Policromo

La policromía es la "práctica de decorar elementos arquitectónicos, esculturas, etc., en una variedad de colores". ^{[ 1 ]} El término se utiliza para referirse a ciertos estilos de arquitectura , cerámica o escultura en múltiples colores.

Al observar obras de arte y arquitectura de la Antigüedad y la Edad Media europea , se suele creer que eran monocromáticas. En realidad, el pasado prerrenacentista estaba lleno de color, y las esculturas grecorromanas y las catedrales góticas , que ahora son blancas, beige o grises, fueron pintadas inicialmente con una variedad de colores. Como afirmó André Malraux : «Atenas nunca fue blanca, pero sus estatuas, desprovistas de color, han condicionado la sensibilidad artística de Europa [...] todo el pasado nos ha llegado sin color». ^{[ 2 ]} La policromía fue y sigue siendo una práctica que no se limita solo al mundo occidental . Obras de arte no occidentales, como templos chinos , figuras Uli de Oceanía o jarrones de cerámica maya , también fueron decoradas con múltiples colores.

La prehistoria se define generalmente como el período de la historia humana anterior al inicio de la historia escrita . Durante este período se crearon numerosas obras de arte policromadas. Las formas más comunes de arte policromado que se conservan hoy en día son la pintura, la cerámica y la escultura. Dado que los sistemas de escritura se desarrollaron de manera diferente entre las culturas, el inicio y el final de la historia escrita varían entre ellas.

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  Pinturas rupestres en el Parque Nacional Serra da Capivara , Brasil , que representan figuras humanas y animales, de aproximadamente 20.000 años de antigüedad.
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  Plantillas de manos en la Cueva de las Manos , Argentina , datadas entre el 7300 a. C. y el 700 d. C. o entre el 13 000 y el 9000 a. C.
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  Pinturas rupestres de Laas Geel , Somalilandia , que representan ganado, de mediados del IV milenio a. C. a mediados del III milenio a. C.
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  Jarrón trípode de aragonita verde , región del Éufrates medio , 6000 a. C., Museo del Louvre.
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  Jarrón ovoide de terracota con remate negro , Naqada I (Amratian) , c. 3800–3500 a. C.
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  Jarra con diseño curvilíneo, Banshan , China , c. 2650–2350 a. C. , Museo de Arte de Cleveland .
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  Estatuilla de oro procedente de Tell el-Farkha , Naqada IIIB , una de las representaciones más antiguas conocidas de gobernantes del Antiguo Egipto , c. 3200–3000 a. C.
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  Figurilla de Tlatilco que representa a una madre y su hijo, cerámica , siglos XII-IX a. C.
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  Placa de ciervo yacente de Saka , Eleke Sazy , Kazajistán , siglos VIII al VI a. C.

Al igual que el arte antiguo de otras regiones, el arte del Antiguo Cercano Oriente era policromado, caracterizado por el uso frecuente de colores brillantes. Muchas esculturas han perdido su coloración original, pero aún existen ejemplos que la conservan. Uno de los mejores es la Puerta de Ishtar , la octava puerta de acceso a la ciudad interior de Babilonia (en la zona de la actual Hillah , gobernación de Babil , Irak). Fue construida alrededor del año 575 a . C. por orden del rey Nabucodonosor II en el lado norte de la ciudad. Formaba parte de una gran avenida procesional amurallada que conducía al interior de la ciudad. Sus colores se mantienen tan vivos como en su época gracias a que los muros estaban construidos con ladrillos vidriados.

Muchas esculturas del Antiguo Cercano Oriente también estaban pintadas. Por ejemplo, aunque la mayoría ahora conservan el color de la piedra, todos los relieves asirios que decoraban los palacios reales estaban pintados con colores muy saturados.

