Campanadas a medianoche

Five Kings se anunció como parte de la segunda temporada del recién reabierto Mercury Theatre en 1938. ^{[ 11 ]} John Houseman había conseguido una asociación con el prestigioso Theatre Guild para producir la obra por US$40,000 , con una gira inicial por Baltimore, Boston, Washington DC y Filadelfia antes de su debut en Broadway. ^{[ 12 ]} Welles tenía la intención de representar solo la primera parte de la obra —que se tomó principalmente de Enrique IV Partes 1 y 2 y Enrique V— durante la gira mientras ensayaba simultáneamente la segunda parte y finalmente estrenaba la producción completa en Broadway. ^{[ 9 ] [ 13 ] [ 14 ]} Houseman dijo que el objetivo de la obra era "combinar la calidad inmediata de la época isabelina con todos los recursos y técnicas posibles en el teatro moderno". ^{[ 15 ]} El reparto incluía a Welles como Falstaff, Burgess Meredith como el Príncipe Hal, John Emery como Hotspur, Morris Ankrum como Enrique IV y Robert Speaight como el Narrador. ^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]} La música de la obra fue compuesta por Aaron Copland . ^{[ 19 ]} Welles encargó un elaborado decorado giratorio, pero no se completó durante las cinco semanas asignadas a los ensayos.

Welles evitó asistir a los ensayos o terminar el guion final de la obra y, en cambio, a menudo salía a beber y socializar con su coprotagonista Meredith, con el resultado de que solo se ensayaron escenas o fragmentos específicos de la obra. ^{[ 20 ]} La función de Baltimore finalmente se canceló y en el primer ensayo general en Boston, se descubrió que la obra duraba más de cinco horas y media y contenía 46 escenas. Welles cortó 14 escenas y acortó otras, lo que provocó que el temporizador incorporado para el decorado giratorio se desincronizara. ^{[ 21 ]} Five Kings, Part 1 se estrenó en el Colonial Theatre de Boston el 27 de febrero de 1939 y fue un desastre. ^{[ 22 ]} Los críticos fueron mordaces o apologistas, y solo las escenas de batalla de la obra recibieron elogios. ^{[ 23 ]} Al final de la temporada en Boston, el Theatre Guild estuvo a punto de cancelar la producción y canceló la función en Washington D.C. Welles luego editó el espectáculo a tres horas y media. ^{[ 24 ]} La obra cerró después de solo unas pocas funciones en Filadelfia, y el Gremio de Teatro rescindió su contrato con el Teatro Mercury. ^{[ 25 ]} Fotografías de los ensayos de la obra muestran similitudes con Campanadas a medianoche , incluyendo la escenografía de la Taberna Cabeza de Jabalí y la puesta en escena de la escena de las "campanadas a medianoche" con Falstaff, Shallow y Silence. ^{[ 26 ]}

Welles regresó al proyecto en 1960, con funciones en Belfast y Dublín . Esta versión, retitulada Chimes at Midnight , ^{[ 27 ]} fue producida por el viejo amigo de Welles, Hilton Edwards, a través de su compañía Gate Theatre, con sede en Dublín . ^{[ 13 ]} El reparto incluía a Welles como Falstaff, Keith Baxter como el Príncipe Hal, Hilton Edwards como el Narrador, ^{[ 28 ]} Reginald Jarman como Enrique IV, ^{[ 29 ]} y Alexis Kanner como Hotspur. ^{[ 30 ]} En un momento dado, Welles y Edwards querían que Micheál Mac Liammóir reemplazara a Jarman, pero Mac Liammóir solo aceptó el papel del Príncipe Hal. ^{[ 31 ]} Hilton Edwards fue acreditado oficialmente como director, pero Welles suele ser reconocido como el director real y a menudo dirigía los ensayos. ^{[ 32 ] [ 33 ]} El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg, también trabajó en la obra como actor y como asistente personal de Edwards. ^{[ 34 ]} La opinión de Welles sobre Falstaff había mejorado desde que interpretó el papel por primera vez, y su nueva versión de la obra se centró más en la relación entre Falstaff y el príncipe Hal que en la derrota de Hotspur por parte de Hal. ^{[ 35 ]} La mayoría de las escenas de Enrique V utilizadas en la primera versión fueron eliminadas. ^{[ 13 ]} Welles tenía la intención de representar la obra en Belfast, Dublín y Londres antes de filmarla en Yugoslavia. ^{[ 13 ]}

