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Articulo de referencia

Nuevo Hollywood

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El Nuevo Hollywood , el Renacimiento de Hollywood o la Nueva Ola Americana , fue un movimiento en la historia del cine estadounidense desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1980, [ 1 ] cuando una nueva generación de cineastas alcanzó la prominencia. Influyeron en los tipos de películas producidas, su producción y comercialización, y la forma en que los grandes estudios abordaban la realización cinematográfica. [ 7 ] En las películas del Nuevo Hollywood, el director de cine, en lugar del estudio, asumió un papel autoral clave . [ 8 ]

La definición de «Nuevo Hollywood» varía según el autor; algunos la definen como un movimiento y otros como un período. La duración de este período también es objeto de debate, al igual que su integridad, ya que algunos autores, como Thomas Schatz, sostienen que el Nuevo Hollywood se compone de varios movimientos diferentes. Las películas realizadas en este movimiento se caracterizan estilísticamente por una narrativa que a menudo se desviaba de las normas clásicas . Tras la desaparición del sistema de estudios y el auge de la televisión, el éxito comercial del cine disminuyó. [ 8 ]

Entre las películas exitosas de la primera época del Nuevo Hollywood se incluyen Bonnie y Clyde , [ 9 ] El graduado , [ 10 ] [ 11 ] y Easy Rider , [ 12 ] mientras que entre las películas cuyo fracaso en taquilla marcó el final de la era se incluyen New York, New York , Sorcerer , Heaven's Gate , They All Laughed y One from the Heart . [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]

También es el nombre de un especial de NBC News de 1990 presentado por Tom Brokaw sobre la entonces "nueva" industria de Hollywood de los años 80 y principios de los 90, que producía grandes éxitos de taquilla, películas personales de presupuesto medio y proyectos independientes más pequeños. [ 16 ] [ a ]

Historia

Fondo

De hecho, The Wild Angels fue una especie de... fue un gran éxito para el Nuevo Hollywood . Era de Roger Corman , de Peter Fonda , de Nancy Sinatra , era una película del Nuevo Hollywood, y era muy anti-Viejo Hollywood, muy cruda, violenta, ya sabes, no era para nada una película del Viejo Hollywood. Y yo no, no estaba particularmente al tanto. Luego, al año siguiente, fue Bonnie and Clyde . Shadows se había estrenado a principios de los 60, así que esa fue realmente la primera señal de una especie de movimiento off-Hollywood. [ 23 ] – Peter Bogdanovich

Tras el caso Paramount (que puso fin a la reserva de bloques y la propiedad de cadenas de cines por parte de los estudios cinematográficos) [ 16 ] [ 24 ] y la llegada de la televisión [ 25 ] (donde Gore Vidal , Rod Serling , John Frankenheimer , Arthur Penn , Paddy Chayefsky y Sidney Lumet trabajaron en sus primeros años), [ b ] ambos debilitaron gravemente tanto el sistema de estudios tradicional [ 35 ] [ 36 ] como el Código de Producción Cinematográfica (o Código Hays ), los estudios de Hollywood inicialmente utilizaron el espectáculo para mantener la rentabilidad. Technicolor desarrolló un uso mucho más extendido, mientras que los procesos de pantalla ancha y las mejoras técnicas, como CinemaScope , el sonido estéreo y otros, como el 3D , se inventaron para retener a la menguante audiencia y competir con la televisión. Sin embargo, estos generalmente no tuvieron éxito en aumentar las ganancias. [ 37 ] En 1957, la revista Life llamó a la década de 1950 "la década horrible" para Hollywood. La prensa lo denominó "Nuevo Hollywood". [ 38 ]

En los años 50 y principios de los 60, Hollywood estaba dominado por musicales, epopeyas históricas y otras películas que se beneficiaban de las pantallas más grandes, el encuadre más amplio y el sonido mejorado. Sin embargo, la audiencia siguió disminuyendo y había alcanzado niveles alarmantemente bajos a mediados de los 60. Varios fracasos costosos, incluyendo Doctor Dolittle , [ 39 ] Tora! Tora! Tora! [ 40 ] y la película de Julie Andrews Star!, cada uno de intentos fallidos de replicar el éxito de Mary Poppins , Doctor Zhivago y The Sound of Music , ejercieron una gran presión sobre los estudios. [ 41 ] [ 42 ] [ 43 ] Tanto la prensa británica como la estadounidense descartaron a los cineastas Alfred Hitchcock y Howard Hawks como "artistas frívolos y nada más" mientras elogiaban "modelos de películas de arte estadounidenses" más respetables como Judgment at Nuremberg de Stanley Kramer . [ 3 ] El cine underground estadounidense solía ser considerado "marginal y parroquial" incluso con los primeros largometrajes de John Cassavetes ( Shadows en 1959) y Shirley Clarke ( The Connection en 1961) [ 44 ] ya que ambos fueron elogiados por el crítico de cine de Esquire, Dwight Macdonald (a pesar de ser hostil a otros títulos underground como la manifestación de Jonas Mekas de 1963, Guns of the Trees ). [ 3 ]