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  Lado de guerra del Estandarte de Ur , 2600-2400 a. C., concha, piedra caliza roja y lapislázuli sobre madera, longitud: 49,5 cm, procedente del Cementerio Real de Ur , Museo Británico.
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  Una de las figuras del Carnero en un matorral , 2600-2400 a. C., oro, cobre, concha, piedra caliza y lapislázuli, también procedente del Cementerio Real de Ur, Universidad de Pensilvania.
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  Azulejo asirio con borde guilloché del Palacio Noroeste de Nimrud (actualmente en Irak), 883–859 a. C., loza vidriada, Museo Británico, Londres ^{[ 3 ]}
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  Reconstrucción de la Puerta de Ishtar , c. 605 – c. 539 a. C. , ladrillos vidriados, Museo de Pérgamo ^{[ 4 ]} 
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  Panel asirio con color proyectado sobre él, que muestra su aspecto original, en el Museo de Pérgamo. El color desapareció a lo largo de muchos milenios y se dañó por la limpieza excesiva de artefactos que tuvo lugar en el siglo XIX.
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  Reconstrucción de una sala de un palacio asirio , por Sir Austen Henry Layard , 1849.
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  Diseños y motivos asirios de L'Ornement Polychrome , de Albert Racinet , 1888.

Gracias al clima seco de Egipto, los colores originales de muchas esculturas antiguas de bulto redondo, relieves, pinturas y diversos objetos se conservaron en buen estado. Algunos de los ejemplos mejor conservados de la arquitectura del antiguo Egipto fueron las tumbas, cubiertas en su interior con relieves esculpidos pintados con colores brillantes o simplemente frescos . Los artistas egipcios trabajaban principalmente con pigmentos negros, rojos, amarillos, marrones, azules y verdes. Estos colores se obtenían de minerales molidos, materiales sintéticos ( azul egipcio , verde egipcio y fritas utilizadas para fabricar vidrio y esmaltes cerámicos) y negros a base de carbono (hollín y carbón vegetal ). La mayoría de los minerales se obtenían de fuentes locales, como los pigmentos de óxido de hierro (ocre rojo, ocre amarillo y tierra de sombra); el blanco se obtenía del carbonato de calcio que se encontraba en las extensas colinas calizas de Egipto; y el azul y el verde de la azurita y la malaquita .

Además de su efecto decorativo, los colores también se utilizaban por sus asociaciones simbólicas. Los colores en esculturas, sarcófagos y arquitectura tenían cualidades tanto estéticas como simbólicas. Los antiguos egipcios veían el negro como el color del suelo aluvial fértil, y por lo tanto lo asociaban con la fertilidad y la regeneración. El negro también se asociaba con la vida después de la muerte y era el color de deidades funerarias como Anubis . El blanco era el color de la pureza, mientras que el verde y el azul se asociaban con la vegetación y el rejuvenecimiento. Debido a esto, a Osiris se le representaba a menudo con la piel verde, y los rostros de los sarcófagos de la XXVI Dinastía solían ser verdes. El rojo, el naranja y el amarillo se asociaban con el sol. El rojo también era el color de los desiertos y, por lo tanto, se asociaba con Set y las fuerzas de la destrucción. ^{[ 5 ] [ 6 ]}

Más tarde, durante el siglo XIX, se realizaron expediciones con el propósito de catalogar el arte y la cultura del antiguo Egipto. Description de l'Égypte es una serie de publicaciones de principios del siglo XIX repletas de ilustraciones de monumentos y artefactos del antiguo Egipto. La mayoría son en blanco y negro, pero algunas son a color, lo que permite apreciar la policromía del pasado. En algunos casos, solo quedaban algunos restos de pintura en las paredes, pilares y esculturas, pero los ilustradores lograron plasmar con éxito el estado original de los edificios en sus imágenes. ^{[ 7 ]}

