Friso del Partenón

El Friso del Partenón es una escultura de mármol pentélico en bajorrelieve creada para adornar la parte superior de la naos del Partenón .

Fue esculpido entre c. 443 y 437 a. C., ^{[ 1 ]} muy probablemente bajo la dirección de Fidias . De los 160 metros (524  pies) del friso original,  sobreviven 128 metros (420 pies) , aproximadamente el 80 por ciento. ^{[ 2 ]} El resto se conoce solo a partir de los dibujos atribuidos al artista francés Jacques Carrey en 1674, trece años antes del bombardeo veneciano que arruinó el templo. Junto con las 64 metopas del Partenón y las 28 figuras de los frontones del Partenón , constituye la mayor parte de la escultura que se conserva del edificio.

Todo el friso ha sido retirado del Partenón.

56 bloques del friso se encuentran en el Museo Británico de Londres (formando la mayor parte de los Mármoles de Elgin ); 40 bloques están en el Museo de la Acrópolis de Atenas , y el resto de los fragmentos se comparten entre otras seis instituciones. ^{[ 3 ]} Se pueden encontrar moldes del friso en el archivo Beazley del Museo Ashmolean de Oxford, en el Museo Spurlock de Urbana , en la Skulpturhalle de Basilea y en otros lugares. ^{[ 4 ]} Grecia ha reclamado la parte del friso que se encuentra en Londres, y las autoridades británicas y griegas están discutiendo su futuro. ^{[ 5 ]} El 24 de marzo de 2023, un fragmento de relieve de un joven del "Bloque 5" del friso fue repatriado al Museo de la Acrópolis desde los Museos Vaticanos . ^{[ 6 ]}

Plutarch's Life of Pericles, 13.4–9, informs us "the man who directed all the projects and was overseer [episkopos] for him [Pericles] was Phidias... Almost everything was under his supervision, and, as we have said, he was in charge, owing to his friendship with Perikles, of all the other artists".^[7] The description was not architekton,^[8] the term usually given to the creative influence behind a building project, rather episkopos.^[9] But it is from this claim, the circumstantial evidence of Phidias's known work on the Athena Parthenos and his central role in the Periclean building programme that he is attributed authorship of the frieze.^[10] The frieze consists of 378 figures and 245 animals. It was 160 meters (524 ft) in length when complete, as well as 1 meter in height, and it projects 5.6 cm forward at its maximum depth. It is composed of 114 blocks of an average 1.22 meters in length, depicting two parallel files in procession. It was a particular novelty of the Parthenon that the cella carries an Ionicfrieze over the hexastylepronaos rather than Doricmetopes, as would have been expected of a Doric temple. Judging by the existence of regulae and guttae below the frieze on the east wall this was an innovation introduced late in the building process and replaced the ten metopes and triglyphs that might otherwise have been placed there.^[11]

El mármol fue extraído del Monte Pentélico y transportado 19  km hasta la acrópolis de Atenas . Una pregunta persistente ha sido si fue tallado in situ . ^{[ 12 ]} Justo debajo de la moldura y encima de la tenia hay un canal de 17  mm de altura que habría servido para dar acceso al cincel del escultor al terminar las cabezas o los pies en el relieve; este scamillus o tira guía es la mejor evidencia que existe de que los bloques fueron tallados en la pared. Además, por razones prácticas es más fácil mover a un escultor que una escultura, y usar una palanca para colocarlos en su lugar, potencialmente, podría haber astillado los bordes. ^{[ 13 ]} No se puede recuperar información sobre el taller, pero las estimaciones varían de tres a 80 escultores según el estilo. Sin embargo, la arqueóloga estadounidense Jenifer Neils sugiere nueve, basándose en que este sería el número mínimo necesario para producir la obra en el tiempo dado. ^{[ 14 ]} Fue terminado con detalles de metal y pintado. Sin embargo, no se conserva ningún color, pero quizás el fondo era azul, a juzgar por la comparación con las estelas funerarias y los restos de pintura en el friso del Hefestión . ^{[ 15 ]} Posiblemente las figuras sostenían objetos que también fueron representados en pintura, como el tridente de Poseidón y el laurel en la mano de Apolo . ^{[ 16 ]} Los numerosos agujeros de perforación encontrados en las cabezas de Hera y Apolo indican que probablemente una corona de bronce dorado habría coronado a las deidades. ^{[ 17 ]}

