Gabriel Fauré

Fauré nació en Pamiers , Ariège, en el sur de Francia, el quinto hijo y el menor de seis hijos de Toussaint-Honoré Fauré y Marie-Antoinette-Hélène Lalène-Laprade. ^{[ 4 ]} Según el biógrafo Jean-Michel Nectoux , la familia Fauré data del siglo XIII en esa parte de Francia. ^{[ 5 ]} La familia había sido en su momento terrateniente importante, pero en el siglo XIX sus recursos se habían reducido. El abuelo paterno del compositor, Gabriel, era carnicero y su hijo se convirtió en maestro de escuela. ^{[ 6 ]} En 1829, los padres de Fauré se casaron. Su madre era hija de un miembro menor de la nobleza. Fue el único de los seis hijos que mostró talento musical; sus cuatro hermanos siguieron carreras en periodismo, política, el ejército y la administración pública, y su hermana tuvo una vida tradicional como esposa de un funcionario público. ^{[ 4 ]}

El joven Fauré fue enviado a vivir con una madre adoptiva hasta que cumplió cuatro años. ^{[ 7 ]} Cuando su padre fue nombrado director de la École Normale d'Instituteurs, una escuela de formación de maestros, en Montgauzy, cerca de Foix , en 1849, Fauré regresó a vivir con su familia. ^{[ 8 ]} Había una capilla anexa a la escuela, que Fauré recordó en el último año de su vida:

Crecí, siendo un niño bastante tranquilo y bien educado, en una zona de gran belleza.  ... Pero lo único que recuerdo con verdadera claridad es el armonio de aquella pequeña capilla. Siempre que podía escaparme, corría allí  y me deleitaba.  ... Tocaba fatal  ... sin ningún método, sin técnica alguna, pero sí recuerdo que era feliz; y si eso es lo que significa tener vocación, entonces es algo muy placentero. ^{[ 9 ]}

Una anciana ciega, que vino a escuchar y aconsejar al niño, le habló a su padre del don musical de Fauré. ^{[ 7 ]} En 1853, Simon-Lucien Dufaur de Saubiac, de la Asamblea Nacional , ^{[ n 3 ]} escuchó a Fauré tocar y aconsejó a Toussaint-Honoré que lo enviara a la École Niedermeyer de Paris , que Louis Niedermeyer estaba fundando en París. ^{[ 14 ]} Tras reflexionar durante un año, el padre de Fauré accedió y llevó al niño de nueve años a París en octubre de 1854. ^{[ 15 ]}

Gracias a una beca del obispo de su diócesis natal, Fauré se alojó en la escuela durante 11 años. ^{[ 16 ]} El régimen era austero, las habitaciones lúgubres, la comida mediocre y el uniforme obligatorio elaborado. ^{[ 10 ] [ n 4 ]} Sin embargo, la enseñanza musical era excelente. ^{[ 10 ]} Niedermeyer, cuyo objetivo era formar organistas y directores de coro cualificados, se centró en la música sacra. Los tutores de Fauré fueron Clément Loret para órgano, Louis Dietsch para armonía, Xavier Wackenthaler para contrapunto y fuga , y Niedermeyer para piano, canto gregoriano y composición. ^{[ 15 ]}

Cuando Niedermeyer murió en marzo de 1861, Camille Saint-Saëns se hizo cargo de los estudios de piano e introdujo la música contemporánea, incluyendo la de Schumann , Liszt y Wagner . ^{[ 18 ]} Fauré recordaba en su vejez: «Después de que las lecciones se extendían más de lo previsto, se sentaba al piano y nos revelaba aquellas obras de los maestros de las que la rigurosa naturaleza clásica de nuestro programa de estudios nos mantenía alejados y que, además, en aquellos años lejanos, eran prácticamente desconocidas.  ... En aquel entonces yo tenía 15 o 16 años, y desde entonces data el apego casi filial  ... la inmensa admiración, la gratitud incesante que he sentido por él a lo largo de mi vida». ^{[ 19 ]}

Saint-Saëns disfrutaba enormemente del progreso de su alumno, al que ayudaba siempre que podía; Nectoux comenta que en cada etapa de la carrera de Fauré «la sombra de Saint-Saëns se puede dar por sentada». ^{[ 20 ]} La estrecha amistad entre ellos duró hasta la muerte de Saint-Saëns sesenta años después. ^{[ 2 ]}

Fauré ganó muchos premios durante su estancia en la escuela, incluido un primer premio de composición por el Cantique de Jean Racine , Op. 11, la primera de sus obras corales en incorporarse al repertorio habitual. ^{[ 15 ]} Abandonó la escuela en julio de 1865 como Laureado en órgano, piano, armonía y composición, con un diploma de Maître de chapelle . ^{[ 21 ]}

Al dejar la École Niedermeyer, Fauré fue nombrado organista de la iglesia de Saint-Sauveur, en Rennes , Bretaña . Asumió el cargo en enero de 1866. ^{[ 22 ]} Durante sus cuatro años en Rennes, complementó sus ingresos dando clases particulares, impartiendo «innumerables lecciones de piano». ^{[ 23 ]} A instancias de Saint-Saëns, continuó componiendo, pero ninguna de sus obras de este período se conserva. ^{[ 24 ]} Se aburría en Rennes y tenía una relación tensa con el párroco, quien dudaba, con razón, de la convicción religiosa de Fauré. ^{[ 25 ]} Fauré era visto con frecuencia escabulléndose durante el sermón para fumar un cigarrillo, y a principios de 1870, cuando se presentó a tocar en la misa un domingo todavía con su traje de etiqueta, después de haber estado toda la noche en un baile, se le pidió que renunciara. ^{[ 25 ]} Casi de inmediato, con la discreta ayuda de Saint-Saëns, consiguió el puesto de organista asistente en la iglesia de Notre-Dame de Clignancourt , al norte de París. ^{[ 26 ]} Permaneció allí solo unos meses. Al estallar la guerra franco-prusiana en 1870, se alistó como voluntario en el ejército. Participó en la acción para levantar el sitio de París y combatió en Le Bourget , Champigny y Créteil . ^{[ 27 ]} Fue condecorado con la Cruz de Guerra . ^{[ 28 ]}

