Orquesta

Una orquesta ( / ˈ ɔːr k ɪ s t r ə /^ⓘ ; OR -ki-strə) ^{[ 1 ]} es un gran conjunto instrumental típico dela música clásicaoel jazz, que combina instrumentos de diferentes familias. Normalmente hay cuatro secciones principales de instrumentos:

• La sección de cuerdas , que incluye el violín , la viola , el violonchelo y el contrabajo.
• La sección de viento madera , que incluye la flauta , el oboe , el clarinete y el fagot , y a veces el flautín , el corno inglés , el clarinete bajo , el contrafagot y el saxofón.
• La sección de metales , que incluye la trompa (comúnmente conocida como "trompa"), la trompeta , el trombón y la tuba , y a veces la corneta y el bombardino.
• La sección de percusión , que incluye los timbales , la caja , el bombo , los platillos , el triángulo , la pandereta , el tam-tam y los instrumentos de percusión de mazo.

El arpa se incluye con bastante frecuencia en las orquestas modernas, especialmente en la música del período romántico . Los instrumentos de teclado como el piano , el clavecín , el órgano de tubos , el acordeón de bajo libre y la celesta a veces aparecen en una quinta sección de teclados o pueden tocarse solos. Para las interpretaciones de algunas composiciones modernas, también se pueden incluir instrumentos electrónicos y guitarras . ^{[ nota 1 ]}

Una orquesta occidental de tamaño completo a veces puede ser llamadaorquesta sinfónica uorquesta filarmónica(delgriegophil-, "amante", y "armonía"). El número de músicos empleados en una actuación determinada puede variar de setenta a más de cien, dependiendo de la obra que se interprete y del tamaño del recinto.Una orquesta de cámara (a veces llamadaorquesta de concierto) es un conjunto más pequeño de no más de cincuenta músicos. ^{[ 2 ]} Las orquestas que se especializan en lamúsica barrocade, por ejemplo,Johann Sebastian BachyGeorge Frideric Handel, oclásico, como el deHaydnyMozart, tienden a ser más pequeñas que las orquestas que interpretan unde música romántica,como lassinfoníasde Ludwig van BeethovenyJohannes Brahms. El tamaño típico de la orquesta aumentó a lo largo de los siglos XVIII y XIX, alcanzando su máximo con las grandes orquestas de hasta 120 músicos requeridas en las obras deRichard Wagnery, posteriormente,Gustav Mahler.

Las orquestas suelen estar dirigidas por un director que dirige la interpretación con movimientos de manos y brazos, a menudo facilitados a los músicos por el uso de una vara corta de madera conocida como batuta . El director unifica la orquesta, marca el tempo y moldea el sonido del conjunto. ^{[ 3 ]} El director también prepara a la orquesta dirigiendo ensayos previos al concierto público, en los que da instrucciones a los músicos sobre su interpretación de la música que se va a interpretar.

El líder de la sección de primeros violines, comúnmente llamado concertino , también desempeña un papel importante en la dirección de los músicos. En la época barroca (1600-1750), las orquestas solían estar dirigidas por el concertino o por un músico que tocaba acordes interpretando las partes de bajo continuo en un clavecín o un órgano de tubos , una tradición que algunos conjuntos de música antigua de los siglos XX y XXI continúan.

Las orquestas interpretan un amplio repertorio, que incluye sinfonías, oberturas de ópera y ballet , conciertos para instrumentos solistas y conjuntos de foso para óperas, ballets y algunos tipos de teatro musical (por ejemplo, las operetas de Gilbert y Sullivan ).

Las orquestas amateur incluyen orquestas juveniles formadas por estudiantes de primaria, secundaria o universidad, y orquestas comunitarias; estas últimas suelen estar compuestas por músicos aficionados de una ciudad o región en particular.

El término orquesta deriva del griego ὀρχήστρα ( orquesta ), nombre del área frente al escenario en el teatro griego antiguo reservada para el coro griego . ^{[ 4 ]}

En la época barroca, el tamaño y la composición de una orquesta no estaban estandarizados. Existían grandes diferencias en tamaño, instrumentación y estilos de interpretación —y, por lo tanto, en los paisajes sonoros y las paletas sonoras orquestales— entre las distintas regiones europeas. La orquesta barroca abarcaba desde orquestas (o conjuntos) más pequeñas con un intérprete por parte, hasta orquestas de mayor envergadura con muchos intérpretes por parte. Ejemplos de orquestas más pequeñas son las de Bach, como la de Köthen, donde disponía de un conjunto de hasta 18 intérpretes. Ejemplos de orquestas barrocas de gran envergadura incluyen la orquesta de Corelli en Roma , que contaba con entre 35 y 80 intérpretes para las actuaciones diarias, ampliándose a 150 para ocasiones especiales. ^{[ 5 ]}

En la época clásica, la orquesta se estandarizó más, con una sección de cuerdas de tamaño pequeño a mediano y una sección de vientos principal compuesta por pares de oboes, flautas, fagotes y trompas, a veces complementada con percusión y pares de clarinetes y trompetas.