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  Fragmento de un relieve de templo , 2150–1991 a. C., piedra caliza pintada, Museo Británico , Londres ^{[ 8 ]}
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  Maqueta de bote de remos, c. 1981 – c. 1975 a. C. , madera, pintura, yeso, cordel de lino y tela de lino, Museo Metropolitano de Arte , Ciudad de Nueva York 
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  Estatua colosal de Tutankamón , c. 1355 – c. 1315 a. C. , cuarcita pintada, Gran Museo Egipcio , Giza , Egipto. 
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  Busto de Nefertiti , c. 1352 – c. 1336 a. C. , piedra caliza policromada y yeso, Neues Museum , Berlín , Alemania. 
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  Relieve de Seti I y Hathor , siglo XIII a. C., piedra caliza, Museo del Louvre.
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  Capitel compuesto de papiro, c. 380 – c. 343 a. C. , arenisca policromada, Museo Metropolitano de Arte. 
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  Fragmento del sarcófago de Djedthothiuefankh, 332-305 a. C., madera y vidrio de colores, Museo Egizio , Turín , Italia.
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  Estatuilla de Anubis , 332-30 a. C., madera enyesada y pintada, Museo Metropolitano de Arte.
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  Sol alado sobre un caveto en el complejo del templo de Medinet Habu , Egipto, arquitecto desconocido, fecha desconocida
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  Menna y su familia cazando en las marismas, tumba de Menna , siglo XIV a. C.
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  Interior intacto del Ramesseum , Egipto, ilustración de Description de l'Égypte , ilustrador desconocido, 1809.
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  Diseños, motivos y capiteles egipcios, ilustrador desconocido, publicado por L. Prang & Co., 1874.
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  Motivos egipcios de L'Ornement Polychrome, de Albert Racinet, 1888
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  Diversos ejemplos de capiteles policromados del Antiguo Egipto, ilustrador desconocido, siglo XIX.
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  Diversos ejemplos de cornisas del Antiguo Egipto, ilustrador desconocido, siglo XIX.

Se han excavado algunas piezas de cerámica policromada muy antiguas en la Creta minoica , como en el yacimiento de la Edad del Bronce de Festos . ^{[ 9 ]} Tanto en la Antigua Grecia como en la Antigua Roma , las esculturas se pintaban con colores vivos. La pintura frecuentemente se limitaba a las partes que representaban la ropa, el cabello, etc., dejando la piel en el color natural de la piedra. Pero muchas esculturas estaban cubiertas en su totalidad. La pintura de la escultura griega y romana no debe considerarse simplemente como un realce de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo artístico distintivo. Por ejemplo, recientemente se ha demostrado que las esculturas del frontón del Templo de Afaia en Egina fueron pintadas con patrones audaces y elaborados, que representan, entre otros detalles, ropa estampada. La policromía de las estatuas de piedra fue paralela al uso de materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas crisoelefantinas , y al uso de metales para representar labios, pezones, etc., en bronces de alta calidad como los bronces de Riace . La disponibilidad de métodos y técnicas digitales modernas ha permitido la reconstrucción y visualización de la policromía 3D antigua mediante un método científicamente sólido, y muchos proyectos han explorado estas posibilidades en los últimos años. ^{[ 10 ]}

Un ejemplo temprano de decoración policromada se encontró en el Partenón , en la Acrópolis de Atenas . Sin embargo, para cuando el arqueismo europeo despegó en el siglo XVIII, la pintura que cubría los edificios clásicos se había desvanecido por completo. Así, la primera impresión de los anticuarios y arquitectos sobre estas ruinas fue que la belleza clásica se expresaba únicamente a través de la forma y la composición, careciendo de colores vibrantes, y fue esa impresión la que influyó en la arquitectura neoclásica . No obstante, algunos clasicistas, como Jacques Ignace Hittorff, observaron rastros de pintura en la arquitectura clásica, lo que poco a poco fue aceptado. Esta aceptación se aceleró posteriormente gracias a la observación de minúsculos rastros de color mediante microscopía y otros métodos, lo que permitió reconstrucciones menos tentativas que las que Hittorff y sus contemporáneos habían podido realizar. Un ejemplo de policromía arquitectónica griega clásica puede apreciarse en la réplica a tamaño real del Partenón expuesta en Nashville, Tennessee , EE. UU.

El arte chino es conocido por el uso de colores vibrantes. Las vasijas de cerámica neolíticas chinas, como las producidas por la cultura Yangshao , muestran el uso de pigmentos negros y rojos. Posteriormente, las esculturas funerarias y religiosas surgieron como consecuencia de la expansión del budismo . Las deidades más comunes en la escultura budista china son las formas de Buda y la bodhisattva Guanyin . Los restos de oro y los colores brillantes con los que se pintaban las esculturas aún dan una idea de su efecto. Durante las dinastías Han y Tang , se colocaban figurillas de cerámica policromada de sirvientes, artistas, arrendatarios y soldados en las tumbas de personas de clase alta. Estas figurillas se producían en masa mediante moldes. Aunque la porcelana china es más conocida por ser azul y blanca, durante las dinastías Ming y Qing se produjeron muchos jarrones y figuras de cerámica coloridos . Durante estas mismas dos dinastías, también se fabricaron vasijas cloisonné que utilizan alambres de cobre ( cloisonné ) y esmalte brillante.

