Cerámica israelí

A principios del siglo XX, la tradición palestina de diseñar cerámica con materiales locales predominaba en Israel. ^{[ 1 ]} La cerámica era principalmente funcional, destinada sobre todo al uso de la población local en la Tierra de Israel. Otras vasijas se importaban de zonas vecinas.

Las vasijas se elaboraban en tornos de alfarero principalmente en zonas urbanas o en pueblos alfareros. Era un oficio tradicionalmente practicado por hombres. En el censo realizado en las calles de la tierra de Israel en 1928 durante el Mandato Británico , se registraron 77 pueblos alfareros (de individuos o grupos), mientras que en el censo de 1931 se registraron 211 pueblos alfareros diferentes. ^{[ 2 ]} Muchos de los pueblos alfareros estaban centralizados, según la proximidad geográfica de las familias de los alfareros. Ejemplos de esto se pueden encontrar en los talleres de cerámica de los pueblos alfareros de Rashia al Fakhar ( Tel Faher ) al pie del Monte Hermón . ^{[ 3 ]} O en Hebrón , en los diversos talleres de la familia Alfahori. Estas vasijas se cocían a baja temperatura en hornos tradicionales que quemaban leña, carbón vegetal o estiércol animal. También se realizaron diversos talleres en Gaza , donde se elaboró ​​una cerámica negra única (فخار اسود), mediante la adición de materiales orgánicos, como cáscaras de cebada, al horno o mediante cocción reductora. El humo resultante de la combustión de estos materiales dentro del horno le confería a la cerámica su característico color negro. ^{[ 4 ]}

Además, existía la tradición de producir vasijas de arcilla mezclada con paja o grava para cocinar y otros usos utilitarios por parte de la población local. Este trabajo lo realizaban a mano las mujeres, y las vasijas se cocían en hornos improvisados, en hornos de cocina o, a veces, ni siquiera se cocían. La cerámica de este tipo, que se producía en la zona de Samaria y en Ramallah , por ejemplo, se decoraba típicamente con colorante obtenido de hierro oxidado procedente del valle del Jordán . ^{[ 5 ]}

Con el avance del siglo, esta tradición comenzó a desaparecer como resultado de la industrialización y, además, a partir de la década de 1980, se empezó a importar cerámica de otros países. ^{[ 6 ]} Hasta 1989, por ejemplo, había 11 talleres diferentes activos en Hebrón. Sin embargo, para 2007 solo quedaban 8 alfareros. ^{[ 7 ]} En 1983, el Museo Eretz Israel organizó una exposición que mostraba la cerámica de la aldea libanesa de Rashia al Fakhar. ^{[ 8 ]}

A finales de 1918, miembros de la Administración Militar Británica y de la Sociedad Pro-Jerusalén invitaron a David Ohannessian, un maestro ceramista armenio de la Kütahya otomana y superviviente del Genocidio Armenio que vivía como refugiado en Alepo, a viajar a Jerusalén para restaurar los azulejos de la Cúpula de la Roca . A finales del verano de 1919, Ohannessian regresó a Kütahya, bajo la protección de la Administración Militar Británica, para obtener las materias primas necesarias y reclutar a los ceramistas armenios restantes para que volvieran con él a Jerusalén y participaran en su taller. Este primer taller armenio contó con el apoyo, en parte, del interés británico por las artes tradicionales en el contexto del movimiento Arts and Crafts. El arte cerámico armenio se remonta al siglo XV, a las ciudades otomanas de Anatolia, İznik y Kütahya , pero la combinación del arte antiguo de la Tierra de Israel y los motivos cristianos creó una síntesis artística única.

David Ohannessian abrió un taller que también producía cerámica utilitaria y decorativa. Creó azulejos para el American Colony Hotel (1923), la fuente del Hospital St. John's, la cúpula de azulejos del jardín del Museo Rockefeller , etc. Los motivos en su obra son cipreses , tulipanes y vides típicos del arte decorativo tradicional selyúcida y otomano . ^{[ 9 ]} También utilizó figuras derivadas de las iluminaciones medievales armenias, diseños de la mayólica renacentista europea y motivos de aves basados ​​en un mosaico armenio de los siglos V-VI, descubierto durante una excavación arqueológica en Jerusalén en la década de 1890.