Los ensayos de la obra comenzaron en Russell Square, Londres, con una lectura del texto. Tras una semana de ensayos, Welles se marchó para conseguir más financiación y Edwards dirigió la obra, encargándose de la puesta en escena y la iluminación. Welles regresó una semana antes del estreno sin haber aprendido ni una sola línea. El reparto tuvo su ensayo técnico la noche anterior al estreno, que duró hasta las 8 de la mañana del día siguiente. Nunca tuvieron un ensayo general ni siquiera un ensayo general y nunca habían visto a Welles sin el libreto ni con el vestuario. Tras su estreno en el Grand Opera House de Belfast el 13 de febrero de 1960, y después de recibir una buena crítica de un corresponsal de Variety , la obra se trasladó al Gaiety Theatre de Dublín. Durante dos noches, Welles ofreció un espectáculo unipersonal, comenzando con lecturas de J.M. Synge, Riders to the Sea, Moby Dick y las obras de Isak Dinesen. La segunda parte fue un programa de televisión con preguntas del público. Posteriormente se reveló que las cámaras de televisión eran falsas, solo para atraer a la audiencia. Welles continuó ajustando la obra a lo largo de su corta producción, y en un momento dado trasladó el discurso de la señora Quickly sobre la muerte de Falstaff al comienzo mismo de la obra. ^{[ 36 ]} Finalmente abandonó el proyecto a finales de marzo de 1960, cuando su amigo Laurence Olivier le ofreció la oportunidad de dirigirlo en la obra de Eugène Ionesco , Rhinoceros, en el West End de Londres. ^{[ 37 ]} Según Keith Baxter, Welles terminó la temporada de la obra porque estaba aburrido de ella, y en un momento dado le dijo a Baxter: "Esto es solo un ensayo para la película, Keith, y nunca la haré a menos que tú también interpretes a Hal en ella". Cinco años después, Baxter y la hija menor de Welles, Beatrice Welles , que interpretó al paje de Falstaff, fueron los únicos miembros del reparto de la obra que aparecieron en la película. ^{[ 29 ] [ 38 ]} Chimes at Midnight fue la última actuación de Welles en una obra de teatro. ^{[ 32 ]}

En 1964, Welles conoció y entabló amistad con el productor de cine español Emiliano Piedra , quien quería trabajar con él. Piedra no creía que una película shakesperiana fuera lo suficientemente comercial y le propuso a Welles que hiciera una versión de La isla del tesoro . Welles aceptó con la condición de poder rodar simultáneamente Campanadas a medianoche , y Piedra accedió, sin saber que Welles no tenía intención de hacer La isla del tesoro . Aunque se filmaron algunas tomas de apoyo del Alicante zarpando del puerto al principio de la producción, nunca se rodaron ni se escribieron escenas de La isla del tesoro . Welles logró evitar esto durante la preproducción construyendo decorados que podían usarse en ambas películas, como la taberna Cabeza de Jabalí de la señora Quickly, que también se utilizó como la posada del almirante Benbow. Welles también eligió a cada actor para ambas películas, interpretándose a sí mismo como Long John Silver, a Baxter como el Dr. Livesey, a Beckley como Israel Hands y a Gielgud como el señor Trelawney. ^{[ 39 ]} Irónicamente, Welles interpretó a Long John Silver en la versión cinematográfica de 1972 de La isla del tesoro , que no guarda relación con la anterior . ^{[ 40 ]}

Welles dijo que la taberna Boar's Head fue el único decorado completo construido para la película, mientras que los demás simplemente se ambientaron o decoraron en exteriores. Dijo que diseñó, pintó y quemó con soplete el decorado, y diseñó todo el vestuario de la película. ^{[ 40 ]} Al principio de la preproducción, Anthony Perkins se acercó a Welles para interpretar al Príncipe Hal, pero Welles ya le había prometido el papel a Baxter. ^{[ 41 ] [ 42 ]} Hilton Edwards fue elegido inicialmente para el papel del Juez Silence, pero fue reemplazado después de que enfermó. ^{[ 43 ]} El título Chimes at Midnight deriva de Enrique IV, Parte 2 , donde en respuesta a las reminiscencias del Juez Shallow sobre sus días escolares, Falstaff dice: "Hemos oído las campanas a medianoche, Maestro Shallow". ^{[ 44 ]} La estudiosa de Welles, Bridget Gellert Lyons, dijo que el título de la película, "que adquiere mayor resonancia por el repetido tañido de campanas a lo largo de la película, se asocia para el público con la tristeza y la mortalidad más que con la jolgorio juvenil". ^{[ 45 ]}

