Fotografía artística

Un historiador de la fotografía afirmó que "el primer exponente de la fotografía artística o de composición fue John Edwin Mayall ", quien exhibió daguerrotipos que ilustraban el Padre Nuestro en 1851. ^{[ 2 ]} Los intentos exitosos de hacer fotografía se pueden rastrear a practicantes de la época victoriana como Julia Margaret Cameron , Charles Lutwidge Dodgson y Oscar Gustave Rejlander y otros. En los EE. UU. , F. Holland Day , Alfred Stieglitz y Edward Steichen fueron fundamentales para convertir la fotografía en una bella arte, y Stieglitz fue especialmente notable por introducirla en las colecciones de los museos.

En el Reino Unido, todavía en 1960, la fotografía no era reconocida como una forma de arte. S. D. Jouhar declaró, al fundar la Asociación de Bellas Artes Fotográficas en aquel entonces: «Actualmente, la fotografía no se reconoce generalmente como algo más que un oficio. En Estados Unidos, la fotografía ha sido abiertamente aceptada como Bellas Artes en ciertos círculos oficiales. Se exhibe en galerías y exposiciones como una forma de arte. En este país no existe un reconocimiento similar. El Salón de Londres exhibe fotografía pictorialista, pero no se la considera un arte en general. Independientemente de si una obra muestra cualidades estéticas o no, se la clasifica como "fotografía pictorialista", un término muy ambiguo. El propio fotógrafo debe tener confianza en su obra, en su dignidad y en su valor estético, para lograr que se la reconozca como arte y no como un oficio».

Hasta finales de la década de 1970, predominaron varios géneros, como los desnudos, los retratos y los paisajes naturales (ejemplificados por Ansel Adams ). Artistas emergentes de las décadas de 1970 y 1980, como Sally Mann , Robert Mapplethorpe , Robert Farber y Cindy Sherman , seguían recurriendo a estos géneros , aunque con una perspectiva renovada. Otros exploraron un enfoque estético más espontáneo .

A mediados de la década de 1970, Josef H. Neumann desarrolló los quimiogramas , ^{[ 3 ]} que son productos tanto del procesamiento fotográfico como de la pintura sobre papel fotográfico . Antes de la difusión de las computadoras y el uso de software de procesamiento de imágenes, el proceso de creación de quimiogramas puede considerarse una forma temprana de postproducción analógica, en la que la imagen original se altera después del proceso de ampliación. A diferencia de las obras de postproducción digital , cada quimiograma es una pieza única. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]}

Organizaciones estadounidenses, como la Fundación Aperture y el Museo de Arte Moderno (MoMA), han contribuido en gran medida a mantener la fotografía a la vanguardia de las bellas artes. La creación del departamento de fotografía del MoMA en 1940 y el nombramiento de Beaumont Newhall como su primer curador se citan a menudo como confirmación institucional del estatus de la fotografía como arte. ^{[ 8 ]}

Actualmente, existe una tendencia hacia una puesta en escena e iluminación cuidadosas, en lugar de esperar a que la imagen se presente de forma natural. Fotógrafos como Gregory Crewdson y Jeff Wall son reconocidos por la calidad de sus fotografías cuidadosamente preparadas . Además, las nuevas tendencias tecnológicas en fotografía digital han abierto un nuevo camino en la fotografía de espectro completo , donde la selección precisa de filtros en el ultravioleta, el visible y el infrarrojo da lugar a nuevas visiones artísticas.

Desde 1980, las mejoras en las tecnologías de impresión han convertido las reproducciones de obras fotográficas en libros de edición limitada con una cuidada impresión en papel en un objeto de gran interés para los coleccionistas. Esto se debe a que, por lo general, estos libros tienen una alta calidad de producción, una tirada corta y, debido a su mercado limitado, casi nunca se reimprimen. El mercado de libros de fotografía de autor para coleccionistas está experimentando un rápido crecimiento.

Según Art Market Trends 2004, se vendieron 7000 fotografías en salas de subastas en 2004, y las fotografías registraron un aumento promedio anual del precio del 7,6 por ciento entre 1994 y 2004. ^{[ 9 ]} Alrededor del 80 por ciento se vendieron en los Estados Unidos, aunque las ventas en subastas solo registran una fracción del total de ventas privadas. Ahora existe un próspero mercado de coleccionistas para el cual los fotógrafos de arte más solicitados producirán impresiones de archivo de alta calidad en ediciones estrictamente limitadas. Los intentos de los minoristas de arte en línea de vender fotografía fina al público general junto con impresiones de pinturas han tenido resultados mixtos, con ventas fuertes provenientes únicamente de los fotógrafos tradicionales más importantes como Ansel Adams .

