Disco

La música disco es un género de música bailable y una subcultura que surgió a finales de la década de 1960 en la vida nocturna urbana de Estados Unidos . Su sonido se caracteriza por ritmos de cuatro tiempos , líneas de bajo sincopadas , secciones de cuerdas , metales , pianos eléctricos , sintetizadores y guitarras rítmicas eléctricas .

Las discotecas como locales de ocio fueron en su mayoría una invención francesa, importada a los Estados Unidos con la apertura de Le Club , un restaurante y club nocturno solo para socios ubicado en el 416 de East 55th Street en Manhattan , por el expatriado francés Olivier Coquelin , en la víspera de Año Nuevo de 1960. ^{[ 5 ]}

La música disco como género comenzó como una mezcla de música de locales populares entre afroamericanos , latinoamericanos e italoamericanos ^{[ 6 ]} en la ciudad de Nueva York (especialmente Brooklyn ), Baltimore y Filadelfia durante finales de la década de 1960 hasta mediados y finales de la década de 1970. La música disco puede verse como una reacción de la contracultura de la década de 1960 tanto al dominio de la música rock como a la estigmatización de la música dance en ese momento. ^{[ 7 ]} Se desarrollaron varios estilos de baile durante el período de popularidad de la música disco de los años 70 en los Estados Unidos, incluyendo "the Bump ", "the Hustle ", "the Watergate", "the Continental" ^{[ 8 ]} y "the Busstop". ^{[ 9 ]}

Durante la década de 1970, la música disco se desarrolló aún más, principalmente por artistas de Estados Unidos y Europa . ^{[ 10 ] [ 11 ]} Mientras los artistas captaban la atención del público, los productores discográficos que trabajaban tras bambalinas desempeñaron un papel importante en el desarrollo del género. A finales de la década de 1970, la mayoría de las principales ciudades de Estados Unidos contaban con una vibrante escena de clubes disco, y los DJ mezclaban discos de baile en clubes como Studio 54 en Manhattan , un lugar popular entre las celebridades . Los asistentes a los clubes nocturnos solían usar atuendos caros y extravagantes, que consistían predominantemente en pantalones o vestidos sueltos y fluidos para facilitar el movimiento al bailar. También existía una floreciente subcultura de drogas en la escena disco, particularmente de drogas que intensificaban la experiencia de bailar al ritmo de la música alta y las luces intermitentes, como la cocaína y los metacualonas , estas últimas tan comunes en la subcultura disco que se las apodaba "galletas disco". Los clubes disco también se asociaban con la promiscuidad como reflejo de la revolución sexual de esta época en la historia popular. Películas como Fiebre del sábado por la noche (1977) y Gracias a Dios es viernes (1978) contribuyeron a la popularidad de la música disco entre el gran público.

El disco decayó como tendencia principal en la música popular en los Estados Unidos después de la infame Noche de la Demolición del Disco el 12 de julio de 1979, y continuó su fuerte declive en popularidad en los EE. UU. durante principios de la década de 1980; sin embargo, se mantuvo popular en Italia y algunos países europeos a lo largo de la década de 1980, y durante este tiempo también comenzó a ponerse de moda en otros lugares, incluyendo India ^{[ 12 ]} y Oriente Medio , ^{[ 13 ]} donde aspectos del disco se mezclaron con estilos folclóricos regionales como los ghazals y la danza del vientre . El disco eventualmente se convertiría en una influencia clave en el desarrollo de la música electrónica de baile , la música house , el hip-hop , la new wave , el dance-punk y el post-disco . El estilo ha tenido varios resurgimientos desde la década de 1990, y la influencia del disco sigue siendo fuerte en la música pop estadounidense y europea. Un resurgimiento ha estado en marcha desde principios de la década de 2010, alcanzando gran popularidad a principios de la década de 2020. Los artistas contemporáneos han continuado la popularidad del género, llevándolo a una nueva generación más joven. ^{[ 14 ] [ 15 ]}

El término «discoteca» es una abreviatura de «discothèque» , palabra francesa que significa «biblioteca de discos», derivada de «bibliothèque». En la década de 1950, «discotheque» tenía el mismo significado en inglés. En París, a principios de la década de 1940, el término «discothèque» se popularizó como nombre propio para referirse a un tipo de club nocturno. Algunos clubes lo adoptaron como nombre propio. En 1960, también se utilizó para describir un club nocturno parisino en una revista inglesa.

El Oxford English Dictionary define Discotheque como «Una sala de baile, club nocturno o local similar donde se reproduce música grabada para bailar, generalmente equipada con una gran pista de baile, un elaborado sistema de luces de colores intermitentes y un potente sistema de sonido amplificado». Su primer ejemplo es el uso como nombre de un local en particular en 1952, y otros ejemplos datan de 1960 en adelante. La entrada está anotada como «Ahora algo anticuada». ^{[ 16 ]} Define Disco como «Un género de música pop fuertemente rítmica destinada principalmente a bailar en clubes nocturnos y particularmente popular a mediados y finales de la década de 1970», con uso desde 1975 en adelante, describiendo el origen de la palabra como una forma abreviada de discotheque . ^{[ 17 ]}

En el verano de 1964, un vestido corto sin mangas llamado "vestido de discoteca" fue brevemente muy popular en Estados Unidos. El primer uso conocido de la forma abreviada "disco" describía este vestido y se encontró en The Salt Lake Tribune el 12 de julio de 1964; la revista Playboy lo usó en septiembre del mismo año para describir los clubes nocturnos de Los Ángeles. ^{[ 18 ]}

Vince Aletti fue uno de los primeros en describir la música disco como un sonido o un género musical. Escribió el artículo «Discoteca Rock '72: ¡Fiesta!», publicado el 13 de septiembre de 1973 en la revista Rolling Stone . ^{[ 19 ]}

La música típicamente superponía voces elevadas, a menudo reverberadas , frecuentemente dobladas por metales, sobre un fondo de pianos eléctricos y guitarras rítmicas con un sonido de rasgueo de gallo tocadas en una guitarra eléctrica . La guitarra solista aparece con menos frecuencia en la música disco que en el rock . "El sonido de rasgueo de gallo se logra presionando ligeramente las cuerdas de la guitarra contra el diapasón y luego soltándolas rápidamente lo suficiente para obtener un sonido de póker ligeramente apagado mientras se rasguea constantemente muy cerca del puente." ^{[ 20 ]} Otros instrumentos de teclado de acompañamiento incluyen el piano , el órgano eléctrico (durante los primeros años), los sintetizadores de cuerda y los teclados electromecánicos como el piano eléctrico Fender Rhodes , el piano eléctrico Wurlitzer y el Hohner Clavinet . La canción de Donna Summer de 1977, " I Feel Love ", producida por Giorgio Moroder con un sintetizador Moog prominente en el ritmo, fue una de las primeras pistas de música disco en utilizar el sintetizador. ^{[ 21 ]}