La película se rodó en España desde septiembre de 1964 hasta abril de 1965, con un descanso desde finales de diciembre hasta finales de febrero. ^{[ 46 ]} Las limitaciones de Welles para la película incluían un presupuesto de 800.000 dólares y la disponibilidad de los actores Jeanne Moreau y John Gielgud durante cinco y diez días respectivamente, ^{[ 47 ]} mientras que Margaret Rutherford solo estuvo disponible durante cuatro semanas. ^{[ 48 ]} Welles bromeó más tarde diciendo que durante una escena que incluía a siete personajes principales, ninguno de los actores estaba disponible al mismo tiempo y se utilizaron dobles para las tomas por encima del hombro de los siete. ^{[ 40 ]} El rodaje comenzó en Colmenar e incluyó todas las escenas de Gielgud. Welles luego viajó a Cardona , donde se rodaron las escenas de la Corte Real y las escenas de Marina Vlady, y al Parque de la Casa de Campo de Madrid , donde se filmó la escena del robo de Gadshill. Madrid también fue el escenario de la taberna Cabeza de Jabalí, donde Welles rodó las escenas de Moreau y Rutherford. Posteriormente, la producción se trasladó a Pedraza para filmar algunas escenas callejeras al aire libre, y luego a Soria para rodar en la nieve las tomas iniciales. Tras rodar algunas escenas de Shallow y Silence en el País Vasco , Welles regresó a Madrid en diciembre para filmar las escenas de batalla en el Parque de Casa de Campo durante diez días. ^{[ 49 ] [ 50 ]}

El cineasta de películas de explotación Jesús Franco trabajó como asistente de dirección en la película y estuvo muy involucrado en la secuencia de la Batalla de Shrewsbury . ^{[ 51 ]} No aparece en los créditos porque él y Welles se enemistaron. ^{[ 52 ]} En una entrevista posterior, Franco describió la producción como "un desastre total, no porque la película fuera demasiado cara, sino porque Orson mintió con el presupuesto y la película costó diez veces más". ^{[ 53 ]}

A finales de diciembre, Welles se quedó sin dinero y la película se suspendió mientras buscaba financiación adicional. ^{[ 54 ]} Pero se rodaron algunas escenas cortas durante el descanso. Welles dijo más tarde que había rechazado ofertas de financiación que estaban condicionadas a rodar en color. ^{[ 55 ]} Finalmente consiguió financiación de Harry Saltzman ^{[ 56 ]} y la producción se reanudó oficialmente a finales de febrero, con la mayoría de los discursos más largos de Baxter y la escena de la Coronación en Madrid. Entre marzo y abril, Welles terminó la película con tomas de relleno, primeros planos, la escena del rechazo final y la mayoría de los discursos de Falstaff. Según Baxter, Welles tenía pánico escénico y retrasó todas sus escenas hasta el final del rodaje, excepto aquellas que incluían a otros actores. ^{[ 57 ]} Welles era tímido a la hora de rodar su escena de amor con Moreau y usó un doble siempre que fue posible. ^{[ 58 ]} Otros lugares de rodaje incluyeron el Castillo de Calatañazor , la Puerta de San Vicente, la Catedral de Soria, ^{[ 59 ]} y la ciudad de Ávila . ^{[ 60 ]} Welles era duro con los miembros de su equipo y, según el actor Andrew Faulds, "les hablaba en cinco idiomas diferentes y era bastante ofensivo , muy exigente. Supongo que había llegado a la conclusión de que si intimidabas a los actores, no obtenías lo mejor de ellos, mientras que, al diablo con los técnicos. Tenían que hacer lo que se les decía, y bastante rápido". ^{[ 61 ]} Una escena que representaba el asesinato del rey Ricardo II , originalmente destinada a abrir la película, fue eliminada. ^{[ 62 ]}

