El club de la lucha

La novela El club de la lucha, de Chuck Palahniuk, se publicó en 1996. Antes de su publicación, un cazatalentos de Fox Searchlight Pictures envió una prueba de imprenta al ejecutivo creativo Kevin McCormick. Este asignó a un lector del estudio para que la revisara como candidata para una adaptación cinematográfica, pero el lector la desaconsejó. McCormick entonces envió la prueba a los productores Lawrence Bender y Art Linson , quienes también la rechazaron. Los productores Josh Donen y Ross Bell vieron potencial y mostraron interés. Organizaron lecturas de guion gratuitas con actores para determinar la duración del mismo, y una lectura inicial duró seis horas. Los productores recortaron secciones para reducir la duración y utilizaron el guion más corto para grabar los diálogos. Bell envió la grabación a Laura Ziskin , directora de la división Fox 2000 Pictures , quien escuchó la cinta y compró los derechos de El club de la lucha a Palahniuk por 10 000 dólares. ^{[ 25 ]}

Ziskin inicialmente consideró contratar a Buck Henry para escribir la adaptación, encontrando Fight Club similar a la película de 1967 El graduado , que Henry había adaptado. Cuando un nuevo guionista, Jim Uhls, presionó a Donen y Bell para obtener el trabajo, los productores lo eligieron a él en lugar de a Henry. Bell contactó a cuatro directores para dirigir la película. Consideró a Peter Jackson la mejor opción, pero Jackson estaba demasiado ocupado filmando la película de 1996 The Frighteners en Nueva Zelanda. Bryan Singer recibió el libro pero no lo leyó. Danny Boyle se reunió con Bell y leyó el libro, pero siguió adelante con otra película. El libro también fue enviado a David O. Russell , pero no pudo entenderlo. ^{[ 26 ]} David Fincher , quien había leído Fight Club y había intentado comprar los derechos él mismo, habló con Ziskin sobre dirigir la película. Dudó en aceptar el encargo con 20th Century Fox al principio porque tuvo una experiencia desagradable dirigiendo la película de 1992 Alien 3 para Fox. Para reparar su relación con Fox, se reunió con Ziskin y el jefe del estudio, Bill Mechanic . ^{[ 25 ]} En agosto de 1997, Fox anunció que Fincher dirigiría la adaptación cinematográfica de El club de la lucha . ^{[ 27 ]} El guion inicialmente no tenía narración, pero Fincher lo encontró "triste y patético", por lo que se reescribió para incluir narración. ^{[ 28 ]}

El productor Ross Bell se reunió con el actor Russell Crowe para hablar sobre su candidatura para el papel de Tyler Durden. El productor Art Linson, que se unió al proyecto más tarde, se reunió con Brad Pitt para el mismo papel. Linson era el productor principal de los dos, por lo que el estudio buscó contratar a Pitt en lugar de Crowe. ^{[ 25 ]} Pitt buscaba una nueva película tras el fracaso en Estados Unidos de su película de 1998, Meet Joe Black , y el estudio creía que Fight Club tendría más éxito comercial con una gran estrella. El estudio contrató a Pitt por 17,5 millones de dólares  . ^{[ 29 ]}

Para el papel del Narrador sin nombre, el estudio deseaba un "nombre más atractivo" como Matt Damon para aumentar las perspectivas comerciales de la película; también consideró a Sean Penn . Fincher, en cambio, consideró a Edward Norton basándose en su actuación en la película de 1996 The People vs. Larry Flynt . ^{[ 30 ]} Tras su nominación al Premio de la Academia, otros estudios se acercaron a Norton para papeles protagónicos en películas en desarrollo, y fue elegido para Runaway Jury . Sin embargo, la película no llegó a producirse después de que el director Joel Schumacher se retirara en julio de 1997. ^{[ 31 ] [ 32 ]} 20th Century Fox le ofreció a Norton 2,5  millones de dólares por Fight Club , pero no pudo aceptar la oferta de inmediato porque aún le debía una película a Paramount Pictures . Había firmado una obligación contractual con Paramount para aparecer en una de las futuras películas del estudio por un salario menor. Norton luego cumplió con la obligación con su papel en la película de 2003 The Italian Job . ^{[ 29 ]}

