Ornette Coleman

Coleman nació como Randolph Denard Ornette Coleman el 9 de marzo de 1930 en Fort Worth, Texas , ^{[ 6 ]} donde se crió. ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ]} Asistió a la escuela secundaria IM Terrell en Fort Worth, donde participó en el programa de banda hasta que fue expulsado por improvisar durante la marcha de John Philip Sousa " The Washington Post ". Comenzó a interpretar R&B y bebop con el saxofón tenor y formó The Jam Jivers con Prince Lasha y Charles Moffett . ^{[ 9 ]}

Ansioso por abandonar la ciudad, aceptó un trabajo en 1949 con un espectáculo itinerante de Silas Green de Nueva Orleans y luego con espectáculos itinerantes de rhythm and blues. Después de un concierto en Baton Rouge, Luisiana , fue agredido y su saxofón quedó destruido. ^{[ 10 ]}

Posteriormente, Coleman cambió al saxofón alto, que tocó por primera vez en Nueva Orleans tras el incidente de Baton Rouge; el alto seguiría siendo su instrumento principal durante el resto de su vida. Luego se unió a la banda de Pee Wee Crayton y viajó con ellos a Los Ángeles. Trabajó en diversos empleos en Los Ángeles, incluyendo el de ascensorista, mientras desarrollaba su carrera musical. ^{[ 11 ]}

Coleman encontró músicos afines en Los Ángeles, como Ed Blackwell , Bobby Bradford , Don Cherry , Charlie Haden , Billy Higgins y Charles Moffett . ^{[ 3 ] [ 12 ]} Gracias a la intercesión de amigos y una audición exitosa, Ornette firmó su primer contrato discográfico con Contemporary Records , con sede en Los Ángeles , ^{[ 13 ]} lo que le permitió vender las pistas de su álbum debut, Something Else!!!! (1958), con Cherry, Higgins, Walter Norris y Don Payne . ^{[ 14 ]} Durante ese mismo año, perteneció brevemente a un quinteto liderado por Paul Bley que actuó en un club de Los Ángeles. (Esa banda está grabada en Live at the Hilcrest Club 1958 ) . ^{[ 3 ]} Para cuando Tomorrow Is the Question! fue grabado poco después con Cherry, los bajistas Percy Heath y Red Mitchell , y el baterista Shelly Manne , el mundo del jazz había sido sacudido por la música de Coleman. Algunos músicos de jazz lo tildaron de fraude, mientras que el director de orquesta y compositor Leonard Bernstein lo elogió. ^{[ 12 ]}

En 1959, Atlantic Records lanzó el tercer álbum de estudio de Coleman, The Shape of Jazz to Come . Según el crítico musical Steve Huey, el álbum "fue un hito en la génesis del jazz de vanguardia, marcando profundamente su rumbo futuro y lanzando un desafío que algunos aún no han asimilado". ^{[ 15 ]} La revista Jazzwise lo incluyó en el tercer puesto de su lista de los 100 mejores álbumes de jazz de todos los tiempos en 2017. ^{[ 16 ]}

El cuarteto de Coleman tuvo una larga y a veces controvertida temporada en el Five Spot Café de Manhattan , Nueva York. Leonard Bernstein, Lionel Hampton y el Modern Jazz Quartet quedaron impresionados y les brindaron su apoyo. Hampton pidió tocar con el cuarteto, mientras que Bernstein ayudó a Haden a obtener una beca Guggenheim . Un joven Lou Reed siguió al cuarteto de Coleman por toda Nueva York. ^{[ 17 ]} Entre los detractores, Miles Davis dijo que Coleman estaba "completamente trastornado por dentro", ^{[ 18 ] [ 19 ]} aunque más tarde se convirtió en defensor de las innovaciones de Coleman; ^{[ 20 ]} Dizzy Gillespie comentó sobre Coleman: "No sé qué está tocando, pero no es jazz". ^{[ 17 ]}

El sonido inicial de Coleman se debió en parte al uso de un saxofón Grafton de plástico , que había comprado en Los Ángeles en 1954 porque no podía permitirse un saxofón de metal en ese momento. ^{[ 9 ]}

En sus grabaciones para Atlantic, los músicos que acompañaban a Coleman eran Cherry en la corneta o trompeta de bolsillo ; Charlie Haden, Scott LaFaro y luego Jimmy Garrison en el bajo; y Higgins o Ed Blackwell en la batería. Las grabaciones completas de Coleman para el sello se recopilaron en la caja recopilatoria Beauty Is a Rare Thing en 1993. ^{[ 21 ]}

En 1960, Coleman grabó Free Jazz: A Collective Improvisation , que presentaba un "doble cuarteto" con Cherry y Freddie Hubbard en la trompeta, Eric Dolphy en el clarinete bajo, Haden y LaFaro en el contrabajo, y Higgins y Blackwell en la batería. ^{[ 22 ]} El álbum se grabó en estéreo, con un cuarteto de viento-madera/trompeta/contrabajo/batería en cada canal. Free Jazz , con 37 minutos, fue la interpretación de jazz continua más larga grabada hasta la fecha ^{[ 23 ]} y uno de los álbumes más controvertidos de Coleman. ^{[ 24 ]} El número del 18 de enero de 1962 de la revista DownBeat presentó un artículo titulado "Doble visión de un doble cuarteto" en el que Pete Welding le dio al álbum cinco estrellas, mientras que John A. Tynan le otorgó cero estrellas. ^{[ 25 ]}

