María Heilmann

Heilmann se mudó a la ciudad de Nueva York después de graduarse de Berkeley en 1968. Sentía que tanto sus intereses como el trabajo que estaba realizando (véase Ooze , 1967) encontrarían afinidad con exposiciones como Arp to Artschwager Show de Dick Bellamy en la Galería Noah Goldowski; Eccentric Abstraction de Lucy Lippard en la Galería Fischbach ; y Primary Structures Show en el Museo Judío . ^{[ 8 ]} Pero la colaboración no llegó. Heilmann fue excluida de varias exposiciones de la época, siendo Anti-Illusion de 1969 en el Museo Whitney de Arte Estadounidense particularmente devastadora. Ese rechazo la alejó del trabajo en escultura (véase The Big Dipper , 1969) y la acercó a la pintura. Optó por no adoptar la pintura Color Field del momento y, en cambio, produjo lo que ella misma denominó una «pintura conceptual, antiestética, de colores tierra e irónica, basada en materiales, que a menudo resultaba difícil de contemplar». ^{[ 4 ]} Su incursión en la pintura la llevó a experimentar aún más con nuevos estilos, técnicas y medios espontáneos e informales , colores brillantes, goteos, planitud y geometrías biomórficas inusuales. ^{[ 9 ]} En su opinión, las primeras pinturas carecían de contenido emocional y poseían un color puro y sin matices. Para Heilmann, el objetivo era una pintura que prescindiera de la técnica y la seducción, y que fuera, en cambio, «dura» y «sencilla».

Heilmann sitúa su obra en la tradición de la pintura geométrica —aunque también ha dicho que “abstracción” es un término perfectamente adecuado— y se ve a sí misma en diálogo con Kazmir Malevich , Piet Mondrian , Josef Albers y Ellsworth Kelly . ^{[ 10 ]}

Uno de los primeros éxitos de Heilmann como joven pintora fue su inclusión en la Exposición Anual del Museo Whitney de Arte Estadounidense en 1972, donde exhibió una obra monocromática roja titulada El armario , también conocida como Corbatas en mi armario . Ella describió su proceso:

Cuando pinto, soy como un niño apilando bloques; muevo las formas en mi mente, cuento. Es una manera de empezar. Primero fui alfarero, y esa es una actividad que también depende de la geometría, una geometría topológica circular de superficies y espirales. Luego fui escultor. Me convertí en pintor a principios de los 70, pero mi orientación siempre ha sido la de alguien que construye cosas. ^{[ 10 ]}

La obra de Heilmann se incluyó en la exposición de 1971 Twenty Six Contemporary Women Artists celebrada en el Aldrich Contemporary Art Museum ^{[ 11 ]} y en la exposición de 2022 52 Artists: A Feminist Milestone también en el Aldrich. ^{[ 12 ]} Desde 1976 hasta 1981 fue una habitual en las exposiciones de la influyente Holly Solomon Gallery de Nueva York , con dos exposiciones individuales allí durante ese tiempo (The Vent Series de 1976 y New Paintings de 1978). En 1977 Heilmann se mudó al barrio que ahora se conoce como TriBeCa (Triangle Below Canal), habiendo vivido anteriormente en SoHo y Chinatown . Pero su estancia allí fue corta, ya que Gordon Matta-Clark murió en agosto de 1978, este fue un momento decisivo para Heilmann. La “familia” que había formado en la ciudad de Nueva York —que incluía a Matta-Clark, Norman Fisher (fallecido en 1977), Keith Sonnier , Liza Bear , Jackie Winsor y Suzie Harris, entre otros— se disolvió tras la muerte de Matta-Clark. Heilmann regresó a San Francisco. Allí pintó El Fin, un homenaje a su amistad con Matta-Clark y Fisher y un réquiem por la vida que una vez tuvo en Manhattan. Respecto al tiempo que vivió en San Francisco, dijo:

Ahora el trabajo provenía de un lugar diferente. En lugar de trabajar desde el dogma del formalismo modernista y no figurativo , comencé a ver que las decisiones en la obra dependían más del contenido para su significado. Era el fin del modernismo y, aunque no me había enterado, el comienzo del posmodernismo . Fue un momento crucial para mí. Todo sería diferente. ^{[ 13 ]}

Heilmann regresó a Nueva York en 1979, el mismo año en que terminó Save the Last Dance for Me , una pintura que simbolizó una ruptura entre el trabajo que realizó antes de 1979 y el trabajo más maduro que produjo después de ese año.

Sin embargo, el regreso de Heilmann coincidió con lo que ella consideraba una especie de pintura en el exilio. Tras haber dejado las drogas y el alcohol después de la muerte de Suzie Harris, Heilmann ya no creía tener un lugar en la escena del Downtown de Nueva York. ^{[ 14 ]} Aunque logró varios avances artísticos durante este tiempo, en particular la pintura Rosebud (1983), no recuperó su sentido de pertenencia al mundo artístico de la ciudad de Nueva York hasta que conoció a la galerista Pat Hearn en 1986. Hearn la representó y le ofreció una exposición en la galería a finales de 1986. ^{[ 15 ]}