La denominada «formación estándar» de vientos y metales duplicados en la orquesta, iniciada a finales del siglo XVIII y consolidada durante la primera mitad del siglo XIX, se atribuye generalmente a las formaciones que Beethoven solicitó tras Haydn y Mozart. La instrumentación de Beethoven casi siempre incluía flautas , oboes, clarinetes, fagotes, trompas y trompetas emparejadas. Las excepciones son su Sinfonía n.º 4 , el Concierto para violín y el Concierto para piano n.º 4 , que especifican una sola flauta. Beethoven calculó cuidadosamente la expansión de esta particular «paleta» tímbrica en las Sinfonías 3, 5, 6 y 9 para lograr un efecto innovador. La tercera trompa en la Sinfonía «Eroica» llega para proporcionar no solo cierta flexibilidad armónica, sino también el efecto de metales «corales» en el movimiento del Trío. El flautín , el contrafagot y los trombones se suman al final triunfal de su Sinfonía n.º 5 . Un flautín y un par de trombones contribuyen a crear el efecto de tormenta y sol en la Sexta , también conocida como la Sinfonía Pastoral . La Novena requiere un segundo par de trompas, por razones similares a las de la "Eroica" (desde entonces, cuatro trompas se han convertido en el estándar); el uso que hace Beethoven del flautín, el contrafagot, los trombones y la percusión sin afinar —además del coro y los solistas vocales— en su final, es su primera sugerencia de que los límites tímbricos de la sinfonía podrían ampliarse. Durante varias décadas después de su muerte, la instrumentación sinfónica se mantuvo fiel al modelo bien establecido de Beethoven, con pocas excepciones.

La invención del pistón y la válvula rotativa por Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel , ambos silesios , en 1815, fue la primera de una serie de innovaciones que impactaron la orquesta, incluyendo el desarrollo del mecanismo moderno de llaves para la flauta por Theobald Boehm y las innovaciones de Adolphe Sax en los instrumentos de viento-madera, en particular la invención del saxofón. Estos avances llevaron a Hector Berlioz a escribir un libro fundamental sobre instrumentación , que fue el primer tratado sistemático sobre el uso del sonido instrumental como elemento expresivo de la música. ^{[ 6 ]}

La siguiente gran expansión de la práctica sinfónica provino de la orquesta de Bayreuth de Richard Wagner , fundada para acompañar sus dramas musicales. Las obras de Wagner para el escenario fueron orquestadas con un alcance y una complejidad sin precedentes: de hecho, su partitura para El oro del Rin requiere seis arpas . Así, Wagner vislumbró un papel cada vez más exigente para el director de la orquesta de teatro, como desarrolló en su influyente obra Sobre la dirección orquestal . ^{[ 7 ]} Esto provocó una revolución en la composición orquestal y estableció el estilo de la interpretación orquestal durante los siguientes ochenta años. Las teorías de Wagner reexaminaron la importancia del tempo , la dinámica , el arco de los instrumentos de cuerda y el papel de los solistas en la orquesta.

A principios del siglo XX, las orquestas sinfónicas eran más grandes, contaban con mejor financiación y estaban mejor formadas que antes; en consecuencia, los compositores podían componer obras más extensas y ambiciosas. Las obras de Gustav Mahler fueron particularmente innovadoras; en sus últimas sinfonías, como la monumental Sinfonía n.º 8 , Mahler llevó al límite el tamaño orquestal, empleando grandes formaciones. A finales del Romanticismo, las orquestas podían interpretar las formas más grandiosas de expresión sinfónica, con enormes secciones de cuerda y viento metal y una gama ampliada de instrumentos de percusión. Con el inicio de la era de la grabación, los estándares de interpretación alcanzaron un nuevo nivel, ya que una sinfonía grabada podía escucharse con atención e incluso pequeños errores de entonación o de conjunto, que podrían pasar desapercibidos en una interpretación en directo, podían ser detectados por la crítica. A medida que las tecnologías de grabación mejoraron a lo largo de los siglos XX y XXI, con el tiempo, los pequeños errores en una grabación pudieron corregirse mediante la edición de audio o la sobregrabación . Algunos directores y compositores veteranos recordaban una época en la que simplemente interpretar la música lo mejor posible era lo habitual. Junto con el mayor público que posibilitó la grabación, esto propició un renovado interés en directores estrella y en un alto nivel de ejecución orquestal. ^{[ 8 ]}

La orquesta sinfónica típica se compone de cuatro grupos de instrumentos musicales relacionados : viento madera , viento metal , percusión y cuerda . Otros instrumentos, como el piano, el acordeón y la celesta, a veces se agrupan en una quinta sección, como la de teclados , o bien se interpretan de forma independiente, al igual que el arpa de concierto y los instrumentos eléctricos y electrónicos . Según su tamaño, la orquesta incluye prácticamente todos los instrumentos estándar de cada grupo.