Además de la tendencia digital hacia la manipulación, el filtrado o los cambios de resolución, algunos artistas buscan deliberadamente un estilo naturalista, incluyendo la iluminación natural como un valor en sí mismo. En ocasiones, la obra, como en el caso de Gerhard Richter, consiste en una imagen fotográfica que posteriormente ha sido cubierta con pintura al óleo y/o posee un significado político o histórico que trasciende la propia imagen. La existencia de la pintura proyectada fotográficamente difumina la línea divisoria entre pintura y fotografía, tradicionalmente considerada absoluta.

El paisaje es uno de los temas más antiguos de la fotografía artística, distinto del trabajo comercial y de investigación por su intención estética y recepción institucional. Abarca tanto entornos naturales como construidos. ^{[ 13 ]}

Desde la invención del medio, el retrato ha sido un foco constante de la práctica de las bellas artes. Los retratos de bellas artes enfatizan el contenido estético, psicológico y conceptual en lugar de producir un registro o semejanza para uso práctico. ^{[ 18 ]} La fotógrafa de retratos Julia Margaret Cameron describió su objetivo como "ennoblecer la fotografía y asegurarla para el carácter y los usos del arte elevado", un posicionamiento de bellas artes del medio compartido por su contemporáneo Félix Nadar . ^{[ 19 ]} Menschen des 20. Jahrhunderts de August Sander se convirtió en una obra fundamental de la fotografía de la Nueva Objetividad , ^{[ 20 ]} y los retratos minimalistas de fondo blanco de Richard Avedon fueron el tema de una retrospectiva en 2002 en el Museo Metropolitano de Arte . ^{[ 21 ]}

Los fotógrafos han trabajado con el desnudo como tema de bellas artes desde las primeras décadas de la fotografía, basándose en la tradición pictórica del desnudo en la pintura y la escultura. Los tratamientos de bellas artes enfatizan las cualidades formales y conceptuales del cuerpo, en contraste con la fotografía erótica y pornográfica comercial. ^{[ 22 ]} El desnudo entró en la fotografía poco después de la invención del medio como ayuda didáctica para pintores y escultores; a principios del siglo XX, se había convertido en un tema central de la práctica de las bellas artes en la obra pictorialista de F. Holland Day y los desnudos modernistas de Edward Weston e Imogen Cunningham del Grupo f/64 . ^{[ 22 ]} Entre los fotógrafos de desnudos de bellas artes posteriores se incluyen Bill Brandt , Robert Mapplethorpe , Sally Mann y John Coplans . ^{[ 22 ]}

La naturaleza muerta ha sido un género artístico en la fotografía desde la década de 1840. Según David Campany , la interconexión entre el arte y la fotografía comercial es más evidente que nunca en la naturaleza muerta, cuyo ascenso a la igualdad de estatus con el paisaje y el retrato siguió al auge de la cultura de consumo. ^{[ 23 ]} Dentro de la práctica artística, la naturaleza muerta funciona mediante la disposición deliberada de objetos para transmitir un significado simbólico o formal, inspirándose en la tradición de la vanitas del siglo XVII en la pintura. ^{[ 24 ]} Pioneros como William Henry Fox Talbot produjeron imágenes de naturaleza muerta que funcionaban simultáneamente como documentos, composiciones estéticas y protopublicidad. ^{[ 23 ]} En la década de 1920, modernistas como Albert Renger-Patzsch y Edward Weston trabajaron entre la naturaleza muerta artística y la publicidad comercial, ^{[ 23 ]} y los estudios de plantas de Karl Blossfeldt se incorporaron al movimiento de la Nueva Objetividad tras la publicación en 1928 de Urformen der Kunst . ^{[ 20 ]}