El ritmo lo marcan líneas de bajo prominentes y sincopadas (con un uso intensivo de octavas rotas , es decir, octavas con las notas sonando una tras otra) tocadas en el bajo y por bateristas que utilizan una batería , percusión africana/ latina y baterías electrónicas como los módulos de batería Simmons y Roland . En el baile de Filadelfia y el disco Salsoul, el sonido se enriquecía con líneas solistas y partes armónicas tocadas por una variedad de instrumentos orquestales, como violín , viola , violonchelo , trompeta , saxofón , trombón , fliscorno , trompa francesa , corno inglés , oboe , flauta , timbales y cuerdas sintetizadas , sección de cuerdas o una orquesta de cuerdas completa .

La mayoría de las canciones disco tienen un ritmo constante de cuatro tiempos marcado por un bombo, un patrón de charles de corchea o semicorchea con un charles abierto siseante en el contratiempo, y una línea de bajo pesada y sincopada. ^{[ 22 ] [ 23 ]} Se dice que un error de grabación en la canción de 1975 " Bad Luck " de Harold Melvin & the Blue Notes, donde el charles de Earl Young era demasiado fuerte en la grabación, estableció los charles fuertes en la música disco. ^{[ 22 ]} Otros ritmos latinos como la rumba, la samba y el cha-cha-chá también se encuentran en grabaciones disco, y los polirritmos latinos , como un ritmo de rumba superpuesto a un merengue, son comunes. El patrón de corchea a menudo está apoyado por otros instrumentos como la guitarra rítmica y puede estar implícito en lugar de estar explícitamente presente.

Las canciones a menudo usan síncopa , que es el acento de tiempos inesperados. En general, la diferencia entre la música disco, o cualquier canción bailable, y una canción de rock o pop es que en la música bailable el bombo golpea cuatro veces al piso , al menos una vez por tiempo (que en⁴ ₄El tiempo es de 4 tiempos por compás). ^{[ 24 ]} El disco se caracteriza además por una división de las negras en semicorcheas (como se muestra en el segundo patrón de batería de la imagen de arriba, después de un patrón de batería de rock típico).

El sonido orquestal conocido como "disco" se basa en gran medida en secciones de cuerdas y metales que interpretan frases lineales al unísono con las voces elevadas, a menudo con reverberación, o con rellenos instrumentales, mientras que los pianos eléctricos y las guitarras con sonido rasposo crean el sonido de fondo que define la progresión armónica . Por lo general, la duplicación de partes y el uso de instrumentos adicionales crean una rica " pared de sonido ". Sin embargo, existen variantes más minimalistas de la música disco con una instrumentación reducida y transparente.

Armónicamente, la música disco suele contener acordes de séptima mayor y menor, que se encuentran con más frecuencia en el jazz que en la música pop. ^{[ 25 ]}

El "sonido disco" era mucho más costoso de producir que muchos de los otros géneros de música popular de la década de 1970. A diferencia del sonido más simple de las bandas de cuatro integrantes del funk , la música soul de finales de la década de 1960 o los pequeños tríos de órgano de jazz , la música disco a menudo incluía una gran banda, con varios instrumentos de acordes (guitarra, teclados, sintetizador), varios instrumentos de percusión (batería, percusión latina, batería electrónica), una sección de metales , una orquesta de cuerdas y una variedad de instrumentos solistas " clásicos " (por ejemplo, flauta, flautín, etc.).

Las canciones disco fueron arregladas y compuestas por arreglistas y orquestadores experimentados , y los productores discográficos añadieron sus toques creativos al sonido general utilizando técnicas de grabación multipista y unidades de efectos . Grabar arreglos complejos con tal cantidad de instrumentos y secciones requería un equipo que incluía un director de orquesta , copistas , productores discográficos e ingenieros de mezcla . Los ingenieros de mezcla tenían un papel importante en el proceso de producción disco porque las canciones disco utilizaban hasta 64 pistas de voces e instrumentos. Los ingenieros de mezcla y los productores discográficos, bajo la dirección de los arreglistas, compilaban estas pistas en una composición fluida de versos, puentes y estribillos, con sus correspondientes crescendos y pausas . Los ingenieros de mezcla y los productores discográficos ayudaron a desarrollar el "sonido disco" al crear una mezcla disco sofisticada y con un sonido distintivo .

Los primeros discos eran la versión "estándar" de tres minutos hasta que Tom Moulton ideó una forma de alargar las canciones para poder llevar a la multitud de bailarines en un club a otro nivel y mantenerlos bailando durante más tiempo. Descubrió que era imposible alargar los sencillos de vinilo de 45 rpm de la época, ya que normalmente no podían contener más de cinco minutos de música de buena calidad. Con la ayuda de José Rodríguez, su ingeniero de remasterización/masterización, prensó un sencillo en un disco de 10 pulgadas en lugar de uno de 7 pulgadas. Grabaron el siguiente sencillo en un disco de 12 pulgadas, el mismo formato que un álbum estándar. Moulton y Rodríguez descubrieron que estos discos más grandes podían contener canciones y remezclas mucho más largas. Los discos sencillos de 12 pulgadas , también conocidos como " Maxi sencillos ", se convirtieron rápidamente en el formato estándar para todos los DJ del género disco. ^{[ 26 ]}

A finales de la década de 1970, la mayoría de las principales ciudades estadounidenses contaban con una vibrante escena de clubes disco. Las más importantes se encontraban principalmente en Nueva York , pero también en Filadelfia , Baltimore , San Francisco , Miami y Washington D. C. La escena giraba en torno a discotecas , clubes nocturnos y fiestas privadas en lofts .