Después de la derrota de Francia a manos de Prusia , hubo un breve y sangriento conflicto en París entre marzo y mayo de 1871 durante la Comuna . ^{[ 28 ]} Fauré escapó a Rambouillet , donde vivía uno de sus hermanos, y luego viajó a Suiza, donde aceptó un puesto de profesor en la École Niedermeyer, que se había trasladado temporalmente allí para evitar la violencia en París. ^{[ 28 ]} Su primer alumno en la escuela fue André Messager , quien se convirtió en un amigo de por vida y colaborador ocasional. ^{[ 29 ]} Las composiciones de Fauré de este período no reflejaron abiertamente la agitación y el derramamiento de sangre. Algunos de sus colegas, incluidos Saint-Saëns, Gounod y Franck , compusieron elegías y odas patrióticas. Fauré no lo hizo, pero según su biógrafa Jessica Duchen , su música adquirió "una nueva sombría, un sentido de tragedia de tonalidad oscura  ... evidente principalmente en sus canciones de este período, incluyendo L'Absent , Seule! y La Chanson du pêcheur ". ^{[ 30 ]}

Cuando Fauré regresó a París en octubre de 1871, fue nombrado maestro de coro en la iglesia de Saint-Sulpice bajo la dirección del compositor y organista Charles-Marie Widor . ^{[ 29 ]} En el transcurso de sus funciones, escribió varios cánticos y motetes , de los cuales pocos han sobrevivido. ^{[ 31 ]} Durante algunos servicios religiosos, Widor y Fauré improvisaban simultáneamente en los dos órganos de la iglesia, tratando de sorprenderse mutuamente con cambios repentinos de tonalidad. ^{[ 30 ]} Fauré asistía regularmente a los salones musicales de Saint-Saëns y a los de Pauline Viardot , a quien Saint-Saëns le había presentado. ^{[ 15 ]}

Fauré fue miembro fundador de la Société Nationale de Musique , formada en febrero de 1871 bajo la presidencia conjunta de Romain Bussine y Saint-Saëns, para promover la nueva música francesa. ^{[ 32 ]} Otros miembros fueron Georges Bizet , Emmanuel Chabrier , Vincent d'Indy , Henri Duparc , César Franck, Édouard Lalo y Jules Massenet . ^{[ 33 ]} Fauré se convirtió en secretario de la sociedad en 1874. ^{[ 34 ]} Muchas de sus obras se presentaron por primera vez en los conciertos de la sociedad. ^{[ 34 ]}

En 1874, Fauré se trasladó de Saint-Sulpice a la iglesia de la Madeleine , donde sustituyó al organista principal, Saint-Saëns, durante sus numerosas ausencias por giras. ^{[ 35 ]} Algunos admiradores de la música de Fauré han expresado su pesar por el hecho de que, a pesar de haber tocado el órgano profesionalmente durante cuatro décadas, no dejara composiciones para órgano solista. ^{[ 36 ]} Era reconocido por sus improvisaciones, ^{[ 37 ]} y Saint-Saëns dijo de él que era «un organista de primera clase cuando quería serlo». ^{[ 38 ]} Fauré prefería el piano al órgano, que tocaba únicamente porque le proporcionaba un ingreso fijo. ^{[ 38 ]} Duchen especula que le disgustaba el órgano, posiblemente porque «para un compositor de tal delicadeza de matices y tal sensualidad, el órgano simplemente no era lo suficientemente sutil». ^{[ 39 ]}

El año 1877 fue significativo para Fauré, tanto profesional como personalmente. ^{[ 40 ]} En enero, su primera sonata para violín se interpretó en un concierto de la Société Nationale con gran éxito, marcando un punto de inflexión en su carrera como compositor a la edad de 31 años. ^{[ 40 ]} Nectoux considera la obra como la primera gran obra maestra del compositor. ^{[ 41 ]} En marzo, Saint-Saëns se retiró de la Madeleine, siendo sucedido como organista por Théodore Dubois , su maestro de coro; Fauré fue designado para suceder a Dubois. ^{[ 40 ]} En julio, Fauré se comprometió con Marianne, la hija de Pauline Viardot, de quien estaba profundamente enamorado. ^{[ 40 ]} Para su gran pesar, ella rompió el compromiso en noviembre de 1877, por razones que no están claras. ^{[ 42 ]} Para distraer a Fauré, Saint-Saëns lo llevó a Weimar y le presentó a Franz Liszt . Esta visita le hizo a Fauré un gusto por los viajes al extranjero, que disfrutó durante el resto de su vida. ^{[ 42 ]} Desde 1878, él y Messager hicieron viajes al extranjero para ver óperas de Wagner. Vieron Das Rheingold y Die Walküre en la Ópera de Colonia ; el ciclo completo de El Anillo en la Hofoper de Múnich y en el Her Majesty's Theatre de Londres; y Die Meistersinger en Múnich y en Bayreuth , donde también vieron Parsifal . ^{[ 43 ]} Con frecuencia interpretaban como pieza de fiesta su composición conjunta, el irreverente Souvenirs de Bayreuth . Esta breve y enérgica obra para piano a cuatro manos parodia temas de El Anillo . ^{[ 44 ]} Fauré admiraba a Wagner y tenía un conocimiento detallado de su música, ^{[ 45 ]} pero fue uno de los pocos compositores de su generación que no estuvo bajo la influencia musical de Wagner. ^{[ n 5 ]}