Baxter dijo que la banda sonora de la película fue doblada meses después de que se completó el rodaje, y que los actores Fernando Rey y Marina Vlady fueron doblados por diferentes actores debido a sus fuertes acentos. Baxter también dijo que él, Welles y Michael Aldridge grabaron voces para varios personajes en la postproducción. ^{[ 63 ]} El discurso de la señora Quickly después de la muerte de Falstaff, que fue interrumpido por el zumbido audible de un generador eléctrico, usó la versión original de la banda sonora porque a Welles le gustó lo suficiente la interpretación de Rutherford como para conservarla. ^{[ 64 ]} La partitura fue de Angelo Francesco Lavagnino , quien había trabajado con Welles en Otelo ; es notable por su uso prominente de melodías de danza monofónicas medievales reales (y algo de "música antigua" posterior, como varias de las piezas de consort isabelinas de Antony Holborne) en un momento en que esto era poco común. La banda sonora se grabó en un estudio italiano, que pagó a Lavagnino por su trabajo en la película a cambio de los derechos de la música, y posteriormente lanzó un álbum con la banda sonora en Italia y el Reino Unido. ^{[ 65 ]} Durante el montaje, Welles mostró un primer montaje al director visitante del Festival de Cine de Cannes , quien inmediatamente quiso incluir la película en el festival, y Welles tuvo que terminar el montaje más rápido de lo que hubiera preferido. ^{[ 57 ]}

Welles originalmente quería que toda la película utilizara una cinematografía de alto contraste, similar a los grabados de la Edad Media; solo la secuencia de títulos iniciales utiliza esta técnica. ^{[ 66 ]} La secuencia más famosa de la película es la Batalla de Shrewsbury; solo se disponía de unos 180 extras y Welles utilizó técnicas de edición para dar la apariencia de ejércitos de miles. ^{[ 58 ]} Welles filmó todas las escenas de batalla en tomas largas, pero cortó las tomas en fragmentos para crear el efecto que deseaba. ^{[ 62 ]} Se necesitaron diez días para filmar las escenas y seis semanas para editar lo que se convirtió en una secuencia de seis minutos. ^{[ 50 ]} Al filmar la secuencia, Welles a menudo utilizó cámaras de mano, lentes gran angular, tomas a cámara lenta y aceleradas, tomas estáticas, paneos rápidos y constante movimiento rápido de los personajes para crear una atmósfera cinética y caótica. Anderegg escribió: «Al final, ambos ejércitos se han convertido en una enorme, torpe y desintegrada máquina de guerra, un robot grotesco cuya fuente de energía comienza a fallar lentamente y finalmente se detiene por completo. La retórica verbal —el lenguaje mismo— parece, por el momento, irrelevante y obscena». ^{[ 67 ]}

Los críticos de cine han calificado la secuencia de la Batalla de Shrewsbury como una declaración antibelicista y la han comparado con películas contemporáneas como Dr. Strangelove y Culloden . El estudioso de Shakespeare, Daniel Seltzer, dijo: «La conciencia social de la película es tan aguda como la de Shakespeare, y temáticamente pertinente también en términos shakespearianos  ...  las imágenes de la Batalla de Shrewsbury en sí mismas deben ser algunas de las escenas de guerra más bellas, más auténticas y más crudas jamás filmadas y editadas para una película». ^{[ 67 ]} El estudioso de Welles, James Naremore, dijo: «El erotismo subyacente del código caballeresco  ...  queda expuesto en toda su cruel perversidad». ^{[ 67 ]} Tony Howard escribió que Welles usó las obras históricas de Shakespeare «para denunciar la hipocresía política y el militarismo modernos». ^{[ 68 ]}

Debido a las limitaciones presupuestarias, tanto el sonido en el set como en la posproducción se grabaron con mala calidad. Anderegg escribió que esto, en combinación con los rápidos movimientos de cámara y el montaje de Welles, dificulta la comprensión de los diálogos shakespearianos. Muchas escenas se filman en tomas largas o con los personajes de espaldas a la cámara, probablemente por razones prácticas cuando los actores no estaban presentes, lo que genera más problemas de sonido. «En efecto», escribe Anderegg, «Welles genera una tensión constante entre lo que vemos y lo que oímos, una tensión que apunta al estatus ambiguo del lenguaje en su relación con la acción». ^{[ 69 ]} Durante la secuencia de la Batalla de Shrewsbury , Welles utilizó una banda sonora compleja y con múltiples capas que incluía el sonido de espadas y armaduras chocando, soldados gruñendo y gritando, huesos rompiéndose, botas en el barro y la música de la película para aumentar el caos de la escena. ^{[ 67 ]}

