Mercurio Fur

Mercury Fur es una obra de teatro escrita por Philip Ridley que se estrenó en 2005. Es la quinta obra de teatro para adultos de Ridley y se estrenó en el Plymouth Theatre Royal , antes de trasladarse a la Menier Chocolate Factory de Londres.

Ambientada en un Londres distópico , la narración se centra en una fiesta donde la tortura y el asesinato de un niño son el principal entretenimiento.

La producción original fue dirigida por John Tiffany como parte de la temporada «This Other England» de nuevas obras de Paines Plough y el Theatre Royal de Plymouth, Inglaterra. ^{[ 1 ]} El papel de Elliot fue interpretado por Ben Whishaw , quien durante el año anterior había alcanzado la fama y una nominación al premio Olivier al mejor actor por su interpretación de Hamlet . ^{[ 2 ] [ 3 ]}

La obra es particularmente conocida por ser objeto de controversia: la editorial de Ridley, Faber and Faber , se negó a publicar el guion ^{[ 4 ]} y la producción original sufrió frecuentes abandonos de la sala por parte del público ^{[ 5 ] [ 6 ],} además de una respuesta generalmente dividida y a veces hostil por parte de la crítica. ^{[ 7 ]} Con el tiempo, Mercury Fur ha recibido en general una recepción mucho más positiva, e incluso algunos críticos la han aclamado como una "obra maestra". ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]}

La obra es la primera entrega de la trilogía de Ridley, titulada extraoficialmente "Los hermanos", a la que siguen Hojas de cristal y Cumbres Piraña . ^{[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]}

Ridley dedicó la obra a su agente Rod Hall , ^{[ 14 ]} quien fue asesinado en mayo de 2004. ^{[ 15 ]} Según Ridley, la dedicatoria no se hizo originalmente en respuesta a la muerte de Hall, ya que se había acordado algún tiempo antes de que Hall fuera asesinado. ^{[ 16 ]}

Mercury Fur se desarrolla en una versión postapocalíptica del East End londinense , donde la violencia de pandillas y las drogas —en forma de mariposas alucinógenas— aterrorizan a la comunidad. Los protagonistas son una pandilla de jóvenes que sobreviven gracias a su ingenio. Trafican con las mariposas, vendiéndolas a sus clientes adictos en lugares como el ahora incendiado Museo Británico . Sin embargo, su principal fuente de ingresos son las fiestas que organizan para clientes adinerados, donde dan rienda suelta a sus fantasías más salvajes e inmorales.

La obra, que se desarrolla durante casi dos horas ininterrumpidas, gira en torno a una fiesta cuyo desenlace es el sádico asesinato de un niño, perpetrado según los caprichos de un invitado. El grupo finalmente debe enfrentarse a la pregunta de hasta dónde están dispuestos a llegar para salvar a sus seres queridos.

Elliot es el principal organizador de las fiestas y también el mayor vendedor de mariposas, que vende en una furgoneta de helados. Sin embargo, solo ha tomado una, lo que significa que conserva todos sus recuerdos de antes de que llegaran las mariposas. Le lanza muchos insultos a Darren, pero también le demuestra un cariño sincero.

Darren , hermano y asistente de Elliot, es adicto a las mariposas, lo que le ha provocado amnesia.

Naz es una huérfana que es clienta habitual de Elliot. Al igual que muchos otros personajes, sufre de amnesia severa debido a su adicción a las mariposas. Llega a la fiesta por casualidad y quiere ayudar al grupo, para disgusto de Elliot.

Pieza de fiesta : Un niño de diez años. Es la víctima preparada para el invitado a la fiesta.

Lola - Experta en maquillaje y diseño de vestuario, que utiliza para las fiestas. Lola viste ropa femenina y tiene apariencia masculina. En la obra no se especifica si Lola es una mujer transgénero o un hombre travesti (en las acotaciones se hace referencia a Lola con el pronombre "él"). En 2015, en una sesión de preguntas y respuestas, se le preguntó a Ridley por qué el personaje de Lola no era interpretado por "una actriz". Respondió que la razón era porque "es transgénero , en esa etapa de su transición es... es un hombre. [...] Nació hombre y se identifica como mujer". ^{[ 17 ]}

Spinx es el líder de la pandilla y hermano de Lola. Cuida de la duquesa, con quien se insinúa que mantiene una relación íntima. El resto de la pandilla le tiene bastante miedo.