En la década de 1970, entre las discotecas más destacadas se encontraban " Crisco Disco ", "The Sanctuary", "Leviticus", " Studio 54 " y " Paradise Garage " en Nueva York, "Artemis" en Filadelfia, "Ordell's" en Baltimore, "Studio One" en Los Ángeles, "Dugan's Bistro" en Chicago y "The Library" en Atlanta. ^{[ 27 ] [ 28 ]}

A finales de la década de 1970, Studio 54 en Midtown Manhattan era posiblemente la discoteca más famosa del mundo. Este club desempeñó un papel fundamental en el desarrollo de la música disco y la cultura de los clubes nocturnos en general. Dirigido por Steve Rubell e Ian Schrager , era conocido por el hedonismo que reinaba en su interior: los balcones eran escenario de encuentros sexuales y el consumo de drogas era desenfrenado. Su pista de baile estaba decorada con una imagen del " Hombre en la Luna " que incluía una cuchara de cocaína animada .

El " Copacabana ", otro club nocturno neoyorquino que data de la década de 1940, experimentó un resurgimiento a finales de la década de 1970 cuando adoptó la música disco; se convertiría en el escenario de una canción de Barry Manilow del mismo nombre .

En Washington, D.C. , grandes discotecas como "The Pier" ("Pier 9") y "The Other Side", originalmente consideradas exclusivamente como " bares gay ", se hicieron particularmente populares entre los estudiantes universitarios homosexuales y heterosexuales del área metropolitana a finales de los años 70.

En 1979, había entre 15 000 y 20 000 discotecas en Estados Unidos, muchas de ellas ubicadas en centros comerciales suburbanos, hoteles y restaurantes. Las franquicias del Club 2001 eran la cadena de discotecas más prolífica del país. ^{[ 29 ]} Si bien se realizaron muchos otros intentos de franquiciar discotecas, el Club 2001 fue el único que lo logró con éxito en ese período. ^{[ 30 ]}

Los sistemas de sonido de alta fidelidad , potentes y con graves profundos, se consideraban una parte fundamental de la experiencia de las discotecas. David Mancuso, anfitrión de las fiestas de The Loft, introdujo a principios de la década de 1970 las tecnologías de arreglos de tweeters (grupos de pequeños altavoces que emiten frecuencias altas, colocados sobre el suelo) y refuerzos de graves (conjuntos adicionales de subwoofers colocados a nivel del suelo) para potenciar los agudos y los graves en momentos oportunos, y a finales de la década, ingenieros de sonido como Richard Long habían multiplicado los efectos de estas innovaciones en locales como The Garage. ^{[ 31 ]}

Los diseños de iluminación típicos para las pistas de baile de discoteca incluyen luces multicolores que giran o parpadean al ritmo de la música, luces estroboscópicas , una pista de baile iluminada y una bola de espejos .

Los disc jockeys (DJ) de la era disco solían remezclar canciones existentes utilizando grabadoras de cinta de carrete abierto , añadiendo percusión, nuevas secciones y nuevos sonidos. Seleccionaban las canciones y los ritmos según los gustos del público, pasando de una canción a otra con una mesa de mezclas y utilizando un micrófono para presentar las canciones e interactuar con la audiencia. Se añadieron otros equipos a la configuración básica del DJ, que proporcionaban manipulaciones de sonido únicas, como reverberación , ecualización y efectos de eco . Con estos equipos, un DJ podía crear efectos como eliminar todo excepto la línea de bajo de una canción y luego mezclar lentamente el comienzo de otra canción utilizando el crossfader de la mesa de mezclas. Entre los DJ de música disco estadounidenses más destacados se encuentran Francis Grasso de The Sanctuary, David Mancuso de The Loft , Frankie Knuckles de Chicago Warehouse , Larry Levan de Paradise Garage , Nicky Siano de The Gallery , Walter Gibbons , Karen Mixon Cook , Jim Burgess , John "Jellybean" Benitez , Richie Kulala de Studio 54 y Rick Salsalini.

Algunos DJs también eran productores musicales que creaban y producían canciones disco en el estudio de grabación . Larry Levan, por ejemplo, fue un prolífico productor musical además de DJ. Dado que las ventas de discos a menudo dependían de la música que pinchaban los DJs en las discotecas, estos también influyeron en el desarrollo y la popularización de ciertos tipos de música disco producidos para las discográficas.

En los primeros años, los bailarines de las discotecas bailaban con un estilo "hang loose" o "freestyle". Al principio, muchos improvisaban sus propios estilos y pasos de baile. Más adelante, en la era disco, se desarrollaron estilos de baile populares, como el "Bump", el "Penguin", el "Boogaloo", el "Watergate" y el "Robot". En octubre de 1975, el Hustle se convirtió en el baile de moda. Era muy estilizado, sofisticado y abiertamente sexual. Entre sus variaciones se encontraban el Brooklyn Hustle, el New York Hustle y el Latin Hustle . ^{[ 28 ]}

Durante la era disco, muchos clubes nocturnos organizaban concursos de baile disco u ofrecían clases gratuitas. Algunas ciudades contaban con instructores o escuelas de baile que enseñaban bailes populares como el touch dance, el hustle y el cha cha . La pionera de la enseñanza del baile disco fue Karen Lustgarten en San Francisco en 1973. Su libro The Complete Guide to Disco Dancing (Warner Books, 1978) fue el primero en nombrar, desglosar y codificar los bailes disco populares como formas de baile, distinguiendo entre bailes de estilo libre, en pareja y en línea. El libro se mantuvo en la lista de los más vendidos del New York Times durante 13 semanas y fue traducido al chino, alemán y francés.

En Chicago, el programa de televisión de baile disco Step By Step se estrenó con el patrocinio de Coca-Cola. Producido en el mismo estudio que Don Cornelius utilizaba para el programa de música y baile Soul Train , de distribución nacional , Step by Step ganó audiencia y se convirtió en un éxito. El dinámico dúo de baile formado por Robin y Reggie lideraba el programa. La pareja pasaba la semana enseñando baile disco a bailarines en discotecas. El programa instructivo se emitía los sábados por la mañana y tenía una gran audiencia. Sus espectadores se quedaban despiertos toda la noche del viernes para poder estar en el plató a la mañana siguiente, listos para volver a la discoteca el sábado por la noche conociendo los últimos pasos personalizados. Los productores del programa, John Reid y Greg Roselli, solían asistir a eventos disco con Robin y Reggie para descubrir nuevos talentos del baile y promocionar próximos eventos como "Noche Disco en el White Sox Park".