La adaptación que Welles hizo de cinco obras de Shakespeare no fue una transcripción cronológica. El estudioso de Shakespeare, Kenneth S. Rothwell, afirmó que Welles «va más allá de meros retoques a las escenas de Shakespeare; [él] las reelabora, transpone, revisa y elimina masivamente, e incluso las reconstruye». Estos cambios incluyeron tomar líneas de diálogo de una obra e insertarlas en escenas de otra. ^{[ 70 ]} Entre los cambios específicos se encuentra una escena cerca del final de la película en la que Hal indulta a un alborotador callejero encarcelado justo antes de su expedición para invadir Francia; Welles alteró ligeramente esta escena de Enrique V , Acto 2, Escena 2. En la película, este hombre es Falstaff, y el incidente que indulta es la interrupción de la coronación de Hal por parte de Falstaff. Aunque se dice que tanto el prisionero indultado como Falstaff beben vino, Shakespeare no implica que el prisionero indultado sea Falstaff. ^{[ 71 ]} Tanto en Campanadas a medianoche como en Enrique V , esta escena es seguida por la muerte de Falstaff. ^{[ 72 ]} La película no contiene verdaderos soliloquios, ya que los personajes nunca están solos y no hablan directamente al público. ^{[ 69 ]} A Enrique IV se le suele mostrar de pie o sentado con muy poca acción involucrada ; esto, dice Anderegg, hace que parezca que solo habla consigo mismo incluso cuando hay otros presentes. Gielgud era conocido por su interpretación clásica de Shakespeare, y su actuación consiste casi enteramente en palabras, que no pueden derrotar ni a los rebeldes de Northumberland ni al comportamiento salvaje de Hal. A lo largo de la película, Falstaff, Hal y Hotspur imitan a Gielgud, burlándose de las palabras de Enrique IV. ^{[ 73 ]}

Campanadas a medianoche se estrenó con una recepción favorable del público en el Festival de Cine de Cannes de 1966. Pero después de la crítica anticipada desfavorable del crítico del New York Times , Bosley Crowther , el distribuidor estadounidense Harry Saltzman decidió darle poca publicidad y una distribución mínima a la película cuando se estrenó en los EE. UU. al año siguiente. ^{[ 74 ]} La recepción de la crítica en su primer estreno fue mayoritariamente negativa; la película no fue considerada una de las mejores de Welles hasta años después. Crowther criticó la mala banda sonora de la película y la llamó "un mosaico confuso de escenas y personajes  ...  diseñado para dar gran exposición a Jack Falstaff". La actuación de Welles, escribió, era "un Papá Noel callejero disoluto y torpe". ^{[ 75 ]} Penelope Houston la llamó "una película que parece darle la espalda a la brillantez". ^{[ 76 ]} Una reseña de Time también criticó a Welles, calificándolo como "probablemente el primer actor en la historia del teatro que parece demasiado gordo para el papel  ...  toma el control de las escenas menos con el inglés hablado que con el inglés corporal", pero "nunca es del todo malo". ^{[ 77 ]}

Judith Crist elogió la película como "austera, sencilla, centrada en la palabra y la interpretación, sirviendo como recordatorio de dónde reside la esencia de la obra". ^{[ 78 ]} Pauline Kael también criticó el sonido deficiente, pero dio una crítica favorable en general, destacando el reparto de la película y calificando la actuación de Welles como "muy rica, muy plena". Dijo que la secuencia de la Batalla de Shrewsbury era "diferente a cualquier escena de batalla filmada antes". ^{[ 79 ]} El crítico de Cahiers du Cinéma, Serge Daney, también elogió tanto la película como la capacidad de Welles para hacer grandes películas sobre el tema del poder. ^{[ 80 ]} Welles se mostró decepcionado con la recepción de la película, quejándose de que "casi nadie la ha visto en Estados Unidos, y eso me vuelve loco". ^{[ 81 ]}

Welles tenía en alta estima a Campanadas a medianoche . "Es mi película favorita, sí", le dijo al entrevistador Leslie Megahey en una entrevista de 1982 para BBC Arena :