En 1883, Fauré se casó con Marie Fremiet, hija de un destacado escultor, Emmanuel Fremiet . ^{[ 47 ] [ n 6 ]} Nectoux comenta que Marie era "sin belleza, ingenio ni fortuna... estrecha y fría", ^{[ 48 ]} pero registra que "a pesar de todo [Fauré] aún sentía ternura por ella". El matrimonio fue afectuoso, pero Marie era, en palabras de Nectoux, "una ama de casa", y no compartía el deseo de su esposo de salir por las noches, ^{[ 49 ]} y se resintió de sus frecuentes ausencias, su aversión a la vida doméstica  — "horreur du domicile"  — y sus aventuras amorosas, mientras ella permanecía en casa. ^{[ 47 ]} Aunque Fauré valoraba a Marie como amiga y confidente, escribiéndole a menudo  —a veces a diario—  cuando estaba lejos de casa, ella no compartía su naturaleza apasionada, que encontraba satisfacción en otros lugares. ^{[ 50 ]} Fauré y su esposa tuvieron dos hijos. El primero, Emmanuel Fauré-Fremiet , nacido en 1883 (Marie insistió en combinar su apellido con el de Fauré), ^{[ 49 ]} se convirtió en un biólogo de renombre internacional. ^{[ 51 ]} El segundo hijo, Philippe, nacido en 1889, se convirtió en escritor; entre sus obras se incluyen historias, obras de teatro y biografías de su padre y su abuelo. ^{[ 52 ]}

Los relatos contemporáneos coinciden en que Fauré era sumamente atractivo para las mujeres; ^{[ n 7 ]} en palabras de Duchen, «sus conquistas eran legión en los salones parisinos». ^{[ 54 ]} Tras un romance con la cantante Emma Bardac alrededor de 1892, ^{[ 55 ]} seguido de otro con la compositora Adela Maddison , ^{[ 56 ]} en 1900 Fauré conoció a la pianista Marguerite Hasselmans, hija de Alphonse Hasselmans . Esto dio lugar a una relación que duró el resto de la vida de Fauré. Él la mantuvo en un apartamento de París, y ella actuó abiertamente como su compañera. ^{[ 57 ]}

Para mantener a su familia, Fauré dedicó la mayor parte de su tiempo a dirigir los servicios diarios en la Madeleine y a dar clases de piano y armonía. ^{[ 58 ]} Sus composiciones le reportaron una cantidad insignificante, ya que su editor las compraba directamente, pagándole un promedio de 60 francos por canción, y Fauré no recibía regalías. ^{[ 59 ]} Durante este período, escribió varias obras de gran envergadura, además de muchas piezas para piano y canciones, pero destruyó la mayoría de ellas tras unas pocas interpretaciones, conservando solo algunos movimientos para reutilizar motivos. ^{[ 15 ]} Entre las obras que se conservan de este período se encuentra el Requiem , comenzado en 1887 y revisado y ampliado a lo largo de los años hasta su versión final de 1901. ^{[ 60 ]} Tras su primera interpretación, en 1888, el sacerdote a cargo le dijo al compositor: «No necesitamos estas novedades: el repertorio de la Madeleine es bastante rico». ^{[ 61 ]}

De joven, Fauré había sido muy alegre; un amigo escribió sobre su "alegría juvenil, incluso algo infantil". ^{[ 62 ]} Desde los treinta, sufrió episodios de depresión, que describió como " melancolía ", posiblemente causados ​​inicialmente por su compromiso roto y su falta de éxito como compositor. ^{[ 15 ]} En 1890, un prestigioso y lucrativo encargo para escribir una ópera con letra de Paul Verlaine fue abortado por la incapacidad del poeta, ebrio, para entregar un libreto. Fauré se sumió en una depresión tan profunda que sus amigos estaban seriamente preocupados por su salud. ^{[ 63 ]} Winnaretta de Scey-Montbéliard , ^{[ n 8 ]} siempre una buena amiga de Fauré, lo invitó a Venecia , donde tenía un palacio en el Gran Canal . ^{[ 64 ]} Recuperó el ánimo y comenzó a componer de nuevo, escribiendo la primera de sus cinco Mélodies de Venise , con letra de Verlaine, cuya poesía siguió admirando a pesar del fiasco operístico. ^{[ 65 ]}

Por esta época, o poco después, comenzó la relación de Fauré con Emma Bardac; en palabras de Duchen, «por primera vez, a finales de sus cuarenta, experimentó una relación plena y apasionada que se extendió durante varios años». ^{[ 66 ]} Sus principales biógrafos coinciden en que este romance inspiró un estallido de creatividad y una nueva originalidad en su música, ejemplificada en el ciclo de canciones La bonne chanson . ^{[ 67 ]} Fauré compuso la Suite Dolly para piano a cuatro manos entre 1894 y 1897 y se la dedicó a la hija de Bardac, Hélène, conocida como «Dolly». ^{[ 15 ] [ n 9 ]} Algunas personas sospechaban que Fauré era el padre de Dolly, pero los biógrafos, incluidos Nectoux y Duchen, lo consideran improbable. Se cree que el romance de Fauré con Emma Bardac comenzó después del nacimiento de Dolly, aunque no hay pruebas concluyentes en ningún sentido. ^{[ 68 ]}

Durante la década de 1890, la suerte de Fauré mejoró. Cuando Ernest Guiraud , profesor de composición en el Conservatorio de París , falleció en 1892, Saint-Saëns animó a Fauré a postularse para el puesto vacante. El profesorado del Conservatorio consideraba a Fauré peligrosamente moderno, y su director, Ambroise Thomas , bloqueó el nombramiento, declarando: «¿Fauré? ¡Jamás! Si lo nombran, renuncio». ^{[ 69 ]} Sin embargo, Fauré fue nombrado para otro de los puestos de Guiraud: inspector de los conservatorios de música en las provincias francesas. ^{[ 70 ]} Le disgustaban los largos viajes por todo el país que implicaba el trabajo, pero el puesto le proporcionaba unos ingresos estables y le permitía dejar de dar clases a alumnos aficionados. ^{[ 71 ]}