Duquesa : Una mujer frágil y ciega. Su nombre proviene de haber sido engañada haciéndole creer que es la duquesa de un país. Su creencia se mantiene gracias a que, debido a su ceguera, depende de los relatos de otros sobre su situación. También ha confundido su historia con la del personaje de María de Sonrisas y Lágrimas . Se insinúa fuertemente que podría tener una conexión más cercana con Elliot y Darren de lo que parece inicialmente.

Invitado a la fiesta : La fiesta gira en torno a la puesta en escena de su propia fantasía sexual violenta contra un niño.

Antes del estreno de la obra, la editorial de Ridley, Faber and Faber (que había publicado la mayoría de sus obras anteriores), se negó a publicar el texto de Mercury Fur .

Ridley ha dicho que le dijeron que Faber había "objetado la obra por su crueldad hacia los niños" y que lo que había escrito "había ido demasiado lejos". Este razonamiento le pareció algo irónico, ya que la decisión de Faber de rechazar la publicación le fue comunicada a Ridley por teléfono mientras veía en su televisor imágenes del asedio a la escuela de Beslán , que se cobró la vida de más de 330 niños. ^{[ 4 ]} Ridley ha declarado que "El primer comentario que me hizo el editor de Faber fue: 'Tengo que decirle que varias personas aquí están seriamente ofendidas por esto'". Tengo una obsesión con el diálogo, así que lo recuerdo. Esas fueron sus palabras. Fue como si de repente se hubieran convertido en un grupo de cardenales Wolsey , decidiendo qué estaba bien y qué estaba mal. No es su trabajo ser árbitros morales; su trabajo es publicar. Creo que Faber se dio cuenta de que no podían decir eso, así que después de unas semanas decidieron reformularlo como: "Es un texto que no admiro". ^{[ 18 ]} Ridley también afirma que "No hubo discusión. No me invitaron a aclarar mis intenciones. Les envié una carta diciendo que creía que lo habían malinterpretado, pero no quisieron discutir. Por supuesto que estoy molesto, pero no es solo una cuestión de ego. Si un editor dice: 'Has ido demasiado lejos', ¿qué tipo de mensaje les está enviando a los escritores?" ^{[ 4 ]}

Como resultado, Ridley se separó de Faber y se unió a Methuen , que publicó Mercury Fur en su lugar. ^{[ 4 ]}

La obra se convirtió en un caso célebre del teatro cuando se estrenó, y se reportaron abandonos de sala cada noche de la temporada original. ^{[ 6 ] [ 5 ] [ 4 ]}

Aunque la mayoría de los críticos elogiaron la actuación y la dirección de la producción, el guion de Ridley fue muy controvertido. ^{[ 7 ]}

La crítica se mostró especialmente dividida respecto a la representación de la crueldad en la obra, que algunos condenaron por gratuita y sensacionalista . Matthew Sweet escribió que el contenido de la obra «parecía poco más que una dudosa indulgencia del autor, un ejercicio de extravagancia » que reducía «la sensibilidad del público hasta que empezaron a encontrar tales imágenes [de crueldad] ridículas y tediosas». ^{[ 19 ]} Charles Spencer fue muy crítico, describiendo Mercury Fur como «la obra nueva más violenta y perturbadora» de los últimos diez años, añadiendo que «se regodea en la maldad imaginativa» y condenándola como «una obra venenosa». Continuó declarando que todos los involucrados en la producción habían sido «degradados» y, de forma más controvertida, que Ridley «se dejaba llevar por sus propias fantasías enfermizas». ^{[ 20 ]}