Si quisiera entrar al cielo basándome en una sola película, esa sería la que ofrecería. Creo que es porque, para mí, es la que menos fallos tiene; digámoslo así. Es la más exitosa en lo que intenté hacer. En mi opinión, logré un éxito más completo con ella que con cualquier otra. ^{[ 82 ] [ 83 ] : 203}

También la consideró su película más personal, junto con Los magníficos Ambersons . ^{[ 84 ]} Muchos críticos, incluidos Peter Bogdanovich y Jonathan Rosenbaum , también consideran Campanadas a medianoche la mejor obra de Welles. Varios años después de su estreno inicial, el crítico Vincent Canby de The New York Times escribió que Campanadas a medianoche "puede ser la mejor película shakesperiana jamás realizada, sin excepción". ^{[ 85 ]} Joseph McBride la ha llamado "la obra maestra de Welles, la expresión más completa y realizada de todo aquello en lo que había estado trabajando desde Ciudadano Kane ". ^{[ 86 ]} En 2006, Roger Ebert la llamó "una película magnífica, claramente entre las mejores obras de Welles". ^{[ 87 ]}

La secuencia de la Batalla de Shrewsbury ha sido particularmente admirada e inspiró películas posteriores, incluyendo Braveheart y Saving Private Ryan . Los críticos de cine la han comparado con la secuencia de las Escaleras de Odessa en El acorazado Potemkin y la secuencia de la Batalla sobre el hielo en Alexander Nevsky , ambas dirigidas por Sergei Eisenstein . ^{[ 88 ]} Enrique V de Kenneth Branagh usó la secuencia de la Batalla de Shrewsbury de Welles como inspiración para la Batalla de Agincourt , ^{[ 67 ]} y representó el rechazo del Príncipe Hal a Falstaff de una manera más influenciada por Campanadas a medianoche que por interpretaciones más tradicionales de la escena. ^{[ 89 ]} En 1988, el director Patrick Garland puso en escena una versión de Campanadas a medianoche protagonizada por Simon Callow como Falstaff en el Chichester Festival Theatre . ^{[ 90 ]} Michael Anderegg dijo que el uso de lentes gran angular, iluminación y vestuario de clave baja en Chimes at Midnight, y su enfoque en la relación entre Falstaff y el príncipe Hal influyeron en My Own Private Idaho , la adaptación libre de 1991 de Gus Van Sant de Enrique IV, partes 1 y 2. ^{[ 91 ]}

En 2011, la casa de subastas Bonham's vendió un extenso archivo de material de Welles que había pertenecido al productor ejecutivo de la película, Alessandro Tasca di Cuto. La mayor parte del material procedía de Campanadas a medianoche e incluía obras de arte originales, fotografías y notas de Welles. ^{[ 92 ]} Posteriormente, esta colección fue donada a la Universidad de Michigan para su estudio académico. ^{[ 93 ]}

En 2012, para la encuesta Sight and Sound del British Film Institute , 11 críticos de cine y dos directores votaron a Chimes at Midnight como una de las 10 mejores películas de todos los tiempos, incluyendo a McBride y Todd McCarthy . ^{[ 94 ]}

En 2015, el escritor y director español de la Filmoteca de Cataluña, Esteve Riambau, publicó un libro sobre la película, Las cosas que hemos visto: Welles y Falstaff . ^{[ 95 ] [ 96 ]}

En el Festival de Cine de Cannes de 1966, Campanadas a medianoche se proyectó en competición por la Palma de Oro y ganó el Gran Premio Técnico (empate). ^{[ 97 ]} Welles fue nominado a un premio BAFTA al Mejor Actor Extranjero en 1968. ^{[ 98 ]} En España, la película ganó el Premio del Círculo de Escritores Ciudadanos a la Mejor Película en 1966. ^{[ 99 ]}