El taller que Ohannessian fundó en Jerusalén seguía la tradición de la alfarería tal como la había practicado y supervisado en su taller de Kütahya, en la Anatolia otomana, que había florecido antes de la Primera Guerra Mundial y su deportación a Siria. Según los métodos tradicionales, los procesos de mezcla de arcilla y esmalte, torneado, diseño, pintura y cocción eran realizados por diversos artesanos, todos supervisados ​​por Ohannessian, algunos de los cuales se especializaban en diseño y otros eran expertos en el torno de alfarero. Ohannessian era hábil en todas las facetas del arte y formó a varios aprendices, como había hecho en Anatolia. Mantuvo una especialización particular en pintura y diseño de cerámica. Tras la fundación de su taller en la Vía Dolorosa, colaboró ​​con Near East Relief para capacitar a varios huérfanos armenios del genocidio, brindándoles las habilidades necesarias para dedicarse al arte de forma profesional. Algunas de las obras de su taller, especialmente los monumentales azulejos arquitectónicos, fueron firmadas por el artista principal. Numerosos jarrones y platos identificaban a sus respectivos creadores mediante pequeñas iniciales vidriadas en la base, generalmente pintadas en ocre. El taller de Ohannessian utilizaba un horno de piedra para leña, construido según sus especificaciones en 1919. El modelo empleado en este taller se utilizó posteriormente en otros talleres armenios fundados en Jerusalén.

Los artistas Megardish Karakashian y Nishan Balian , que dejaron el taller de Ohannessian en 1922, fundaron juntos un taller llamado "Palestine Pottery", donde desarrollaron una línea de diseño con imágenes figurativas que eran ajenas al arte cerámico turco tradicional (con la excepción de la propia tradición figurativa de Kütahya, tal como la practicaban sus ceramistas armenios). Por ejemplo, los dos combinaron diseños de mosaicos antiguos descubiertos en la Tierra de Israel, como el "Mosaico de los Pájaros" (Jerusalén) o el mosaico del Palacio de Hisham en Jericó . A menudo, estas imágenes estaban impregnadas de interpretaciones teológicas cristianas. ^{[ 10 ]} El taller conjunto funcionó ininterrumpidamente hasta 1964, cuando Stefan Karakashian ^{[ 11 ]} y Marie Balian, herederos de los fundadores, fundaron dos talleres separados que utilizaron imágenes del pasado, así como nuevas imágenes que ellos mismos crearon.

En el marco de la " Escuela de Arte y Artesanía Bezalel ", se fundó un taller de cerámica en 1924, dirigido por Jacob Eisenberg . ^{[ 12 ]} Para 1917, Boris Schatz estaba considerando abrir un departamento para el diseño de artículos decorativos fundidos, así como un departamento de pintura sobre "porcelana". Este oficio ya se enseñaba en Bezalel utilizando porcelana prefabricada traída de fuera de Palestina para su uso en Bezalel. ^{[ 13 ]} Schatz vio en la actividad de la fábrica de ladrillos y tejas que operaba en los terrenos del " Orfanato Schneller " en Jerusalén desde aproximadamente 1895, prueba de la practicidad de una industria local de este tipo, que utilizaría materiales locales traídos de Motza .

Eisenberg, quien fue alumno de Bezalel de 1913 a 1919, tras su graduación se trasladó a Viena para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios, donde realizó un curso de perfeccionamiento en diseño y producción de cerámica. ^{[ 14 ]} El departamento separaba el diseño de la cerámica, impartido principalmente por profesores de Bezalel y, en particular, por Ze'ev Raban , de la producción práctica de las piezas. De los objetos producidos en este departamento, los más conocidos son los azulejos y decoraciones de pared de las décadas de 1920 y 1930. Estas obras incluyen los azulejos de las paredes de la Escuela Ahad HaAm, la Casa Bialik y la Casa Lederberg en Tel Aviv, y la sinagoga del Moshav Zekanim.

El estilo del diseño de los azulejos estuvo influenciado por el Art Nouveau y el Jugendstil . Este estilo se manifiesta en la planitud de la superficie y en los bordes ricamente decorados. En cuanto a las ideas, los azulejos Bezalel mostraron una tendencia hacia el trascendentalismo, visible en sus bordes decorados con imágenes de la tradición judía y de temática sionista . ^{[ 15 ]}

Desde los inicios de la industria cerámica en Israel, los objetos de cerámica se producían en moldes de fundición. Sin embargo, el desarrollo de la industria sionista impulsó una rápida industrialización.[24] La principal zona donde se desarrolló la industria cerámica fue Haifa, donde en 1938 se fundó " Naaman ", donde se producían objetos de porcelana fundida.[25] En la exposición "Arte Aplicado y la Prescripción para la Industria en la Tierra de Israel", celebrada en el Museo Bezalel de Jerusalén en 1947, Hanna Harag Zunz exhibió vasijas vidriadas como ejemplo de cooperación entre diversos elementos de la industria.[26] En 1955, en el Museo de Arte de Haifa, se organizó una exposición titulada "La Sociedad Cerámica", en la que se mostraron objetos y los procesos de su producción en la industria cerámica local. ^{[ 23 ]}