Para cuando la generación del baby boom comenzó a alcanzar la mayoría de edad a mediados y finales de la década de 1960, el " viejo Hollywood " estaba perdiendo dinero rápidamente; los estudios no estaban seguros de cómo reaccionar a la demografía de la audiencia, que había cambiado mucho. El cambio en el mercado durante el período pasó de una audiencia de mediana edad con educación secundaria a mediados de la década de 1960 a una demografía más joven, más acomodada y con educación universitaria: a mediados de la década de 1970, el 76% de todos los espectadores de cine eran menores de 30 años, el 64% de los cuales había ido a la universidad. [ 45 ] Las películas europeas , tanto de autor como comerciales (especialmente la Commedia all'italiana , la Nouvelle Vague francesa , el spaghetti western ), y el cine japonés [ 46 ] estaban causando sensación en los Estados Unidos: el enorme mercado de jóvenes descontentos parecía encontrar relevancia y significado artístico en películas como Blow-Up de Michelangelo Antonioni , con su estructura narrativa oblicua y desnudos femeninos frontales. [ 47 ] [ 48 ]

La desesperación que sintieron los estudios durante este período de recesión económica, y tras las pérdidas de costosos fracasos cinematográficos, condujo a la innovación y la asunción de riesgos, lo que permitió un mayor control por parte de directores y productores más jóvenes. [ 49 ] Por lo tanto, en un intento por captar a ese público que encontró una conexión con las "películas de arte" europeas, los estudios contrataron a un grupo de jóvenes cineastas y les permitieron realizar sus películas con relativamente poco control del estudio. [ 50 ] Algunos de ellos, como el actor Jack Nicholson , Dennis Hopper (quien también fue el protagonista principal en el thriller sobrenatural de Curtis Harrington de 1961, Night Tide , distribuido por American International Pictures de Corman ) [ 51 ] [ 52 ] y el director Peter Bogdanovich , fueron mentorizados por el "Rey de las B", Roger Corman [ 53 ] [ 4 ] [ 54 ] [ 55 ] mientras que otros, como el célebre director de fotografía Vilmos Zsigmond, trabajaron para directores de películas B menos conocidos como Ray Dennis Steckler , conocido por la película de Arch Hall Jr. de 1962 , Wild Guitar [ 56 ] y la película musical de terror de 1963, The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies . [ 57 ] Esto, junto con el colapso del Código Hays [ 58 ] [ 59 ] tras el caso judicial Freedman v. Maryland en 1965 y el nuevo sistema de clasificaciones en 1968 [ 60 ] [ 61 ] (que reflejaba la creciente segmentación del mercado) preparó el escenario para el Nuevo Hollywood. [ 62 ]

Bonnie y Clyde y El graduado

Una película emblemática de la generación del Nuevo Hollywood fue Bonnie y Clyde (1967). [ 9 ] Producida y protagonizada por Warren Beatty y dirigida por Arthur Penn , su combinación de violencia gráfica y humor, así como su temática de juventud glamorosa y descontenta, fue un éxito de público. La película finalmente ganó los Premios Óscar a la Mejor Actriz de Reparto ( Estelle Parsons ) [ 63 ] y a la Mejor Fotografía . [ 64 ] [ 65 ]

Cuando Jack L. Warner , entonces director ejecutivo de Warner Bros. Pictures , vio por primera vez un montaje preliminar de Bonnie y Clyde en el verano de 1967, lo odió. Los ejecutivos de distribución de Warner Bros. estuvieron de acuerdo, y le dieron a la película un estreno discreto y un lanzamiento limitado. Su estrategia pareció justificada cuando Bosley Crowther , crítico de cine de nivel medio de The New York Times , le dedicó una crítica mordaz. «Es una comedia burda y descarada», escribió, «que trata las horribles fechorías de esa pareja sórdida y estúpida como si fueran tan divertidas y desenfrenadas como los personajes de la era del jazz en Thoroughly Modern Millie …» Otras críticas, incluidas las de las revistas Time y Newsweek , fueron igualmente desdeñosas. [ 66 ]