El sistema de numeración de los bloques del friso se remonta a la obra de Adolf Michaelis de 1871, Der Parthenon , y desde entonces Ian Jenkins ha revisado este esquema a la luz de descubrimientos recientes. ^{[ 18 ] [ 19 ]} La convención, aquí conservada, es que los bloques se numeran en números romanos y las figuras en números arábigos ; las figuras se numeran de izquierda a derecha en sentido contrario a la dirección de la procesión en el norte y el oeste, y en el mismo sentido en el sur.

La narración del friso comienza en la esquina suroeste, donde la procesión parece dividirse en dos filas separadas. El primer tercio del friso oeste no forma parte de la procesión, sino que parece representar las etapas preparatorias de los participantes. La primera figura es un mariscal vistiendo, W30, seguido de varios hombres preparando los caballos, W28-23, hasta la figura W22, quien, según se ha sugerido, ^{[ 20 ]} podría estar participando en la dokimasia , la prueba o el alistamiento de los caballeros . ^{[ 21 ]} W24 es una figura ambigua que podría ser el dueño que protesta por un caballo rechazado o un keryx (heraldo) cuya mano sostenía parte de una salpinx (trompeta) que de otro modo se habría perdido ; en cualquier caso, este punto marca el comienzo de la procesión propiamente dicha. ^{[ 22 ]}

Las siguientes filas W21–1 junto con N75–136 y S1–61 son todas de jinetes y constituyen el 46% de todo el friso. ^{[ 22 ]} Están divididas en dos líneas de diez filas, el mismo número que el de las tribus áticas. ^{[ 23 ]} Todas las figuras son jóvenes imberbes con la excepción de dos, W8 y W15, que junto con S2–7 visten atuendo tracio de gorro de piel, capa estampada y botas altas; estos han sido identificados por Martin Robertson como hiparcos . ^{[ 24 ]} A continuación están los carros de cuatro caballos , cada uno con su auriga y pasajero armado; hay diez en el friso sur y once en el norte. Dado que estos pasajeros a veces se representan desmontando, pueden interpretarse como los apobatai , participantes en la carrera ceremonial que se encontraba en Ática y Beocia . ^{[ 25 ]}

En N42 y S89 el desfile ecuestre ha terminado, y las siguientes 16 figuras al norte y 18 al sur se consideran ancianos de Atenas a juzgar por su cabello trenzado, un atributo de edad distinguida en el arte clásico. Cuatro de estas figuras levantan su mano derecha en un gesto de puño cerrado que sugiere una pose asociada con los talóforos (portadores de ramas de olivo) que eran hombres mayores elegidos en competencia solo por su belleza. Sin embargo, no hay agujeros perforados para insertar ninguna rama en sus manos. A continuación (S107–114, N20–28) están los músicos: cuatro cítaras (una variante de la lira ) y cuatro aulos (flautas). N16–19 y S115–118 (conjeturado) quizás, como hidriaforos , los portadores de vasijas de agua, aquí hombres, en lugar de las muchachas metecas mencionadas en la literatura sobre las Panateneas . N13–15, S119–121 son los skaphephoroi , los portadores de las bandejas de panales y pasteles que se usaban para atraer a los animales de sacrificio al altar. N1–12, S122–149 son las cuatro vacas y cuatro ovejas del norte y las diez vacas del sur destinadas al sacrificio en la acrópolis , presumiblemente una forma abreviada de la hecatombe que se suele ofrecer en esta ocasión; hay un ritmo aba de vacas plácidas e inquietas. ^{[ 26 ]}