^{En enero de} 1998, 20th Century Fox anunció que Pitt y Norton habían sido elegidos para los papeles. ^{[ 33 ]} Los actores se prepararon tomando clases de boxeo , taekwondo , lucha [ ^{34 ]} y fabricación de jabón . ^{[ 35 ]} Pitt visitó voluntariamente a un dentista para que le extrajeran trozos de los dientes frontales para que su personaje no tuviera una dentadura perfecta. Los trozos fueron restaurados una vez finalizado el rodaje. ^{[ 36 ]}

La primera opción de Fincher para el papel de Marla Singer fue Janeane Garofalo . Si bien Fincher inicialmente declaró que lo rechazó porque se oponía al contenido sexual de la película, en una entrevista en 2020, Garofalo reveló que sí aceptó el papel, pero fue descartada porque Norton creía que no era adecuada para él. ^{[ 37 ] [ 38 ]} Fincher le ofreció el papel a Julia Louis-Dreyfus . ^{[ 39 ]} Los cineastas consideraron a Courtney Love y Winona Ryder como candidatas iniciales. ^{[ 40 ]} Love afirmó que fue elegida para el papel de Marla Singer, pero fue despedida después de rechazar la propuesta de Pitt para una película sobre su difunto esposo, Kurt Cobain . ^{[ 41 ]} El estudio quería contratar a Reese Witherspoon , pero Fincher sintió que era demasiado joven. ^{[ 29 ]} Sarah Michelle Gellar lo rechazó debido a conflictos de agenda con Buffy la cazavampiros . ^{[ 42 ]} Finalmente, Fincher eligió a Helena Bonham Carter basándose en su actuación en la película de 1997 Las alas de la paloma . ^{[ 43 ]}

Cuando Uhls conoció la novela, estaba en forma de manuscrito, aunque ya tenía editor. En su entrevista afirmó que la leyó por puro placer y quedó fascinado. ^{[ 44 ]} Empezó a trabajar en un borrador del guion adaptado, que excluía la voz en off porque la industria consideraba la técnica "manida y trillada" en aquel momento. Cuando Fincher se unió al proyecto, pensó que la película debía tener voz en off, pues creía que el humor de la película provenía de la voz del narrador. ^{[ 29 ]} Describió la película sin voz en off como aparentemente "triste y patética". ^{[ 45 ]} Fincher y Uhls revisaron el guion durante seis o siete meses y, para 1997, tenían un tercer borrador que reordenaba la historia y omitía varios elementos importantes. Cuando Pitt fue elegido para el papel, le preocupaba que su personaje, Tyler Durden, fuera demasiado unidimensional. Fincher buscó el consejo del guionista y director Cameron Crowe , quien sugirió darle más ambigüedad al personaje. Fincher también contrató al guionista Andrew Kevin Walker para que le ayudara. Invitó a Pitt y Norton a colaborar en la revisión del guion y el grupo redactó cinco revisiones en el transcurso de un año. ^{[ 29 ]}

Palahniuk elogió la fiel adaptación cinematográfica de su novela y aplaudió cómo la trama de la película era más ágil que la del libro. Palahniuk recordó cómo los guionistas debatieron si el público cinematográfico creería el giro argumental de la novela. Fincher apoyó la inclusión del giro, argumentando: «Si aceptan todo hasta este punto, aceptarán el giro argumental. Si siguen en el cine, se quedarán con él». ^{[ 46 ]} La novela de Palahniuk también contenía matices homoeróticos , que Fincher incluyó en la película para incomodar al público y acentuar la sorpresa de los giros. ^{[ 47 ]} La escena del baño donde Tyler Durden se baña junto al Narrador es un ejemplo de los matices; la frase, «Me pregunto si otra mujer es realmente la respuesta que necesitamos», pretendía sugerir responsabilidad personal más que homosexualidad. ^{[ 13 ]} Otro ejemplo es la escena al principio de la película en la que Tyler Durden le mete el cañón de una pistola en la boca al Narrador. ^{[ 48 ]}