En 1896 murió Ambroise Thomas, y Théodore Dubois asumió la dirección del Conservatorio. Fauré sucedió a Dubois como organista principal de la Madeleine. La decisión de Dubois tuvo más repercusiones: Massenet , profesor de composición en el Conservatorio, esperaba suceder a Thomas, pero se extralimitó al insistir en ser nombrado de por vida. ^{[ 72 ]} Su petición fue rechazada, y cuando Dubois fue nombrado en su lugar, Massenet renunció a su cátedra furioso. ^{[ 73 ]} Fauré fue nombrado en su lugar. ^{[ 74 ]} Enseñó a muchos jóvenes compositores, entre ellos Maurice Ravel , Florent Schmitt , Charles Koechlin , Louis Aubert , Jean Roger-Ducasse , George Enescu , Paul Ladmirault , Alfredo Casella y Nadia Boulanger . ^{[ 15 ]} En opinión de Fauré, sus alumnos necesitaban una base sólida en las habilidades básicas, que él delegaba con gusto a su capaz asistente André Gedalge . ^{[ 75 ]} Su propia función consistía en ayudarlos a utilizar estas habilidades de la manera que mejor se adaptara a los talentos de cada alumno. Roger-Ducasse escribió más tarde: «Retomando cualquier tema en el que estuvieran trabajando los alumnos, evocaba las reglas de la forma en cuestión  ... y se refería a ejemplos, siempre extraídos de los maestros». ^{[ 76 ]} Ravel siempre recordó la mentalidad abierta de Fauré como profesor. Habiendo recibido el Cuarteto de cuerdas de Ravel con menos entusiasmo del habitual, Fauré pidió ver el manuscrito de nuevo unos días después, diciendo: «Podría haberme equivocado». ^{[ 77 ]} El musicólogo Henry Prunières escribió: «Lo que Fauré desarrolló entre sus alumnos fue el gusto, la sensibilidad armónica, el amor por las líneas puras, por las modulaciones inesperadas y coloridas; pero nunca les dio [recetas] para componer según su estilo y por eso todos buscaron y encontraron sus propios caminos en direcciones muy diferentes y a menudo opuestas». ^{[ 78 ]}

Las obras de Fauré de los últimos años del siglo incluyen la música incidental para el estreno en Inglaterra de Pelléas et Mélisande de Maurice Maeterlinck (1898) y Prométhée , una tragedia lírica compuesta para el anfiteatro de Béziers . Escrita para ser representada al aire libre, la obra está orquestada para una enorme formación instrumental y vocal. Su estreno en agosto de 1900 fue un gran éxito, y se reestrenó en Béziers al año siguiente y en París en 1907. Una versión con orquestación para una formación de tamaño normal de teatro de ópera se presentó en la Ópera de París en mayo de 1917 y recibió más de cuarenta representaciones en París posteriormente. ^{[ n 10 ]}

Desde 1903 hasta 1921, Fauré escribió regularmente crítica musical para Le Figaro , un papel en el que no se sentía cómodo. Nectoux escribe que la bondad natural y la amplitud de miras de Fauré lo predisponían a enfatizar los aspectos positivos de una obra. ^{[ 15 ]}

En 1905 estalló un escándalo en los círculos musicales franceses por el premio musical más importante del país, el Prix de Rome . El alumno de Fauré, Ravel, había sido eliminado prematuramente en su sexto intento por este premio, y muchos creían que elementos reaccionarios dentro del Conservatorio habían tenido algo que ver. ^{[ 80 ]} Dubois, quien se convirtió en objeto de mucha censura, adelantó su jubilación y renunció de inmediato. ^{[ 81 ]} Nombrado en su lugar, y con el apoyo del gobierno francés, Fauré cambió radicalmente la administración y el plan de estudios. Designó jueces externos independientes para decidir sobre las admisiones, los exámenes y los concursos, una medida que enfureció a los miembros del profesorado que habían dado un trato preferencial a sus alumnos particulares; sintiéndose privados de un considerable ingreso adicional, muchos de ellos renunciaron. ^{[ 82 ]} Fauré fue apodado " Robespierre " por los miembros descontentos de la vieja guardia a medida que modernizaba y ampliaba el repertorio musical que se impartía en el Conservatorio. Como afirma Nectoux, «donde Auber , Halévy y especialmente Meyerbeer habían reinado supremos  ... ahora era posible cantar un aria de Rameau o incluso alguna de Wagner  , nombre hasta entonces prohibido dentro de los muros del Conservatorio». ^{[ 83 ]} El plan de estudios se amplió para abarcar desde la polifonía renacentista hasta las obras de Debussy . ^{[ 83 ]}

El nuevo puesto de Fauré mejoró su situación económica. Sin embargo, si bien también se hizo mucho más conocido como compositor, dirigir el Conservatorio le dejaba tan poco tiempo para componer como cuando luchaba por ganarse la vida como organista y profesor de piano. ^{[ 84 ]} Tan pronto como terminaba el año laboral, a finales de julio, dejaba París y pasaba los dos meses hasta principios de octubre en un hotel, generalmente junto a uno de los lagos suizos, para concentrarse en la composición. ^{[ 85 ]} Entre sus obras de este período se incluyen su ópera lírica, Pénélope (1913), y algunas de sus canciones posteriores más características (por ejemplo, el ciclo La chanson d'Ève , Op. 95, completado en 1910) y piezas para piano (Nocturnos n.° 9-11; Barcarolas n.° 7-11, escritas entre 1906 y 1914). ^{[ 15 ]}