En la década de 1950 se inició la cooperación práctica entre la industria cerámica y los diseñadores y artistas del joven estado, con el objetivo de impulsar la industria y elevar su prestigio. Iniciativas similares tuvieron lugar en la década de 1960 en el Instituto Israelí de Cerámica y Silicatos del Technion y en Bezalel, donde comenzaron a experimentar con materiales cerámicos para el diseño.

Aharon Kahana —quien junto con su esposa fundó el "Beit Hayotzer" [Taller Artesano] (Haifa), que era tan grande que empleaba a tres alfareros asistentes— logró definir un estilo extendido que combinaba la abstracción modernista con motivos decorativos folclóricos. Esta combinación consiguió "devolver el arte al pueblo" ^{[ 24 ]} y "utilizar muchas formas, que habían sido inaceptables para el público, como decoración para creaciones cerámicas" ^{[ 24 ] .}

Entre las plantas de producción de cerámica más conocidas se encontraban "Kol-Keramic" (Haifa), "Carnet" (Netanya Ceramics), "Ceramit" (Netanya), "Beit Halachmi" (Tel Aviv), "Bror Hayil" (Bror Hayil), "Keramaklin" (Nes Tziona), "Palkeramic" (Haifa) y "Beit Hayotzer" (Ramat Gan/Petah Tikva), el taller de cerámica de Kfar Menachem, etc. Al mismo tiempo, las dos fábricas más importantes eran "Lapid Pottery" (1951) y "Harsa Ceramics" (1956), que combinaban tecnología con técnicas artesanales.

En 1952, Elisabeth Cohen comenzó a trabajar como diseñadora para Lapid Pottery. Elisabeth Cohen había estudiado con Hedwig Grossman y fundó el departamento de "arte" en la empresa. Para 1959, este departamento empleaba a 20 personas. ^{[ 25 ]} Al principio, la empresa producía vasijas utilitarias moldeadas con los materiales utilizados para fabricar inodoros, pero poco a poco, tanto los métodos como los diseños de la empresa se volvieron más sofisticados. Además de Cohen, otros diseñadores, como Maud Friedland , comenzaron a trabajar para la empresa. Otro departamento de arte produjo cerámica en la empresa Harsa Ceramics desde 1956 hasta 1966. ^{[ 26 ]} El departamento fue fundado por Nehemia Azaz , quien diseñó sus vasijas utilizando colores y materiales locales. ^{[ 27 ]} En su apogeo, el departamento empleaba a 30 trabajadores. Después de que Azaz dejara el departamento, este fue dirigido por Pnina Zamir Amir . ^{[ 28 ]}

Los artículos fabricados en ambas compañías eran de estilo modernista y se caracterizaban por el uso de formas geométricas y una decoración principalmente abstracta. Estos diseños estaban influenciados por la tradición del diseño modernista, por los diseños creados en Europa durante ese mismo período y, por lo tanto, por lo que se percibía como la expresión de la «localidad» de la Tierra de Israel. Azaz, por ejemplo, afirmó que sus formas estaban influenciadas por el paisaje desértico. ^{[ 29 ]}

El uso de porcelana por parte de las empresas cerámicas se concentró principalmente en las fábricas "Naaman" y "Lapid", ambas dedicadas a la producción de utensilios utilitarios. Al mismo tiempo, se sabe que la industria intentó fomentar el diseño local. Shimon Badar, por ejemplo, quien fue el primer diseñador de "Naaman", también fue profesor de tecnología cerámica en el Departamento de Cerámica de Bezalel. ^{[ 30 ]} Un ejemplo de un proyecto tecnológico-artístico a gran escala es el revestimiento de la entrada de Asia House (1977-1979) con azulejos producidos en los moldes de porcelana contiguos a "Naaman" y diseñados por el artista Pinchas Eshet. ^{[ 31 ]}