Debido a disputas legales sobre los derechos, Chimes at Midnight solo se ha lanzado dos veces en video VHS en los Estados Unidos, y ninguna de las ediciones está disponible. La viuda de Harry Saltzman, Adriana Saltzman, ^{[ 56 ]} las familias de los productores Emiliano Piedra y Angel Escolano y el patrimonio de Orson Welles —mantenido por Beatrice Welles— entre otros han reclamado la propiedad de la película. ^{[ 100 ]} Durante muchos años, la única fuente disponible fue un DVD sin restricción de región de Brasil. Mr Bongo Records proyectó una versión restaurada en el Reino Unido en Picturehouse Cinemas el 1 de agosto de 2011. ^{[ 101 ]} En febrero de 2015, la película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Sedona . Beatrice Welles asistió y anunció que "una importante compañía de DVD/Blu-ray está interesada en restaurar y lanzar Chimes at Midnight ". ^{[ 95 ]} La copia original de 35 mm fue descubierta por Distribpix Inc., que dijo que estaba "en tan buen estado que pide a gritos una restauración completa mediante escaneo 4k". ^{[ 102 ]}

La película se estrenó en Europa en DVD y Blu-ray el 29 de junio de 2015. ^{[ 103 ] [ 104 ]}

Janus Films lanzó una versión restaurada de la película en DCP que se estrenó el 1 de enero de 2016, en Film Forum en la ciudad de Nueva York del 1 al 12 de enero de 2016, y en Cinefamily en Los Ángeles. ^{[ 105 ] [ 106 ]} Esta versión restaurada no se deriva de la copia de Distribpix. ^{[ 107 ]} Peter Becker, presidente de Criterion, dijo que el lanzamiento es el producto de más de 20 años de esfuerzo: "No hay ninguna película por la que hayamos esperado más tiempo ni trabajado más para liberar, y ninguna de la que estemos más orgullosos de presentar", dijo. ^{[ 108 ]} Criterion lanzó esta restauración en DVD y Blu-ray el 30 de agosto de 2016.

Welles consideraba a Falstaff "la mayor creación de Shakespeare" ^{[ 109 ]} y dijo que el papel era "el papel más difícil que jamás interpreté en mi vida". ^{[ 110 ]} Baxter creía que hacer la película era la ambición de la vida de Welles. ^{[ 57 ]} Antes del estreno en Boston de 1939 de Cinco Reyes , Welles dijo a los periodistas: "Lo interpretaré como una figura trágica. Espero, por supuesto, que sea divertido para el público, tal como lo era para quienes lo rodeaban. Pero su humor e ingenio surgían simplemente del hecho de que quería complacer al príncipe. Falstaff, sin embargo, tenía el potencial de la grandeza en sí mismo". ^{[ 111 ]} Las críticas de la obra de 1939 mencionan la decisión de Welles de minimizar los elementos cómicos tradicionales de Falstaff en su interpretación. ^{[ 26 ]} Esta reverencia por el personaje aumentó con los años y, para cuando Welles realizó Campanadas a medianoche , su enfoque estaba completamente en las relaciones entre Falstaff, Hal y Enrique IV. Creía que el núcleo de la historia era "la traición a la amistad". ^{[ 45 ]} Welles calificó el rechazo de Hal a Falstaff como "una de las mejores escenas jamás escritas, por lo que la película es realmente una preparación para ella. Todo se prepara para ella". ^{[ 112 ]} A lo largo de la película, Hal le da repetidamente la espalda a Falstaff, presagiando el final de la película. ^{[ 113 ]}

La película no pretendía ser un lamento por Falstaff, sino por la muerte de la alegre Inglaterra . La alegre Inglaterra como concepto, un mito que ha sido muy real para el mundo angloparlante y que, en cierta medida, se expresa en otros países de la época medieval: la era de la caballería, de la sencillez, del mayo y todo eso. No es solo Falstaff quien muere. Es la vieja Inglaterra la que muere y es traicionada. ~Orson Welles ^{[ 84 ]}

Muchos teóricos del cine y biógrafos de Welles han escrito sobre el tema recurrente del "Edén perdido" en la obra de Welles y sobre los personajes que sienten nostalgia por un pasado idealizado, al que Welles llamó "el tema central de la cultura occidental". ^{[ 10 ]} Welles le dijo a Peter Bogdanovich que "incluso si los buenos viejos tiempos nunca existieron, el hecho de que podamos concebir un mundo así es, de hecho, una afirmación del espíritu humano". ^{[ 114 ]} La estudiosa del cine Beverle Houston argumentó que esta nostalgia hacía infantil la representación de Falstaff por parte de Welles y calificó su actuación como la de un "bebé poderoso  ...  una criatura que come, succiona, parecida a un feto". ^{[ 69 ]} Welles también llamó a Falstaff "la mejor concepción de un buen hombre, el hombre más completamente bueno, en todo el drama", ^{[ 110 ]} y dijo: "cuanto más creía acercarme a Falstaff, menos gracioso me parecía. Cuando lo interpreté antes en el teatro, parecía más ingenioso que cómico. Y al llevarlo a la pantalla, solo ocasionalmente, y solo deliberadamente , lo encontré como un payaso". ^{[ 111 ]}

