Cine clásico de Hollywood

Durante milenios, el único estándar visual del arte narrativo fue el teatro . Desde las primeras películas narrativas a mediados y finales de la década de 1890, los cineastas han buscado capturar el poder del teatro en vivo en la pantalla grande. La mayoría de estos cineastas comenzaron como directores en el teatro de finales del siglo XIX, y de igual manera, la mayoría de los actores de cine tenían raíces en el vodevil (por ejemplo, los Hermanos Marx ^{[ 7 ]} ) o en los melodramas teatrales. Visualmente, las primeras películas narrativas habían adaptado poco del teatro, y sus narrativas habían adaptado muy poco del vodevil y el melodrama. Antes del estilo visual que se conocería como "continuidad clásica", las escenas se filmaban en plano general y se utilizaba una puesta en escena cuidadosamente coreografiada para representar la trama y las relaciones entre los personajes. La técnica de edición era extremadamente limitada y consistía principalmente en primeros planos de textos en objetos para su legibilidad.

Aunque carece de la realidad inherente al teatro, el cine (a diferencia del teatro) ofrece la libertad de manipular el tiempo y el espacio aparentes, creando así la ilusión de realismo: linealidad temporal y continuidad espacial. A principios de la década de 1910, el cine comenzaba a desarrollar todo su potencial artístico. En Suecia y Dinamarca, este periodo se conocería más tarde como la «Edad de Oro» del cine; en Estados Unidos, este cambio artístico se atribuye a cineastas como D.W. Griffith, que finalmente rompieron el dominio del Edison Trust para realizar películas de forma independiente del monopolio de la industria. Las películas de todo el mundo comenzaron a adoptar notablemente elementos visuales y narrativos propios del cine clásico de Hollywood. 1913 fue un año particularmente fructífero para el medio, ya que directores pioneros de varios países produjeron películas como El corazón maternal (D.W. Griffith), Ingeborg Holm ( Victor Sjöström ) y El niño de París ( Léonce Perret ), que establecieron nuevos estándares para el cine como forma de narración. También fue el año en que Yevgeni Bauer (el primer verdadero artista cinematográfico, según Georges Sadoul ^{[ 8 ]} ) comenzó su corta pero prolífica carrera. ^{[ 9 ]}

En el mundo en general y en Estados Unidos en particular, la influencia de Griffith en la cinematografía fue inigualable. Igualmente influyentes fueron sus actores al adaptar sus interpretaciones al nuevo medio. Lillian Gish , la estrella del cortometraje The Mothering Heart , es particularmente reconocida por su influencia en las técnicas de actuación en pantalla. La épica de Griffith de 1915, El nacimiento de una nación , también protagonizada por Gish, fue innovadora para el cine como medio de narración: una obra maestra de la narrativa literaria con numerosas técnicas visuales innovadoras. ^{[ 10 ]} La película impulsó tantos avances en el cine estadounidense que quedó obsoleta en pocos años. ^{[ 11 ]} Si bien 1913 fue un hito mundial para la cinematografía, 1917 fue principalmente un hito estadounidense; la era del "cine clásico de Hollywood" se distingue por un estilo narrativo y visual que comenzó a dominar el medio cinematográfico en Estados Unidos hacia 1917. ^{[ 12 ]}

El estilo narrativo y visual del Hollywood clásico se desarrolló aún más tras la transición a la producción de películas sonoras. Los principales cambios en la cinematografía estadounidense provinieron de la propia industria cinematográfica, con el auge del sistema de estudios . Este modo de producción, con su sistema de estrellas dominante promovido por varios estudios clave, ^{[ 13 ]} había precedido al sonido por varios años. Los cinco grandes estudios eran MGM , Warner Bros. , 20th Century Fox , RKO y Paramount . A mediados de 1920, la mayoría de los directores y actores estadounidenses más destacados, que habían trabajado de forma independiente desde principios de la década de 1910, tuvieron que integrarse en el nuevo sistema de estudios para poder seguir trabajando.