Las décadas de 1950 y 1960 fueron los años más importantes para la actividad cerámica en el ámbito del arte israelí. Por primera vez, los artistas ceramistas comenzaron a formarse en numerosos talleres privados y diversas instituciones académicas. Además, las artes decorativas —incluida la cerámica— dejaron de ser percibidas como un elemento ajeno a la joven cultura israelí. En gran medida, estas expresiones artísticas fueron impulsadas por diversas agencias gubernamentales. Finalmente, un análisis de las creaciones de los artistas demuestra la consolidación de una «tradición» artística local que optó por distanciarse de la tradición cerámica árabe, la armenia e incluso la de Bezalel, en favor del «modernismo» y la «localidad», lo que determinó la dirección central de la cerámica israelí hasta la década de 1980. ^{[ 32 ]}

Junto con Hedwig Grossman , quien enseñó a la mayoría de los jóvenes ceramistas en su estudio de Jerusalén y en Ein Hod , y desde 1964 en Givatayim , Hanna Harag Zunz también les enseñó en el Seminario Oranim (hoy Colegio Académico Oranim ), Paula Ahronson en Wizo en Tel Aviv, y Gedula Ogen en Havat HaNoar HaTzioni (Aldea Juvenil Israel Goldstein). En 1957 se inauguró el departamento de cerámica en el Instituto de Artes del Colegio Tel-Hai. ^{[ 33 ]} En 1958 se fundó el Departamento de Cerámica y Diseño de Vidrio en la Academia de Artes y Diseño Bezalel , junto al Orfanato Schneller. El departamento estaba dirigido por David Wachtel, quien había trabajado anteriormente en la fábrica "Palkeramics". Su profesorado incluía a David Calderon , Pnina Amir-Zamir y Maud Friedland. En 1962 Gedula Ogen fue nombrada jefa del departamento. ^{[ 34 ]} Entre 1961 y 1963, el número de estudiantes en el departamento creció de 26 a 50, y la cantidad de espacio de trabajo en el departamento aumentó considerablemente.[38] Otra institución docente era el "Centro de Artes Visuales" en Beersheba. ^{[ 35 ]}

Desde el punto de vista del diseño, los ceramistas continuaron la tradición de Harag Zunz y particularmente la de Grossman, en todo lo relacionado con el espíritu del modernismo europeo y en la aspiración a la expresión de lo local en sus obras. Entre los seguidores más importantes de Grossman se encuentran Amnon Israeli y Gedula Ogen. Desde la década de 1960, ambos se inspiraron para su trabajo en la arqueología y el paisaje de la Tierra de Israel, expresado en obras que no estaban esmaltadas y estaban recubiertas de engobe ^{[ 36 ]} o expuestas a fuego abierto durante su cocción. ^{[ 37 ]} Otros artistas ceramistas prominentes fueron Yehudit Meir y Yocheved Marx , quienes trabajaron juntos en Beersheba desde 1958, utilizando materiales locales de la tierra del Negev y cociendo sus obras a temperaturas muy altas (1250-1300 grados C), lo cual era atípico para los ceramistas israelíes de ese período. Las obras que crearon abarcaron el campo desde lo decorativo hasta lo práctico.

Las oportunidades para exhibir y vender cerámica durante ese período eran limitadas y llevaron a la producción, en su mayor parte, de artículos de cerámica prácticos. Junto con las exposiciones en la galería "Mikra-Studio" (Tel Aviv, 1946–1956), que combinaba el énfasis en los valores artísticos con la exhibición de artistas ceramistas femeninas, ^{[ 38 ]} y "Atelier 97" (Tel Aviv), ^{[ 39 ]} la cerámica se vendía en las tiendas Maskit (Tel Aviv, 1959-  ?), que enfatizaban los elementos folclóricos. ^{[ 40 ]} Además, hubo varias exposiciones de arte cerámico en el Museo de Arte de Tel Aviv y en el Museo Bezalel y en varias tiendas privadas. ^{[ 41 ]} La gran mayoría de los artistas ceramistas no eran miembros de un sindicato de artistas profesionales, y si lo eran, como Grossman y Samuel, dentro de ese marco exhibían principalmente pinturas y grabados. En 1966, en Tel Aviv, se inauguró el Museo de la Arcilla como parte del Museo Eretz Israel, donde se exhibían cerámicas antiguas junto a obras de artistas israelíes que exponían en el patio abierto del pabellón. En 1968 se fundó la Asociación de Artistas Cerámicos de Israel, presidida por Joseph Blumenthal.