En Sacramento, California, el rey de la música disco, Paul Dale Roberts, bailó para el Libro Guinness de los Récords Mundiales. Bailó durante 205 horas, el equivalente a 8 días y medio. Posteriormente se realizaron otros maratones de baile y Roberts mantuvo el récord mundial de baile disco durante un breve período. ^{[ 32 ]}

Entre los grupos de baile profesionales más destacados de la década de 1970 se encontraban Pan's People y Hot Gossip . Para muchos bailarines, una fuente clave de inspiración para el baile disco de los años 70 fue la película Fiebre del sábado por la noche (1977). También influyeron la música y el estilo de baile de películas como Fama (1980), Bailarín de discoteca (1982), Flashdance (1983) y Los últimos días de la música disco (1998). El interés por el baile disco también contribuyó al surgimiento de programas de televisión de competición de baile como Dance Fever (1979).

La moda disco estuvo muy de moda a finales de la década de 1970. ^{[ 33 ]} Los asistentes a las discotecas solían usar atuendos glamorosos, caros y extravagantes para salir por la noche a su club local. Algunas mujeres usaban vestidos transparentes y fluidos, como los vestidos de Halston , o pantalones holgados y acampanados. Otras usaban ropa ajustada, reveladora y sexy, como tops halter sin espalda , pantalones disco , "hot pants" o bodys de spandex ajustados al cuerpo o "catsuits". ^{[ 34 ]} Los hombres usaban camisas Qiana de poliéster brillante con estampados coloridos y cuellos puntiagudos y extra anchos, preferiblemente abiertos en el pecho. Los hombres a menudo usaban trajes Pierre Cardin , trajes de tres piezas con chaleco y chaquetas de poliéster de doble punto con pantalones a juego, conocidos como traje de ocio . Los trajes de ocio para hombres solían ser ajustados a algunas partes del cuerpo, como la cintura y las caderas, mientras que la parte inferior de los pantalones era acampanada , para permitir libertad de movimiento. ^{[ 34 ]}

Durante la era disco, los hombres se involucraban en elaborados rituales de aseo personal y dedicaban tiempo a elegir ropa de moda, actividades que habrían sido consideradas "femeninas" según los estereotipos de género de la época. ^{[ 34 ]} Las bailarinas usaban maquillaje con purpurina , lentejuelas o ropa de lamé dorado que brillaba bajo las luces. ^{[ 34 ]} Los colores llamativos eran populares para ambos sexos. Los zapatos y botas de plataforma para ambos sexos y los tacones altos para las mujeres eran un calzado popular. ^{[ 34 ]} Los collares y medallones eran un accesorio de moda común . Con menos frecuencia, algunos bailarines de discoteca usaban disfraces extravagantes, se vestían de mujer , se cubrían el cuerpo con pintura dorada o plateada, o usaban atuendos muy escasos que los dejaban casi desnudos; estos atuendos poco comunes eran más propensos a verse en fiestas exclusivas en lofts y clubes disco de la ciudad de Nueva York . ^{[ 34 ]}

Además de los aspectos de baile y moda de la escena de los clubes disco, también existía una floreciente subcultura de drogas de club , particularmente para drogas que mejoraran la experiencia de bailar al ritmo de la música fuerte y con mucho bajo y las luces de colores intermitentes, como la cocaína ^{[ 35 ]} (apoda "blow"), el nitrito de amilo (" poppers "), ^{[ 36 ]} y la "otra droga de club por excelencia de la década de 1970 , Quaaludes , que suspendía la coordinación motora y daba la sensación de que los brazos y las piernas se habían convertido en ' gelatina ' " . ^{[ 37 ]} Los Quaaludes eran tan populares en los clubes disco que la droga fue apodada "galletas disco". ^{[ 38 ]}

Paul Gootenberg afirma que "[l]a relación de la cocaína con la cultura disco de los años 70 no se puede enfatizar lo suficiente". ^{[ 35 ]} Durante los años 70, el uso de cocaína por parte de celebridades adineradas llevó a su "glamorización" y a la opinión generalizada de que era una "droga blanda". ^{[ 39 ]} El LSD , la marihuana y la "speed" (anfetaminas) también eran populares en los clubes disco, y el uso de estas drogas "contribuyó a la cualidad hedonista de la experiencia de la pista de baile". ^{[ 40 ]} Dado que los bailes disco generalmente se realizaban en clubes nocturnos y discotecas con licencia para la venta de alcohol , los bailarines también consumían bebidas alcohólicas ; algunos usuarios combinaban intencionalmente el alcohol con el consumo de otras drogas, como Quaaludes, para un efecto más fuerte.

Según Peter Braunstein , las "enormes cantidades de drogas ingeridas en las discotecas produjeron el siguiente fenómeno cultural de la era disco: la promiscuidad desenfrenada y el sexo en público . Si bien la pista de baile era el escenario central de la seducción , el sexo propiamente dicho solía tener lugar en las zonas menos visibles de la discoteca: los baños, las escaleras de salida , etc. En otros casos, la discoteca se convertía en una especie de 'plato principal' en el menú de un hedonista para una noche de fiesta". ^{[ 37 ]} En la discoteca The Saint , un alto porcentaje de los bailarines y clientes homosexuales tenían relaciones sexuales en el club; normalmente tenían sexo sin protección , porque en 1980 el VIH-SIDA aún no se había identificado. ^{[ 41 ]} En The Saint, "los bailarines se escapaban a un balcón del piso superior sin vigilancia para tener relaciones sexuales". ^{[ 41 ]} La promiscuidad y el sexo público en las discotecas formaban parte de una tendencia más amplia hacia la exploración de una expresión sexual más libre en la década de 1970, una época que también se asocia con " clubes de intercambio de parejas , jacuzzis y fiestas de intercambio de claves ". ^{[ 42 ]}

En su artículo «En defensa de la música disco» (1979), Richard Dyer afirma que el erotismo es una de las tres características principales de la música disco. ^{[ 43 ]} A diferencia del rock , que tiene un erotismo muy centrado en lo fálico , enfocado en el placer sexual de los hombres sobre otras personas, Dyer describe la música disco como caracterizada por un erotismo corporal completo no fálico. ^{[ 43 ]} Mediante una variedad de instrumentos de percusión, la disposición a jugar con el ritmo y la repetición constante de frases sin interrumpir al oyente, la música disco logró este erotismo corporal completo al devolver el erotismo a todo el cuerpo para ambos sexos. ^{[ 43 ]} Esto permitió la posible expresión de sexualidades no definidas por el pene y el placer erótico de cuerpos que no se definen por una relación con un pene. ^{[ 43 ]} La liberación sexual expresada a través del ritmo de la música disco se representa además en los espacios de clubes donde esta música creció.