Aunque Coleman había concebido "free jazz" simplemente como el título de un álbum, el free jazz pronto se consideró un nuevo género; Coleman expresó su incomodidad con el término. ^{[ 26 ]}

Después de dejar Atlantic, la música de Coleman se volvió más angular y comprometida con el jazz de vanguardia que se había desarrollado en parte alrededor de sus innovaciones. ^{[ 21 ]} Formó un trío con el bajista David Izenzon y el baterista Charles Moffett y comenzó a tocar la trompeta y el violín además del saxofón. Su amistad con el saxofonista de free jazz Albert Ayler influyó en su estilo autodidacta poco ortodoxo en la trompeta y el violín. Charlie Haden a veces se unía a este trío para formar un cuarteto de dos bajos. En 1966, Coleman firmó con Blue Note Records y lanzó el álbum en vivo de dos volúmenes At the "Golden Circle" Stockholm con Izenzon y Moffett, grabado en Suecia el diciembre anterior. ^{[ 27 ]} Más tarde ese año, grabó The Empty Foxhole con Haden en el bajo y su hijo de diez años Denardo Coleman en la batería; ^{[ 28 ]} Freddie Hubbard y Shelly Manne consideraron la aparición de Denardo en el álbum como una maniobra publicitaria poco acertada. ^{[ 29 ] [ 30 ]} Más tarde, Denardo se convirtió en el baterista principal de su padre a finales de la década de 1970.

Coleman formó otro cuarteto con Haden, Garrison y Elvin Jones , y Dewey Redman se unió al grupo, generalmente como saxofonista tenor. El 29 de febrero de 1968, el cuarteto de Coleman (con Haden, Izenzon y Ed Blackwell) actuó en directo con Yoko Ono en el Royal Albert Hall , y una grabación de su ensayo se incluyó posteriormente en el álbum de Ono de 1970 , Yoko Ono/Plastic Ono Band, como la canción "AOS". ^{[ 31 ]}

Exploró su interés por las texturas de cuerda en Town Hall, 1962 , culminando en el álbum Skies of America de 1972 con la Orquesta Sinfónica de Londres .

Coleman, al igual que Miles Davis antes que él, pronto empezó a tocar con instrumentos eléctricos e incorporar influencias del jazz fusión y el jazz-funk . El álbum de 1976 , Dancing in Your Head , la primera grabación de Coleman con el grupo que más tarde se conocería como Prime Time , contó con la participación destacada del bajista Jamaaladeen Tacuma y los guitarristas eléctricos Bern Nix y Charlie Ellerbee. Si bien esto marcó un cambio estilístico para Coleman, la música conservó aspectos de lo que él denominó harmolodics .

Los álbumes posteriores de Coleman con Prime Time, como Virgin Beauty y Of Human Feelings , continuaron utilizando ritmos de rock y funk en un estilo a veces llamado free funk . ^{[ 32 ] [ 33 ]} Jerry Garcia de Grateful Dead tocó la guitarra en tres temas de Virgin Beauty : "Three Wishes", "Singing in the Shower" y "Desert Players". Coleman se unió más tarde a Grateful Dead en el escenario en una presentación de 1993 en Oakland, California . ^{[ 34 ] [ 35 ]}

En diciembre de 1985, Coleman y el guitarrista Pat Metheny grabaron Song X con Haden, Denardo Coleman y el segundo baterista Jack DeJohnette .

En 1990, Reggio Emilia , Italia, celebró un festival de tres días "Retrato del artista" en honor de Coleman, en el que actuó con Cherry, Haden y Higgins. El festival también presentó interpretaciones de su música de cámara y Skies of America . ^{[ 36 ]} En 1991, Coleman tocó en la banda sonora de la película Naked Lunch de David Cronenberg ; la orquesta fue dirigida por Howard Shore . ^{[ 37 ] [ 38 ]} Coleman lanzó cuatro discos en 1995 y 1996, y por primera vez en muchos años trabajó regularmente con pianistas ( Geri Allen y Joachim Kühn ).

^{Dos grabaciones de} Coleman de 1972, "Happy House" y "Foreigner in a Free Land", se utilizaron en Finding Forrester de Gus Van Sant en 2000. ^{[ 39} ]

En septiembre de 2006, Coleman publicó el álbum Sound Grammar . Grabado en directo en Ludwigshafen , Alemania, en 2005, fue su primer álbum con material nuevo en diez años. Ganó el Premio Pulitzer de música en 2007, convirtiendo a Coleman en el segundo músico de jazz (después de Wynton Marsalis ) en recibir dicho premio. ^{[ 40 ]}