En 1963 se publicó el libro Arte en Israel, bajo la dirección editorial de Benjamin Tammuz . ^{[ 42 ]} El libro dedicó un capítulo completo al arte, compilado por John Cheney. En este capítulo, acompañado de numerosas fotografías, Cheney analizó áreas del arte como el diseño, la joyería y la cerámica, que yuxtapuso con medios como el dibujo, la escultura y la arquitectura. La presentación de la cerámica y el resto de las artes como iguales a otros medios artísticos da testimonio de la importancia del arte durante esos años y de su promoción mediante exposiciones y concursos organizados por instituciones como el Instituto de Embalaje de Israel y la Institución de Exportación de Israel, entre otras. El 24 de septiembre de 1970 se inauguró en el Museo de Arte de Tel Aviv una exposición que exploraba el campo de la cerámica en Israel y que representó la máxima expresión de esta tendencia. La exposición —«Cerámica de Israel 70»— exhibió 284 obras de 64 artistas, junto con un catálogo detallado que incluía fotografías de las obras. Además, las obras producidas por otras cinco fábricas ("Beit Hayotser", "Lapid", "Naaman", "Palkeramic" y "Carnet". ^{[ 43 ]}

En 1957, Itche Mambush y su esposa Aviva Margalit abrieron talleres de cerámica en la Aldea de Artistas de Ein Hod , muy cerca el uno del otro . La aldea fue fundada en 1953 por Marcel Janco como un espacio para las artes y los artistas. Alrededor de los talleres, un grupo de artistas residentes y de la zona comenzó a incorporar la cerámica a su repertorio artístico. Algunos de estos artistas se identificaron con el movimiento "Nuevos Horizontes", como Janco, Yehezkel Streichman , Pinchas Abramovich y Aharon Kahana , quienes trabajaron junto a artistas para quienes el estilo decorativo era parte integral de su arte, como Louise Schatz , Bezalel Schatz , Jean David , Genia Berger , etc.

En sus obras vemos un enfoque colorido y expresivo con énfasis en esmaltes atípicos de la tradición "material" en la cerámica local. Además de una pequeña cantidad de escultura cerámica, estos artistas produjeron muchas pinturas utilizando técnicas de esmaltado y murales utilizando una variedad de azulejos de cerámica esmaltada. ^{[ 44 ]} Algunos de los artistas trabajaron ellos mismos los materiales, mientras que otros produjeron bocetos detallados para piezas que se implementarían en diferentes talleres, como los de Ein Hod o el de Kfar Menachem .

Estos muros decorativos formaban parte de la tendencia a combinar el arte con la arquitectura local, y fueron utilizados por otros artistas junto con otras técnicas como el esgrafiado y los mosaicos. Uno de los eventos artísticos más conocidos en este campo tuvo lugar en 1954, cuando un grupo de pinturas murales de cerámica de Aharon Kahana , Jean David y Gedula Ogen se instalaron en el campus de Givat Ram de la Universidad Hebrea de Jerusalén . En 1958, incluso se presentaron bocetos de estos muros en la exposición "Diez años de arquitectura en Israel" en el Museo de Tel Aviv . ^{[ 45 ]} El punto culminante de esta creatividad fue en 1966, cuando se llevó a cabo un seminario práctico internacional de cerámica en Ein Hod, por iniciativa de Berger.

En la segunda mitad de la década de 1960, la influencia de diversos medios comenzó a manifestarse en las obras de los ceramistas israelíes. En particular, se apreciaba la influencia de los escultores israelíes. Junto con el uso continuado de imágenes arquitectónicas y la tendencia hacia lo local, se observaba también el uso de imágenes de la tierra y los paisajes desérticos, lo que supuso una ruptura con los límites de la cerámica tradicional. La aspiración a plasmar la naturaleza en las obras de arte impulsó a los artistas a buscar nuevas expresiones artísticas.

El estatus de la arquitectura de la Tierra de Israel como expresión del nacionalismo sionista atrajo no solo al público en general, sino también a muchos ceramistas. ^{[ 46 ]} Muchos de ellos utilizaron las habilidades que habían adquirido en la restauración de cerámica, que se encontró en gran cantidad en las excavaciones arqueológicas de la década de 1950. ^{[ 47 ]} Era natural, por lo tanto, que las imágenes arquitectónicas aparecieran en las obras de los artistas israelíes. Todo un grupo de artistas como David Ben Shaul , Agi Yoeli , David Calderon , Moshe Shek y Shelly Harari , además de sus obras de cerámica, produjeron durante este período esculturas humanas o imágenes de animales inspiradas en figurillas y estatuillas de la antigüedad. ^{[ 48 ]} Sus obras incluían un elemento sionista pionero que expresaba un intento de conectar al joven Estado de Israel con su pasado histórico y bíblico. ^{[ 49 ]} Al mismo tiempo, los ceramistas israelíes mostraron una tendencia hacia el modernismo, que enfatizaba el carácter geométrico de la forma y la obra y mostraba la influencia del modernismo europeo.