En Modulations: A History of Electronic Music : Throbbing Words on Sound de Peter Shapiro , se analiza el erotismo a través de la tecnología que la música disco utiliza para crear su sonido audaz. ^{[ 44 ]} La música, afirma Shapiro, es un complemento del "ethos de que el placer es política" de la cultura posterior a Stonewall . Explica cómo el "mecanoerotismo", que vincula la tecnología utilizada para crear el sonido mecánico único de la música disco con el erotismo, situó al género en una nueva dimensión de la realidad que vive fuera del naturalismo y la heterosexualidad. Randy Jones y Mark Jacobsen se hacen eco de este sentimiento en "The Politics of Dancing: How Disco Changed the World" de BBC Radio, describiendo el estilo de baile suelto y centrado en las caderas como "un nuevo tipo de comunión" que celebra las chispas de liberación provocadas por los disturbios de Stonewall. ^{[ 45 ]} Dado que el estado de Nueva York tenía leyes contra el comportamiento homosexual en público, incluido el baile con una persona del mismo sexo, el erotismo de la música disco sirvió como resistencia y expresión de libertad sexual. ^{[ 46 ]}

Utiliza los sencillos de Donna Summer " Love to Love You Baby " (1975) y " I Feel Love " (1977) como ejemplos de la relación siempre presente entre las líneas de bajo sintetizadas y los fondos con los sonidos simulados de orgasmos. La voz de Summer resuena en las pistas y las compara con los fanáticos de la música disco, fervientes por las drogas y sexualmente liberados, que buscaban liberarse a través de la "estética del sexo con máquinas" de la música disco. ^{[ 47 ]} Shapiro ve esto como una influencia que crea subgéneros como el hi-NRG y el dub -disco, que permitieron explorar más a fondo el erotismo y la tecnología a través de intensas líneas de bajo sintetizadas y técnicas rítmicas alternativas que involucran todo el cuerpo en lugar de las partes eróticas obvias del cuerpo.

El club nocturno neoyorquino The Sanctuary, con el DJ residente Francis Grasso, es un ejemplo paradigmático de esta libertad sexual. En su historia de la cultura de los disc jockeys y los clubes, Bill Brewster y Frank Broughton describen The Sanctuary como un lugar «repleto de hombres gay recién liberados, agitado (y mezclado) por una potente combinación de música bailable y fármacos como pastillas y pociones, dando como resultado un festival de carnalidad». ^{[ 48 ]} The Sanctuary fue la «primera discoteca gay totalmente desinhibida de Estados Unidos» y, si bien el sexo no estaba permitido en la pista de baile, los rincones oscuros, los baños y los pasillos de los edificios adyacentes se utilizaban para encuentros sexuales de tipo orgiástico. ^{[ 48 ]}

Al describir la música, las drogas y la mentalidad liberada como una tríada que se une para crear el festival de la carnalidad, Brewster y Broughton incitan a los tres como estímulos para el baile, el sexo y otros movimientos corporales que contribuyeron a las vibraciones corporales dentro del Santuario. Esto respalda el argumento de que la música disco desempeñó un papel en la facilitación de esta liberación sexual que se experimentaba en las discotecas. La reciente legalización del aborto y la introducción de los antibióticos y la píldora facilitaron un cambio cultural en torno al sexo, pasando de la procreación al placer y el disfrute. De este modo, se fomentó un marco muy positivo hacia el sexo en torno a las discotecas. ^{[ 49 ]}

Además, aparte de que las relaciones sexuales entre personas del mismo sexo eran ilegales en el estado de Nueva York, hasta 1973 la Asociación Estadounidense de Psiquiatría clasificó la homosexualidad como una enfermedad. ^{[ 48 ]} Esta ley y clasificación, en conjunto, pueden entenderse como factores que disuadieron en gran medida la expresión de la homosexualidad en público, por lo que la dinámica liberadora de las discotecas puede considerarse como un espacio para la autorrealización de las personas queer. El club/fiesta en casa de David Mancuso, The Loft , fue descrito como poseedor de una " actitud pansexual [que] era revolucionaria en un país donde hasta hace poco era ilegal que dos hombres bailaran juntos a menos que hubiera una mujer presente; donde las mujeres estaban legalmente obligadas a usar al menos una prenda de vestir femenina reconocible en público; y donde los hombres que visitaban bares gay generalmente llevaban dinero para la fianza". ^{[ 50 ]}

La música disco se desarrolló a finales de la década de 1960 a partir de la música que se tocaba en clubes que pasaron de bandas en vivo a música grabada. Las primeras discotecas presentaban principalmente música swing, pero a medida que la tendencia evolucionó, comenzaron a incorporar rhythm and blues, northern soul y glam rock. En la década de 1940, los clubes nocturnos parisinos ya habían comenzado a reproducir discos de jazz durante la ocupación nazi. Figuras clave en esta evolución inicial de los clubes incluyen a Régine Zylberberg, quien afirmó haber fundado la primera discoteca en 1953, y al propietario del Scotch Club en Aquisgrán, Alemania Occidental, quien en 1959 utilizó un tocadiscos en la noche de inauguración, sentando así las bases del papel del DJ moderno.

A lo largo de la década de 1960, la cultura disco se expandió desde Europa a Estados Unidos, donde se fusionó con diversos géneros orientados al baile como el soul y el funk. Durante este período, el sello Motown desarrolló un sonido sofisticado y altamente estructurado, caracterizado por ritmos de batería de cuatro tiempos y arreglos elaborados que influirían notablemente en los inicios de la música disco. A finales de la década de 1960, artistas y público de las comunidades afroamericana, italiana y latina comenzaron a adoptar elementos de las subculturas hippie y psicodélica, incorporando locales con sonido envolvente, baile libre e iluminación psicodélica. Esta época sentó las bases de la música disco, fusionando el soul cinematográfico y exuberantes arreglos orquestales en el sonido rítmico y de producción que dominó las pistas de baile de la década de 1970.