El Narrador encuentra la redención al final de la película al rechazar la dialéctica de Tyler Durden, un camino que divergió del final de la novela en el que el Narrador es internado en una institución mental. ^{[ 11 ]} Norton estableció paralelismos entre la redención en la película y la redención en El Graduado , indicando que los protagonistas de ambas películas encuentran un punto medio entre dos divisiones del yo. ^{[ 14 ]} Fincher consideró que la novela estaba demasiado encaprichada con Tyler Durden y cambió el final para alejarse de él: «Quería que la gente amara a Tyler, pero también quería que aceptaran su derrota». ^{[ 11 ]}

Los ejecutivos del estudio, Mechanic y Ziskin, planearon un presupuesto inicial de 23  millones de dólares para financiar la película, ^{[ 25 ]} pero al comienzo de la producción, el presupuesto aumentó a 50  millones de dólares. La mitad fue pagada por New Regency , pero durante el rodaje, el presupuesto proyectado se disparó a 67  millones de dólares. El director de New Regency y productor ejecutivo de Fight Club, Arnon Milchan, le pidió a Fincher que redujera los costos en al menos 5  millones de dólares. Fincher se negó, por lo que Milchan amenazó a Mechanic con que New Regency retiraría la financiación. Mechanic intentó recuperar el apoyo de Milchan enviándole cintas de tomas diarias de Fight Club . Después de ver tres semanas de rodaje, Milchan reinstauró el respaldo financiero de New Regency. ^{[ 49 ]} El presupuesto final de producción fue de 63 a 65 millones de dólares. ^{[ 1 ] [ 4 ]}

Las escenas de lucha estaban muy coreografiadas, pero se requería que los actores "dieran el máximo" para lograr efectos realistas como quedarse sin aire. ^{[ 21 ]} La maquilladora Julie Pearce, que había trabajado para Fincher en la película de 1997 The Game , estudió artes marciales mixtas y boxeo de pago por visión para representar a los luchadores con precisión. Diseñó la oreja de un extra con cartílago faltante, inspirada en el combate de boxeo en el que Mike Tyson le arrancó de un mordisco parte de la oreja a Evander Holyfield . ^{[ 50 ]} Los maquilladores idearon dos métodos para crear sudor a la orden: rociar agua mineral sobre una capa de vaselina y usar el agua pura para "sudor húmedo". Meat Loaf , que interpreta a un miembro del club de lucha que tiene " tetas de perra ", usó un arnés de grasa de 40  kg que le dio pechos grandes. ^{[ 34 ]} También usó alzas de 20  cm en sus escenas con Norton para ser más alto que él. ^{[ 13 ]}

El rodaje duró 138 días, de julio a diciembre de 1998, ^{[ 51 ] [ 52 ]} durante los cuales Fincher filmó más de 1500 rollos de película, tres veces el promedio para una película de Hollywood. ^{[ 34 ]} Las locaciones fueron en Los Ángeles y sus alrededores y en sets construidos en el estudio en Century City . ^{[ 52 ]} El diseñador de producción Alex McDowell construyó más de 70 sets. ^{[ 34 ]} El exterior de la casa de Tyler Durden se construyó en Wilmington, California , ^{[ 53 ]} mientras que el interior se construyó en un estudio de sonido en la ubicación del estudio. El interior se le dio una apariencia deteriorada para ilustrar el mundo deconstruido de los personajes. ^{[ 52 ]} El apartamento de Marla Singer se basó en fotografías de apartamentos en el centro de Los Ángeles. ^{[ 16 ]} En total, la producción incluyó 300 escenas, 200 locaciones y efectos especiales complejos . Fincher comparó El club de la lucha con su película posterior, menos compleja, La habitación del pánico : "Sentía que pasaba todo el tiempo viendo cómo cargaban y descargaban camiones para poder rodar tres líneas de diálogo. Había demasiado transporte". ^{[ 54 ]}