Fauré fue elegido miembro del Institut de France en 1909, después de que su suegro y Saint-Saëns, ambos miembros de larga trayectoria, hicieran campaña enérgicamente a su favor. Ganó la votación por un estrecho margen, con 18 votos frente a 16 para el otro candidato, Widor . ^{[ 86 ] [ n 11 ]} Ese mismo año, un grupo de jóvenes compositores liderados por Ravel y Koechlin rompió con la Société Nationale de Musique, que bajo la presidencia de Vincent d'Indy se había convertido en una organización reaccionaria, y formó un nuevo grupo, la Société musicale indépendante . Si bien Fauré aceptó la presidencia de esta sociedad, también siguió siendo miembro de la anterior y mantuvo una excelente relación con d'Indy; su única preocupación era el fomento de la nueva música. ^{[ 86 ]} En 1911 supervisó el traslado del Conservatorio a una nueva sede en la rue de Madrid. ^{[ 85 ]}

Durante este tiempo, Fauré desarrolló serios problemas de audición. No solo empezó a perder la audición, sino que los sonidos se distorsionaron, de modo que las notas agudas y graves le sonaban dolorosamente desafinadas. ^{[ 88 ]}

A principios del siglo XX se produjo un aumento en la popularidad de la música de Fauré en Gran Bretaña, y en menor medida en Alemania, España y Rusia. ^{[ 89 ]} Visitó Inglaterra con frecuencia, y una invitación para tocar en el Palacio de Buckingham en 1908 le abrió muchas otras puertas en Londres y más allá. ^{[ 90 ]} Estuvo en Londres para el estreno de la Primera Sinfonía de Elgar en 1908 y cenó con el compositor. ^{[ 91 ]} Elgar escribió más tarde a su amigo común Frank Schuster que Fauré "era un verdadero caballero , el francés de la más alta clase, y lo admiraba enormemente". ^{[ 92 ]} Elgar intentó que el Réquiem de Fauré se presentara en el Festival de los Tres Coros , pero finalmente no tuvo su estreno en Inglaterra hasta 1937, casi cincuenta años después de su primera interpretación en Francia. ^{[ 92 ]} Compositores de otros países también amaban y admiraban a Fauré. En la década de 1880, Chaikovski lo consideraba "adorable"; ^{[ 93 ]} Albéniz y Fauré fueron amigos y carteantes hasta la temprana muerte del primero en 1909; ^{[ 94 ]} Richard Strauss buscó su consejo; ^{[ 95 ]} y en los últimos años de Fauré, el joven estadounidense Aaron Copland fue un admirador devoto. ^{[ 2 ]} 

El estallido de la Primera Guerra Mundial casi dejó a Fauré varado en Alemania, donde había ido para su retiro anual de composición. Logró llegar desde Alemania a Suiza y de allí a París. ^{[ 96 ]} Permaneció en Francia durante toda la guerra. Cuando un grupo de músicos franceses liderados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana, Fauré y Messager se desvincularon de la idea, aunque el desacuerdo no afectó su amistad con Saint-Saëns. ^{[ n 12 ]} Fauré no reconocía el nacionalismo en la música, pues veía en su arte «un lenguaje propio de un país tan superior a todos los demás que se ve perjudicado cuando tiene que expresar sentimientos o rasgos individuales propios de una nación en particular». ^{[ 99 ]} No obstante, era consciente de que su propia música era respetada, pero no amada, en Alemania. En enero de 1905, durante una visita a Fráncfort y Colonia para ofrecer conciertos de su música, escribió: «Las críticas a mi música han sido que es un poco fría y demasiado refinada. No cabe duda de que el francés y el alemán son dos cosas distintas». ^{[ 100 ]}

En 1920, a la edad de 75 años, Fauré se retiró del Conservatorio debido a su creciente sordera y fragilidad. ^{[ 15 ]} Ese mismo año recibió la Gran Cruz de la Legión de Honor , un honor poco común para un músico. En 1922, el presidente de la república, Alexandre Millerand , encabezó un homenaje público a Fauré, un tributo nacional , descrito en The Musical Times como «una espléndida celebración en la Sorbona , en la que participaron los artistas franceses más ilustres, [que] le produjo una gran alegría. Fue un espectáculo conmovedor, en efecto: el de un hombre presente en un concierto de sus propias obras y sin poder oír ni una sola nota. Se sentó mirando pensativamente al frente y, a pesar de todo, agradecido y satisfecho». ^{[ 88 ]}

Fauré sufrió de mala salud en sus últimos años, en parte debido al tabaquismo intenso. A pesar de ello, siguió estando disponible para los jóvenes compositores, incluidos los miembros de Les Six , la mayoría de los cuales le profesaban gran admiración. ^{[ 88 ] [ n 13 ]} Nectoux escribe: «En la vejez alcanzó una especie de serenidad, sin perder nada de su notable vitalidad espiritual, sino más bien alejado del sensualismo y la pasión de las obras que escribió entre 1875 y 1895». ^{[ 15 ]}

En sus últimos meses, Fauré luchó por completar su Cuarteto de cuerdas . Veinte años antes, Ravel le había dedicado el Cuarteto de cuerdas. Ravel y otros instaron a Fauré a componer uno propio. Se negó durante muchos años, alegando que era demasiado difícil. Cuando finalmente decidió escribirlo, lo hizo con temor, diciéndole a su esposa: «He comenzado un Cuarteto para cuerdas, sin piano. Este es un género que Beethoven en particular hizo famoso, y hace que todos los que no son Beethoven le tengan terror ». ^{[ 102 ]} Trabajó en la pieza durante un año, terminándola el 11 de septiembre de 1924, menos de dos meses antes de morir, trabajando largas horas hacia el final para completarla. ^{[ 103 ]} El cuarteto se estrenó después de su muerte; ^{[ 104 ]} Rechazó una oferta para que se la interpretaran en privado en sus últimos días, ya que su audición se había deteriorado hasta el punto de que los sonidos musicales se distorsionaban horriblemente en su oído. ^{[ 105 ]}