A medida que los archivos convergen en el friso oriental encontramos a las primeras mujeres celebrantes E2–27, E50–51, E53–63. Las sacerdotisas llevan los instrumentos y parafernalia sacrificial incluyendo la phiale ( frasco o jarra), oinochoai (vasijas de vino), thymiaterion ( incensario ), y en el caso de E50–51, evidentemente acaban de entregarle al mariscal E49 un kanoun , convirtiendo a la muchacha en la kanephoros . ^{[ 27 ]} Los siguientes grupos E18–23, E43–46, son problemáticos. Seis a la izquierda y cuatro a la derecha, si no se cuentan otras dos figuras que pueden o no ser mariscales, entonces este grupo podría tomarse como los diez héroes epónimos que dieron sus nombres a las diez tribus. Su proximidad a las deidades indica su importancia, pero si se seleccionan de otra manera, entonces nueve de ellos podrían ser los arcontes de la polis o funcionarios athlothetai que dirigían la procesión; no hay suficiente evidencia iconográfica para determinar cuál interpretación es la correcta.

Las interpretaciones de las figuras varían. Se considera que las doce deidades sentadas son los olímpicos, son un tercio más altas que cualquier otra figura del friso y están dispuestas en dos grupos de seis sobre taburetes diphroi (sin respaldo), formas comunes de mobiliario antiguo , con la excepción de Zeus , que está entronizado. Sus espaldas están orientadas hacia lo que debe ser el evento culminante de la procesión E31–35; cinco figuras (tres niños y dos adultos, y aunque muy corroídas, los dos niños de la izquierda parecen ser niñas que llevan objetos sobre sus cabezas, ^{[ 28 ]} mientras que un tercero, quizás un niño, ^{[ 29 ]} ayuda a un adulto que puede ser el arconte basileus , a doblar un trozo de tela. Este friso a menudo se interpreta como la presentación del peplo de Atenea , quizás por los arrhephoroi , pero existe debate sobre a quién representan las figuras más que sobre qué ritual se representa. ^{[ 30 ]}

El Friso del Partenón es el monumento definitorio del estilo Clásico Alto de la escultura ática. ^{[ 31 ]} Se sitúa entre el gradual declive del estilo Severo , como se observa en las metopas del Partenón, ^{[ 32 ]} y la evolución del estilo Rico Clásico Tardío , ejemplificado por la balaustrada de Nike . Es difícil determinar las fuentes en las que se inspiró el diseñador del friso; sin duda, el arte narrativo a gran escala era familiar para los atenienses del siglo V, como en la pintura de la Stoa poikile de Polignoto de Tasos. Si bien existe una coherencia general en la obra, hay diferencias de diseño en los lados opuestos del friso que han sugerido a algunos estudiosos la posibilidad de más de un diseñador y un patrón de influencia entre ellos. ^{[ 33 ]} Hay mayor desnudez y representación frontal en el norte que en el sur, la masa y distribución de las figuras es muy diferente en el este que en el oeste, donde están más espaciadas, y el este y el norte generalmente muestran mayor innovación. Esta evidencia, junto con la frecuencia con la que se cree que colaboraban los artistas griegos, ha llevado a Jenifer Neils a plantear la hipótesis de la existencia de dos diseñadores trabajando en la escultura. ^{[ 34 ]} Esto admitiría la posibilidad de que un diseñador posterior comparara y compitiera con el anterior, y así explicaría los cambios observables en la composición. Las orientaciones geográficas también podrían haber determinado qué se representaría en un lado y qué en el otro, por ejemplo, las amazonas al oeste, etc.