La mayoría de las características de la escultura se encuentran en las obras que se originaron en el torno de alfarero durante esos años. Un elemento central en la amplia difusión de las obras de este género fue la enseñanza de Gedula Ogen en Bezalel. Ogen desarrolló un estilo que, utilizando el torno de alfarero, le permitía lograr el volumen necesario para la escultura en relieve y figurativa a gran escala. En sus obras, continuó el estilo de diseño de Grossman, haciendo hincapié en la cualidad cromática natural del material. Gran parte de su obra abordaba imágenes de la naturaleza y la relación entre esta, la cultura y el arte.

La principal razón del cambio de estilo durante la década de 1960, que se apartó de la tradición anterior al abrir el campo de la cerámica israelí a nuevos y variados puntos de vista, fue la llegada e influencia de productores de cerámica y artistas ceramistas profesionales, cuya aplicación práctica se pudo apreciar en las obras de David Morris, Magdalena Hefetz, Sonia Natra y otros que estudiaron y se especializaron en Estados Unidos y Europa. ^{[ 50 ]}

Un artículo de 1972 describe la creación de una de estas esculturas por Rina Peleg , graduada de Bezalel, quien «apoyándose fuertemente en el torno de alfarero y en movimientos circulares, crea el cuerpo de su escultura. Solo después de esto amasa y da forma a la forma terminada con sus manos, creando su decoración y ornamentación». ^{[ 51 ]} Sin embargo, pronto comenzó a pedir que los artistas «abandonaran la jarra» ^{[ 51 ]} y la dimensión decorativa de la cerámica tradicional en favor del arte exento. Artistas como Neta Avraham , Shelly Harari, Nora y Naomi , Jean Meir , Maud Friedland y otros, se desviaron de la tradición de «esculpir con el torno de alfarero» para experimentar con diferentes técnicas, en particular la escultura exenta. Un motivo central fue la imitación de formaciones encontradas en paisajes locales y su conversión en objetos escultóricos.

El paisaje israelí, especialmente el desértico, se percibía como aislado de la sociedad occidental moderna y sirvió de inspiración a los artistas para la creación de formas, texturas y colores en sus obras. De este modo, estos artistas se sumaron a la tendencia general de muchos otros artistas israelíes que plasmaban en sus obras imágenes de una utopía arcaica, muchos de ellos incluso bajo la influencia tardía del arte cananeo. Las obras que crearon tendían hacia estructuras vegetales abstractas o hacia la construcción de objetos que evocaban estructuras culturales arcaicas.

Sin embargo, a medida que la cerámica se acercaba al campo del arte, las influencias extranjeras también se infiltraron en la tradición israelí. Siona Shimshi , por ejemplo, regresó durante esos años de sus estudios en Estados Unidos, donde había estado expuesta al arte posmoderno, como el Pop Art. Sus obras de cerámica combinaron estas influencias con obras biográficas e imágenes psicológicas. Por ejemplo, en obras como "Teatro de marionetas" ^{[ 52 ]} o "Foto de clase de 1939" (1965), la artista buscó expresar temas psicológicos y sociales, algo inusual en la cerámica israelí de la época. ^{[ 53 ]}

A partir de la década de 1960, comenzaron a aparecer esculturas de gran formato en el arte israelí, como la escultura de bronce "Oveja del Negev" de Itzhak Danziger , obras de ensamblaje, como las de Igael Tumarkin y Yehiel Shemi , o trabajos que empleaban diversas técnicas como instalaciones o el uso de materiales no artísticos, como las creadas por los artistas del grupo "Ten Plus". Al mismo tiempo, la cerámica seguía limitada por el tamaño de los hornos en los que se cocía. Sin embargo, al parecer, fue la influencia del arte conceptual, que llegó a Israel en la década de 1970, la que relegó la cerámica al olvido. Esto se hace especialmente evidente en el contexto de la imaginería de la "tierra" y el "lugar" presente en la vanguardia artística israelí de este periodo.