A diferencia del fotoperiodismo, que se distingue por su intención artística más que informativa, la fotografía callejera se desarrolló como un género de bellas artes. ^{[ 25 ]} El libro de Henri Cartier-Bresson de 1952, El momento decisivo , articuló el concepto del momento decisivo y es ampliamente considerado como fundamental para el género. ^{[ 26 ]} La exposición de John Szarkowski de 1967 en el Museo de Arte Moderno, Nuevos documentos, describió el trabajo de Diane Arbus , Lee Friedlander y Garry Winogrand como una reorientación de la fotografía documental hacia "fines más personales". ^{[ 26 ]}

Desde mediados de la década de 1960, el movimiento del Arte Conceptual utilizó la fotografía como vehículo para ideas, documentación de performances e instalaciones multimedia en lugar de como una imagen autónoma. Entre los fotógrafos y artistas que trabajaron en este modo basado en ideas se encontraban John Baldessari , Sol LeWitt , Bruce Nauman y Ed Ruscha ; la exposición Light Years del Instituto de Arte de Chicago de 2011 reconoció que este período llevó la fotografía "definitivamente a la corriente principal del arte contemporáneo". ^{[ 27 ]} Las cuadrículas tipológicas de Bernd y Hilla Becher también fueron adoptadas como fotografía conceptual. ^{[ 12 ]} Desde finales de la década de 1970, los cuadros fotográficos escenificados se desarrollaron como un modo de bellas artes en el que el fotógrafo construye la escena en lugar de registrar un sujeto encontrado; Untitled Film Stills (1977-80) de Cindy Sherman , que se basaba en imágenes comerciales y de la cultura de masas, fue reseñado en The New York Times en 1981 como un ejemplo del giro posmoderno de la fotografía. ^{[ 28 ]}

La fotografía abstracta circula dentro de las bellas artes a través de exposiciones internacionales y antologías críticas. ^{[ 29 ]} Los futuristas italianos fueron pioneros en la teorización fotográfica de vanguardia con el Fotodinamismo futurista de Anton Giulio Bragaglia de 1912 , ^{[ 30 ]} y en la Bauhaus , la "Nueva Visión" ( Neues Sehen ) de László Moholy-Nagy utilizó encuadres y ángulos inesperados para desafiar las formas habituales de ver. ^{[ 31 ]} Entre los practicantes contemporáneos de fotografía sin cámara y de proceso directo se incluyen Wolfgang Tillmans (la serie Freischwimmer , iniciada en 2003), Marco Breuer , Walead Beshty y James Welling . ^{[ 29 ]}

Aunque la fotografía artística puede solaparse con muchos otros géneros fotográficos, las coincidencias con la fotografía de moda y el fotoperiodismo merecen especial atención. El catálogo de la exposición del Museo de Arte Moderno de 2004, «Fashioning Fiction in Photography since 1990», describió la relación entre estas categorías como «un momento particularmente fructífero en el intercambio entre la fotografía artística y la comercial». ^{[ 32 ]}

En 1996 se afirmó que había habido una "reciente difuminación de las fronteras entre la fotografía ilustrativa comercial y la fotografía artística", especialmente en el ámbito de la moda. ^{[ 33 ]} La evidencia de la superposición entre la fotografía artística y la fotografía de moda incluye conferencias, ^{[ 34 ]} exposiciones, ^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ]} ferias comerciales como Art Basel Miami Beach, ^{[ 38 ]} y libros. ^{[ 33 ] [ 39 ]} Fotógrafos de moda como Richard Avedon , Irving Penn , Cecil Beaton y Man Ray están ampliamente incluidos en exposiciones y colecciones de fotografía artística. ^{[ 11 ]}

El fotoperiodismo y la fotografía artística se superpusieron a partir de finales de la década de 1960 y la de 1970, cuando los fotógrafos de prensa entablaron relaciones con la fotografía artística y la pintura. ^{[ 40 ]} En 1974 se inauguró el Centro Internacional de Fotografía , con énfasis tanto en el fotoperiodismo humanitario como en la fotografía artística. ^{[ 40 ]} Para 1987, las fotografías tomadas en encargos para revistas y periódicos reaparecían regularmente, enmarcadas, en las paredes de museos y galerías. ^{[ 41 ]}

Las aplicaciones para teléfonos inteligentes, como Snapchat, a veces se utilizan para la fotografía artística. ^{[ 42 ]}

Entre las definiciones que se pueden encontrar en los libros de referencia están:

• "Fotografía artística": "Fotografía realizada como una forma de bellas artes, es decir, realizada para expresar las percepciones y emociones del artista y compartirlas con los demás". ^{[ 43 ]}
• "Fotografía artística": "Una imagen que se produce para la venta o exhibición, en lugar de una que se produce en respuesta a un encargo comercial". ^{[ 44 ]}
• «Fotografía artística»: «La producción de imágenes para plasmar la visión creativa de un fotógrafo. ... Sinónimo de fotografía artística». ^{[ 45 ]}
• «Fotografía artística»: Su definición «resulta difícil de precisar», pero «cuando los fotógrafos se refieren a ella, tienen en mente las fotografías que se ven en revistas como American Photo , Popular Photography y Print , así como en salones y exposiciones. La fotografía artística (o artística) es comercializable». ^{[ 46 ]}
• «Fotografía artística»: «Un término de uso frecuente pero algo vago. La idea subyacente es que el autor de una fotografía determinada ha buscado algo más que una mera representación realista del sujeto, y ha intentado transmitir una impresión personal». ^{[ 47 ]}
• "Fotografía artística": También llamada "fotografía decorativa" o "fotodecoración", esta "implica la venta de fotografías de gran formato... que pueden utilizarse como decoración de pared". ^{[ 46 ]}

Entre las definiciones que se pueden encontrar en artículos académicos se encuentran:

• En 1961, SD Jouhar fundó la Asociación de Bellas Artes Fotográficas, de la cual fue presidente. Su definición de Bellas Artes era: «Crear imágenes que evocan emoción mediante un proceso fotográfico en el que la mente y la imaginación se ejercitan de forma libre pero competente». ^{[ 48 ]}
• Dos estudios de Christopherson en 1974 definieron a los "fotógrafos de bellas artes" como "aquellas personas que crean y distribuyen fotografías específicamente como 'arte '" . ^{[ 49 ] [ 50 ]}
• Un estudio etnográfico e histórico de Schwartz de 1986 no definió directamente la "fotografía artística", pero sí la comparó con la "fotografía de clubes fotográficos". ^{[ 51 ]} Concluyó que la fotografía artística "está vinculada a otros medios", como la pintura; "responde a su propia historia y tradiciones" (en contraposición a "aspirar a los mismos logros de sus predecesores"); "tiene su propio vocabulario"; "transmite ideas" (por ejemplo, "la preocupación por la forma prevalece sobre la preocupación por el tema"); "es innovadora"; "es personal"; "es un estilo de vida"; y "participa en el mundo del comercio". ^{[ 51 ]}

Entre las definiciones que se pueden encontrar en la World Wide Web se encuentran:

• Los encabezamientos de materia de la Biblioteca del Congreso utilizan "fotografía artística" como "fotografía de arte" y "fotografía artística" (es decir, "Fotografía artística") como "la fotografía como una bella arte, incluyendo la teoría estética". ^{[ 52 ]}
• El Tesauro de Arte y Arquitectura afirma que «fotografía artística» (término preferido), «fotografía artística» o «fotografía artística» es «el movimiento en Inglaterra y Estados Unidos, desde alrededor de 1890 hasta principios del siglo XX, que promovió diversos enfoques estéticos. Históricamente, a veces se ha aplicado a cualquier fotografía cuya intención sea estética, a diferencia de la científica, comercial o periodística; para este significado, utilice "fotografía " » . ^{[ 53 ]}
• Las definiciones de "fotografía artística" en las páginas web estáticas de los fotógrafos varían desde "el subconjunto de las bellas artes que se crea con una cámara" ^{[ 54 ]} hasta "fotografía de reproducción limitada, que utiliza materiales y técnicas que perdurarán más allá de la vida del artista". ^{[ 55 ]}
• En cuanto al concepto de reproducción limitada, en el ordenamiento jurídico francés existe una definición legal muy precisa respecto a la fotografía artística, que se considera una obra de arte. El código tributario establece que «se consideran obras de arte las fotografías tomadas por el artista, impresas por él mismo o bajo su control, firmadas y numeradas en un máximo de treinta copias, incluyendo todos los tamaños y soportes». ^{[ 56 ]}

• Ramos Molina, Antonio Luis (2018). La magia de la química fotográfica: El quimigrama. Conceptos, técnicas y procedimientos del quimigrama en la expresión artística (tesis doctoral) (en español). Universidad de Granada.