Su representación de la violencia y la ambigüedad en cuanto a los valores morales, así como su sorprendente final, dividieron a la crítica. Tras una de las críticas negativas, la revista Time recibió cartas de admiradores de la película y, según el periodista Peter Biskind , el impacto de la crítica Pauline Kael en su reseña positiva (octubre de 1967, New Yorker ) llevó a otros críticos a seguir su ejemplo y reevaluar la película (en particular Newsweek y Time ). [ 67 ] Kael destacó la inocencia de los personajes y el mérito artístico del contraste entre esta y la violencia presente en la película: «En cierto modo, es la ausencia de sadismo —es la violencia sin sadismo— lo que desestabiliza al público en Bonnie y Clyde . La brutalidad que surge de esta inocencia es mucho más impactante que las brutalidades calculadas de asesinos despiadados». Kael también señaló la reacción del público ante el violento clímax de la película y el potencial de empatizar con la banda de criminales en términos de su ingenuidad e inocencia, lo que refleja un cambio en las expectativas del cine estadounidense. [ 68 ]

El artículo de portada de la revista Time en diciembre de 1967 celebró la película y la innovación en el cine de la Nueva Ola estadounidense. Este influyente artículo de Stefan Kanfer afirmaba que Bonnie y Clyde representaba un "Nuevo Cine" a través de sus límites de género difusos y su desprecio por los aspectos consagrados de la trama y la motivación, y que "Tanto en la concepción como en la ejecución, Bonnie y Clyde es una película trascendental, del tipo que señala un nuevo estilo, una nueva tendencia". [ 48 ] Biskind afirma que esta reseña y el cambio de opinión de algunos críticos permitieron que la película se reestrenara, demostrando así su éxito comercial y reflejando el movimiento hacia el Nuevo Hollywood. [ 69 ] El impacto de esta película es importante para comprender el resto de la Nueva Ola estadounidense, así como las condiciones que fueron necesarias para ella.

También estrenada ese mismo año fue otra película que marcó una época, sobre la celebración de la rebeldía juvenil: El graduado , protagonizada por Anne Bancroft y Dustin Hoffman , con banda sonora del popular dúo folk Simon & Garfunkel [ 70 ] [ 71 ] [ 72 ] y dirigida por Mike Nichols (por la que ganó el único Oscar de la película al Mejor Director ), sobre Benjamin, un joven recién graduado que rechaza los valores tradicionales de sus padres y su sociedad hipócrita, junto con un futuro en la industria del plástico. [ 73 ] [ 74 ]

Estos éxitos iniciales allanaron el camino para que el estudio cediera prácticamente el control total a estos jóvenes e innovadores cineastas. A mediados de la década de 1970, películas singulares y sorprendentemente originales como Paper Moon , Dog Day Afternoon , Chinatown y Taxi Driver , entre otras, cosecharon un enorme éxito de crítica y público. Estos éxitos de los miembros del Nuevo Hollywood los llevaron, a su vez, a exigir cada vez más, tanto a los estudios como, finalmente, al público.

Características

Bonnie y Clyde (1967)
La noche de los muertos vivientes (1968)
2001: Una odisea del espacio (1968)

La nueva generación de cineastas de Hollywood era, sobre todo, joven, desde la perspectiva de los estudios, lo que les permitía llegar al público juvenil que estaban perdiendo. Este colectivo de actores, guionistas y directores, apodado por la prensa como el "Nuevo Hollywood", transformó brevemente la industria, alejándola del sistema de Hollywood dominado por los productores del pasado, como ha escrito Todd Berliner sobre las inusuales prácticas narrativas de la época. [ 75 ]

Según Berliner, la década de 1970 marca la transformación formal más significativa de Hollywood desde la transición al cine sonoro y constituye el período que define la separación entre los modos narrativos de la era de los estudios y el Hollywood contemporáneo. Las nuevas películas de Hollywood se desvían de las normas narrativas clásicas más que las películas de Hollywood de cualquier otra época o movimiento. Sus recursos narrativos y estilísticos amenazan con desviar una narración que, de otro modo, sería lineal. Berliner sostiene que cinco principios rigen las estrategias narrativas características de las películas de Hollywood de la década de 1970:

  • Las películas de los años setenta muestran una tendencia perversa a integrar, de forma incidental en la narrativa, información argumental y recursos estilísticos contraproducentes para los propósitos narrativos explícitos y esenciales de las películas.
  • Los cineastas de Hollywood de la década de 1970 a menudo sitúan sus prácticas cinematográficas entre las del Hollywood clásico y las del cine de autor europeo y asiático.
  • Las películas de los años setenta provocan reacciones en el espectador más inciertas e incómodas que las del cine hollywoodiense más típico.
  • Las narrativas de los años setenta hacen un énfasis inusual en la falta de resolución, particularmente en el momento culminante o en los epílogos, cuando las películas más convencionales de Hollywood se dedican a atar cabos sueltos.
  • El cine de los años setenta obstaculiza la linealidad narrativa y el ritmo, y frustra su potencial para generar suspenso y emoción. [ 76 ]

El cine de los setenta también abordó la identidad femenina en la era de la segunda ola del feminismo , las crisis masculinas con personajes masculinos defectuosos, conclusiones desalentadoras y temas pesimistas [ c ] junto con el realismo emocional en las historias de identidad femenina, [ 83 ] actitudes negativas hacia las instituciones autoritarias y otros aspectos de la vida estadounidense [ 84 ] [ 85 ] y representaciones crudas de una América tambaleándose por conflictos tensos como la guerra de Vietnam y el escándalo Watergate del presidente Richard Nixon . [ 86 ] [ 87 ] [ 88 ] Algunos títulos del Nuevo Hollywood como el western ácido de Hopper [ 89 ] The Last Movie y el musical de Brian De Palma Phantom of the Paradise tenían características más excéntricas, incluyendo argumentos indulgentes y un desprecio vertiginoso de las convenciones del género. [ 90 ]

Thomas Schatz señala otra diferencia con la Edad de Oro de Hollywood, que se refiere a la relación entre personajes y trama. Argumenta que la trama en las películas clásicas de Hollywood (y algunas de las primeras películas del Nuevo Hollywood, como El Padrino ) "tendía a surgir de forma más orgánica como una función de los impulsos, deseos, motivaciones y objetivos de los personajes principales". Sin embargo, a partir de mediados de la década de 1970, señala una tendencia en la que "los personajes se convirtieron en funciones de la trama". [ 91 ]

Durante el apogeo del sistema de estudios, las películas se rodaban casi exclusivamente en platós de estudios aislados. El contenido de las películas estaba limitado por el Código de Producción Cinematográfica, y aunque los cineastas de la época dorada encontraron resquicios en sus reglas, se impedía de hecho abordar temas más tabú a través del cine. El cambio hacia un «nuevo realismo» fue posible gracias a la introducción del sistema de clasificación de películas de la Motion Picture Association of America y a la creciente viabilidad del rodaje en exteriores . La ciudad de Nueva York era un lugar predilecto para esta nueva generación de cineastas debido a su ambiente crudo y sórdido. [ 92 ] [ 93 ] [ 94 ] [ 95 ] [ 96 ]

Gracias a los avances en la tecnología cinematográfica (por ejemplo, la cámara Panavision Panaflex , introducida en 1972; la Steadicam , introducida en 1976), los cineastas del Nuevo Hollywood podían rodar en exteriores con relativa facilidad utilizando película de 35 mm. Dado que el rodaje en exteriores era más económico (no era necesario construir decorados), los cineastas del Nuevo Hollywood desarrollaron rápidamente el gusto por este tipo de rodaje, lo que dio como resultado un enfoque más naturalista de la cinematografía, especialmente en comparación con el enfoque mayoritariamente estilizado de los musicales y espectáculos clásicos de Hollywood realizados para competir con la televisión durante las décadas de 1950 y principios de 1960. Los documentales de D.A. Pennebaker , Émile de Antonio , los hermanos Maysles y Frederick Wiseman , entre otros, también influyeron en los cineastas de esta época. [ 97 ] [ 98 ]

Sin embargo, en el montaje, los cineastas del Nuevo Hollywood se adhirieron al realismo con mayor libertad que la mayoría de sus predecesores del Hollywood clásico, utilizando a menudo el montaje con fines artísticos en lugar de solo para mantener la continuidad, una práctica inspirada en el cine de arte europeo y en directores clásicos del Hollywood como DW Griffith y Hitchcock. Entre las películas con montaje poco ortodoxo se incluye el uso de cortes abruptos en Easy Rider ( influenciado por las obras del cineasta experimental de collage Bruce Conner ) [ 99 ] [ 100 ] [ 101 ] para anticipar el clímax de la película, así como usos más sutiles, como los que reflejan la sensación de frustración en Bonnie y Clyde , la subjetividad del protagonista en El graduado y el paso del tiempo en el famoso montaje de 2001: Una odisea del espacio . [ 102 ] [ 103 ] El diseño de sonido denso también era común durante esta época. [ 104 ]