El inicio de la era del cine sonoro se define de forma ambigua. Para algunos, comenzó con El cantante de jazz y Amanecer: Una canción de dos humanos en 1927, cuando se introdujo el sonido sincronizado en los largometrajes y aumentaron las ganancias de taquilla. ^{[ 14 ]} Para otros, la era comenzó en 1929, cuando la era del cine mudo terminó definitivamente. ^{[ 15 ]}

La mayoría de las películas de Hollywood desde finales de la década de 1920 hasta la de 1960 se ceñían a un género específico: western, comedia física , musical, dibujos animados y película biográfica . Los mismos equipos creativos solían trabajar en películas del mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM ; Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años; casi todas las películas de Cecil B. DeMille se realizaron en Paramount Pictures ; ^{[ 16 ]} y las películas del director Henry King se hicieron principalmente para 20th Century Fox. De igual modo, los actores eran en su mayoría profesionales contratados. Los historiadores del cine señalan que las películas tardaron aproximadamente una década en adaptarse al sonido y recuperar el nivel de calidad artística del cine mudo, lo que ocurrió a finales de la década de 1930. ^{[ 17 ]}

Muchas grandes obras cinematográficas que surgieron de este período fueron producto de una cinematografía altamente reglamentada. Una razón por la que esto fue posible es que, como se hicieron tantas películas, no todas tenían que ser un gran éxito. Un estudio podía arriesgarse con un largometraje de presupuesto medio con un buen guion y actores relativamente desconocidos. Este fue el caso de Ciudadano Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada una de las mejores películas de todos los tiempos . Otros directores de fuerte voluntad, como Howard Hawks , Alfred Hitchcock y Frank Capra , lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas. El apogeo del sistema de estudios pudo haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de clásicos como El mago de Oz ; Lo que el viento se llevó ; El jorobado de Notre Dame ; La diligencia ; El señor Smith va a Washington ; Destry cabalga de nuevo ; El joven señor Lincoln ; Cumbres borrascosas ; Solo los ángeles tienen alas ; Ninotchka ; Beau Geste ; Babes in Arms ; Gunga Din ; The Women ; Goodbye, Mr. Chips ; y The Roaring Twenties . ^{[ 18 ]}

El período del Nuevo Hollywood de las décadas de 1960 a 1980 estuvo influenciado por el romanticismo de la era clásica, con cineastas que buscaban asumir riesgos cada vez mayores en la búsqueda de sus intereses específicos en medio de la desconfianza generalizada hacia la autoridad . ^{[ 2 ]} La Nouvelle Vague francesa también se vio influenciada por ello, particularmente en términos de las creencias de figuras artísticas como André Bazin, quienes sostenían que las películas debían servir moralmente como proyectos personalizados de sus directores, hasta el punto de que cada una representara la visión individual de un director. ^{[ 19 ]} El Hollywood clásico ocupa un lugar fundamental en la identidad y la selección del cine actual y aún influye en el estilo que los cineastas deciden adoptar. ^{[ 20 ]}

El movimiento de Hollywood influyó en muchos directores nuevos de la década de 1970, quienes partieron de las convenciones clásicas, añadiendo enfoques más personales y experimentales a la cinematografía. Martin Scorsese es un director destacado que utilizó nuevos tipos de montaje y personajes. ^{[ 21 ]}

Los recursos más característicos del cine clásico de Hollywood son los del montaje de continuidad . Esto incluye la regla de los 180 grados , uno de los principales elementos visuales y espaciales del montaje de continuidad. La regla de los 180 grados se ajusta al estilo de "obra fotografiada" al crear un eje imaginario de 180 grados entre el espectador y la toma, lo que permite a los espectadores orientarse claramente en la posición y dirección de la acción en una escena. Según la regla de los 30 grados , los cortes en el ángulo desde el que se ve la escena deben ser lo suficientemente significativos para que el espectador comprenda el propósito de un cambio de perspectiva. Los cortes que no se ajustan a la regla de los 30 grados, conocidos como cortes de salto , interrumpen la ilusión de continuidad temporal entre tomas. Las reglas de los 180 y los 30 grados son pautas elementales en la realización cinematográfica que precedieron al inicio oficial de la era clásica en más de una década, como se puede apreciar en la pionera película francesa de 1902, Viaje a la Luna . Las técnicas de corte en el montaje de continuidad clásico sirven para ayudar a establecer o mantener la continuidad, como en el corte cruzado , que establece la concurrencia de la acción en diferentes lugares. Se permiten cortes de salto en forma de corte axial , que no cambia en absoluto el ángulo de cámara, pero tiene el claro propósito de mostrar una perspectiva más cercana o más lejana del sujeto y, por lo tanto, no interfiere con la continuidad temporal. ^{[ 23 ]}