De forma similar a lo que ocurría en China, la introducción del budismo en Japón en el año 538 (o quizás 552 d. C.) propició la producción de esculturas budistas japonesas policromadas. Hasta entonces, la iconografía religiosa japonesa consistía en figuras de arcilla desechables utilizadas para transmitir oraciones al mundo espiritual. ^{[ 18 ]}

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  Mural arquitectónico de la dinastía Tang procedente de las Grutas de Mogao.
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  Guanyin de los mares del sur (chino), siglos XI-XII, madera pintada y dorada, Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City , EE. UU. ^{[ 19 ]}
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  Oficial erudito (chino), 618–907 d. C., cerámica pintada y vidriada, Museo de Historia de Shaanxi , Xi'an , China ^{[ 20 ]}
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  El Pabellón Guanyian del Monasterio de Dule , Jixian , China, arquitecto desconocido, 984
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  Decoraciones de caihua de la dinastía Ming en el Salón de Amitābha del Templo de Longxing.
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  Figura de una deidad taoísta (china), c. 1488 – c. 1644 , porcelana, Museo Británico , Londres ^{[ 21 ]} 
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  Salón de Oración por las Buenas Cosechas, edificio principal del Templo del Cielo , Pekín, arquitecto desconocido, 1703-1790.
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  You (chino), siglo XIX, cloisonné , Museo Nacional de Tokio , Tokio , Japón
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  Dinastía Song "Wucai Caihua" (Pintura de cinco colores): guía de decoraciones de dougong como se detalla en Yingzao Fashi
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  Motivos chinos de L'Ornement Polychrome, de Albert Racinet, 1888
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  Motivos cloisonné chinos y japoneses de L'Ornement Polychrome
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  Motivos cloisonné japoneses de L'Ornement Polychrome

En toda la Europa medieval, las esculturas religiosas en madera y otros materiales solían estar pintadas o coloreadas con colores vivos, al igual que los interiores de las iglesias. Estas obras a menudo fueron destruidas o blanqueadas durante las fases iconoclastas de la Reforma Protestante o en otros disturbios como la Revolución Francesa , aunque algunas han sobrevivido en museos como el V&A , el Musée de Cluny y el Louvre , entre otros. Los exteriores de las iglesias también se pintaban, pero poco ha sobrevivido. La exposición a la intemperie y los cambios en los gustos y la aprobación religiosa a lo largo del tiempo dificultaron su conservación. Uno de los ejemplos más extensos que se conservan de exteriores pintados es el "Pórtico de la Majestad" de la Colegiata de Toro, España , debido a la construcción de una capilla que lo resguardó y protegió de la intemperie apenas un siglo después de su finalización. ^{[ 22 ]}

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  Románico – Tímpano del Juicio Final, Iglesia Abacial de Sainte-Foy , Conques , Francia , principios del siglo XII ^{[ 23 ]} 
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  Románico – María como Sede de la Sabiduría , siglo XII, nogal, plata, cobre plateado y policromado, Basílica de Notre-Dame d'Orcival , Orcival , Francia ^{[ 24 ]} 
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  Gótico – Sainte-Chapelle , París, por Pierre de Montreuil , 1243-1248 ^{[ 25 ]} 
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  Gótico – Eckard II y Uta , atribuido al Maestro de Naumburg , 1245–1260, piedra caliza y policromía, Catedral de Naumburg , Naumburg , Alemania ^{[ 26 ]} 
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  Gótico – Portal de la catedral de Ourense , Ourense , España, arquitecto desconocido, primera mitad del siglo XIII. 
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  Gótico – Portal de la Colegiata de Toro , España, arquitecto desconocido, siglo XIII. 
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  Gótico – Retablo relicario con Santa Úrsula , c. 1325 , madera dorada y pintada, Abadía de Marienstatt, Streithausen , Alemania ^{[ 27 ]} 
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  Gótico – Busto de la Virgen, c. 1390–1395 , terracota con pintura, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York. 
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  Gótico – Virgen entronizada, c. 1490 – c. 1500 , madera de tilo con estuco, pintura y dorado, Museo Metropolitano de Arte.  
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  Portal de la Catedral de Burgos , Burgos , España, arquitecto desconocido, fecha desconocida
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  Portal ruso de la Catedral de la Dormición, Moscú , por Aristóteles Fioravanti , 1475–1479 ^{[ 28 ]}
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  Gótico – Hôtel-Dieu de Beaune , Beaune , Francia, por Jacques Wiscrère , 1451 ^{[ 29 ]} 
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  Gótico : Irene, hija de Cratin, pintando una escultura de la Virgen María, Francia, 1401-1402. Detalle de De Claris mulieribus (Sobre mujeres famosas) de Giovanni Bocaccio , edición de 1403, Bibliothèque nationale de France , París 