En la historia de la orquesta, su instrumentación se ha expandido con el tiempo, considerándose a menudo que se estandarizó durante el período clásico ^{[ 9 ]} y la influencia de Ludwig van Beethoven en el modelo clásico. ^{[ 10 ]} En los siglos XX y XXI, las nuevas exigencias del repertorio ampliaron la instrumentación de la orquesta, lo que resultó en un uso flexible de los instrumentos de modelo clásico y de los instrumentos eléctricos y electrónicos de reciente desarrollo en diversas combinaciones. A mediados del siglo XX, se realizaron varios intentos en Alemania y Estados Unidos para limitar la instrumentación de la orquesta sinfónica exclusivamente a grupos de un solo instrumento. En esta configuración, la orquesta sinfónica consistía enteramente en acordeones cromáticos de lengüeta libre que se modificaban para recrear toda la gama de sonidos y timbres orquestales durante la interpretación de música clásica occidental ortodoxa. ^{[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]}

Los términos orquesta sinfónica y orquesta filarmónica pueden usarse para distinguir diferentes conjuntos de una misma localidad, como la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres . ^{[ nota 2 ]} Una orquesta sinfónica o filarmónica suele tener más de ochenta músicos en su plantilla, en algunos casos más de cien, pero el número real de músicos empleados en una actuación concreta puede variar según la obra que se interprete y el tamaño del recinto. ^{[ 2 ]}

Una orquesta de cámara suele ser una agrupación más pequeña; una orquesta de cámara importante puede llegar a tener hasta cincuenta músicos, pero algunas son mucho más pequeñas. Orquesta de concierto es un término alternativo, como en la Orquesta de Conciertos de la BBC y la Orquesta de Conciertos de RTÉ .

Además de la instrumentación orquestal básica, se requieren otros instrumentos ocasionalmente. ^{[ 17 ]} Estos incluyen el fliscorno y la corneta . Los saxofones y las guitarras clásicas, por ejemplo, aparecen en algunas partituras de los siglos XIX al XXI. Si bien aparece solo como instrumento solista destacado en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón se incluye en otras obras, como el Bolero de Ravel , las Suites 1 y 2 de Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev , las Sinfonías n.° 6 y n.° 9 de Vaughan Williams y El festín de Baltasar de William Walton , y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. El bombardino aparece en algunas obras del Romanticismo tardío y del siglo XX , generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluyendo Los planetas de Gustav Holst y Una vida de héroe de Richard Strauss . La tuba wagneriana , un miembro modificado de la familia de las trompas, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Igor Stravinsky (como aparece en La consagración de la primavera ), Béla Bartók y otros; también tiene un papel notablemente prominente en la Sinfonía n.° 7 en mi mayor de Anton Bruckner . ^{[ 18 ]} Las cornetas aparecen en el ballet El lago de los cisnes de Piotr Ilich Chaikovski , La Mer de Claude Debussy y varias obras orquestales de Héctor Berlioz . A menos que estos instrumentos sean tocados por miembros que "doblen" con otro instrumento (por ejemplo, un trombonista que cambia al bombardino o un fagotista que cambia al contrafagot para un pasaje determinado), las orquestas suelen contratar músicos independientes para complementar su conjunto habitual.

La orquesta del siglo XX era mucho más flexible que sus predecesoras. ^{[ 17 ]} En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn , la orquesta se componía de un núcleo de instrumentos bastante estándar, que rara vez era modificado por los compositores. Con el paso del tiempo, y a medida que el Romanticismo trajo consigo cambios en las modificaciones aceptadas con compositores como Berlioz y Mahler, algunos compositores utilizaron múltiples arpas y efectos de sonido como la máquina de viento . Durante el siglo XX, la orquesta moderna se estandarizó generalmente con la instrumentación moderna que se enumera a continuación. Sin embargo, a mediados y finales del siglo XX, con el desarrollo de la música clásica contemporánea , la instrumentación podía ser prácticamente elegida a mano por el compositor (por ejemplo, para agregar instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica, instrumentos electrónicos como sintetizadores, ondas Martenot , ^{[ 19 ]} o trautonio , ^{[ 20 ]} así como otros instrumentos no occidentales, u otros instrumentos que no se utilizan tradicionalmente en orquestas, incluidos el bandoneón , ^{[ 21 ]} acordeón de bajo libre , ^{[ 22 ] [ 23 ]} armónica , ^{[ 24 ] [ 25 ]} arpa de boca , ^{[ 26 ]} mandola ^{[ 26 ]} y percusión de agua. ^{[ 27 ]}

With this history in mind, the orchestra can be analysed in five eras: the Baroque era, the Classical era, early/mid-Romantic music era, late-Romantic era and combined Modern/Postmodern eras. The first is a Baroque orchestra (i.e., J.S. Bach, Handel, Vivaldi), which generally had a smaller number of performers, and in which one or more chord-playing instruments, the basso continuo group (e.g., harpsichord or pipe organ and assorted bass instruments to perform the bassline), played an important role; the second is a typical classical period orchestra (e.g., early Beethoven along with Mozart and Haydn), which used a smaller group of performers than a Romantic music orchestra and a fairly standardized instrumentation; the third is typical of an early/mid-Romantic era (e.g., Schubert, Berlioz, Schumann, Brahms); the fourth is a late-Romantic/early 20th-century orchestra (e.g., Wagner, Mahler, Stravinsky), to the common complement of a 2010-era modern orchestra (e.g., Adams, Barber, Aaron Copland, Glass, Penderecki).