La creciente popularidad de la música disco llegó de la mano de la evolución del rol del DJ. El DJing se desarrolló a partir del uso de múltiples tocadiscos y mezcladores para crear una mezcla continua y fluida de canciones, con una transición entre ellas sin interrupciones que interrumpieran el baile. La mezcla resultante se diferenciaba de las formas anteriores de música dance de la década de 1960, que estaban orientadas a las actuaciones en vivo de músicos. Esto, a su vez, afectó la estructura de la música dance, ya que las canciones de la era disco solían tener comienzos y finales marcados por un ritmo o riff sencillo que se podía usar fácilmente para dar paso a una nueva canción. El desarrollo del DJing también se vio influenciado por nuevas técnicas de turntablismo , como el beatmatching y el scratching , un proceso facilitado por la introducción de nuevas tecnologías de tocadiscos como el Technics SL-1200 MK 2 , que se vendió por primera vez en 1978, que tenía un control de tono variable preciso y un motor de transmisión directa . Los DJs solían ser ávidos coleccionistas de discos, que rebuscaban en tiendas de discos de segunda mano en busca de discos de soul poco conocidos y grabaciones clásicas de funk. Los DJs contribuyeron a dar a conocer discos raros y nuevos artistas al público de los clubes.

En la década de 1970, los DJs individuales ganaron protagonismo, y algunos, como Larry Levan, residente de Paradise Garage , Jim Burgess , Tee Scott y Francis Grasso , se hicieron famosos en la escena disco. Levan, por ejemplo, desarrolló un grupo de seguidores fieles entre los asistentes a los clubes, quienes se referían a sus sesiones como " Saturday Mass ". Algunos DJs utilizaban grabadoras de cinta de carrete a carrete para hacer remezclas y ediciones de canciones. Algunos DJs que hacían remezclas pasaron de la cabina de DJ a la producción discográfica, especialmente Burgess. Scott desarrolló varias innovaciones. Fue el primer DJ de música disco en usar tres tocadiscos como fuentes de sonido, el primero en reproducir simultáneamente dos discos sincronizados, el primero en usar unidades de efectos electrónicos en sus mezclas, y fue un innovador al mezclar diálogos de películas conocidas, generalmente sobre un break de percusión. Estas técnicas de mezcla también fueron aplicadas a los DJs de radio, como Ted Currier de WKTU y WBLS . Grasso es particularmente notable por liberar al DJ de la servidumbre y convertirlo en el chef musical principal. ^{[ 51 ]} Una vez que entró en escena, el DJ ya no era responsable de atender al público en todo momento, satisfaciendo todas sus peticiones musicales. En cambio, con mayor autonomía y visibilidad, el DJ ahora podía usar sus propias habilidades técnicas y creativas para elaborar un espectáculo nocturno de mezclas innovadoras, refinando su sonido y estética personales y construyendo su propia reputación. ^{[ 52 ]}

El sonido post-disco y los géneros asociados a él surgieron en los años 70 y principios de los 80 con músicos de R&B y post-punk que se centraron en un lado más electrónico y experimental de la música disco, dando origen al boogie , el Italo disco y el dance alternativo . Inspirándose en una amplia gama de influencias y técnicas ajenas al disco, como el estilo de " banda de un solo hombre " de Kashif y Stevie Wonder y los enfoques alternativos de Parliament-Funkadelic , se caracterizó por el uso de sintetizadores, teclados y cajas de ritmos . Entre los artistas post-disco se encuentran D. Train , Patrice Rushen , ESG , Bill Laswell y Arthur Russell . El post-disco tuvo una influencia importante en el dance-pop y sirvió de puente entre la música disco clásica y las formas posteriores de música electrónica de baile . ^{[ 53 ]}

El sonido disco tuvo una gran influencia en los inicios del hip-hop . La mayoría de las primeras canciones de hip-hop se crearon aislando líneas de bajo disco ya existentes y superponiéndoles rimas de MC. Sugarhill Gang usó " Good Times " de Chic como base para su canción de 1979, " Rapper's Delight ", generalmente considerada como la canción que popularizó el rap en Estados Unidos y en todo el mundo.

Con sintetizadores e influencias del Krautrock que reemplazaron la base disco anterior, nació un nuevo género cuando Afrika Bambaataa lanzó el sencillo " Planet Rock ", dando origen a una tendencia de baile electrónico hip-hop que incluye canciones como "Play at Your Own Risk" de Planet Patrol (1982), "One More Shot" de C-Bank (1982), "Club Underworld" de Cerrone (1984), " Let the Music Play " de Shannon (1983), " IOU " de Freeez (1983), "Freak-a-Zoid" de Midnight Star (1983) y " I Feel For You " de Chaka Khan (1984).

El house es un género de música electrónica de baile que se originó en Chicago a principios de la década de 1980 (véase también: Chicago house ). Rápidamente se extendió a otras ciudades estadounidenses como Detroit, donde evolucionó hacia el techno más duro e industrial , Nueva York (véase también: garage house ) y Newark, ciudades que desarrollaron sus propias escenas regionales.

A mediados y finales de la década de 1980, la música house se popularizó en Europa, así como en las principales ciudades de Sudamérica y Australia. ^{[ 54 ]} El éxito comercial inicial de la música house en Europa vio canciones como " Pump Up The Volume " de MARRS (1987), "House Nation" de House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987), " Theme from S'Express " de S'Express (1988) y " Doctorin' the House " de Coldcut (1988) en las listas de éxitos pop. Desde principios y mediados de la década de 1990, la música house se ha integrado en la música pop y dance convencional a nivel mundial.

La música house en la década de 2010, si bien conserva varios de estos elementos centrales, en particular el prominente bombo en cada tiempo, varía ampliamente en estilo e influencia, abarcando desde el deep house emotivo y atmosférico hasta el acid house más agresivo o el microhouse minimalista . La música house también se ha fusionado con otros géneros, creando subgéneros de fusión, ^{[ 55 ]} como el euro house , el tech house , el electro house y el jump house .

A finales de los años 80 y principios de los 90, la cultura rave comenzó a emerger de la escena house y acid house. ^{[ 56 ]} Al igual que el house, incorporó el mismo amor de la cultura disco por la música dance tocada por DJs sobre potentes sistemas de sonido , la exploración de drogas recreativas y de club, la promiscuidad sexual y el hedonismo . Aunque la cultura disco comenzó en la clandestinidad, finalmente prosperó en la corriente principal a finales de los años 70, y las grandes discográficas mercantilizaron y empaquetaron la música para el consumo masivo . En contraste, la cultura rave comenzó en la clandestinidad y se mantuvo (en su mayor parte) en la clandestinidad. En parte, esto fue para evitar la animosidad que aún rodeaba a la música disco y dance. La escena rave también se mantuvo en la clandestinidad para evitar la atención de las fuerzas del orden que se dirigía a la cultura rave debido a su uso de almacenes secretos y no autorizados para algunos eventos de baile y su asociación con drogas ilegales de club como el éxtasis .