El arte precolombino se refiere generalmente a las artes visuales de los pueblos indígenas del Caribe , Norteamérica , Centroamérica y Sudamérica, anteriores al inicio de la colonización europea . Las formas más comunes de su arte que sobreviven hasta nuestros días son la cerámica, las esculturas, la metalurgia y las pinturas, la mayoría de las cuales conservan la policromía. Un ejemplo de escultura policromada se encuentra en una de las cabezas colosales olmecas prehistóricas de San Lorenzo Tenochtitlán , que presenta restos de yeso y pintura roja. ^{[ 30 ]}

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  Jarrón de la cultura Recuay con escena musical, 300 a. C.-300 d. C., arcilla pintada, altura: 21,5 cm, Kloster Allerheiligen
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  _{Vasija con forma de} Tláloc azteca , 1440–1469, loza pintada, altura: 35 cm (1 ^3⁄ 4 pulg.), Museo del Templo Mayor
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  Jarra de cerámica pintada de la cultura misisipiana que representa una pantera submarina , encontrada en Rose Mound en el condado de Cross, Arkansas , c. 1400-1600 d. C.
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  Escultura pintada procedente de una tumba de la cultura de San Agustín.
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  Relieve maya que representa a Aj Chak Maax presentando cautivos ante el gobernante Itzamnaj Bahlam III de Yaxchilán , con la escena fechada el 23 de agosto de 783, la obra de arte data de 785, piedra caliza pintada.
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  Figura de Zemi , siglos XV-XVI, madera de hierro con incrustaciones de concha, 68,5 cm de alto, República Dominicana , MET
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  Máscara olmeca de jade , siglos X-VI a. C., jadeíta , altura: 17,1 cm (6 ^¾ _pulg .), ancho: 16,5 cm (6 ¾ ^pulg . ₎ , MET
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  Máscara de Teotihuacán con collar de 55 cuentas y colgante, serpentina incrustada con amazonita , turquesa, concha, coral y obsidiana , Museo Nacional de Antropología.
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  Serpiente bípeda azteca , 1450–1521, madera de cedro español ( Cedrela odorata ), turquesa , concha, restos de dorado y dos resinas utilizadas como adhesivo (resina de pino y resina de Bursera), altura: 20,3 cm (8,0 pulg.), ancho: 43,3 cm (17,0 pulg.), profundidad: 5,9 cm (2,3 pulg.), Museo Británico
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  Mural de la cultura Moche que representa a un "decapitador", procedente del sitio arqueológico de Huaca de la Luna , Perú , 100-700 d. C.
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  Mural de Teotihuacán del complejo de apartamentos Tetitla, que representa a la que ha sido identificada como la Gran Diosa de Teotihuacán , mediados del primer milenio d. C.
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  Mural maya de Bonampak, perteneciente a la Estructura 1 del Templo de los Murales, que representa una procesión de músicos, finales del siglo VIII d. C.

Si bien las esculturas de piedra y metal normalmente permanecían sin color, al igual que las obras clásicas que se conservan, los artistas españoles Juan Martínez Montañés y Gregorio Fernández (siglo XVII), los alemanes Ignaz Günther y Philipp Jakob Straub (siglo XVIII) y los brasileños Aleijadinho (siglo XIX) produjeron esculturas de madera policromadas.

