a la 1.ª ed. de bolsillo de Macmillan de 1984. ISBN 0333371852