Entre los grupos de instrumentos y dentro de cada grupo, existe una jerarquía generalmente aceptada. Cada grupo (o sección) instrumental tiene un solista principal que suele ser responsable de dirigir el grupo e interpretar los solos orquestales. Los violines se dividen en dos grupos: primer violín y segundo violín. Los segundos violines tocan en registros más graves que los primeros, interpretan una parte de acompañamiento o armonizan la melodía tocada por los primeros violines. El solista principal de primer violín se llama concertino (o líder de la orquesta en el Reino Unido) y no solo se le considera el líder de la sección de cuerdas, sino también el segundo al mando de toda la orquesta, solo por detrás del director. El concertino dirige la afinación previa al concierto y se encarga de los aspectos musicales de la gestión de la orquesta, como determinar las arcadas para los violines o para toda la sección de cuerdas. El concertino suele sentarse a la izquierda del director, más cerca del público. También hay un solista principal de segundo violín, un solista principal de viola, un solista principal de violonchelo y un solista principal de contrabajo.

El trombón principal es considerado el líder de la sección de metales graves, mientras que la trompeta principal es generalmente considerada el líder de toda la sección de metales. Si bien el oboe a menudo proporciona la nota de afinación para la orquesta (debido a una convención de 300 años), generalmente no hay un principal designado de la sección de viento madera (aunque en los conjuntos de viento madera, la flauta suele ser el líder presunto). ^{[ 28 ]} En cambio, cada principal consulta con los demás como iguales en caso de diferencias de opinión musical. La mayoría de las secciones también tienen un principal asistente (o coprincipal o principal asociado), o en el caso de los primeros violines, un concertino asistente, que a menudo toca una parte de tutti además de reemplazar al principal en su ausencia.

Un instrumentista de cuerdas de sección toca al unísono con el resto de la sección, excepto en el caso de partes divididas ( divisi ), donde las partes superior e inferior de la música suelen asignarse a los músicos sentados "exteriores" (más cerca del público) e "interiores". Cuando se requiere una parte solista en una sección de cuerdas, el líder de la sección invariablemente la interpreta. El líder de la sección (o principal) de una sección de cuerdas también es responsable de determinar las arcadas, a menudo basándose en las establecidas por el concertino. En algunos casos, el principal de una sección de cuerdas puede usar una arcada ligeramente diferente a la del concertino, para adaptarse a las exigencias de tocar su instrumento (por ejemplo, la sección de contrabajos). Los principales de una sección de cuerdas también dirigen las entradas de su sección, normalmente levantando el arco antes de la entrada, para asegurar que la sección toque junta. Los instrumentistas de viento-metal de tutti generalmente tocan una parte única pero no solista. Los percusionistas de sección tocan las partes que les asigna el percusionista principal.

En la actualidad, los músicos suelen estar dirigidos por un director de orquesta, aunque las primeras orquestas no lo tenían, y esta función la desempeñaba el concertino o el clavecinista que tocaba el bajo continuo . Algunas orquestas modernas también prescinden del director , sobre todo las más pequeñas y las especializadas en interpretaciones históricamente fieles (las llamadas interpretaciones de época) de música barroca y anterior.

El repertorio más frecuente para una orquesta sinfónica es la música clásica occidental o la ópera. Sin embargo, las orquestas se utilizan a veces en la música popular (por ejemplo, para acompañar a una banda de rock o pop en un concierto), ampliamente en la música de cine y cada vez con más frecuencia en la música de televisión y videojuegos . También se utilizan en el género del metal sinfónico . El término «orquesta» también puede aplicarse a un conjunto de jazz, por ejemplo, en la interpretación de música de big band .

En la década de 2000, todos los miembros titulares de una orquesta profesional solían audicionar para ocupar un puesto en la agrupación. Los intérpretes generalmente tocaban una o más piezas solistas de su elección, como un movimiento de un concierto, un movimiento de Bach para solista y diversos fragmentos del repertorio orquestal que se anunciaban en el cartel de la audición (para que los aspirantes pudieran prepararse). Estos fragmentos solían ser las partes y solos técnicamente más exigentes del repertorio orquestal. Las audiciones orquestales generalmente se realizaban ante un jurado compuesto por el director, el concertino , el instrumentista principal de la sección a la que se postula el aspirante y, posiblemente, otros instrumentistas principales.

Los candidatos más prometedores de la primera ronda de audiciones son invitados a una segunda o tercera ronda, lo que permite al director y al jurado comparar a los mejores candidatos. Es posible que se les pida a los intérpretes que lean partituras orquestales a primera vista. La etapa final del proceso de audición en algunas orquestas es una semana de prueba , en la que el intérprete toca con la orquesta durante una o dos semanas, lo que permite al director y a los músicos principales comprobar si el individuo se desenvuelve bien en un ensayo y una actuación reales.

Existen diversas modalidades de empleo. Los puestos más codiciados son los permanentes y con plaza fija en la orquesta. Las orquestas también contratan músicos por contrato, con duraciones que van desde un solo concierto hasta una temporada completa o más. Los músicos contratados pueden ser contratados para conciertos puntuales cuando la orquesta interpreta una obra orquestal excepcionalmente extensa del Romanticismo tardío, o para sustituir a un miembro permanente que esté enfermo. A un músico profesional contratado para un solo concierto se le suele llamar «suplente». Algunos músicos contratados pueden sustituir a miembros permanentes durante el periodo en que estos se encuentren de baja por maternidad o incapacidad .

Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas mayoritariamente o en su totalidad por hombres. Las primeras mujeres contratadas en orquestas profesionales han sido arpistas . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que orquestas comparables (las otras orquestas se clasificaron entre las cinco mejores del mundo según Gramophone en 2008). ^{[ 29 ]} La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . ^{[ 30 ]} En febrero de 1996, el flautista principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , declaró a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". ^{[ 31 ]} En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las ausencias previstas" por baja por maternidad sería un problema. ^{[ 32 ]}

En 1997, la Filarmónica de Viena se enfrentó a protestas durante una gira por Estados Unidos por parte de la Organización Nacional para las Mujeres y la Alianza Internacional para las Mujeres en la Música . Finalmente, tras ser objeto de crecientes burlas incluso en la conservadora Austria, los miembros de la orquesta se reunieron el 28 de febrero de 1997 en una reunión extraordinaria la víspera de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. ^{[ 33 ]} En 2013, la orquesta contaba con seis mujeres; una de ellas, la violinista Albena Danailova, se convirtió en concertino en 2008, siendo la primera mujer en ocupar ese puesto en la orquesta. ^{[ 34 ]} En 2012, las mujeres representaban el 6% de los miembros de la orquesta. El presidente de la VPO, Clemens Hellsberg, afirmó que la VPO ahora utiliza audiciones a ciegas con selección completa . ^{[ 35 ]}

En 2013, un artículo de Mother Jones afirmó que, si bien «muchas orquestas prestigiosas tienen una importante presencia femenina —las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York— y varios conjuntos de renombre, como la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidos por violinistas mujeres», las secciones de contrabajo, metales y percusión de las principales orquestas «... siguen siendo predominantemente masculinas». ^{[ 36 ]} Un artículo de la BBC de 2014 afirmó que «... la introducción de las audiciones "a ciegas", en las que un aspirante a instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el jurado no pueda ejercer ningún prejuicio de género o racial, ha provocado un cambio gradual en el equilibrio de género de las orquestas sinfónicas tradicionalmente dominadas por hombres». ^{[ 37 ]}

También existen diversas orquestas de aficionados:

orquestas escolares

Estas orquestas están formadas por estudiantes de primaria o secundaria. Pueden ser alumnos de una clase o programa de música, o bien provenir de toda la comunidad escolar. Generalmente, las orquestas escolares están dirigidas por un profesor de música. En algunos casos, las orquestas escolares son orquestas de cuerda , compuestas únicamente por estudiantes que tocan instrumentos de cuerda , mientras que los estudiantes que tocan instrumentos de viento-madera , viento-metal y percusión se agrupan como banda de concierto .

orquestas universitarias o de conservatorio

Estas orquestas están formadas por estudiantes de una universidad o conservatorio de música. En algunos casos, las orquestas universitarias están abiertas a todos los estudiantes de la universidad, de todos los programas. Las universidades más grandes pueden tener dos o más orquestas: una o más orquestas compuestas por estudiantes de música (o, para los programas de música más importantes, varias orquestas de estudiantes de música, clasificadas por nivel de habilidad) y una segunda orquesta abierta a estudiantes universitarios de todos los programas académicos (por ejemplo, ciencias, negocios, etc.) que tengan experiencia previa en música clásica con un instrumento orquestal. Las orquestas universitarias y de conservatorio están dirigidas por un director que suele ser un profesor o instructor de la universidad o conservatorio.

orquestas juveniles

Estas orquestas están formadas por adolescentes y jóvenes adultos procedentes de toda una ciudad o región. El rango de edad en las orquestas juveniles varía según la agrupación. En algunos casos, las orquestas juveniles pueden estar compuestas por adolescentes o jóvenes adultos de todo un país (por ejemplo, la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá).

orquestas comunitarias

Estas orquestas están formadas por intérpretes aficionados procedentes de toda una ciudad o región. Las orquestas comunitarias suelen estar compuestas principalmente por músicos aficionados adultos. Su nivel varía desde orquestas para principiantes que ensayan sin realizar presentaciones formales ante un público, hasta conjuntos de nivel intermedio y grupos de aficionados avanzados que interpretan el repertorio estándar de orquestas profesionales. En algunos casos, los estudiantes de música de universidades o conservatorios también pueden formar parte de las orquestas comunitarias. Si bien la mayoría de los miembros de las orquestas comunitarias son aficionados no remunerados, en algunas orquestas se contrata a un pequeño número de profesionales para que actúen como solistas y jefes de sección.

Las orquestas interpretan un amplio repertorio que abarca desde suites de danza del siglo XVII y divertimentos del siglo XVIII hasta bandas sonoras de películas del siglo XX y sinfonías del siglo XXI. Las orquestas se han convertido en sinónimo de sinfonía , una composición musical extensa de la música clásica occidental que suele contener varios movimientos con tonalidades y tempos contrastantes. Las sinfonías se escriben en una partitura , que contiene todas las partes instrumentales. El director utiliza la partitura para estudiar la sinfonía antes de los ensayos y decidir su interpretación (por ejemplo, tempos, articulación, fraseo, etc.), y para seguir la música durante los ensayos y conciertos, mientras dirige al conjunto. Los músicos de orquesta tocan a partir de partes que contienen únicamente la música escrita para su instrumento. Un pequeño número de sinfonías también incluye partes vocales (por ejemplo, la Novena Sinfonía de Beethoven ).