También fueron influyentes las obras de los cineastas experimentales y estructurales Arthur Lipsett , [ 105 ] Stan Brakhage , [ 3 ] Bruce Baillie , [ 106 ] Jordan Belson , [ 107 ] [ 108 ] John Whitney , [ 108 ] Scott Bartlett , [ 109 ] Maya Deren , [ 44 ] Andy Warhol , [ 97 ] Michael Snow y Kenneth Anger [ 3 ] con sus combinaciones de música e imágenes y cada uno fue citado por George Lucas , Francis Ford Coppola y Martin Scorsese como influencias. [ 110 ] [ 44 ] La generación del Nuevo Hollywood de directores y guionistas (cada uno educado en USC , UCLA , NYU y AFI [ 111 ] ) como Coppola, Lucas, Scorsese, Steven Spielberg , John Milius y Paul Schrader [ 112 ] a veces eran etiquetados en broma como "Mocosos del Cine" o " Jóvenes Turcos ". [ 113 ]

El fin del código de producción permitió que las películas del Nuevo Hollywood presentaran temas políticos antisistema, el uso de música rock y la libertad sexual considerada "contracultural" por los estudios. [ 114 ] El movimiento juvenil de la década de 1960 convirtió a antihéroes como Bonnie y Clyde y Cool Hand Luke en ídolos de la cultura pop, y la revista Life calificó a los personajes de Easy Rider como "parte del mito fundamental central de la contracultura de finales de la década de 1960". [ 115 ] Easy Rider también influyó en la forma en que los estudios buscaban llegar al mercado juvenil. [ 115 ] El éxito de Midnight Cowboy , a pesar de su clasificación "X", fue evidencia del interés por temas controvertidos en ese momento y también mostró la debilidad del sistema de clasificación y la segmentación de la audiencia. [ 116 ]

Interpretaciones sobre la definición del movimiento

Para Peter Biskind, la nueva ola fue prefigurada por Bonnie y Clyde y comenzó en serio con Easy Rider . El libro de Biskind, Easy Riders, Raging Bulls, sostiene que el movimiento del Nuevo Hollywood marcó un cambio significativo hacia obras innovadoras y de producción independiente por parte de una nueva generación de directores, pero que este cambio comenzó a revertirse cuando el éxito comercial de Tiburón y Star Wars llevó a los estudios a darse cuenta de la importancia de los éxitos de taquilla , la publicidad y el control sobre la producción (aunque se decía que el éxito de El Padrino era el precursor del fenómeno de los éxitos de taquilla). [ 117 ] [ 118 ]

En 1968, la crítica Pauline Kael argumentó que la importancia de El graduado radicaba en su significado social para un nuevo público joven y en el papel de los medios de comunicación de masas, más que en sus aspectos artísticos. Kael sostuvo que los estudiantes universitarios que se identificaban con El graduado no eran muy diferentes del público que se identificaba con los personajes de los dramas de la década anterior. [ 119 ] También comparó esta época del cine con el «florecimiento intrincado y amargo de las letras estadounidenses en la década de 1850». [ 120 ]

El cineasta Quentin Tarantino identificó en su libro de 2022 Cinema Speculation que: [ 14 ]

Los cinéfilos habituales se estaban cansando del cine estadounidense moderno. La oscuridad, el consumo de drogas, la búsqueda de sensaciones fuertes: la violencia, el sexo y la violencia sexual. Pero, aún más, se cansaron del cinismo que lo rechazaba todo... ¿Acaso todo era una decepción? ¿Todo era un rollo? ¿Todas las películas trataban sobre algún tipo con problemas?

En 1980, el historiador y estudioso del cine Robert P. Kolker examinó a los directores de cine del Nuevo Hollywood en su libro A Cinema of Loneliness: Penn, Kubrick, Coppola, Scorsese, Altman , y cómo sus películas influyeron en la sociedad estadounidense de las décadas de 1960 y 1970. [ 121 ] Kolker observó que "a pesar de todo el desafío y la aventura, sus películas hablan de una impotencia continua en el mundo, una incapacidad para cambiar y para generar cambios". [ 122 ]

John Belton señala el cambio demográfico hacia audiencias aún más jóvenes y conservadoras a mediados de la década de 1970 (50% de entre 12 y 20 años) y el giro hacia temas menos políticamente subversivos en el cine comercial, [ 123 ] al igual que Thomas Schatz, quien vio a mediados y finales de la década de 1970 como el declive del movimiento del cine de arte como una fuerza importante en la industria, cuyo apogeo se produjo en 1974-75 con Nashville y Chinatown . [ 124 ]