En contraste, el contenido violento de la obra fue defendido por varios críticos. Kate Bassett escribió que «Uno podría quejarse de que Ridley es un provocador pueril [o] preguntarse si el dramaturgo no se está entregando a sus propias fantasías desagradables o incluso incitando al sadismo imitativo […] Ridley escribe en la tradición de las tragedias griegas y jacobinas . Subraya que la brutalidad corrompe, sugiere que el amor y la moral perduran, y crea deliberadamente un escenario de pesadilla repleto de alusiones a noticias mundiales reales». ^{[ 21 ]} Otros críticos consideraron que la obra justificaba cualquier conmoción u ofensa que pudiera causar. Paul Taylor, de The Independent , escribió que «la obra tiene derecho a arriesgarse a coquetear con la ofensa para dejar claro lo moralmente perturbador que se ha vuelto este mundo depravado y pervertido. Si uno pudiera verla sin sentirse ofendido a nivel artístico, seguramente habría fracasado en su misión». ^{[ 22 ]} Asimismo, John Peter escribió que «Ridley es un observador, conmocionado y concienzudo, tan horrorizado como tú. Pero comprende la mecánica de la crueldad y la mente de las personas que se sienten fascinadas por ella y obtienen un placer oscuro al moralizar sobre ella. Ridley no moraliza, pero espera que reacciones, y te ofrece una conmoción moral». ^{[ 23 ]} Otros críticos también consideraron que la obra contenía contenido moral, como Aleks Sierz, quien la calificó como «una obra muy moral, en la que los malos terminan mal y los buenos caen trágicamente». ^{[ 24 ] [ 25 ] [ 26 ]}

Algunos críticos vieron resonancias políticas en la obra, junto con alusiones a eventos del mundo real. Carole Woddis, de The Herald , escribió que "la perturbadora representación de Ridley es, creo, una respuesta honorable a los genocidios en Ruanda y las atrocidades en Irak ". John Peter declaró que "Philip Ridley ha escrito la obra definitiva sobre el 11-S : una obra para la era de Bush y Bin Laden , de Donald Rumsfeld y Charles Clarke ; una obra para nuestro tiempo, cuando la sensación de terror es a la vez innombrable y precisa". ^{[ 23 ]} Sin embargo, Paul Taylor consideró que "el contexto político es demasiado convenientemente vago", ^{[ 22 ]} y John Gross escribió que "cualquier argumento político se pierde entre las fantasías sádicas, los rituales perversos, las anécdotas espeluznantes y los vuelos de ciencia ficción", ^{[ 27 ]} con comentarios similares de Brian Logan: "cualquier pregunta que el dramaturgo Philip Ridley intente plantear queda ahogada por los gritos y el derramamiento de sangre". ^{[ 28 ]}

Los críticos también se mostraron divididos respecto a la credibilidad del mundo de la obra y su representación especulativa del colapso social. Michael Billington fue crítico, afirmando que desconfiaba de la obra "por su desesperación reaccionaria y su suposición de que todos vamos al infierno en una carreta", además de escribir que sucumbió "a un nihilismo de moda " y que la representación de Ridley del colapso social "contradice una gran cantidad de evidencia que se podría presentar en sentido contrario". ^{[ 29 ]} En contraste, Alastair Macaulay describió la obra como una "pesadilla realista" que retrataba "una especie de infierno creíble [...] como la versión más oscura de un universo paralelo del mundo que conocemos". ^{[ 30 ]} Aleks Sierz consideró que la conclusión de la obra era "totalmente convincente, incluso si, en nuestras almas liberales, parece una exageración descabellada". ^{[ 24 ]} Por el contrario, Brian Logan escribió que «Nunca creí realmente en "Mercury Fur". Su ambientación futurista es más hipotética que real; además, absuelve al público de complicidad moral», ^{[ 28 ]} mientras que John Peter escribió que «la mayor parte de la ciencia ficción es ficción moral». ^{[ 23 ]}

Varios críticos compararon la obra con otras obras controvertidas, en particular La naranja mecánica ^{[ 19 ] [ 21 ]} y las obras de Sarah Kane . ^{[ 29 ] [ 20 ] [ 24 ] [ 25 ]} Algunos incluso llegaron a expresar preocupación por el bienestar del joven actor que interpretaba a The Party Piece ^{[ 20 ] [ 22 ]} o pensaron que la obra podría provocar vómitos en los espectadores . ^{[ 31 ] [ 32 ]}