El movimiento post-punk que se originó a finales de la década de 1970 apoyó la transgresión de las reglas del punk rock al tiempo que rechazó su regreso a la música rock cruda . ^{[ 57 ]} El mantra del post-punk de avanzar constantemente se prestó tanto a la apertura como a la experimentación con elementos de la música disco y otros estilos. ^{[ 57 ]} Public Image Limited es considerado el primer grupo post-punk. ^{[ 57 ]} El segundo álbum del grupo, Metal Box, adoptó por completo la metodología de "estudio como instrumento" de la música disco. ^{[ 57 ]} El fundador del grupo, John Lydon , el ex vocalista principal de los Sex Pistols , dijo a la prensa que la música disco era la única que le importaba en ese momento.

No wave fue un subgénero del post-punk centrado en la ciudad de Nueva York. ^{[ 57 ]} Para causar impacto, James Chance , un miembro destacado de la escena no wave, escribió un artículo en el East Village Eye instando a sus lectores a mudarse al norte de la ciudad y ponerse "trancin' con un poco de disco vudú funk superradioactivo". Su banda James White and the Blacks escribió un álbum disco titulado Off White . ^{[ 57 ]} Sus actuaciones se parecían a las de los artistas de disco (sección de metales, bailarines, etc.). ^{[ 57 ]} En 1981, ZE Records lideró la transición de no wave al género más sutil mutant disco ( post-disco/punk ). ^{[ 57 ]} Grupos de mutant disco como Kid Creole and the Coconuts , Was Not Was , ESG y Liquid Liquid influyeron en varios grupos post-punk británicos como New Order , Orange Juice y A Certain Ratio . ^{[ 57 ]}

Nu-disco es un género de música dance del siglo XXI asociado con el renovado interés en la música disco de los años 70 y principios de los 80, ^{[ 58 ]} la música disco italiana de mediados de los 80 y la estética euro disco con predominio de sintetizadores. ^{[ 59 ]} El término apareció impreso ya en 2002 y, a mediados de 2008, era utilizado por tiendas de discos como los minoristas en línea Juno y Beatport. ^{[ 60 ]} Estos vendedores suelen asociarlo con reediciones de música disco de la época original, así como con música de productores europeos que hacen música dance inspirada en la música disco estadounidense de la época original, electro y otros géneros populares a finales de los años 70 y principios de los 80. También se utiliza para describir la música de varios sellos estadounidenses que anteriormente estaban asociados con los géneros electroclash y French house .

En la década de 1990, tras una década de rechazo, la música disco y su legado fueron mejor aceptados tanto por los artistas como por el público, gracias al lanzamiento de más canciones, películas y recopilaciones que hacían referencia a ella. Esto formaba parte de una ola de nostalgia por los años 70 que se vivía en la cultura popular de la época. Algunos comentaristas atribuyeron el resurgimiento del género al uso frecuente de la música disco en los desfiles de moda. ^{[ 61 ]}

Ejemplos de canciones de esta época influenciadas por la música disco incluyen " Groove Is in the Heart " (1990) de Deee-Lite , " Lemon " (1993) de U2 , " Girls & Boys " (1994) y " Entertain Me" (1995) de Blur, " Disco 2000 " (1995) de Pulp y " Canned Heat " (1999) de Jamiroquai , mientras que películas como Boogie Nights (1997) y The Last Days of Disco (1998) presentaban principalmente bandas sonoras de música disco. ^{[ 62 ] [ 63 ]}

A principios de la década de 2000, un género actualizado de música disco llamado "nu-disco" comenzó a irrumpir en el mercado general. Algunos ejemplos como " One More Time " de Daft Punk y " Love at First Sight " y " Can't Get You Out of My Head " de Kylie Minogue se convirtieron en favoritos de los clubes y éxitos comerciales. Varias canciones de nu-disco se fusionaron con el funky house , como " Groovejet (If This Ain't Love) " de Spiller y " Lady (Hear Me Tonight) " de Modjo , ambas canciones sampleando canciones disco antiguas y ambas alcanzando el número uno en la lista de sencillos del Reino Unido en 2000. El sencillo disco de Robbie Williams " Rock DJ " fue el cuarto sencillo más vendido en el Reino Unido ese mismo año. La canción " Little L " de Jamiroquai y " Murder on the Dancefloor " de Sophie Ellis-Bextor fueron éxitos en 2001. La banda de rock Manic Street Preachers lanzó una canción disco, "Miss Europa Disco Dancer", ese mismo año. La influencia disco de la canción, que aparece en Know Your Enemy , fue descrita como "muy comentada". ^{[ 64 ]} En 2005, Madonna se sumergió en la música disco de los años 70 y lanzó su álbum Confessions on a Dance Floor con críticas entusiastas. Uno de los sencillos del álbum, " Hung Up ", que samplea la canción de ABBA de 1979 " Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) ", se convirtió en un gran clásico de los clubes. Además de la vestimenta influenciada por la música disco de Madonna en las ceremonias de premios y entrevistas, su gira Confessions Tour incorporó varios elementos de los años 70, como bolas de discoteca, un diseño de escenario con espejos y el roller derby . En 2006, Jessica Simpson lanzó su álbum A Public Affair inspirado en la música disco y de los años 80. El primer sencillo del álbum, " A Public Affair", fue reseñado como una competencia de baile disco influenciada por los primeros trabajos de Madonna. El video de la canción fue filmado en una pista de patinaje y presenta un baile en línea de manos. ^{[ 65 ] [ 66 ] [ 67 ]}