Heilmann “abandonó” su imagen de sí misma como una marginada al comenzar la década de 1990, ascendiendo en el mundo del arte junto a Pierson, Ross Bleckner y David Reed. Artistas más jóvenes como Jessica Stockholder y Lari Pittman admiraban a Heilmann. ^{[ 1 ]} Sin anhelar ya ser “alienada”, aceptó haberse integrado al establishment, lo que ella consideraba una especie de regreso a sus raíces. Lo describió como un lugar de la “clase media católica de maestros, ingenieros, policías y enfermeras”. ^{[ 16 ]} Desde la década de 1990, la influencia de Heilmann entre una generación más joven de pintores ha crecido. La curadora Elizabeth Armstrong observó que Heilmann “ha desempeñado un papel significativo en el resurgimiento de la pintura, especialmente en la Costa Oeste, donde exalumnas como Ingrid Calame , Laura Owens y Monique Prieto estaban ayudando a revitalizar la pintura para una nueva generación”. ^{[ 17 ]} En 1995, Heilmann trasladó su estudio de un loft en TriBeCa a una granja en la ciudad de Bridgehampton en Long Island . Con la compra de la casa y el consiguiente cambio de residencia lejos de la ciudad, el trabajo de Heilmann volvió a su énfasis anterior en la importancia del agua y el océano, como se evidenció no solo en los títulos que eligió para sus pinturas, sino también en su paleta y el uso de imágenes de olas.

Desde principios de la década de 2000, ha habido un creciente interés en la obra de Heilmann, con exposiciones individuales en la Whitechapel Gallery de Londres, la 303 Gallery de Manhattan y Hauser & Wirth de Zúrich. Ha recibido becas del National Endowment for the Arts , la Fundación Guggenheim y el premio Anonymous Was a Woman en 2006. Quizás lo más importante sea que Heilmann fue reconocida como figura clave en la historia del arte con su retrospectiva de 2007-2008, To Be Someone . La muestra comenzó en el Orange County Museum of Art de Newport Beach, California, y viajó al Contemporary Arts Museum de Houston , al Wexner Center for the Arts de Columbus, Ohio, y finalizó en el New Museum de Manhattan. En un artículo publicado en el New York Times, el crítico de arte Ken Johnson concluyó: «Una parte de la Sra. Heilmann se rebela contra la exaltación de las bellas artes sobre las artes aplicadas y se resiste a la separación entre arte y vida. Los muebles y la vajilla revelan un impulso expansivo por crear un mundo holístico… ella sigue canalizando sus energías más ambiciosas hacia el arte concentrador de la pintura y, al hacerlo, alcanza estados de gracia que son más difíciles de conseguir de lo que parecen». ^{[ 18 ]}

Durante la década de 2000, Heilmann retomó su conexión con la cerámica, creando tazas, platos y platillos junto al artista Steve Keister, reincorporando así los recipientes a su obra. A partir de 2002, Heilmann amplió sus intereses y comenzó a fabricar muebles, específicamente sillas sencillas pero de colores vibrantes (de madera contrachapada y nailon), lo que ella denomina "arte para el hogar". La creación de muebles de Heilmann sigue la tradición de artistas como Donald Judd y Franz West ; sin embargo, al hacer que las sillas dialoguen y se relacionen con las pinturas, Heilmann las concibe no solo como objetos para sentarse, sino como obras de arte instaladas en diálogo con las propias pinturas. Ella afirmó: "He diseñado las sillas para que se integren escultórica y pictóricamente con la estética del resto de mi obra. A veces, incluso creo una pintura y una silla para que armonicen entre sí". ^{[ 19 ]}

En 2016 se realizó una retrospectiva de la obra de Heilmann en la Whitechapel Gallery de Londres. ^{[ 20 ]}

La obra de Heilmann se incluyó en la exposición Women in Abstraction de 2021 en el Centre Pompidou . ^{[ 21 ]} Su obra se incluyó en la exposición Making Their Mark: Works from the Shah Garg Collection de 2024 en el Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA). ^{[ 22 ]}

Desde abril de 2025 hasta abril de 2026, el Museo Whitney presenta una exposición individual de Heilmann titulada Mary Heilmann: Long Line , organizada por Laura Phipps, curadora asociada. Esta exposición incluye una ampliación pintada a mano de su cuadro Long Line , 2020, y una variedad de sus coloridas sillas que guardan relación con su obra. ^{[ 23 ]}

• Museo AD&A de la UC Santa Bárbara, California ^{[ 24 ]}
• Instituto de Arte de Chicago ^{[ 25 ]}
• Museo de Brooklyn, Nueva York ^{[ 26 ]}
• Centro de Artes Cantor en la Universidad de Stanford, California ^{[ 27 ]}
• Museo de Arte de Cincinnati, Ohio ^{[ 28 ]}
• Museo de Arte de Cleveland, Ohio ^{[ 29 ]}
• Museos de Bellas Artes de Young, San Francisco ^{[ 30 ]}
• Museo Hammer, Los Ángeles ^{[ 31 ]}
• Museo de Arte High, Atlanta ^{[ 32 ]}
• Musée de Grenoble (El Museo de Grenoble), Francia ^{[ 33 ]}
• Museo de Arte Contemporáneo, Chicago ^{[ 34 ]}
• Museo de Arte Moderno, Nueva York ^{[ 35 ]}
• Museo De Pont (Museo De Pont de Arte Contemporáneo), Tilburg, Países Bajos ^{[ 36 ]}
• Academia Nacional de Diseño, Nueva York ^{[ 37 ]}
• Galería Nacional de Arte, Washington D.C. ^{[ 38 ]}
• Museo de Arte del Condado de Orange, Newport Beach, California ^{[ 39 ]}
• Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia ^{[ 40 ]}
• Museo de Arte Rose, Waltham, Massachusetts ^{[ 41 ]}
• Museo de Arte de San Diego, California ^{[ 42 ]}
• Museo Smithsonian de Arte Americano, Washington D.C. ^{[ 43 ]}
• Museo Städel, Frankfurt, Alemania ^{[ 44 ]}
• Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York ^{[ 45 ]}