A pesar de esto, hubo críticos que la apoyaron especialmente. Alastair Macaulay describió la obra como "una asombrosa proeza de imaginación, absorbente y poética" ^{[ 30 ]} , mientras que Aleks Sierz escribió que la obra "te hace sentir vivo al verla" y la declaró "probablemente la mejor obra nueva del año" ^{[ 24 ]} . John Peter instó a la gente a verla: "Es una obra que hay que ver por su diagnóstico de una civilización aterrorizada y beligerante. La recomiendo encarecidamente a los valientes" ^{[ 23 ] .}

La discordancia entre las críticas provocó que algunos críticos se enfrentaran entre sí. Tras disfrutar de la obra, la crítica Miranda Sawyer escribió que sentía «desesperación» ante las críticas negativas de los críticos de teatro «de verdad» y se preguntaba: «¿Dónde están los críticos de teatro que hablan por mí y por quienes piensan como yo?». Añadió que no habría «espacio para todo tipo de obras en Gran Bretaña» si los críticos «seguían siendo anticuados [y] continuaban desalentando la nueva escritura que no entendían». ^{[ 33 ]} Los comentarios de Sawyer fueron cuestionados por el crítico Ian Shuttleworth, quien consideró que ella insinuaba que la división crítica era generacional, lo cual refutó citando a críticos mayores que defendieron la obra. ^{[ 34 ]}

En defensa de la producción, el director John Tiffany explicó que, si bien la obra está repleta de "imágenes e historias increíblemente impactantes, casi toda la violencia ocurre fuera de escena. Su ambición es casi griega " y que la obra es "producto de un mundo enfermo, no de una mente enferma". ^{[ 4 ]}

En respuesta a las críticas, Ridley describió a los críticos como "más ciegos que un saco de topos en un sótano de carbón", un comentario que hacía referencia, en parte, a que había presenciado cómo el crítico Charles Spencer se caía sobre los muebles del escenario mientras intentaba encontrar su asiento en la noche del estreno de la obra. ^{[ 35 ]} Ridley continuó argumentando que el teatro en Gran Bretaña "es la única forma de arte que se me ocurre donde uno siente que está en conflicto directo con quienes intentan juzgar su trabajo" y afirmó que existía "una grave desconexión entre los artistas que trabajan y tratan de impulsar un movimiento artístico y quienes juzgan a esos artistas [...] Lo veo en el trabajo de otros artistas, donde se reprime, y esto envía señales terribles". Estos y otros comentarios que Ridley hizo sobre sus críticos fueron condenados como "impresionantemente biliosos" y "groseramente maliciosos" por el editor de Theatre Record, Ian Shuttleworth. ^{[ 34 ]}

En defensa de la obra, Ridley expresó lo que consideraba un doble rasero dentro del mundo teatral, ya que se acepta que haya escenas de violencia en el drama clásico, pero no en las obras contemporáneas:

¿Por qué está bien que las obras clásicas traten —e incluso muestren— estas cosas, pero la gente se indigna cuando los dramaturgos contemporáneos lo hacen? Si vas a ver El rey Lear , ves a un hombre al que le arrancan los ojos; en Medea , una mujer asesina a sus propios hijos. La reciente reposición de Ifigenia en el National Theatre fue aclamada por su relevancia. Pero cuando intentas escribir sobre el mundo que nos rodea, la gente se molesta. Si hubiera presentado Mercury Fur como una tragedia griega recientemente redescubierta, se consideraría un interesante debate moral como Ifigenia , pero como está ambientada en un barrio marginal del este de Londres, se considera demasiado peligrosa para hablar de ella. ¿Qué dice eso del mundo en que vivimos? ¿Qué dice eso del teatro actual? ^{[ 4 ]}

Ridley también explicó que, en su opinión, a los críticos no les había gustado Mercury Fur por su temática y no por la experiencia teatral que la obra intenta crear para su público:

"No creo que haya nada malo en que la gente se sienta perturbada en el teatro... Creo que el teatro está quince años por detrás de cualquier otra forma de arte... Todavía se percibe como una forma de arte basada en el tema. No irías a mirar un cuadro de Cézanne y lo criticarías solo por la elección de las manzanas que ha elegido pintar, lo criticarías, lo juzgarías y lo experimentarías por el uso de la pintura... Como venimos de una tradición literal básica, todavía vemos las obras de teatro como una especie de novelas glorificadas y las juzgamos puramente por su tema, independientemente de la experiencia teatral de sentarse allí y ver la obra." ^{[ 35 ]}