Este periodo artístico se caracteriza por el descubrimiento de las posibilidades expresivas del cuerpo humano; se aprecia una mayor libertad en las poses y gestos, así como una mayor atención a la verosimilitud anatómica, como puede observarse en las posturas ponderadas de las figuras W9 y W4, que anticipan parcialmente al Doríforo de Policleto . Se percibe una notable fluidez en los físicos del friso en comparación con la rigidez de las metopas, junto con una atención a sutilezas como las articulaciones de los nudillos, las venas y la cuidadosa articulación de la musculatura. Una importante innovación del estilo es el uso de los drapeados como expresión de movimiento o para sugerir el cuerpo subyacente; en la escultura arcaica y del clasicismo temprano, la ropa caía sobre el cuerpo como una cortina que ocultaba la forma inferior, mientras que en estas esculturas, las clámides ondeantes de los jinetes y los peplos de múltiples pliegues de las mujeres confieren un movimiento y una tensión superficiales a sus poses, por lo demás estáticas. La variación en las crines de los caballos ha sido de particular interés para algunos estudiosos que intentan discernir las personalidades artísticas de los escultores que trabajaron en el friso o tal vez, indicando una representación deliberada de diferentes tradiciones regionales, ^{[ 35 ]} hasta ahora este análisis morelliano no ha llegado a ninguna conclusión.

Como no se conserva ninguna descripción del friso de la antigüedad y muchos rituales religiosos implicaban simbolismos secretos y tradiciones que no se mencionaban, la cuestión del significado de la escultura ha sido persistente y sin resolver. El primer intento publicado de interpretación pertenece a Ciriaco de Ancona en el siglo XV, quien se refirió a ella como las "victorias de Atenas en tiempos de Pericles ". ^{[ 36 ]} Sin embargo, la visión más aceptada actualmente de la pieza, a saber, que representa la Gran Procesión Panatenaica desde el Leokoreion por la Puerta del Dipilo , ^{[ 37 ]} hasta la Acrópolis, fue planteada por Stuart y Revett en el segundo volumen de sus Antigüedades de Atenas , 1787. ^{[ 38 ]} Las interpretaciones posteriores se han basado en gran medida en esta teoría, aunque no admiten que una escultura de templo pueda representar un evento contemporáneo en lugar de uno mitológico o histórico. Solo en los últimos años ha surgido una tesis alternativa según la cual el friso representa el mito fundacional de la ciudad de Atenas en lugar de la pompa festiva.

La afirmación de que la escena representa el festival de Atenea está plagada de problemas. Fuentes posteriores indican que varias clases de individuos que desempeñaron un papel en la procesión no están presentes en el friso, entre ellos: los hoplitas , los aliados de la Liga de Delos , los skiaphoroi o portadores de sombrillas, las hydraiphoroi femeninas (solo se representan los portadores masculinos de hidras), los thetes , los esclavos, los metecos , la nave panatenaica, y algunos sugieren al kanephoros , aunque hay evidencia de que está presente. ^{[ 39 ]} Que lo que ahora vemos pretendiera ser una imagen genérica del festival religioso es problemático, ya que ninguna otra escultura de templo representa un evento contemporáneo que involucre a mortales. Ubicar la escena en un tiempo mítico o histórico ha sido la principal dificultad de la línea de investigación. John Boardman ha sugerido que la caballería representa la heroización de los Maratónomacos , los hoplitas que cayeron en Maratón en 490, y que, por lo tanto, estos jinetes eran los atenienses que participaron en las últimas Grandes Panateneas antes de la guerra. ^{[ 40 ]} En apoyo, señala que el número de jinetes, pasajeros de carros (pero no aurigas), mozos de cuadra y mariscales llega al mismo número que Heródoto da para los muertos atenienses: 192. Igualmente sugerente de una referencia a las Guerras Médicas es la similitud que varios estudiosos han notado del friso con la escultura de la Apadana en Persépolis . Esto se ha postulado de diversas maneras como la Atenas democrática contraponiéndose a la tiranía oriental, ^{[ 41 ]} o, la Atenas aristocrática emulando al Oriente imperial. ^{[ 42 ]} Además de este argumento del espíritu de la época, está la afirmación de JJ Politt de que el friso encarna un manifiesto pericleo, que favorece las instituciones culturales de los agones (o contiendas, como atestiguan los apobatai ), los sacrificios y el entrenamiento militar, así como otras virtudes democráticas. ^{[ 43 ]} Estudios más recientes que siguen esta línea han convertido al friso en un lugar de tensión ideológica entre la élite y el demos , con la posible presencia únicamente de la aristocracia y una referencia meramente velada a las diez tribus. ^{[ 44 ]}