Fincher utilizó el formato Super 35 para filmar El club de la lucha, ya que le brindaba la máxima flexibilidad para componer las tomas. Contrató a Jeff Cronenweth como director de fotografía; el padre de Cronenweth, Jordan Cronenweth, había sido director de fotografía de Alien 3, la película de Fincher de 1992 , pero la abandonó a mitad de la producción debido a la enfermedad de Parkinson . Fincher exploró estilos visuales en sus películas anteriores, Seven y The Game , y él y Cronenweth tomaron elementos de estos estilos para El club de la lucha . ^{[ 52 ]}

Fincher y Cronenweth aplicaron un estilo lúgubre, optando por hacer que la gente pareciera "brillante". ^{[ 16 ]} La apariencia de las escenas del Narrador sin Tyler era sosa y realista. Las escenas con Tyler fueron descritas por Fincher como "más hiperrealistas en un sentido desmantelado y deconstruido: una metáfora visual de lo que [el Narrador] está a punto de enfrentar". Los cineastas utilizaron colores muy desaturados en el vestuario, el maquillaje y la dirección artística. ^{[ 52 ]} Bonham Carter usó maquillaje opalescente para representar a su personaje romántico y nihilista con una " pátina de drogadicta ". Fincher y Cronenweth se inspiraron en la película American Graffiti de 1973 , que aplicó un aspecto mundano a los exteriores nocturnos al tiempo que incluía una variedad de colores. ^{[ 16 ]}

El equipo aprovechó tanto la luz natural como la artificial. Fincher exploró diversos enfoques para la iluminación; por ejemplo, eligió varias locaciones urbanas para aprovechar los efectos de las luces de la ciudad en los fondos de las tomas. El equipo también utilizó iluminación fluorescente en otras locaciones para mantener un elemento de realismo e iluminar las prótesis que representaban las lesiones de los personajes. ^{[ 52 ]} Por otro lado, Fincher también se aseguró de que las escenas no estuvieran demasiado iluminadas para que los ojos de los personajes fueran menos visibles, citando la técnica del director de fotografía Gordon Willis como influencia. ^{[ 13 ]}

El Club de la Lucha se filmó mayormente de noche, y Fincher rodó las escenas diurnas en lugares con sombra. El equipo equipó el sótano del bar con lámparas de trabajo económicas para crear un resplandor de fondo. Fincher evitó un estilo de cámara estilizado al filmar las primeras escenas de lucha en el sótano y, en su lugar, colocó la cámara en una posición fija. En escenas de lucha posteriores, Fincher movió la cámara del punto de vista de un observador distante al del luchador. ^{[ 52 ]}

Las escenas con Tyler fueron escenificadas para ocultar que el personaje era una proyección mental del Narrador anónimo. Tyler no fue filmado en planos de dos personas con un grupo de personas, ni se le mostró en ningún plano por encima del hombro en escenas donde Tyler le da al Narrador ideas específicas para manipularlo. En escenas anteriores al encuentro del Narrador con Tyler, los cineastas insertaron la presencia de Tyler en fotogramas individuales para lograr un efecto subliminal . ^{[ 16 ]} Tyler aparece en el fondo y desenfocado, como un "pequeño diablo en el hombro". ^{[ 13 ]} Fincher explicó los fotogramas subliminales: "Nuestro héroe está creando a Tyler Durden en su propia mente, por lo que en este punto existe solo en la periferia de la conciencia del Narrador". ^{[ 55 ]}