Ridley también defendió la representación de la violencia en la historia, argumentando que se utiliza con un propósito moral y que la obra trata más sobre el amor que sobre la violencia:

"Lo que sucede en Mercury Fur no es gratuito, es desgarrador. Los personajes pueden hacer cosas terribles, pero todo lo que hacen es por amor, en un intento por protegerse mutuamente. La obra es mi pregunta: '¿Qué haría yo en esa situación?' Si supieras que para proteger a tu madre, hermano y amante tendrías que hacer cosas terribles, ¿las harías igualmente? Ese es el dilema de la obra. Nos pregunta a todos: '¿Hasta dónde llegarías para salvar a las personas que amas?'" ^{[ 4 ]}

A pesar de esta controversia, o quizás precisamente por ella, la obra agotó las entradas en su estreno y, al final, se representaba ante un público joven y entusiasta.

En 2010, la policía estuvo a punto de allanar la producción de la obra de Theatre Delicatessen (que se representaba en un edificio de oficinas abandonado) cuando una vecina creyó que las escenas violentas de la obra se estaban representando de verdad. Los actores que esperaban entre bastidores, junto con el productor de la compañía, intervinieron antes de que la policía pudiera haber interrumpido la función. ^{[ 36 ]} La codirectora artística de la compañía de teatro, Jessica Brewster, explicó que la vecina "escuchó mucho ruido en la escalera de incendios [del edificio] que era básicamente una pelea fuera del escenario [...] llamó a la policía, la policía llegó [y] mientras entraban, se disparó el arma [en el escenario], así que tuvimos a la policía irrumpiendo por la parte de atrás y a un productor muy nervioso tratando de calmar a todos. Se resolvió muy rápidamente, pero sí, fue un pequeño susto durante media hora". ^{[ 37 ]}

En febrero de 2011, la obra fue utilizada por el colectivo artístico Schema Arts Collective como base para un proyecto artístico comunitario llamado Behind the Eyes , que tuvo lugar en la galería Sassoon de Londres. ^{[ 38 ]}

El proyecto incluyó una producción amateur de Mercury Fur , que se redujo a 40 minutos y contó con actores locales. La puesta en escena destacó por su diseño de sonido, con grabaciones de audio editadas de los actores y del entorno de la galería integradas en la producción.

El proyecto también incluyó un documental de treinta minutos, Mercury Fur Unveiled, sobre el proceso de realización del proyecto por parte del elenco y el equipo creativo, así como sus puntos de vista sobre la obra. El documental se emitió posteriormente en el Canal Comunitario en 2013 ^{[ 39 ]} y se puede ver gratuitamente en línea .

Behind the Eyes también exhibió obras de arte inspiradas en la obra, incluyendo un gran mural de un tiburón (que también se utilizó como telón de fondo escénico de la producción), y el propio Ridley colaboró ​​exhibiendo una serie de retratos fotográficos que había creado del elenco.

En 2012, la obra fue reevaluada críticamente cuando fue puesta en escena por The Greenhouse Theatre Company, recibiendo la producción críticas extremadamente positivas e incluso siendo promocionada como "la obra maestra de Ridley" ^{[ 8 ],} una afirmación que también hicieron el crítico Aleks Sierz ^{[ 9 ]} y el crítico de A Younger Theatre, Jack Orr ^{[ 10 ] .}

La obra también llamó la atención por su relevancia tras los disturbios de Inglaterra de 2011 ^{[ 40 ] [ 41 ]} , ya que el tráiler en línea de la producción utilizó diálogos de la obra sobre imágenes de los disturbios. ^{[ 42 ]}

Tras ver la producción original, la dramaturga y directora de teatro Lisa Goldman describió la obra como "una de las mejores experiencias teatrales de mi vida", lo que la llevó a encargar y dirigir las dos siguientes obras de Ridley, Leaves of Glass y Piranha Heights . ^{[ 13 ]}

Mark Ravenhill (un dramaturgo generalmente reconocido por su obra de teatro provocativa de 1996, Shopping and Fucking ) nombró a Mercury Fur como "la mejor obra" que había visto en 2005. ^{[ 45 ]}