Los frontones, las metopas y el escudo del Parthenos ilustran el pasado mitológico y, dado que las deidades observan en el friso oriental, es natural recurrir a una explicación mitológica. Chrysoula Kardara ^{[ 45 ]} ha sugerido que el relieve muestra la primera procesión panatenaica instituida bajo el mítico rey Kekrops . Esta explicación justificaría la ausencia de los aliados y el barco, ya que estos son posteriores a la práctica original del rito sacrificial. Como prueba, propone que E35 representa al futuro rey Erictonio presentando el primer peplo a su predecesor Kekrops, iconográficamente similar a la representación del niño en un cíclix fragmentario de la década de 450. ^{[ 46 ]} Una interpretación reciente de Joan Breton Connelly identifica la escena central del friso oriental (por lo tanto, sobre la puerta de la cella y punto focal de la procesión) no como la entrega del peplo de Atenea por los arrefóridos , sino como la colocación de la vestimenta sacrificial por la hija del rey Erecteo en preparación para el sacrificio de su vida. ^{[ 47 ]} Esta interpretación está sugerida por el texto de los restos fragmentarios del papiro del Ericteo de Eurípides , ^{[ 48 ]} donde se exige su vida para salvar a la ciudad de Eumolpo y los eleusinos . Así, las deidades les dan la espalda para evitar la contaminación de la visión de su muerte. Un tema controvertido en el campo, la solución de Connelly al problema del significado plantea tantos problemas como respuestas. ^{[ 49 ]} Una interpretación más reciente propuesta por William St Clair es que el friso representa la celebración del nacimiento de Ion, descendiente de Erecteo . ^{[ 50 ]} Esta interpretación ha sido rechazada por Catharine Titi , quien coincide con St Clair en que el ambiente es de celebración (en lugar de sacrificio), pero argumenta que la celebración del nacimiento de Ion requiere la presencia de un infante, pero no hay ningún infante en el friso. ^{[ 51 ]}

La sección «Interpretación y conjetura» (arriba) analiza los desafíos a la visión predominante del friso, la mayoría de ellos planteados en el siglo XX. Esta sección se centra en esa visión mayoritaria, comenzando con la visita de Ciriaco de Ancona al Partenón en ruinas en 1436. Escribió que el friso de mármol muestra «las victorias de Atenas en tiempos de Pericles». Su comentario situó el tema del friso en un tiempo y lugar concretos, a la vez que capturó tanto su carácter festivo como su motivación política. ^{[ 52 ]}

En 1751, James Stuart, pintor y arquitecto británico, realizó dibujos del friso, con leyendas debajo de cada uno: «cabalgata», «aurigas», «sacrificadores y bueyes». En el centro del friso oriental, vio a dos muchachas que llevaban cestas con forma de bandeja sobre sus cabezas, con objetos ovalados grandes similares en ambas. Stuart identificó a una sacerdotisa que extendía la mano hacia una de las cestas, mientras otras dos figuras sostenían un paño doblado. Consideró que el paño era el peplo sagrado y supuso que el friso en su conjunto representaba una procesión panatenaica. ^{[ 53 ]}