Las orquestas también interpretan oberturas , término que originalmente se aplicaba a la introducción instrumental de una ópera. ^{[ 38 ]} Durante la primera época romántica, compositores como Beethoven y Mendelssohn comenzaron a usar el término para referirse a obras instrumentales programáticas, independientes y autónomas que precedieron a géneros como el poema sinfónico , una forma ideada por Franz Liszt en varias obras que comenzaron como oberturas dramáticas. Estas "al principio, sin duda, estaban destinadas a ser interpretadas al comienzo de un programa". ^{[ 38 ]} En la década de 1850, la obertura de concierto comenzó a ser suplantada por el poema sinfónico.

Las orquestas también acompañan a solistas instrumentales en conciertos. Durante los conciertos, la orquesta acompaña al solista (por ejemplo, un violinista o pianista) y, en ocasiones, introduce temas musicales o interludios mientras el solista no está tocando. Las orquestas también participan en óperas, ballets, algunas obras de teatro musical y algunas obras corales (tanto sacras, como misas, como profanas). En óperas y ballets, la orquesta acompaña a los cantantes y bailarines, respectivamente, e interpreta oberturas e interludios donde las melodías de la orquesta cobran protagonismo.

En la época barroca, las orquestas actuaban en diversos lugares, incluyendo las elegantes casas de la aristocracia, salas de ópera e iglesias. Algunos aristócratas adinerados tenían una orquesta residente en su finca para entretenerlos a ellos y a sus invitados con actuaciones. Durante la época clásica, a medida que los compositores buscaban cada vez más el apoyo financiero del público en general, los conciertos de orquesta se celebraban cada vez más en salas de conciertos públicas , donde los amantes de la música podían comprar entradas para escuchar a la orquesta. El mecenazgo aristocrático de las orquestas continuó durante la época clásica, pero coexistió con los conciertos públicos. En los siglos XX y XXI, las orquestas encontraron un nuevo mecenas: los gobiernos. Muchas orquestas en Norteamérica y Europa reciben parte de su financiación de gobiernos nacionales, regionales (por ejemplo, gobiernos estatales en EE. UU.) o municipales. Estas subvenciones gubernamentales constituyen parte de los ingresos de la orquesta, junto con la venta de entradas, las donaciones benéficas (si la orquesta está registrada como organización benéfica) y otras actividades de recaudación de fondos. Con la invención de sucesivas tecnologías, como la grabación de sonido , la radiodifusión , la televisión y la transmisión y descarga de vídeos de conciertos a través de Internet , las orquestas han podido encontrar nuevas fuentes de ingresos.

Uno de los "grandes temas tabú de la interpretación orquestal" es la " simulación ", el proceso por el cual un músico de orquesta da la falsa "... impresión de tocar cada nota tal como está escrita", generalmente en un pasaje muy difícil que es muy agudo o muy rápido, sin tocar realmente las notas que están en la partitura impresa. ^{[ 39 ]} Un artículo en The Strad afirma que todos los músicos de orquesta, incluso los de las mejores orquestas, simulan ocasionalmente ciertos pasajes. ^{[ 39 ]} Una razón por la que los músicos simulan es la falta de ensayos. ^{[ 39 ]} Otro factor son los desafíos extremos de las piezas contemporáneas de los siglos XX y XXI; algunos profesionales dijeron que la "simulación" era "necesaria en entre el diez y casi el noventa por ciento de algunas obras modernas". ^{[ 39 ]} Los músicos profesionales que fueron entrevistados coincidieron en que la simulación puede ser aceptable cuando una parte no está bien escrita para el instrumento, pero simular "solo porque no se ha practicado" la música no es aceptable. ^{[ 39 ]}

Con el auge del movimiento de la música antigua, se hicieron comunes las orquestas más pequeñas donde los músicos trabajaban en la ejecución de obras en estilos derivados del estudio de tratados antiguos sobre interpretación. Entre ellas se encuentran la Orchestra of the Age of Enlightenment , los London Classical Players bajo la dirección de Sir Roger Norrington y la Academy of Ancient Music bajo la dirección de Christopher Hogwood , entre otras. ^{[ 40 ]}

En Estados Unidos, a finales del siglo XX se produjo una crisis de financiación y apoyo a las orquestas. El tamaño y el coste de una orquesta sinfónica, en comparación con el tamaño de su base de seguidores, se convirtieron en un problema que afectaba directamente a la institución. Pocas orquestas podían llenar auditorios, y el tradicional sistema de abonos de temporada se volvió cada vez más anacrónico, ya que un número creciente de oyentes compraba entradas de forma puntual para eventos individuales. Los fondos de dotación de las orquestas y, aún más importante para el funcionamiento diario de las orquestas estadounidenses, los donantes, vieron reducidas sus carteras de inversión o generar menores rendimientos, lo que disminuyó su capacidad de contribuir; además, se observó una tendencia a que los donantes encontraran otras causas sociales más atractivas. Si bien la financiación gubernamental es menos importante para las orquestas estadounidenses que para las europeas, los recortes en dicha financiación siguen siendo significativos para las agrupaciones estadounidenses. Finalmente, la drástica caída de los ingresos por grabaciones, relacionada con los cambios en la propia industria discográfica, dio inicio a un periodo de transformación que aún no ha concluido.