El éxito del resurgimiento del "nu-disco" a principios de la década de 2000 fue descrito por el crítico musical Tom Ewing como más interpersonal que la música pop de los 90: "El resurgimiento del disco dentro del pop puso de relieve algo que se había perdido durante los 90: una concepción de la música no solo para bailar, sino para bailar con alguien. El disco era música de atracción mutua: ligar, coquetear, negociar. Su pista de baile es un espacio para el placer inmediato, pero también para promesas cumplidas y otras no. Es un lugar donde las cosas empiezan, pero su resolución, y mucho menos su significado, nunca está clara. Todos los grandes éxitos número uno del disco de los 2000 exploran cómo jugar esta carta. Madison Avenue busca imponer su voluntad, establecer términos y roles. Spiller es menos rígido. 'Groovejet' acepta la variabilidad de la noche, sacrifica alegremente la certeza por una sonrisa divertida y algunas frases ingeniosas." ^{[ 68 ]}

En 2011, el grupo femenino de K-pop T-ara lanzó Roly-Poly como parte de su EP John Travolta Wannabe . La canción acumuló más de 4.000.000 de unidades en descargas digitales, lo que se convirtió en el mayor número de descargas para un sencillo de un grupo femenino de K-pop en la Gaon Digital Chart en la década de 2010. En 2013, con el lanzamiento de varios discos y funk al estilo de los años 70, las listas de éxitos pop tuvieron más canciones de baile que en cualquier otro momento desde finales de los años 70. ^{[ 69 ]} La canción disco más grande del año fue " Get Lucky " de Daft Punk , con Nile Rodgers en la guitarra. Su álbum principal, Random Access Memories , terminó ganando Álbum del Año en los Grammy de 2014. ^{[ 69 ]} Otras canciones de estilo disco que llegaron al top 40 ese año fueron " Blurred Lines " de Robin Thicke (número uno), " Take Back the Night " de Justin Timberlake (número 29), " Treasure " de Bruno Mars (número cinco) ^{[ 69 ]} Reflektor de Arcade Fire presentaba fuertes elementos disco. En 2014, la música disco se podía encontrar en Artpop de Lady Gaga ^{[ 70 ] [ 71 ]} y " Birthday " de Katy Perry . ^{[ 72 ]} Otras canciones disco de 2014 incluyen " I Want It All " de Karmin , " Wrong Club " de The Ting Tings , " Blow " de Beyoncé y la mezcla de William Orbit de " Let Me in Your Heart Again " de Queen.

En 2014, Globo TV , la segunda cadena de televisión más grande del mundo, emitió Boogie Oogie , una telenovela sobre la era disco que transcurre entre 1978 y 1979, desde el auge de los éxitos hasta su decadencia. El éxito de la serie impulsó un resurgimiento de la música disco en todo el país, trayendo de vuelta a los escenarios y a las listas de éxitos brasileñas a divas locales como Lady Zu y As Frenéticas .

Las canciones que alcanzaron el Top 10 en 2015, como " Uptown Funk " de Mark Ronson , con su ritmo disco , " Sugar " de Maroon 5 , " Can't Feel My Face " de The Weeknd y " Want To Want Me " de Jason Derulo, también tienen una fuerte influencia disco. El magnate y productor disco Giorgio Moroder también reapareció en 2015 con su nuevo álbum Déjà Vu , que resultó ser un éxito moderado. Otras canciones de 2015 como " I Don't Like It, I Love It " de Flo Rida , " Adventure of a Lifetime " de Coldplay , " Back Together " de Robin Thicke y " Levels " de Nick Jonas también presentan elementos disco. En 2016, las canciones disco o las canciones pop con estilo disco continuaron mostrando una fuerte presencia en las listas de música como una posible reacción al synthpop, electro house y dubstep de estilo ochentero que habían dominado las listas hasta entonces. La canción de Justin Timberlake de 2016 " Can't Stop the Feeling! ", que muestra fuertes elementos de la música disco, se convirtió en la 26.ª canción en debutar en el número uno del Billboard Hot 100 en la historia de la lista. The Martian , una película de 2015, utiliza extensamente la música disco como banda sonora, aunque para el personaje principal, el astronauta Mark Watney, solo hay una cosa peor que estar varado en Marte: estar varado en Marte con nada más que música disco. ^{[ 73 ]} " Kill the Lights ", que apareció en un episodio de la serie de televisión de HBO " Vinyl " (2016) y con los riffs de guitarra de Nile Rodgers , alcanzó el número uno en la lista US Dance en julio de 2016.

En 2020, la música disco continuó su popularidad en el mercado general y se convirtió en una tendencia prominente en la música popular. ^{[ 75 ] [ 76 ]} A principios de 2020, éxitos influenciados por la música disco como " Say So " de Doja Cat , " Stupid Love " de Lady Gaga y " Don't Start Now " de Dua Lipa experimentaron un éxito generalizado en las listas de música globales, alcanzando los números 1, 5 y 2, respectivamente, en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU . En ese momento, Billboard declaró que Lipa estaba "liderando la carga hacia la producción influenciada por la música disco" un día después de que su álbum retro e influenciado por la música disco Future Nostalgia fuera lanzado el 27 de marzo de 2020. ^{[ 74 ] [ 77 ]} Para finales de 2020, se habían lanzado varios álbumes de música disco, incluidos Velvet de Adam Lambert y What's Your Pleasure? de Jessie Ware. y la mixtape discothèque de Róisín Murphy , Róisín Machine . A principios de septiembre de 2020, el grupo surcoreano BTS debutó en el número 1 en EE. UU. con su sencillo disco en inglés " Dynamite ", que vendió 265.000 descargas en su primera semana en EE. UU., lo que marcó la mayor semana de ventas puras desde " Look What You Made Me Do " de Taylor Swift (2017). ^{[ 78 ]}

En julio de 2020, la cantante australiana Kylie Minogue anunció que lanzaría su decimoquinto álbum de estudio, Disco , el 6 de noviembre de 2020. El álbum fue precedido por dos sencillos. El primer sencillo, " Say Something ", se lanzó el 23 de julio y se estrenó en BBC Radio 2 ; ^{[ 79 ]} el segundo sencillo, " Magic ", se lanzó el 24 de septiembre. ^{[ 80 ]} Ambos sencillos recibieron elogios de la crítica, y los críticos elogiaron a Minogue por regresar a las raíces disco, que fueron prominentes en sus álbumes Light Years (2000), Fever (2001) y Aphrodite (2010).

• Club Kids
• Lista de los sencillos de baile número uno de Billboard de 1977
• Lista de los sencillos de baile número uno de Billboard de 1978
• Lista de los sencillos de baile número uno de Billboard de 1979
• Discoteca sobre ruedas
• Discoteca sigilosa

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