A pesar del lugar marginal que ocupaba este medio, las expresiones posmodernas en cerámica tuvieron cierto impacto gracias a la obra de Gideon Ofrat , uno de los artistas más importantes que tradujo el pensamiento posmoderno en una estética durante la década de 1980. En 1985, Ofrat comisarió la exposición "Hacia un mito sin Dios" en la Casa de Artistas de Jerusalén . En el catálogo de la exposición, Ofrat describió la cerámica como una expresión de la metafísica, y la alfarería y las vasijas como un medio de conexión directa con la naturaleza. Una conexión que Ofrat describió como una dialéctica de "avanzar hacia una doble eternidad: una eternidad de vida absorbente y una eternidad de muerte absorbente" ^{[ 59 ]} , vinculada a la practicidad y el simbolismo de la alfarería. En esto, Ofrat reflejó la fenomenología de Martin Heidegger y Jacques Derrida , quienes enfatizaron la tierra y el objeto (y la jarra como expresión característica de esto) como una intersección entre la vida y la muerte. ^{[ 60 ]}

Muchos artistas buscaron explorar lo personal y lo biográfico a través de imágenes arquetípicas, y así expresar la dimensión simbólica del arte. Desde el punto de vista de la forma, se manifestó mediante el desarrollo de medios de expresión escultórica en una dirección más figurativa y con una tendencia a ignorar el objeto individual en favor del conjunto escultórico. ^{[ 61 ]} Siona Shimshi , por ejemplo, desarrolló su escultura cerámica como una serie de formas humanas arquetípicas hechas de materia prima. ^{[ 62 ]} Nora y Naomi comenzaron a comunicarse con el campo escultórico cuando empezaron a utilizar motivos de viajes o imágenes de la naturaleza. Las obras de Moshe Shek se sitúan en algún punto del espectro entre la cerámica y la escultura, expresadas en una especie de encarnación posmoderna de la tradición cerámica israelí. Las enormes piezas que creó, a las que llamó "contenedores" (1986), estaban decoradas con diseños sencillos que resaltaban los colores naturales del material, ^{[ 63 ]} y estas esculturas exhibían animales imaginarios estilizados hechos de cilindros de arcilla que evocaban la escultura "cananea". Otros artistas, como David Morris y Mark Yudell , utilizaron imágenes específicamente para crear un mundo mitológico privado, que reflejaba sus experiencias personales, junto con una pizca de humor e ironía.

Otro aspecto de la preocupación por lo biográfico se puede observar en la infiltración de motivos religiosos en el arte israelí en general, y en el arte cerámico israelí en particular. ^{[ 64 ]} Marie Balian , por ejemplo, una artista armenia, desde la década de 1970 orientó su arte hacia pinturas murales monumentales hechas de azulejos vidriados. ^{[ 65 ]} Sus imágenes se inspiraron en la tradición cerámica armenia, con cambios que se expresaron en el diseño de la composición, que se transformó en algo fantástico.

Una tendencia similar se observa en la obra de ceramistas judíos, cuyas creaciones de judaica reflejaban la cultura del material. Abraham y Pnina Gofer , por ejemplo, en las décadas de 1970 y 1980, exhibieron platos de Seder elaborados con moldes de fundición, con imágenes de estilo etnográfico y decorados con esmaltes coloridos. En contraste, Meira Una, a mediados de la década de 1980, creó una serie de lámparas de Janucá que combinaban imágenes del judaísmo ortodoxo con motivos arquitectónicos. Su obra se caracteriza por el uso de material sin tratar (sin barbotinas ni esmaltes), con garabatos o inscripciones grabadas, y sin pulido ni acabado de la forma. Todas estas obras enfatizaban la importancia de lo personal y la preocupación por la poética en la cerámica y el arte.

Al mismo tiempo, el artista ceramista más destacado que utilizó motivos judíos provenía del campo del arte y la pintura. A mediados de la década de 1980, Moshe Gershuni comenzó a crear lo que se conoció como "cerámica judía". ^{[ 66 ]} Gershuni utilizó platos prefabricados que compraba de segunda mano. Sobre ellos dibujó con pinturas cerámicas para alfarería de baja temperatura. ^{[ 67 ]} Las imágenes que aparecían en su cerámica combinaban fragmentos de oraciones, esvásticas y estrellas de David, que también se pueden ver en sus pinturas de esos años. ^{[ 68 ]} Las exposiciones de estas obras en 1988 en Bezalel y en 1990 en el Museo de Arte de Tel Aviv generaron una amplia publicidad.

Durante la segunda mitad de la década de 1980 y la primera mitad de la de 1990, se vislumbraron claros indicios de la transición de la alfarería a la escultura cerámica. Un gran número de artistas ceramistas comenzaron a incorporar ideas de la pintura y la escultura en su obra. Estas ideas, a juicio de estos artistas, confirieron una nueva legitimidad a la alfarería y a los objetos que creaban, tanto como expresión de sus sentimientos personales como expresión de la poesía artística.