Entre las orquestas estadounidenses que se han acogido al Capítulo 11 de la Ley de Quiebras se encuentran la Orquesta de Filadelfia (abril de 2011) y la Orquesta de Louisville (diciembre de 2010); entre las orquestas que se han acogido al Capítulo 7 de la Ley de Quiebras y han cesado sus actividades se encuentran la Orquesta de Cámara del Noroeste en 2006, la Orquesta de Honolulu en marzo de 2011, la Orquesta Sinfónica de Nuevo México en abril de 2011 y la Sinfónica de Syracuse en junio de 2011. El Festival de Orquestas de Orlando, Florida, cesó sus actividades a finales de marzo de 2011.

Una fuente de dificultades financieras que recibió atención y críticas fueron los altos salarios de los directores musicales de las orquestas estadounidenses, ^{[ 41 ]} lo que llevó a varios directores de orquesta de alto perfil a aceptar recortes salariales en los últimos años. ^{[ 42 ] [ 43 ] [ 44 ]} Administradores musicales como Michael Tilson Thomas y Esa-Pekka Salonen argumentaron que la música nueva, nuevos medios para presentarla y una relación renovada con la comunidad podrían revitalizar la orquesta sinfónica. El crítico estadounidense Greg Sandow ha argumentado en detalle que las orquestas deben revisar su enfoque de la música, la interpretación, la experiencia del concierto, el marketing, las relaciones públicas, la participación comunitaria y la presentación para alinearlas con las expectativas de las audiencias del siglo XXI inmersas en la cultura popular.

No es raro que los compositores contemporáneos utilicen instrumentos poco convencionales, incluidos diversos sintetizadores, para lograr los efectos deseados. Sin embargo, muchos consideran que una configuración orquestal más tradicional ofrece mejores posibilidades en cuanto a color y profundidad. Compositores como John Adams suelen emplear orquestas de tamaño romántico, como en su ópera Nixon in China ; Philip Glass y otros pueden ser más libres, pero aun así reconocen los límites del tamaño de la orquesta. Glass, en particular, ha recurrido recientemente a orquestas convencionales en obras como el Concierto para violonchelo y orquesta y el Concierto para violín n.° 2 .

Además de la disminución de la financiación, algunas orquestas estadounidenses han reducido su plantilla, así como el número de músicos que participan en los conciertos. Esta reducción suele limitarse a la sección de cuerdas , ya que tradicionalmente su número ha sido flexible (dado que varios músicos suelen interpretar la misma partitura).

La dirección orquestal es el arte de dirigir una interpretación musical, como un concierto orquestal o coral . Las principales funciones del director son establecer el tempo , asegurar las entradas correctas de los distintos miembros del conjunto y «dar forma» al fraseo cuando sea apropiado. ^{[ 3 ]} Para transmitir sus ideas e interpretación, un director se comunica con sus músicos principalmente mediante gestos con las manos, normalmente (aunque no siempre) con la ayuda de una batuta , y puede utilizar otros gestos o señales, como el contacto visual con los intérpretes pertinentes. ^{[ 45 ]} Las indicaciones de un director casi siempre se complementarán o reforzarán con instrucciones o sugerencias verbales a sus músicos durante el ensayo previo a la actuación. ^{[ 45 ]}

El director de orquesta suele situarse en un podio elevado con un atril grande para la partitura completa , que contiene la notación musical de todos los instrumentos y voces. Desde mediados del siglo XVIII, la mayoría de los directores no han tocado un instrumento al dirigir, aunque en épocas anteriores de la historia de la música clásica era común dirigir un conjunto tocando un instrumento. En la música barroca , desde el siglo XVII hasta el siglo XVIII, el grupo solía estar dirigido por el clavecinista o el primer violinista (véase concertino ), un enfoque que en la actualidad ha sido recuperado por varios directores musicales para la música de este período. También es posible dirigir mientras se toca un piano o un sintetizador en las orquestas de teatro musical . La comunicación suele ser no verbal durante una interpretación (esto es estrictamente así en la música culta , pero en las big bands de jazz o en los grandes conjuntos de pop, puede haber instrucciones habladas ocasionales, como una cuenta atrás). Sin embargo, en los ensayos , las frecuentes interrupciones permiten al director dar indicaciones verbales sobre cómo debe interpretarse la música.

Los directores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Seleccionan las obras que se interpretarán y estudian sus partituras , a las que pueden realizar ciertos ajustes (por ejemplo, en cuanto al tempo, la articulación, el fraseo, las repeticiones de secciones, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los intérpretes. También pueden ocuparse de asuntos organizativos, como programar los ensayos, ^{[ 46 ]} planificar una temporada de conciertos, realizar audiciones y seleccionar a los miembros, y promocionar su conjunto en los medios de comunicación. Las orquestas, coros , bandas de concierto y otros conjuntos musicales de gran tamaño, como las big bands, suelen estar dirigidos por directores.