Fauré falleció en París a causa de una neumonía el 4 de noviembre de 1924, a la edad de 79 años. Se le rindieron honores de Estado en la iglesia de la Madeleine y está enterrado en el cementerio de Passy, ​​en París. ^{[ 106 ]}

Tras la muerte de Fauré, el Conservatorio abandonó su radicalismo y se mostró reacio a las nuevas tendencias musicales, considerando la práctica armónica del propio Fauré como el límite máximo de la modernidad, más allá del cual los estudiantes no debían ir. ^{[ 107 ]} Su sucesor, Henri Rabaud , director del Conservatorio de 1922 a 1941, declaró: «El modernismo es el enemigo». ^{[ 108 ]} La generación de estudiantes nacida entre las dos guerras mundiales rechazó esta premisa anticuada, buscando inspiración en Bartók , la Segunda Escuela de Viena y las últimas obras de Stravinsky . ^{[ 107 ]}

En un homenaje conmemorativo del centenario en 1945, el musicólogo Leslie Orrey escribió en The Musical Times : «Más profundo que Saint-Saëns, más variado que Lalo, más espontáneo que d'Indy, más clásico que Debussy, Gabriel Fauré es el maestro por excelencia de la música francesa, el espejo perfecto de nuestro genio musical». Quizás, cuando los músicos ingleses conozcan mejor su obra, estas palabras de Roger-Ducasse no les parezcan un elogio excesivo, sino simplemente un merecido reconocimiento. ^{[ 109 ]}

Fauré es considerado uno de los maestros de la canción artística francesa, o mélodie . ^{[ 15 ]} Ravel escribió en 1922 que Fauré había salvado la música francesa del dominio del Lied alemán . ^{[ 118 ]} Dos años después, el crítico Samuel Langford escribió sobre Fauré: «Más que casi cualquier otro escritor en el mundo, poseía la facultad de crear una canción como una sola pieza, y con una intensidad de ánimo sostenida que la hacía parecer un solo pensamiento». ^{[ 119 ]} En un artículo de 2011, el pianista y escritor Roy Howat y la musicóloga Emily Kilpatrick escribieron:

Su devoción por la melodía abarca toda su carrera, desde la siempre fresca «Le papillon et la fleur» de 1861 hasta el magistral ciclo «L'horizon chimérique », compuesto sesenta años y más de cien canciones después. Las canciones de Fauré son ahora parte fundamental del repertorio de estudiantes y profesionales, y se interpretan en conservatorios y salas de conciertos de todo el mundo. ^{[ 120 ]}

En opinión de Copland, las primeras canciones, escritas en las décadas de 1860 y 1870 bajo la influencia de Gounod , a excepción de canciones aisladas como " Après un rêve " o "Au bord de l'eau", muestran pocos indicios del artista que llegaría a ser. Con el segundo volumen de las sesenta canciones recopiladas escritas durante las dos décadas siguientes, Copland juzgó que llegaron los primeros ejemplos maduros del "verdadero Fauré". Citó como ejemplos "Les berceaux", "Les roses d'Ispahan" y especialmente " Clair de lune " como "tan bellas, tan perfectas, que incluso han llegado a América", y llamó la atención sobre melodías menos conocidas como "Le secret", "Nocturne" y "Les présents". ^{[ 2 ]} Fauré también compuso varios ciclos de canciones . Cinq mélodies "de Venise" , Op. 58 (1891), fue descrito por Fauré como un nuevo tipo de suite de canciones , por su uso de temas musicales recurrentes a lo largo del ciclo. Para el ciclo posterior La bonne chanson , Op. 61 (1894), había cinco de estos temas, según Fauré. ^{[ 121 ]} También escribió que La bonne chanson fue su composición más espontánea, con Emma Bardac cantándole cada día el material recién escrito. ^{[ 70 ]} Entre las obras posteriores se encuentran los ciclos basados ​​en poemas de Charles van Lerberghe , La chanson d'Ève (1910) y Le jardin clos (1914). ^{[ 122 ]}

El Réquiem , Op. 48, estrenado en 1888, no fue compuesto en memoria de una persona específica, sino, en palabras de Fauré, «por puro placer». Se le ha descrito como «una nana de la muerte» debido a su tono predominantemente suave. ^{[ 123 ]} Fauré omitió el Dies irae , aunque la referencia al día del juicio aparece en el Libera me , que, al igual que Verdi , añadió al texto litúrgico habitual. ^{[ 124 ]} Fauré revisó el Réquiem a lo largo de los años, y actualmente se utilizan varias versiones diferentes, desde la más antigua, para formaciones reducidas, hasta la revisión final con orquesta completa. ^{[ 125 ]}

Las óperas de Fauré no han encontrado un lugar en el repertorio habitual. Prométhée es la más olvidada de las dos, con solo un puñado de representaciones en más de un siglo. ^{[ 126 ]} Copland consideró Pénélope (1913) una obra fascinante y una de las mejores óperas escritas desde Wagner; sin embargo, señaló que la música es, en su conjunto, "claramente no teatral". ^{[ 2 ]} La obra utiliza leitmotivs , y los dos papeles principales requieren voces de calidad heroica, pero estas son las únicas maneras en que la obra es wagneriana. En el estilo tardío de Fauré, "la tonalidad se estira mucho, sin romperse". ^{[ 127 ]} En las raras ocasiones en que la pieza se ha puesto en escena, la opinión de la crítica ha elogiado generalmente la calidad musical de la partitura, pero ha variado en cuanto a la efectividad dramática de la obra. Cuando la ópera se presentó por primera vez en Londres en 1970, en una producción estudiantil de la Royal Academy of Music , Peter Heyworth escribió: «Una partitura que ofrece grandes recompensas a un oído atento no puede, sin embargo, dejar de causar sensación en el teatro.  ... La mayor parte de la música es demasiado discreta para ser teatralmente efectiva». ^{[ 128 ]} Sin embargo, después de una producción de 2006 en el Festival de Wexford , Ian Fox escribió: « La Pénélope de Fauré es una verdadera rareza, y, aunque se anticipaba una música hermosa, fue una sorpresa la seguridad con la que el compositor componía la puesta en escena». ^{[ 129 ]}