Aunque Cronenweth generalmente calificó y expuso la película Kodak de forma normal en El club de la lucha , se aplicaron varias otras técnicas para cambiar su apariencia. Se implementó el flash en gran parte de la fotografía nocturna exterior, el contraste se estiró para que fuera deliberadamente feo, la copia se ajustó para que estuviera subexpuesta , se utilizó la retención de plata ENR de Technicolor en un número selecto de copias para aumentar la densidad de los negros y se eligieron copias de alto contraste para crear una apariencia de "pisado" en la copia con una pátina sucia. ^{[ 16 ]}

Fincher contrató al supervisor de efectos visuales Kevin Tod Haug , quien había trabajado con él en The Game , para crear los efectos visuales de Fight Club . Haug asignó a los artistas y expertos en efectos visuales a diferentes estudios, cada uno especializado en distintos tipos de efectos visuales: modelado CG, animación, composición y escaneo. Haug explicó: «Seleccionamos a los mejores profesionales para cada aspecto del trabajo de efectos y luego coordinamos sus esfuerzos. De esta manera, nunca tuvimos que depender de las debilidades de un estudio». Fincher visualizó la perspectiva del Narrador a través de una visión mental y estructuró un marco conceptual limitado para el público. También utilizó metraje previsualizado de tomas complejas de la unidad principal y de efectos visuales como herramienta para resolver problemas y evitar errores durante el rodaje. ^{[ 55 ]}

La secuencia de títulos de la película es una composición de efectos visuales de 90 segundos que representa el interior del cerebro del Narrador a nivel microscópico; la cámara se aleja hacia el exterior, comenzando en su centro del miedo y siguiendo los procesos de pensamiento iniciados por su impulso de miedo. ^{[ 56 ]} La secuencia, diseñada en parte por Fincher, se presupuestó por separado del resto de la película en un principio, pero el estudio la adjudicó en enero de 1999. ^{[ 55 ]} Fincher contrató a Digital Domain y a su supervisor de efectos visuales Kevin Mack , quien ganó un Premio de la Academia a los Efectos Visuales por la película de 1998 Más allá de los sueños , para la secuencia. La compañía mapeó el cerebro generado por computadora usando un sistema L , ^{[ 57 ]} y el diseño se detalló usando representaciones de la ilustradora médica Katherine Jones. La secuencia de retroceso desde el interior del cerebro hacia el exterior del cráneo incluyó neuronas , potenciales de acción y un folículo piloso . Haug explicó la licencia artística que Fincher se tomó con la toma: «Si bien quería que el pasaje cerebral pareciera una fotografía de microscopio electrónico , ese aspecto debía combinarse con la sensación de una inmersión nocturna: húmeda, aterradora y con poca profundidad de campo». La poca profundidad de campo se logró mediante el proceso de trazado de rayos . ^{[ 55 ]}

Otros efectos visuales incluyen una escena inicial en la que la cámara recorre rápidamente las calles de la ciudad para inspeccionar el equipo destructivo del Proyecto Mayhem que yace en estacionamientos subterráneos; la secuencia fue una composición tridimensional de casi 100  fotografías de Los Ángeles y Century City tomadas por el fotógrafo Michael Douglas Middleton. La escena final de la demolición de los edificios de oficinas de tarjetas de crédito fue diseñada por Richard Baily de Image Savant; Baily trabajó en la escena durante más de catorce  meses. ^{[ 55 ]}

A mitad de la película, Tyler Durden señala al público la marca de referencia —apodada "quemadura de cigarrillo" en la película—. La escena representa un punto de inflexión que presagia la ruptura e inversión de la "realidad bastante subjetiva" que existía anteriormente en la película. Fincher explicó: "De repente, es como si el proyeccionista no se hubiera dado cuenta del cambio; los espectadores tienen que empezar a ver la película de una forma completamente nueva". ^{[ 55 ]}