La dramaturga Lou Ramsden ha descrito la obra como una gran influencia en su trabajo, afirmando que «nada cambió mi perspectiva teatral como la primera producción de Mercury Fur en la fábrica de chocolate Menier… Me demostró que podía hacer más que simplemente imaginar un escenario: también podía usar las circunstancias del teatro. El hecho de que el público estuviera en una caja negra inescapable sirvió para aumentar la tensión de la obra a niveles insoportables… Literalmente, mi corazón latía con fuerza. Me emocionó descubrir que el teatro podía ser más que un simple ejercicio de lenguaje, o una historia agradable, educada y vista pasivamente; podía provocar una reacción física, ofreciendo a la gente una experiencia visceral y aterradora». Ramsden ha citado cómo esta experiencia influyó en la escritura de su obra Breed de 2010 ^{[ 46 ]} y su obra Hundreds and Thousands de 2011 ^{[ 47 ]} .

Ridley ha descrito Mercury Fur como un punto de inflexión en su carrera como dramaturgo: «Después de Mercury Fur , la obra se reinventó. Fue como si la gente viera [mis obras] por primera vez. Surgió toda una nueva generación de directores jóvenes, y todos lo entendieron a la perfección. Antes, tenía que ir a los ensayos [de mis obras] y explicar lo que estaba haciendo. Entonces fue como si alguien hubiera accionado un interruptor y de repente todo cambió». ^{[ 48 ] [ 49 ]}

Entre las obras que, según la crítica, han sido influenciadas por Mercury Fur o le rinden homenaje, se incluyen:

• (2006) Motortown de Simon Stephens ^{[ 50 ] [ 51 ]}
• (2011) Tres reinos de Simon Stephens ^{[ 51 ]}
• (2011) Pomona por Alistair McDowall ^{[ 52 ]}
• (2014) Hotel de Polly Stenham ^{[ 51 ]}
• (2014) El lobo de la puerta de Rory Mullarkey ^{[ 51 ]}

La técnica Mercury Fur se ha aplicado en todo el mundo, en países como Australia, Francia, Italia, Malta, Turquía, la República Checa, Estados Unidos y Japón.

• Vurt
• Maldito
• Teatro en tu cara

• Attinger, Christian (2017). Aragay, Mireia; Middeke, Martin (eds.). «Staging Hobbes, or: Theseus Goes to the Theatre. Precariousness, Cultural Memory and Dystopia in Philip Ridley's Mercury Fur » . Of Precariousness: Vulnerabilities, Responsibilities, Communities in 21st-Century British Drama and Theatre . Contemporary Drama in English Studies. 28. Boston: De Gruyter: 47–62 . doi : 10.1515/9783110548716-004 . ISBN 9783110548716.
• Harpin, Anna (2011). "Actos intolerables". Performance Research . 16 (1): 102– 111. doi : 10.1080/13528165.2011.561681 . S2CID 220343603 . 
• Rebellato, Dan (17 de octubre de 2011). «Capítulo 22: Philip Ridley por Dan Rebellato» . En Middeke, Martin; Paul Schnierer, Peter; Sierz, Aleks (eds.). The Methuen Drama Guide to Contemporary British Playwrights . Londres, Gran Bretaña: Methuen Drama. pp. 438–440 . ISBN  9781408122785.

• Entrevista de 2005 con Philip Ridley para The Guardian sobre la controversia que generó Mercury Fur antes de su estreno.
• Entrevista de audio de 2005 de Philip Ridley defendiendo Mercury Fur en Theatre VOICE.
• Entrevista de 2007 con Philip Ridley para el Sydney Morning Herald.
• Entrevista de audio con Theatre VOICE de 2012 a Ned Bennett sobre la dirección de la reposición de Mercury Fur en 2012.
• Transcripción editada de una sesión de preguntas y respuestas posterior a la función con Philip Ridley y el elenco de la reposición londinense de Mercury Fur en 2012.
• Grabación de audio de una sesión de preguntas y respuestas posterior a la función con Philip Ridley tras la producción de Mercury Fur de Middle Child en Hull en 2015.