También se diseñaron soluciones cromáticas monocromáticas para órdenes arquitectónicos en el Barroco tardío y dinámico, inspirándose en las ideas de Borromini y Guarini. Se utilizó revestimiento de piedra de un solo color: arenisca clara, como en el caso de la fachada de la iglesia jesuita de Bamberg (Gunzelmann 2016), diseñada por Georg y Leonhard Dientzenhofer (1686-1693), la fachada de la iglesia del monasterio de Michelsberg, de Leonard Dientzenhofer (1696), y la iglesia abacial de Neresheim, de J.B. Neumann (1747-1792). ^{[ 32 ]}

En el espacio de la actual Alemania, durante el siglo XVIII, los hermanos Asam ( Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam ) diseñaron iglesias con muros ondulados, frontones curvos rotos y policromía. ^{[ 33 ]} En el espacio de habla alemana, se construyeron numerosas iglesias y bibliotecas rococó con estucos y columnas policromadas en tonos pastel. Allí, las columnas de imitación de mármol se hacen con pilares de madera cubiertos con una capa de estuco policromado, una mezcla de yeso , cal y pigmento . Al mezclar estos ingredientes, se crea una pasta de color homogéneo. Para lograr el aspecto del mármol, se hacen lotes más finos de pasta más oscura y más clara, de modo que comienzan a aparecer vetas. Todo se mezcla toscamente a mano. Cuando el material se endurece, se pule frotándolo con papel de lija fino, y así esta capa de estuco policromado se vuelve brillante e imita el mármol de forma muy realista. Un buen ejemplo de esto es la Biblioteca de la Abadía de Wiblingen en Ulm , Alemania. El mármol sintético hecho de estuco se siguió utilizando también durante el siglo XIX y principios del XX. Se empleaba únicamente en interiores, ya que el estuco se disolvía al contacto con el agua.

En Valaquia , a finales del siglo XVII y principios del XVIII, el estilo Brâncovenesc fue muy popular en arquitectura y artes decorativas. Recibe su nombre del príncipe Constantin Brâncoveanu , durante cuyo reinado se desarrolló. Algunas iglesias de este estilo presentan fachadas policromadas, decoradas con murales, como la iglesia del monasterio de Stavropoleos en Bucarest , Rumania.

La segunda mitad del siglo XVIII marcó el auge del Neoclasicismo , un movimiento que buscaba revivir los estilos de la Antigua Grecia , Roma , la civilización etrusca e incluso, en ocasiones, Egipto . Durante el reinado de Luis XVI (1760-1789), los interiores de estilo Luis XVI comenzaron a decorarse con arabescos , inspirados en los descubiertos en antiguas casas de Pompeya y Herculano . Estos se pintaban en colores pastel, en blanco con detalles dorados o en policromía. El Comedor de Estado del Castillo de Inveraray, en Escocia , decorado por dos pintores franceses, es un buen ejemplo de un interior policromado de estilo Luis XVI.

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  Barroco : Escalier des Ambassadeurs del Palacio de Versalles , Versalles , Francia, por François d'Orbay y Charles Le Brun , 1674-1679, demolido en 1752 bajo Luis XV ^{[ 34 ]} 
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  Barroco – Salón de los Espejos del Palacio de Versalles, por Jules Hardouin-Mansart, 1678–1684 ^{[ 35 ]} 
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  Barroco - Iglesia de San Francisco Acatepec , San Andrés Cholula , México, arquitecto desconocido, siglos XVII-XVIII 
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  Barroco – El Entierro de Cristo, de Luisa Roldán , 1700-1701, terracota policromada, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York. 
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  Brâncovenesc – Iglesia del Monasterio de Stavropoleos , Bucarest , Rumania, arquitecto desconocido, 1724 ^{[ 36 ]} 
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  Rococó : capiteles de la Wallfahrtskirche Steinhausen , Steinhausen , Alemania, por Dominikus Zimmermann , 1728-1733 
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  Barroco – Verano como Ceres , parte de una serie de bustos antropomórficos de las cuatro estaciones, un ejemplo policromado de loza de Rouen , c. 1730 , loza , Louvre ^{[ 37 ]} 
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  Rococó – Casa Helbling , Innsbruck , Austria, originalmente una casa señorial gótica del siglo XV, renovada a principios del siglo XVIII y terminada en 1732 por Anton Gigl. 
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  Rococó – San Juan Nepomuceno , Múnich , Alemania, por Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam , 1733–1746 ^{[ 38 ]} 
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  Rococó – Apartamento de Madame du Barry , Palacio de Versalles , Versalles , Francia, por Ange-Jacques Gabriel , siglo XVIII. 
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  Rococó – Ilustración de cartelas del siglo XVIII , de L'ornement Polychrome, de Albert Racinet, 1888. 
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  Rococó – cuarta habitación de huéspedes, llamada Habitación Voltaire, Sanssouci , Potsdam , Alemania, diseñada por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff , con decoración de Johann Michael el Viejo y Johann Christian Hoppenhaupt el Joven , 1752–1753 ^{[ 39 ]} 
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  Rococó – Iglesia de peregrinación de Wies , Steingaden , Alemania, por Dominikus y Johann Baptist Zimmermann , 1754 ^{[ 40 ]} 
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  Rococó – Tobías y el ángel, de Ignaz Günther , 1763, tilo, Bürgersaalkirche , Munich , Alemania ^{[ 41 ]} 
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  Chinoiserie – Pabellón chino ( municipio de Ekerö , Suecia), 1763-1769, por Carl Fredrik Adelcrantz ^{[ 42 ]} 
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  Neoclásico – sillón, c. 1780 , nogal tallado y policromado, recibido tapizado en brocado de seda beige, actualmente tapizado con terciopelo moderno de algodón y lino, Museo Metropolitano de Arte 
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  Estilo Luis XVI : Techo decorado con guirnaldas en el Comedor de Estado, Castillo de Inveraray , Escocia, Reino Unido, por Girard y Guinand, 1784 ^{[ 43 ]} 