Geoff King considera este período como un movimiento de transición en el cine estadounidense, donde una confluencia de fuerzas propició cierta libertad en la realización cinematográfica, aunque también señaló que los estudios sobre la época tienden a centrarse en dos versiones: la era independiente, impulsada por el autor, y la era de los grandes éxitos de taquilla. [ 125 ] [ 126 ] Todd Berliner afirma que el cine de los años 70 se resiste a la eficiencia y la armonía que normalmente caracterizan al cine clásico de Hollywood y pone a prueba los límites del modelo clásico de Hollywood. [ 127 ]

Según el autor y crítico de cine Charles Taylor ( Estreno el miércoles en un cine o autocine cerca de ti ), afirmó que «la década de 1970 sigue siendo el tercer —y, hasta la fecha, último— gran período del cine estadounidense». [ 128 ] El autor y crítico de cine David Thomson también compartió sentimientos similares, llegando a calificar la época como «la década en que las películas importaban». [ 120 ]

El videoensayista Leigh Singer escribió que este célebre período veneraba los dramas épicos y los discursos serios sobre el estado de la nación "realizados por autores locales" ( The Last Picture Show , El Padrino , Chinatown , Nashville , Network y Taxi Driver ) por encima de las películas de género menos respetables. [ 129 ]

Por otro lado, el autor AD Jameson ( I Find Your Laugh of Faith Disturbing ) afirmó que Star Wars fue el mayor logro del Nuevo Hollywood, que realmente encarnaba las características de las respetadas "películas para adultos serias y sofisticadas", al tiempo que cuestionaba la narrativa crítica frecuentemente contada sobre dicha "última gran década del cine estadounidense". [ 130 ] [ 131 ]

La autora Julie A. Turnock, en su libro Plastic Reality , afirmó que una explicación común del éxito de Star Wars y Encuentros Cercanos del Tercer Tipo radicaba en que ambas películas ofrecían un optimismo esperanzador para tiempos difíciles, en contraposición al cine "de fatalismo y desolación" de la época, del que el público estaba cansado, con su énfasis en la desconfianza hacia la autoridad, sus visiones pesimistas y fatalistas del futuro y su falta de propósito antiheroico. [ 132 ]

La profesora de la Universidad de Columbia, Elanor Johnson, rastreó seis clásicos del terror ( El bebé de Rosemary , El exorcista , Las esposas de Stepford , La profecía , Alien y El resplandor ) realizados durante esta época desde una perspectiva feminista en su libro de 2025, Grita conmigo: Películas de terror y el auge del feminismo estadounidense 1968-1980 . [ 133 ]

Nathan Rabin , escribiendo para un artículo que conmemoraba el 40 aniversario de la película en Boston.com en 2015, sostuvo que Tiburón , a pesar de ser catalogada por la sabiduría popular como la película que acabó con el peculiar Nuevo Hollywood, no se sentía como tal desde la perspectiva actual. [ 134 ]

El Museo de Cine Austriaco , que realizó un programa en 2013 titulado Los verdaderos años ochenta que presentaba algunos títulos del Nuevo Hollywood como El rey de la comedia , Blow Out y American Gigolo , declaró que: [ 135 ]

Todos los males tienen su origen en los años ochenta. Esta década de transición, testigo de la reestructuración de la industria cinematográfica en consonancia con la agenda neoliberal del presidente Reagan, acabó con los últimos vestigios del Nuevo Hollywood y sentó las bases del actual panorama de cine conceptual. Así reza, pues, una historia de decadencia demasiado conocida. La retrospectiva « Los verdaderos ochenta» cuestiona este tópico de la historia del cine y se alinea con la corriente principal del cine de Hollywood: los realismos cinematográficos de los años ochenta —cercanos a las fábricas de sueños de Steven Spielberg o George Lucas, pero en desacuerdo con los imperativos políticos y estéticos de la década— esperan ser redescubiertos.

Daniel Joyaux, escribiendo para Roger Ebert.com sobre el lanzamiento en 2024 por parte de Criterion Collection del clásico de Tom Cruise de 1983 Risky Business , compartió preocupaciones similares: [ 136 ]

Existe la creencia generalizada en la historia de Hollywood de que, desde el momento en que Heaven's Gate casi llevó a la bancarrota a United Artists en 1980 hasta el momento en que Sex, Lies, and Videotape impulsó el auge del cine independiente en los 90, los ejecutivos de los estudios sentían una aversión casi patológica hacia cualquier película con ambición artística. Hay algo de verdad en esto, y textos fundamentales como el libro de Peter Biskind de 1998, Easy Riders, Raging Bulls, han convertido esos fragmentos de verdad en una auténtica mitificación del Hollywood de los 70 y los 90, mientras que los 80 siguen siendo en gran medida descartados como un páramo creativo.