En 1816, el Parlamento británico solicitó a Ennio Visconti, conservador de antigüedades del Louvre, que les asesorara sobre la adquisición de los mármoles de Elgin. Visconti apoyó con entusiasmo la compra, describiendo el friso como una procesión para celebrar las fiestas panateneas. Elogió su diseño, así como la belleza, la vitalidad y la variedad de sus figuras. En el friso oriental, vio a una sacerdotisa recibiendo de dos kanephoroi (portadores de cestas) artículos para el rito del sacrificio, que llevan sobre sus cabezas. A su derecha, el arconte reinante recibía de manos de un joven una gran pieza de tela doblada en forma cuadrada: el peplo. ^{[ 54 ]}

Esta interpretación no fue cuestionada hasta 1871, cuando Adolf Michaelis publicó Der Parthenon, argumentando que las dos jóvenes que encabezaban la procesión no llevaban cestas sobre sus cabezas, sino taburetes de cuatro patas (basándose en la similitud formal entre el objeto delgado y vertical en la mano de una de las chicas y las patas delanteras de cuatro taburetes cercanos en el friso). Los clasicistas ahora tenían que elegir entre un hecho establecido: las procesiones religiosas en la antigua Ática solían ser encabezadas por chicas que llevaban cestas en la cabeza; y esta nueva opinión de un destacado arqueólogo. ^{[ 55 ]} Otros eruditos respetados mantuvieron viva la idea de las "portadoras de taburetes" durante todo el siglo XX, pero no ofrecieron ninguna explicación convincente para su presencia aquí. ^{[ 56 ]} Mientras tanto, las fuentes literarias revelaron que muchas figuras vistas en procesiones históricas estaban ausentes del friso: ¿Dónde están los soldados de infantería? ¿las aguadoras? ¿el barco panatenaico? ^{[ 57 ]} Esto propició diversas interpretaciones alternativas de toda la narración: El friso muestra no una procesión, sino dos. ^{[ 58 ]} Representa una procesión arquetípica, ambientada en tiempos míticos. ^{[ 59 ]} Conmemora la fundación de Atenas. ^{[ 60 ]}

A finales de siglo, numerosos eruditos se alzaron para defender la postura predominante. En The Parthenon Frieze ( 1975), Martin Robertson desestimó todas las objeciones a la interpretación panatenaica: «El friso representa una procesión, pero no es un registro documental; es una obra de arte sumamente sofisticada». Identificó a varios funcionarios y actividades del siglo V representados en el mármol. ^{[ 61 ]} En 1977, Frank Brommer publicó Der Parthenonfries, catalogando sus bloques de mármol y explorando su extensa bibliografía. A la luz de esta evidencia, rechazó todas las interpretaciones historicistas o mitológicas, así como las quejas sobre lo que «faltaba». La procesión que vemos no ha sido observada, sino inventada. ^{[ 62 ]}

En 1995, Burkhardt Wesenberg se centró en las cinco figuras del centro del friso oriental. Identificó a los dos varones de la derecha como el Arconte Basileus y un niño, sosteniendo juntos el peplo sagrado. Sostuvo que este peplo había sido llevado prominentemente en la procesión y que ahora, tras este plegado ceremonial, sería presentado a Atenea. También refutó la teoría del taburete de Michaelis: ¿Por qué estos «taburetes» son notablemente más pequeños que los taburetes reales cercanos, mientras que sus «almohadas» ovaladas son mucho más grandes? ¿Por qué una niña sujeta una «pierna», visiblemente a su derecha, con la mano izquierda? Wesenberg señaló el dibujo de la escena realizado por James Stuart (1751), en el que esa «pierna» no está unida al objeto horizontal que se encuentra encima. ^{[ 63 ]}

Al comenzar el siglo XXI, El friso del Partenón de Jenifer Neils (2001) restableció la narrativa dominante, con una descripción exhaustiva del diseño del friso, las técnicas empleadas por sus escultores y las identidades de las figuras y grupos representados. Neils explicó la estructura compuesta de la obra, que evoca múltiples aspectos de una fiesta panatenaica, pero presentada como si se tratara de un único evento. Mostró cómo las figuras en la procesión se mueven simultáneamente a través del espacio y del tiempo. ^{[ 64 ]}