A Fincher le preocupaba que las bandas con experiencia en la composición de bandas sonoras no pudieran conectar los temas, así que buscó una banda que nunca hubiera grabado para cine. Contactó con Radiohead , ^{[ 13 ]} pero el cantante, Thom Yorke , declinó la oferta porque se estaba recuperando del estrés de promocionar su álbum de 1997, OK Computer . ^{[ 58 ]} En su lugar, Fincher encargó la música al dúo de breakbeat Dust Brothers , quienes crearon una banda sonora posmoderna que incluía bucles de batería, scratches electrónicos y muestras computarizadas. El intérprete de Dust Brothers, Michael Simpson, explicó la propuesta: «Fincher quería innovar en todos los aspectos de la película y una banda sonora poco convencional ayudó a conseguirlo». ^{[ 59 ]} El clímax y los créditos finales incluyen la canción « Where Is My Mind? » de Pixies . ^{[ 60 ]}

El rodaje concluyó en diciembre de 1998 y Fincher editó el material a principios de 1999 para preparar Fight Club para una proyección con altos ejecutivos. No recibieron la película positivamente y les preocupaba que no hubiera público para ella. ^{[ 61 ]} El productor ejecutivo Art Linson, que apoyó la película, recordó la respuesta: "Tantos incidentes de Fight Club fueron alarmantes, ningún grupo de ejecutivos pudo concretarlos". ^{[ 62 ]} No obstante, Fight Club estaba originalmente programada para estrenarse en julio de 1999, ^{[ 63 ]} pero luego se cambió al 6 de agosto de 1999. El estudio retrasó aún más el estreno de la película, esta vez hasta otoño, alegando una agenda de verano saturada y un proceso de posproducción apresurado. ^{[ 64 ]} Fuentes externas atribuyeron los retrasos a la masacre de la escuela secundaria Columbine a principios de ese año. ^{[ 65 ]}

Los ejecutivos de marketing de Fox Searchlight Pictures tuvieron dificultades para promocionar Fight Club y, en un momento dado, consideraron comercializarla como una película de arte . Consideraban que la película estaba dirigida principalmente a un público masculino debido a su violencia y creían que ni siquiera Pitt atraería a las espectadoras. Sin embargo, las pruebas de mercado demostraron que la película atraía a los adolescentes. Fincher se negó a que los carteles y tráileres se centraran en Pitt y animó al estudio a contratar a la agencia de publicidad Wieden+Kennedy para que diseñara un plan de marketing. La agencia propuso una pastilla de jabón rosa con el título "Fight Club" grabado como imagen principal de la película; la propuesta fue considerada "una broma de mal gusto" por los ejecutivos de Fox. Fincher también lanzó dos tráileres iniciales en forma de falsos anuncios de servicio público presentados por Pitt y Norton; el estudio consideró que los tráileres no promocionaban la película adecuadamente. En su lugar, el estudio financió una  campaña a gran escala de 20 millones de dólares para ofrecer una rueda de prensa, carteles, vallas publicitarias y tráileres para televisión que destacaran las escenas de lucha de la película. El estudio anunció Fight Club en la televisión por cable durante las transmisiones de la World Wrestling Federation , lo que Fincher protestó, creyendo que la ubicación creaba un contexto inadecuado para la película. ^{[ 61 ]} Linson creía que el marketing "mal concebido y unidimensional" del ejecutivo de marketing Robert Harper contribuyó en gran medida al tibio desempeño de Fight Club en taquilla en los Estados Unidos. ^{[ 66 ]}