Las principales colecciones de obras para piano de Fauré son trece nocturnos , trece barcarolas , seis impromptus y cuatro valses-caprichos. Estas colecciones fueron compuestas a lo largo de las décadas de su carrera y muestran el cambio en su estilo, desde un encanto juvenil y sencillo hasta una introspección final enigmática, pero a veces apasionada, a través de un período turbulento en su mediana edad. ^{[ 2 ]} Otras piezas notables para piano, incluidas obras más cortas o colecciones compuestas o publicadas como una colección, son Romances sans paroles , Ballade in F ♯ major, Mazurka in B ♭ major, Thème et variations in C ♯ minor y Huit pièces brèves . Para piano a cuatro manos , Fauré compuso la Dolly Suite y, junto con su amigo y antiguo alumno André Messager , una exuberante parodia de Wagner en la breve suite Souvenirs de Bayreuth . ^{[ 130 ]}

Las obras para piano suelen utilizar figuras arpegiadas , con la melodía intercalada entre ambas manos, e incluyen sustituciones de dedos propias de los organistas. Estos aspectos las hacen intimidantes para algunos pianistas. Incluso un virtuoso como Liszt afirmó que la música de Fauré le resultaba difícil de interpretar. ^{[ 43 ] [ n 15 ]} Las primeras obras para piano están claramente influenciadas por Chopin. ^{[ 133 ]} Una influencia aún mayor fue la de Schumann , cuya música para piano Fauré amó más que ninguna otra. ^{[ 134 ]} En opinión de Copland, fue con el sexto Nocturno que Fauré emergió por completo de la sombra de cualquier predecesor. ^{[ 2 ]} El pianista Alfred Cortot dijo: «Hay pocas páginas en toda la música comparables a estas». ^{[ 2 ]} El crítico Bryce Morrison ha señalado que los pianistas suelen preferir interpretar las encantadoras obras para piano de sus inicios, como el Impromptu n.º 2, en lugar de las obras posteriores, que expresan «una pasión y un aislamiento tan íntimos, una ira y una resignación tan alternadas» que dejan a los oyentes incómodos. ^{[ 135 ]} En su música para piano, como en la mayoría de sus obras, Fauré rehuyó el virtuosismo en favor de la lucidez clásica a menudo asociada con los franceses. ^{[ 115 ]} No le impresionaban los pianistas puramente virtuosos, diciendo: «cuanto más grandes son, peor me tocan». ^{[ 136 ]}

Fauré no estaba muy interesado en la orquestación y, en ocasiones, pedía a sus antiguos alumnos, como Jean Roger-Ducasse y Charles Koechlin, que orquestaran sus obras de concierto y teatro. En palabras de Nectoux, el estilo orquestal generalmente sobrio de Fauré refleja "una actitud estética definida  ... La idea del timbre no era determinante en el pensamiento musical de Fauré". ^{[ 137 ]} No le atraían las combinaciones extravagantes de colores de tono, que consideraba autoindulgentes o un disfraz para la falta de verdadera invención musical. ^{[ 15 ]} Les decía a sus alumnos que debería ser posible producir una orquestación sin recurrir a glockenspiels , celestas , xilófonos , campanas o instrumentos eléctricos. ^{[ 138 ]} Debussy admiraba la sobriedad de la orquestación de Fauré, encontrando en ella la transparencia que buscaba en su propio ballet Jeux de 1913 ; Poulenc , por el contrario, describió la orquestación de Fauré como «un abrigo de plomo  ... lodo instrumental». ^{[ 139 ]} Las obras orquestales más conocidas de Fauré son las suites Masques et bergamasques (basadas en música para un entretenimiento dramático, o divertissement comique ), que él mismo orquestó, ^{[ 140 ]} Dolly , orquestada por Henri Rabaud , ^{[ 141 ]} y Pelléas et Mélisande, que se basa en música incidental para la obra de Maeterlinck ; la versión escénica fue orquestada por Koechlin, pero el propio Fauré reelaboró ​​la orquestación para la suite publicada. ^{[ 138 ]}

En el repertorio de cámara , sus dos cuartetos para piano, en do menor y sol menor , especialmente el primero, se encuentran entre las obras más conocidas de Fauré. ^{[ 142 ]} Su otra música de cámara incluye dos quintetos para piano , dos sonatas para violonchelo , dos sonatas para violín , un trío para piano y un cuarteto de cuerda . Copland (escribiendo en 1924 antes de que se terminara el cuarteto de cuerda) consideraba el segundo quinteto (en do menor, Opus 115) como la obra maestra de Fauré: «...  un pozo puro de espiritualidad  ... extremadamente clásico, lo más alejado posible del temperamento romántico». ^{[ 2 ]} Otros críticos han discrepado un tanto: The Record Guide comentó: «El flujo incesante y el esquema de color restringido del último estilo de Fauré, como se ejemplifica en este Quinteto, necesitan una gestión muy cuidadosa para que no resulten tediosos». ^{[ 142 ]} La última obra de Fauré, el Cuarteto de cuerdas , ha sido descrita por los críticos de la revista Gramophone como una meditación íntima sobre las últimas cosas, ^{[ 143 ]} y "una obra extraordinaria en todos los sentidos, etérea y de otro mundo con temas que parecen ser constantemente atraídos hacia el cielo". ^{[ 144 ]}