La obra de Olga Palagia, "Mujeres en el culto de Atenea" (2008), confirmó lo que ocurre en el lado izquierdo de la escena del peplo . Descartando los "taburetes", observó dos cestas para la cabeza, llevadas por kanephoroi, que contenían objetos necesarios para el sacrificio animal. Palagia identificó la "pata del taburete" como un incensario, también necesario para el sacrificio. Sospechó que el objeto erosionado en el brazo de una de las portadoras de cestas podría ser una copa de libación, de modo que todo lo que se le ofrece a la sacerdotisa está directamente relacionado con el sacrificio venidero. ^{[ 65 ]}

Más recientemente, basándose en estudios previos, TL Shear Jr. analizó el diseño innovador de la procesión esculpida. ^{[ 66 ]} Burkhardt Wesenberg reconfirmó tanto las cestas como el incensario portátil en la escena final. ^{[ 67 ]} Christianne Souvinou-Inwood sugirió que los objetos ovalados que se encuentran en las cestas que llevan las niñas en la cabeza son grandes panes fermentados. ^{[ 68 ]} Y Robert Parker resumió el tema del friso: «Las Panateneas Mayores son una forma magníficamente elaborada de algo bastante simple: la presentación de regalos a un dios, en este caso una túnica nueva y animales para el sacrificio». ^{[ 69 ]}

Las primeras obras de arte que se conservan y que muestran rastros de la influencia del Friso del Partenón pertenecen a los medios de la pintura de vasos y las estelas funerarias, donde podemos encontrar algún eco no solo de motivos, temas y poses, sino también de tenor. La imitación directa, e incluso la cita, del friso comienza a ser pronunciada alrededor del 430 a. C. Un ejemplo, una copia explícita, es un pelike atribuido al Pintor de Bodas de un joven "estacionando" un caballo exactamente a la manera de la figura W25 en el friso. ^{[ 70 ]} Si bien las pinturas de vasos que se asemejan al friso se agrupan alrededor del 430, los vasos que citan los frontones se pueden fechar más cerca del final del siglo, lo que da más evidencia de la prioridad del programa escultórico. ^{[ 71 ]} Pintores más consumados también encontraron inspiración en la escultura, a saber, Polignoto I y su grupo, especialmente el Pintor de Peleo, el Pintor de Cleofonte y la obra tardía del Pintor de Aquiles . Más tarde, pintores talentosos también lograron capturar el ambiente de eusebeia , o la piedad reflexiva de la procesión, como, por ejemplo, en el cráter de volutas del Pintor de un sacrificio a Apolo de Cleofonte, ^{[ 72 ]} que comparte la serena dignidad de lo mejor de la escultura del Alto Clásico. ^{[ 73 ]}

El impacto del friso puede buscarse en la escultura en relieve ática de finales del siglo V; esta resonancia también puede descubrirse en cierta medida en las obras públicas del friso del Hefestión y la balaustrada de Nike Atenea, donde la iconografía de las deidades sentadas y el atador de sandalias, respectivamente, probablemente tenga una deuda con el Partenón. También se encuentran rastros en los encargos privados de estelas funerarias del período; por ejemplo, la "estela del gato" de Egina guarda una clara similitud con las figuras N135-6. ^{[ 74 ]} Al igual que el Hermes del relieve de cuatro figuras conocido a partir de una copia romana. ^{[ 75 ]} El arte clasicista posterior de las épocas helenística y romana también buscó inspiración en el friso, como atestiguan el sarcófago licio de Sidón, Fenicia, el Ara Pacis Augustae , la Gemma Augustea y muchas piezas de la generación de Adriano . ^{[ 76 ]}

Fuentes

• Recorrido por el friso del Partenón, sitio web del Ministerio de Cultura griego.
• Reconstrucción en animación Flash del friso. Archivado el 30 de mayo de 2018 en Wayback Machine.
• Copia de Hammerwood del friso
• Galería Duveen en el Museo Británico