El estudio realizó el estreno mundial de Fight Club en el 56.º Festival Internacional de Cine de Venecia el 10 de septiembre de 1999. ^{[ 67 ] [ 68 ]} Para el estreno en cines estadounidenses, el estudio contrató al National Research Group para realizar proyecciones de prueba de la película; el grupo predijo que la película recaudaría entre US$13 millones y US$15 millones en su fin de semana de estreno. ^{[ 69 ]} Fight Club se estrenó comercialmente en Estados Unidos y Canadá el 15 de octubre de 1999 y recaudó US$11 millones en 1963 salas de cine durante el fin de semana de estreno. ^{[ 1 ]} La película ocupó el primer lugar en la taquilla del fin de semana, superando a Double Jeopardy y The Story of Us , otra película que se estrenó ese fin de semana. ^{[ 70 ]} El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación promedio de "B−" en una escala de A+ a F. ^{[ 71 ]} La mezcla de género de las audiencias de Fight Club , argumentada como "la película anti-cita definitiva", fue 61% hombres y 39% mujeres; el 58% de las audiencias eran menores de 21 años. A pesar de la posición de la película en el primer lugar, su recaudación de estreno no alcanzó las expectativas del estudio. ^{[ 72 ]} Durante el segundo fin de semana , Fight Club cayó un 42.6% en ingresos, ganando US$6.3 millones . ^{[ 73 ]} En su estreno original en cines, la película recaudó US$37 millones en Estados Unidos y Canadá y US$63.8 millones en otros territorios, para un total mundial de US$100.9 millones . (Con los reestrenos posteriores, la recaudación mundial de la película aumentó a 102 millones de dólares ). ^{[ 1 ]} El decepcionante desempeño de Fight Club en Norteamérica deterioró la relación entre el director del estudio 20th Century Fox, Bill Mechanic, y el ejecutivo de medios Rupert Murdoch , lo que contribuyó a la renuncia de Mechanic en junio de 2000. ^{[ 74 ]}

La Junta Británica de Clasificación de Películas revisó El club de la lucha para su estreno en el Reino Unido el 12 de noviembre de 1999 y eliminó dos escenas que mostraban "una indulgencia en la emoción de golpear brutalmente la cara de un hombre indefenso". La junta le asignó a la película una calificación de 18, limitando su estreno a público adulto en el Reino Unido. La BBFC no censuró más, considerando y desestimando las afirmaciones de que El club de la lucha contenía "información peligrosamente instructiva" y podía "fomentar el comportamiento antisocial". La junta dictaminó: "La película en su conjunto es, claramente, crítica y una parodia mordaz del fascismo amateur que retrata en parte. Su tema central del machismo (y el comportamiento antisocial que de él se deriva) es rechazado enfáticamente por el personaje principal en los últimos minutos". ^{[ 75 ]} Las escenas fueron restauradas en una edición en DVD de dos discos lanzada en el Reino Unido en marzo de 2007. ^{[ 76 ]} En febrero de 2024, antes de un reestreno en cines, la BBFC bajó la clasificación de 18 a 15. ^{[ 77 ]}

Fincher supervisó la composición del empaque del DVD y fue uno de los primeros directores en participar en la transición de una película a formato doméstico. La película se lanzó en DVD el 6 de junio de 2000, en ediciones de uno y dos discos. ^{[ 78 ]} El disco de la película incluía cuatro pistas de comentarios, ^{[ 79 ]} mientras que el disco extra contenía clips detrás de cámaras, escenas eliminadas, tráileres, anuncios de servicio público sobre seguridad en cines, el video musical promocional "This is Your Life", anuncios de Internet, galerías de imágenes fijas, biografías del elenco, guiones gráficos y material publicitario. ^{[ 80 ]} Fincher trabajó en el DVD como una forma de completar su visión para la película. Julie Markell, vicepresidenta sénior de desarrollo creativo de 20th Century Fox, dijo que el empaque del DVD complementaba la visión de Fincher: "La película está hecha para hacerte cuestionar. El paquete, por extensión, intenta reflejar una experiencia que debes vivir por ti mismo. Cuanto más lo mires, más lo sacarás de él". El estudio desarrolló el empaque durante dos meses. ^{[ 81 ]} La edición especial en DVD de dos discos se empaquetó para que pareciera cubierta con una envoltura de cartón marrón. El título "Fight Club" estaba etiquetado en diagonal en el frente y el empaque parecía atado con cordel. Markell dijo: "Queríamos que el paquete fuera simple por fuera, para que hubiera una dicotomía entre la simplicidad del envoltorio de papel marrón y la intensidad y el caos de lo que hay dentro". ^{[ 81 ]} Deborah Mitchell, vicepresidenta de marketing de 20th Century Fox, describió el diseño: "Desde el punto de vista de la venta minorista, [la caja del DVD] tiene una presencia increíble en el estante". ^{[ 82 ]} Fue el primer lanzamiento en DVD en incluir el THX Optimode. ^{[ 83 ]}