En comparación con el siglo XVIII, la policromía se extendió un poco más en el siglo XIX. Sin embargo, las fachadas de la mayoría de los edificios permanecieron blancas, la mayoría de las esculturas no estaban pintadas y la mayoría de los muebles presentaban tonalidades propias de sus materiales. Los colores se añadían generalmente mediante cerámica vidriada en los edificios, diferentes tipos de piedra en las esculturas y, sobre todo, mediante pintura o incrustaciones en los muebles. Al igual que en el siglo XVIII, la porcelana seguía siendo bastante colorida, con muchas figuras de gran realismo. En contraste con sus exteriores, los interiores de muchas casas de los ricos solían estar decorados con boiserie , estuco o pintura. Como en la segunda mitad del siglo XVIII, numerosos relojes de bronce y objetos decorativos presentaban dos tonalidades gracias al dorado y la pátina . También se añadían elementos de porcelana para aportar más color.

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  Reloj de estilo neogótico , c. 1835 – c. 1850 , bronce dorado y patinado, Museo de Artes Decorativas , París. 
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  Neogótico – Interior de la iglesia católica de St Giles, Cheadle , Staffordshire , Reino Unido, por Augustus Pugin , 1840–1846 ^{[ 45 ]} 
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  Neogótico – Chimenea en la Sala Chaucer del Castillo de Cardiff , Cardiff , Reino Unido, por William Burges , c. 1877 – c. 1890 ^{[ 46 ]}  
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  Neogótico – Salón del Castell Coch , Tongwynlais , Gales, por William Burges , 1891 ^{[ 47 ]} 
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  Estilo Beaux Arts – Fragmento de estuco del techo de la calle Plantelor nº 4, Bucarest , Rumania, arquitecto desconocido, 1891. 
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  Art Nouveau – La naturaleza revelándose ante la ciencia , de Louis-Ernest Barrias , 1899, mármol, alabastro , calcita , malaquita , lapislázuli , Museo de Orsay , París. 

In the twentieth century there were notable periods of polychromy in architecture, from the expressions of Art Nouveau throughout Europe, to the international flourishing of Art Deco or Art Moderne, to the development of postmodernism in the latter decades of the century. During these periods, brickwork, stone, tile, stucco, and metal facades were designed with a focus on the use of new colors and patterns, while architects often looked for inspiration to historical examples ranging from Islamic tilework to English Victorian brick.

United States

Polychrome building facades later rose in popularity as a way of highlighting certain trim features in Victorian and Queen Annearchitecture in the United States. The rise of the modern paint industry following the American Civil War also helped to fuel the (sometimes extravagant) use of multiple colors.