Baxter comparó a Welles con Falstaff, ya que ambos estaban perpetuamente faltos de dinero, a menudo mentían y engañaban a la gente para conseguir lo que necesitaban, y siempre eran alegres y amantes de la diversión. ^{[ 57 ]} El estudioso del cine Jack Jorgens también comparó a Welles con Falstaff, escribiendo: "Para un hombre que dirigió y protagonizó una obra maestra y que desde entonces ha vacilado a través de tres décadas de películas mal financiadas, apresuradas y defectuosas, decenas de papeles secundarios, narraciones y entrevistas que degradaron su talento, docenas de proyectos que murieron por falta de persistencia y financiación, la historia de un bufón gordo y envejecido exiliado de su público y que ya no puede triunfar sobre obstáculos imposibles con ingenio e imaginación torrencial bien podría parecer trágica". ^{[ 115 ]} Cuando Joss Ackland interpretó a Falstaff en el escenario en 1982, dijo que estaba más inspirado por Welles que por la interpretación de Welles como Falstaff: "al igual que Falstaff, creo que podría haber logrado mucho, pero lo desperdició". ^{[ 89 ]} Kenneth S. Rothwell ha dicho que el rechazo de Hal a Falstaff es una alegoría del rechazo de Hollywood a Welles. ^{[ 116 ]} Welles se había deprimido profundamente a finales de la década de 1950 tras la decepción de hacer Touch of Evil , su pretendido regreso a Hollywood. ^{[ 117 ]}

El biógrafo de Welles, Simon Callow, comparó a Falstaff con el padre de Welles, Richard Head Welles, escribiendo que, al igual que Falstaff, el padre de Welles era "un borracho, un embaucador, un fanfarrón, un mujeriego, un caballero y un encantador , y es rechazado por la persona que más ama". ^{[ 111 ]} El padre de Welles era un alcohólico y mujeriego que a menudo llevaba consigo a un Welles adolescente cuando se entregaba a sus vicios. Welles observaba a su padre de forma muy parecida a como Hal observa a Falstaff, quien depende de su joven protegido para que lo saque de apuros. ^{[ 118 ]} El triángulo amoroso entre Hal y sus dos figuras paternas, Enrique IV y Falstaff, también es similar a las relaciones de Welles con su padre y los dos hombres que se convirtieron en figuras paternas sustitutas para él: el amigo de la familia Maurice Bernstein y el director de la escuela Todd para chicos, Roger Hill. ^{[ 118 ]} Ambos padres adoptivos de Welles desaprobaban el estilo de vida de Richard Welles y su influencia sobre él. Cuando el joven Welles cumplió 15 años, siguió el consejo de Hill y le dijo a su padre que no lo volvería a ver hasta que enderezara su vida y dejara de beber; el padre de Welles murió poco después, solo y desamparado, y Welles se culpó a sí mismo por la muerte de su padre, diciendo: «Siempre pensé que lo había matado». ^{[ 119 ]}

El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg , nacido de la actriz Geraldine Fitzgerald , conoció a Welles cuando tenía 15 años y posteriormente trabajó en la obra de teatro de 1960, Campanadas a medianoche . Este fue el único período significativo de tiempo que pasaron juntos, y Lindsay-Hogg vio a Welles solo esporádicamente a partir de entonces. Al igual que Welles, Lindsay-Hogg tuvo dos padres adoptivos además de su padre biológico. ^{[ 120 ]} A finales de la década de 1950, cuando tenía 16 años, la hija de Welles, Christopher Welles Feder, cortó todo contacto con Welles presionada por su madre, quien desaprobaba la influencia de Welles sobre ella. ^{[ 121 ]} Welles y Feder se reencontraron más tarde, pero su relación nunca se recuperó por completo. ^{[ 122 ]} La hija menor de Welles, Beatrice, que se parecía a su padre cuando era niño, aparece en la versión cinematográfica de Campanadas a medianoche . ^{[ 81 ]}