Fauré grabó rollos de pianola de su música para varias compañías entre 1905 y 1913. ^{[ n 16 ]} Se realizaron más de cien grabaciones de la música de Fauré entre 1898 y 1905, principalmente de canciones, con algunas obras de cámara cortas, por intérpretes como los cantantes Jean Noté y Pol Plançon y músicos como Jacques Thibaud y Alfred Cortot . ^{[ 146 ]} Para la década de 1920, una variedad de las canciones más populares de Fauré estaban grabadas, incluyendo "Après un rêve" cantada por Olga Haley, ^{[ 147 ]} y "Automne" y "Clair de lune" cantadas por Ninon Vallin . ^{[ 148 ]} En la década de 1930, artistas más conocidos grabaron piezas de Fauré, entre ellos Georges Thill ("En prière"), ^{[ 149 ]} y Jacques Thibaud y Alfred Cortot (Sonata para violín n.° 1 y Berceuse). ^{[ 150 ]} La siciliana de Pelléas et Mélisande se registró en 1938. ^{[ 151 ]}

Para la década de 1940, había algunas obras más de Fauré en los catálogos. Un estudio de John Culshaw en diciembre de 1945 destacó grabaciones de obras para piano interpretadas por Kathleen Long (incluyendo el Nocturno n.° 6, la Barcarola n.° 2, el Tema y variaciones, Op. 73, y la Balada Op. 19 en su versión orquestal dirigida por Boyd Neel ), el Réquiem dirigido por Ernest Bourmauck y siete canciones cantadas por Maggie Teyte . ^{[ 152 ]} La música de Fauré comenzó a aparecer con más frecuencia en los lanzamientos de las compañías discográficas en la década de 1950. La guía de discos de 1955 incluía el Cuarteto para piano n.° 1, el Quinteto para piano n.° 2, el Cuarteto de cuerdas, ambas Sonatas para violín, la Sonata para violonchelo n.° 2, dos nuevas grabaciones del Réquiem y los ciclos completos de canciones La bonne chanson y La chanson d'Ève . ^{[ 153 ]}

En la era del LP y particularmente del CD, las compañías discográficas han acumulado un catálogo sustancial de la música de Fauré, interpretada por músicos franceses y no franceses. Varias grabaciones modernas de la música de Fauré han alcanzado notoriedad pública como ganadoras de premios en los premios anuales organizados por Gramophone y la BBC . ^{[ n 17 ]} Se han grabado conjuntos de sus principales obras orquestales bajo directores como Michel Plasson (1981) ^{[ 154 ]} y Yan Pascal Tortelier (1996). ^{[ 155 ]} Las principales obras de cámara de Fauré han sido grabadas en su totalidad, con intérpretes como el Cuarteto Ysaÿe , Domus , Paul Tortelier , Arthur Grumiaux y Joshua Bell . ^{[ 156 ]} Las obras completas para piano solo han sido grabadas por Kathryn Stott (1995), ^{[ 157 ]} Paul Crossley (1984–85) ^{[ 158 ]} y Lucas Debargue (2021-2022) ^{[ 159 ]} con conjuntos sustanciales de las principales obras para piano de Germaine Thyssens-Valentin , ^{[ 160 ]} Jean-Philippe Collard (1982–84), ^{[ 161 ]} Pascal Rogé (1990), ^{[ 162 ]} y Kun-Woo Paik (2002). ^{[ 163 ]} Todas las canciones de Fauré han sido grabadas para CD, incluyendo un conjunto completo (2005), con el acompañante Graham Johnson como figura principal , con los solistas Jean-Paul Fouchécourt , Felicity Lott , John Mark Ainsley y Jennifer Smith , entre otros. ^{[ 164 ]} El Réquiem y las obras corales más breves también están bien representados en disco. ^{[ 165 ]} Pénélope se ha grabado dos veces, con elencos encabezados por Régine Crespin en 1956 y Jessye Norman en 1981, dirigidos respectivamente por Désiré-Émile Inghelbrecht y Charles Dutoit . ^{[ 166 ]} Prométhée no se ha grabado en su totalidad, pero se grabaron extensos extractos bajo la dirección de Roger Norrington (1980). ^{[ 167 ]}

Un artículo de 2001 sobre Fauré en el Diccionario Biográfico de Músicos de Baker concluye así:

La grandeza de Fauré como compositor permanece intacta con el paso del tiempo. Desarrolló un lenguaje musical propio; mediante la sutil aplicación de modos antiguos, evocó el aura de un arte eternamente fresco; utilizando disonancias suaves e inconclusas y efectos colorísticos especiales, anticipó los procedimientos del impresionismo; en sus obras para piano, rehuyó el virtuosismo en favor de la lucidez clásica de los maestros franceses del clavecín ; la línea melódica articulada con precisión de sus canciones se inscribe en la más alta tradición de la música vocal francesa. Su gran Réquiem y su Elegía para violonchelo y piano forman parte del repertorio general. ^{[ 115 ]}

El biógrafo de Fauré, Nectoux, escribe en el Grove Dictionary of Music and Musicians que Fauré es ampliamente considerado como el mayor maestro de la canción francesa, y que, junto con las mélodies , las obras de cámara se sitúan como «la contribución más importante de Fauré a la música». ^{[ 15 ]} El crítico Robert Orledge escribe: «Su genio era de síntesis: reconcilió elementos tan opuestos como la modalidad y la tonalidad, la angustia y la serenidad, la seducción y la fuerza dentro de un único estilo no ecléctico, como en la suite Pelléas et Mélisande , su obra maestra sinfónica. La cualidad de renovación constante dentro de un rango aparentemente limitado  ... es una faceta notable de su genio, y el estilo austero y elíptico de su único Cuarteto de cuerdas sugiere que su estilo intensamente autodisciplinado aún se estaba desarrollando en el momento de su muerte». ^{[ 168 ]}

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