En su libro de 2022, We Are The Mutants: The Battle For Hollywood from Rosemary's Baby to Lethal Weapon , los autores Kelly Roberts, Michael Grasso y Richard McKenna argumentaron que la narrativa dominante, el mito de los "forajidos" que se apoderaron de Hollywood para formar la última y mejor "época dorada" del cine estadounidense, se creó en gran parte debido a la sabiduría convencional de la incipiente industria de la crítica cinematográfica, que canonizaba a los autores en lugar de reconocer que estaban destinados a ser los "nuevos jefes" junto con las películas independientes que surgieron en la misma época y que también abordaban el estado de ánimo psíquico del país. También reinterpretaron The Texas Chainsaw Massacre como una alegoría sobre la violencia capitalista y el declive de la industria estadounidense tradicional, The Exorcist como una reacción contra la liberación femenina y Silent Running como una denuncia de la contracultura estadounidense solipsista. [ 137 ]

Steven Hyden, escribiendo para Grantland , llamó a los Movie Brats la "versión cinematográfica" del rock clásico , hasta el punto de comparar a Spielberg con los Beatles , a Scorsese con The Velvet Underground , a Coppola con Bob Dylan , a Lucas con Pink Floyd , a Robert Altman con Neil Young , a Brian De Palma con Led Zeppelin , a Bogdanovich con los Beach Boys y a Hal Ashby con The Kinks . [ 81 ]

En su libro de 2026, Last Kings of Hollywood , [ 138 ] el autor Paul Fischer declaró que Spielberg "habla el lenguaje de la cámara mejor que nadie", describió a Lucas como un vendido "que perdió su detector de tonterías y se ha bebido su propio Kool-Aid" y afirmó que Coppola "era el más difícil de acorralar", señalando su infidelidad egocéntrica y su "disposición a tratar la vida creativa como si fuera un experimento". [ 139 ]

Stephen Vagg , escribiendo para Filmink , argumentó que estudios como Cinema Center Films fueron una parte importante del Nuevo Hollywood pero no recibieron el reconocimiento debido a que fueron operaciones efímeras y/o propiedad de cadenas de televisión. [ 140 ]

La película Boogie Nights de Paul Thomas Anderson de 1997 , sobre la "época dorada" de la industria del cine para adultos , puede verse como una alegoría de la desaparición de esta era. [ 141 ]

Crítica

En un artículo del Los Angeles Times , la crítica de cine Manohla Dargis describió el Nuevo Hollywood como la "época dorada" del cine de los años setenta, que "fue menos una revolución que un negocio como siempre, con un bombo rebelde". [ 142 ] También señaló en su artículo del New York Times que los entusiastas de la época insisten en que fue "cuando las películas estadounidenses maduraron (o al menos las protagonizaron actrices con poca ropa); cuando los directores hicieron lo que quisieron (o al menos se transformaron en marcas); cuando la creatividad reinó (o al menos se desbordó gloriosamente, aunque a menudo a costa del estudio)". [ 143 ]

Molly Haskell , en su libro De la reverencia a la violación: El trato a las mujeres en el cine , describió cómo esta era del cine "con sus sucesivas revelaciones, progresó como una bailarina de striptease, aunque torpemente, como una novata con prisa por salir del escenario". [ 144 ]

Esta época también fue infame por su excesiva decadencia y percances en el set (como fue el caso de Apocalypse Now cuando la tumultuosa producción fue documentada por Eleanor Coppola, que a su vez se convirtió en su documental de 1991 Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse ). [ d ] Los incidentes que plagaron el detrás de escena de algunas de las películas de terror de esta época (como Rosemary's Baby , The Exorcist , Twilight Zone: The Movie , Poltergeist y The Omen ) también fueron los temas de la docuserie Cursed Films . [ 155 ] Incluso Spielberg, quien codirigió/coprodujo Twilight Zone con John Landis , estaba tan disgustado por el manejo de este último de un fatal accidente de helicóptero que resultó en la muerte de tres actores ( Vic Morrow y dos niños vietnamitas), [ 156 ] que terminó su amistad y pidió públicamente el fin del Nuevo Hollywood. [ 157 ] (De Palma y Friedkin compartieron sentimientos similares sobre el accidente. [ 158 ] ) Cuando la prensa lo abordó sobre el accidente, declaró: [ 159 ]

"Ninguna película vale la pena como para arriesgar la vida. Creo que ahora la gente se está rebelando mucho más que nunca contra los productores y directores que exigen demasiado. Si algo no es seguro, es derecho y responsabilidad de cada actor o miembro del equipo gritar: '¡Corten!'".