Un ejemplo de la renovada relación entre escultura y cerámica se puede ver en las obras de artistas en la frontera entre la cerámica tradicional y el arte contemporáneo. Rayah Redlich , por ejemplo, creó vasijas de gran tamaño, que presentó como un examen estético y cultural renovado, y en las que utilizó técnicas de impresión y pintura "sobre los fragmentos". Muchas de estas obras se exhibieron sobre pedestales que formaban parte de la exposición. ^{[ 69 ]} Y Daniel Davis utilizó su torno de alfarero para crear vasijas de gran tamaño cuyos "fragmentos" luego se unieron en haces con tiras de acero. Un grupo de unas 70 de ellas apareció como parte de "A Woman of the Pots", una performance y película creada por su esposa, Adina Bar-On , en 1990. ^{[ 70 ]} Además de usarse como instrumentos de percusión musical, las vasijas apuntaban a temas como la muerte y el judaísmo. Otro grupo que abordó la imaginería del material y de la cerámica a través de un medio representativo fue el Grupo Zik , cuyas obras incluyen una vasija como imagen central. En la instalación "Anarzik" (1997), por ejemplo, el grupo creó, sobre la estructura de un torno de alfarero, una vasija compleja que experimentó una transformación de su tecnología y su forma ante los ojos del público. ^{[ 71 ]}

Otra artista destacada fue Lidia Zavadsky , quien incluso dirigió el Departamento de Cerámica y Diseño de Vidrio en la Academia de Artes y Diseño Bezalel de Jerusalén. Al igual que otros artistas, Zavadsky incorporó la escultura a su obra como parte integral de su enfoque posmoderno. Entre 1992 y 1994, Zavadsky creó una serie de vasijas-esculturas que se convirtieron en la obra cumbre de su producción artística. Las vasijas eran de tamaño monumental, esmaltadas en colores intensos y combinaban el trabajo en el torno de alfarero con la escultura. A pesar de sus temas de corporeidad y muerte, la forma y las relaciones internas constituían la principal preocupación artística de la obra de Zavadsky. A través de ellas, la artista exploró las tradiciones cerámicas europeas y asiáticas. Estas obras recibieron mayor reconocimiento artístico que cualquier otra obra cerámica realizada hasta entonces y también se exhibieron en el Museo de Israel.

Solo a finales del siglo XX y principios del XXI los artistas de la cerámica comenzaron a utilizar de forma más consistente el arte de la instalación dentro del arte cerámico. ^{[ 72 ]} Artistas como Talia Tokatly , Hadass Rosenberg Nir , Shlomit Bauman , Yael Atzmony , Maya Muchawsky Parnas y otros crearon instalaciones que combinaban diferentes medios, como escultura, cerámica, vídeo, etc. En sus obras vemos una combinación de elementos de su identidad personal a través del desmontaje y montaje de objetos saturados de historia política o personal.

Una filosofía opuesta a esta tendencia escultórica fue el retorno a la tradición alfarera, una expresión de la cual fue la creciente adopción de la porcelana como material utilizado en tornos de alfarero y en la fundición a partir de la década de 1990. Esto sucedió tanto porque este material comenzó a llegar a Israel de manera regular, como porque los artistas comenzaron a recibir capacitación en el uso de este material dentro del marco académico ^{[ 73 ]} y también de forma privada. ^{[ 74 ]} Entre los artistas que comenzaron a usar porcelana en tornos de alfarero se encontraba Irit Abba . El uso de este material agudizó su concentración en la forma de la vasija y le permitió desarrollar un concepto deconstructivista de la vasija, de su percepción de la cerámica y de su visión de la cultura europea. Enfatizó la materialidad de las vasijas y jarras que produjo a principios de la década de 2000 mediante el uso de ranuras y chinchetas en su superficie, mediante la combinación de la porcelana con "arcilla de papel", ^{[ 75 ]} pasta egipcia y virutas, y mediante el uso de colores intensos. ^{[ 76 ]} En otros artistas también, como Esther Beck y Shulamit Teiblum-Millar , podemos ver este renovado interés en la cerámica y en los materiales de la cerámica para enfatizar los procesos de trabajo utilizados en la creación de objetos artísticos.

A pesar de la amplia formación en tecnología del diseño, la desaparición de la industria cerámica en Israel impulsó a los artistas, y en particular a los diseñadores, a la creación de objetos individuales o de objetos en series pequeñas, y a veces en series grandes, utilizando técnicas de fundición a mano. Entre los más destacados de estos artistas se encuentran diseñadores como Ami Derech , Dov Ganchrow y Jonathan Hopp .