En la época barroca (1600-1750), la mayoría de las orquestas estaban dirigidas por uno de los músicos, generalmente el primer violín principal, llamado concertino . El concertino marcaba el tempo de las piezas levantando el arco rítmicamente. La dirección también podía ser ejercida por uno de los instrumentistas que tocaban el bajo continuo , que era la base de la mayoría de las piezas de conjunto instrumental barrocas. Normalmente, este era un clavecinista , un organista de tubos , un laudista o un intérprete de tiorba . Un teclista podía dirigir el conjunto con la cabeza o retirando una mano del teclado para marcar un cambio de tempo más complejo. Un laudista o un intérprete de tiorba podía dirigir levantando y bajando el mástil del instrumento para indicar el tempo de una pieza o para marcar un ritardando durante una cadencia o un final. En algunas obras que combinaban coros y conjuntos instrumentales, a veces se utilizaban dos directores: un concertino para dirigir a los instrumentistas y un intérprete de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica ( aprox. 1720-1800 ), la práctica de utilizar instrumentos de acordes para tocar el bajo continuo se fue eliminando gradualmente, y desapareció por completo hacia 1800. En su lugar, los conjuntos comenzaron a utilizar directores para dirigir el tempo y el estilo de interpretación de la orquesta, mientras que el concertino desempeñaba un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente para los instrumentistas de cuerda, quienes imitaban el golpe de arco y el estilo de interpretación del concertino, en la medida en que fuera posible para los diferentes instrumentos de cuerda.

En 1922, la idea de una orquesta sin director resurgió en la Unión Soviética posrevolucionaria . La orquesta sinfónica Persimfans se formó sin director, pues sus fundadores creían que la agrupación debía inspirarse en el ideal del Estado marxista , donde todas las personas son iguales. Por ello, sus miembros consideraban innecesario estar bajo la batuta autoritaria de un director; en su lugar, eran dirigidos por un comité que determinaba los tempos y los estilos de interpretación. Si bien tuvo cierto éxito dentro de la Unión Soviética, la principal dificultad radicaba en el cambio de tempo durante las actuaciones, ya que, aunque el comité hubiera emitido un decreto sobre cuándo debía producirse dicho cambio, no existía un líder en la agrupación que lo guiara. La orquesta sobrevivió diez años antes de que la política cultural de Stalin la disolviera retirándole la financiación. ^{[ 47 ]}

En los países occidentales, algunas agrupaciones, como la Orpheus Chamber Orchestra , con sede en Nueva York, han tenido más éxito con orquestas sin director, aunque es probable que las decisiones se deleguen a algún líder dentro de la agrupación (por ejemplo, los principales instrumentistas de viento y cuerda, especialmente el concertino). Otras han retomado la tradición de que un intérprete principal, generalmente un violinista, sea el director artístico y dirija los ensayos y los conciertos. Ejemplos de ello son la Australian Chamber Orchestra , la Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson y la New Century Chamber Orchestra . Asimismo, como parte del movimiento de música antigua , algunas orquestas de los siglos XX y XXI han revivido la práctica barroca de no tener director en el podio para las piezas barrocas, utilizando al concertino o a un intérprete de bajo continuo (por ejemplo, clavecín u órgano) para dirigir al grupo.

Algunas obras orquestales especifican que se debe usar una trompeta fuera del escenario o que otros instrumentos de la orquesta deben colocarse fuera del escenario o detrás de él, para crear un efecto misterioso y místico. Para asegurar que el o los instrumentistas fuera del escenario toquen a tiempo, a veces se coloca un subdirector fuera del escenario con una vista clara del director principal. Un ejemplo es el final de "Neptuno" de Los Planetas de Gustav Holst . El director principal dirige la gran orquesta, y el subdirector transmite el tempo y los gestos del director principal al músico (o músicos) fuera del escenario. Uno de los desafíos de usar dos directores es que el segundo director puede desincronizarse con el director principal, o puede transmitir mal (o malinterpretar) los gestos del director principal, lo que puede provocar que los instrumentos fuera del escenario estén fuera de tiempo. A finales del siglo XX y principios del XXI, algunas orquestas utilizan una cámara de vídeo apuntando al director principal y un circuito cerrado de televisión situado frente a los músicos que se encuentran fuera del escenario, en lugar de utilizar dos directores.

Las técnicas de poliestilismo y politempo ^{[ 48 ]} música han llevado a algunos compositores de los siglos XX y XXI a escribir música donde múltiples orquestas o conjuntos actúan simultáneamente. Estas tendencias han dado lugar al fenómeno de la música policonductora, en la que subdirectores separados dirigen a cada grupo de músicos. Por lo general, un director principal dirige a los subdirectores, dando forma así a la interpretación general. En The Warriors de Percy Grainger , que incluye tres directores: el director principal de la orquesta, un director secundario que dirige un conjunto de metales fuera del escenario y un director terciario que dirige la percusión y el arpa. Un ejemplo en la música orquestal de finales de siglo es Gruppen de Karlheinz Stockhausen , para tres orquestas, que se colocan alrededor del público. De esta manera, las "masas sonoras" podían ser espacializadas, como en una obra electroacústica . Gruppen se estrenó en Colonia, en 1958, dirigida por Stockhausen, Bruno Maderna y Pierre Boulez . Fue interpretada en 1996 por Simon Rattle , John Carewe y Daniel Harding . ^{[ 49 ]}

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• Raynor, Henry (1978). La orquesta: Una historia . Scribner . ISBN 978-0-684-15535-7.
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