John Malahy, personalidad de Turner Classic Movies , en su libro Rewinding the '80s , [ 160 ] señaló que un problema creciente de esta época era el ego del director, que gastaba millones en elaborados sueños cinematográficos que casi nadie compartía (por ejemplo, Heaven's Gate de Cimino ). [ 161 ]

Los premios Golden Raspberry —más conocidos como los Razzies— surgieron durante el ocaso de esta era, deshonrando producciones como Cruising de Freidkin y Heaven's Gate de Cimino , junto con dos megamusicales responsables de establecer los premios: Xanadu y Can't Stop the Music , este último convirtiéndose finalmente en el primer ganador del premio Golden Raspberry a la peor película . [ 162 ] [ 163 ]

Legado

Las películas del Nuevo Hollywood influyeron en futuros cineastas convencionales [ 130 ] e independientes como Quentin Tarantino, Edgar Wright , Paul Thomas Anderson y Noah Baumbach . [ 164 ] [ 81 ] [ 129 ] La adaptación de Todd Phillips de DC Comics de 2019, Joker , junto con la ambientación de época de la película, se inspiró en los clásicos de Martin Scorsese Taxi Driver y El rey de la comedia , [ 165 ] mientras que la película de Alexander Payne de 2023, The Holdovers, se inspiró en las obras de Ashby. [ 166 ] Érase una vez en Hollywood, ganadora del Premio de la Academia de Tarantino en 2019, lamentó el final de la Edad de Oro al tiempo que señalaba el comienzo de esta era. [ 167 ] El Padrino Parte III ; Texasville ; y The Two Jakes —cada una estrenada en 1990— cuentan como "secuelas" de tres clásicos del Nuevo Hollywood, respectivamente: El Padrino Parte II ; The Last Picture Show ; y Chinatown . (Las secuelas fueron dirigidas respectivamente por Francis Ford Coppola; Peter Bogdanovich; y Jack Nicholson, quien interpretó el papel principal en el neo-noir de Polanski de 1974 y retoma su papel aquí en The Two Jakes . [ 168 ] [ 169 ]

Estas películas también influyeron tanto en el género Poliziotteschi como en las películas de discoploitation en Italia, [ 170 ] [ 171 ] [ 172 ] y una década después en el movimiento Cinéma du look en Francia. [ 173 ] La narrativa de la película británica de 1983 filmada en vídeo, Suffer Little Children, estuvo influenciada en parte por Carrie de Brian De Palma y Halloween de John Carpenter . [ 174 ]

Se ha señalado que el cine excéntrico estadounidense se vio influenciado por esta época. Ambas tradiciones comparten temas y narrativas similares sobre el existencialismo y la necesidad de interacción humana. El Nuevo Hollywood se centra en los aspectos más oscuros de la humanidad y la sociedad dentro del contexto del sueño americano, desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1980, con temas que reflejaban problemas socioculturales y giraban en torno a la posible falta de sentido de perseguir dicho sueño, ya que generación tras generación se sentía motivada a alcanzarlo. En comparación, el cine excéntrico estadounidense carece de un contexto definido, puesto que sus películas muestran personajes muy individuales cuyas preocupaciones son muy propias de sus personalidades. [ 175 ]

El Nuevo Cine Americano ha sido propicio para la parodia, como en la sátira de los Muppets de Peter Jackson de 1989 , Meet the Feebles (que parodia la escena de la ruleta rusa de El cazador ); [ 176 ] las parodias de Ernie Fosselius , Hardware Wars (1978) [ 177 ] y Porklips Now (1980); [ 178 ] la película de culto de Jim Reardon de 1986 , Bring Me the Head of Charlie Brown , que parodia Taxi Driver , The Wild Bunch y Bring Me the Head of Alfredo Garcia ; [ 179 ] y la película de culto de fans de 1987 del artista de video canadiense Todd Graham , Apocalypse Pooh , una mezcla cómica y extraña de Winnie the Pooh de Disney y Apocalypse Now de Coppola . [ 180 ] [ 181 ] [ 182 ]

Lista de películas

Véase también

Notas

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  • La Revolución Americana – DGA Archivado el 28 de abril de 2021 en Wayback Machine
  • Episodio "La generación de las escuelas de cine" de American Cinema en Annenberg Learner