The polychrome facade style faded with the rise of the 20th century's revival movements, which stressed classical colors applied in restrained fashion and, more importantly, with the birth of modernism, which advocated clean, unornamented facades rendered in white stucco or paint. Polychromy reappeared with the flourishing of the preservation movement and its embrace of (what had previously been seen as) the excesses of the Victorian era and in San Francisco, California in the 1970s to describe its abundant late-nineteenth-century houses. These earned the endearment 'Painted Ladies', a term that in modern times is considered kitsch when it is applied to describe all Victorian houses that have been painted with period colors.

John Joseph Earley (1881–1945) developed a "polychrome" process of concrete slab construction and ornamentation that was admired across America. In the Washington, D.C. metropolitan area, his products graced a variety of buildings –all formed by the staff of the Earley Studio in Rosslyn, Virginia. Earley's Polychrome Historic District houses in Silver Spring, Maryland were built in the mid-1930s. The concrete panels were pre-cast with colorful stones and shipped to the lot for on-site assembly. Earley wanted to develop a higher standard of affordable housing after the Depression, but only a handful of the houses were built before he died; written records of his concrete casting techniques were destroyed in a fire. Less well-known, but just as impressive, is the Dr. Fealy Polychrome House that Earley built atop a hill in Southeast Washington, D.C. overlooking the city. His uniquely designed polychrome houses were outstanding among prefabricated houses in the country, appreciated for their Art Deco ornament and superb craftsmanship.

Native American ceramic artists, in particular those in the Southwest, produced polychrome pottery from the time of the Mogollon cultures and Mimbres peoples to contemporary times.^[91]

In the 2000s, the art of designing art toys was taking off. Multiple monochrome or polychrome vinyl figurines were produced during this period, and are still produced during the 2020s. A few artists who designed vinyl toys include Joe Ledbetter, Takashi Murakami, Flying Förtress, and CoonOne1.

During the 2010s and the early 2020s, a new interest for Postmodern architecture and design appeared. One of the causes were memorial exhibitions that presented the style, the most comprehensive and influential one being held at the Victoria & Albert Museum in London in 2011, called Postmodernism: Style and Subversion 1970–1990. The Salone del Mobile in Milan since 2014 showcased revivals, reinterpretations, and new postmodern-influenced designs.^[92] Because of this, multiple funky polychrome buildings were erected, like the House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014^[93] or the Miami Museum Garage, Miami, US, by WORKac, 2018.^[94]

Besides revivals of Postmodernism, another key design movement of the early 2020s is Maximalism. Since its philosophy can be summarized as "more is more", contrasting with the minimalist motto "less is more", it is characterized by a wide use of intense colours and patterns.

• 
  Roof of the Santa Caterina Market, Barcelona, Spain, by Benedetta Tagliabue and Enric Miralles, 2004^[95]
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  Buildings in El Alto, Bolivia, by Freddy Mamani (architect), after 2005^[96]
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  House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014^[97]
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  Xiafu Activity Center, Xiafu, Taiwan, by IMO Architecture + Design and JC Cheng & Associates, Architects & Planners, 2017^[98]
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  Memphis Group-inspired mural on a 7-storey building, Brooklyn, NYC, by Camille Walala, probably 2018, mural on a brick wall
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  Miami Museum Garage, Miami, US, by WORKac, 2018^[99]
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  The Colour Palace, Dulwich Picture Gallery, London, by Pricegore and Yinka Ilori, 2019^[100]
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  Biomuseo, Panama City, Panama, by Frank Gehry, partially opened in 2014, completed in 2019^[101]
• 
  Presence in Hormoz 02, Hormoz Island, Hormozgan, Iran, by ZAV Architects, 2020^[102]

The term polychromatic means having several colors. It is used to describe light that exhibits more than one color, which also means that it contains radiation of more than one wavelength. The study of polychromatics is particularly useful in the production of diffraction gratings.

• Encarnación Spanish form of polychrome sculpture
• Monochrome (opposite of polychrome)

• Bergdoll, Barry (2000). European Architecture 1750–1890. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-284222-0.
• Fortenberry, Diane (2017). The Art Museum (Revised ed.). London: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-7502-6. Archived from the original on April 23, 2021. Retrieved April 23, 2021.
• Rogers, Richard; Gumuchdjian, Philip; Jones, Denna (2014). Architecture The Whole Story. Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-29148-1.

• Investigación en el campo de la escultura policromada antigua ( en alemán)
• La catedral de Amiens a todo color.
• Policromático, definición de Reference.com .