Fight Club ganó los premios Online Film Critics Society Awards 2000 al Mejor DVD, Mejor Comentario de DVD y Mejores Características Especiales de DVD. ^{[ 84 ]} Entertainment Weekly clasificó la edición de dos discos de la película en primer lugar en su lista de 2001 de "Los 50 DVD Esenciales", otorgando las mejores calificaciones al contenido del DVD y a la calidad técnica de imagen y audio. ^{[ 85 ]} Cuando la edición de dos discos se agotó, el estudio la relanzó en 2004 debido a las peticiones de los fans. ^{[ 86 ]} La película vendió más de 6 millones de copias en DVD y video durante los primeros diez años, ^{[ 87 ]} convirtiéndose en uno de los artículos de medios domésticos más vendidos en la historia del estudio, ^{[ 66 ]} además de recaudar más de 55 millones de dólares en alquileres de video y DVD. ^{[ 88 ]} Con un desempeño débil en taquilla en Estados Unidos y Canadá, un mejor desempeño en otros territorios y el gran éxito del lanzamiento en DVD, Fight Club generó una ganancia de 10 millones de dólares  para el estudio. ^{[ 66 ]}

Fight Club se lanzó en Blu-ray en Estados Unidos el 17 de noviembre de 2009. ^{[ 89 ]} Cinco artistas de graffiti fueron comisionados para crear 30 piezas de arte para el empaque, abarcando la estética urbana que se encuentra en la Costa Este y la Costa Oeste de Estados Unidos, así como influencias del arte callejero europeo . ^{[ 90 ]} La edición Blu-ray comienza con una pantalla de menú de la comedia romántica Nunca me han besado, protagonizada por Drew Barrymore, antes de dar paso a la pantalla de menú de Fight Club ; Fincher obtuvo permiso de Barrymore para incluir la pantalla de menú falsa. ^{[ 91 ]}

Un lanzamiento en línea en China por Tencent censuró las explosiones de la bomba al final y reemplazó el final con un mensaje que indicaba que el Proyecto Mayhem había sido frustrado, ^{[ 92 ]} con Tyler Durden siendo arrestado por las fuerzas del orden y recluido en un manicomio hasta 2012, adaptando el final de la novela original de Fight Club . ^{[ 93 ]} Semanas después, Tencent lanzó una versión de la película restaurando 11 de los 12 minutos que habían sido cortados previamente. ^{[ 94 ] [ 95 ]} El autor de la novela, Chuck Palahniuk, creía que la versión censurada restauraba parcialmente el final del libro. ^{[ 96 ] [ 97 ]}

Para el 25 aniversario de la película en octubre de 2024, se anunció que Fincher estaba trabajando en una remasterización en 4K de la película. ^{[ 98 ]} Después de dos años de restauración, la remasterización en 4K se proyectó en cines para un evento de una sola noche el 22 de abril de 2026, seguido de un lanzamiento en Ultra HD Blu-ray y digital por 20th Century Studios el 22 de mayo. ^{[ 99 ] [ 100 ]} Fincher hizo alteraciones a la remasterización en 4K tales como eliminar imperfecciones del rostro de Bonham Carter, agregar destellos de lente y luces de fondo, eliminar reflejos y cambios en la sincronización del color , lo que generó críticas de fanáticos y críticos. ^{[ 99 ] [ 101 ] [ 102 ]}