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Robert Rauschenberg

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Milton Ernest " Robert " o " Bob " Rauschenberg (22 de octubre de 1925 - 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista multimedia estadounidense, cuya obra se ha asociado con numerosos movimientos artísticos de mediados del siglo XX, como la Escuela de Nueva York , el Arte Conceptual , el Pop Art y el Neodadaísmo . Rauschenberg es conocido por sus Combines (1954-1964), un conjunto de obras que incorporaban objetos cotidianos como materiales artísticos y que difuminaban las distinciones entre pintura y escultura. Rauschenberg fue principalmente pintor y escultor, pero también trabajó con fotografía , grabado , fabricación de papel y performance. [ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]

Rauschenberg recibió numerosos premios durante sus casi 60 años de carrera artística. Entre los más destacados se encuentran el Gran Premio Internacional de Pintura en la 32.ª Bienal de Venecia en 1964 y la Medalla Nacional de las Artes en 1993. [ 4 ]

Rauschenberg vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York y en la isla Captiva, Florida , hasta su muerte el 12 de mayo de 2008. [ 5 ]

Vida y carrera

Rauschenberg nació como Milton Ernest Rauschenberg en Port Arthur, Texas , hijo de Dora Carolina (de soltera Matson) y Ernest R. Rauschenberg. [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ] Su padre era de ascendencia alemana y su madre de ascendencia holandesa. [ 9 ] Rauschenberg afirmó erróneamente que su abuela paterna, Tina “Tiny” Jane Howard, era cherokee. [ 10 ] [ 11 ] Su padre trabajaba para Gulf States Utilities, una compañía de luz y energía. Sus padres eran cristianos fundamentalistas . [ 12 ] Tenía una hermana menor llamada Janet Begneaud. [ 13 ] [ 14 ]

A los 18 años, Rauschenberg ingresó en la Universidad de Texas en Austin , donde comenzó a estudiar farmacología , pero la abandonó poco después debido a la dificultad del plan de estudios —sin darse cuenta en ese momento de que era disléxico— y a su negativa a diseccionar una rana en la clase de biología. [ 15 ] Fue reclutado por la Armada de los Estados Unidos en 1944. Con base en California , sirvió como técnico neuropsiquiátrico en un hospital de la Armada hasta su baja en 1945 o 1946. [ 15 ]

Posteriormente, Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas City y en la Académie Julian de París, [ 16 ] Francia, donde conoció a su compañera de estudios de arte Susan Weil . En ese momento también cambió su nombre de Milton a Robert. [ 17 ] En 1948, Rauschenberg se unió a Weil para matricularse en el Black Mountain College de Carolina del Norte . [ 18 ] [ 19 ]

En Black Mountain , Rauschenberg buscó a Josef Albers , fundador de la Bauhaus en Alemania , de quien había leído en un número de agosto de 1948 de la revista Time . Esperaba que los rigurosos métodos de enseñanza de Albers pudieran frenar su habitual descuido. [ 20 ] Los cursos preliminares de diseño de Albers se basaban en una disciplina estricta que no permitía ninguna "experimentación sin influencias". [ 21 ] [ 22 ]

Rauschenberg se convirtió, en sus propias palabras, en «el tonto de Albers, el ejemplo sobresaliente de lo que no decía». [ 23 ] Aunque Rauschenberg consideraba a Albers su maestro más importante, encontró una sensibilidad más compatible en John Cage , un compositor consagrado de música de vanguardia. Al igual que Rauschenberg, Cage se había alejado de las enseñanzas de su instructor, Arnold Schoenberg , en favor de un enfoque más experimental de la música. Cage le brindó a Rauschenberg el apoyo y el aliento que tanto necesitaba durante los primeros años de su carrera, y ambos siguieron siendo amigos y colaboradores artísticos durante las décadas siguientes. [ 20 ]

De 1949 a 1952, Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Art Students League de Nueva York , [ 24 ] donde conoció a los artistas Knox Martin y Cy Twombly . [ 25 ]

Rauschenberg se casó con Susan Weil en el verano de 1950 en la casa familiar de los Weil en Outer Island, Connecticut . Su único hijo, Christopher, nació el 16 de julio de 1951. Se separaron en junio de 1952 y se divorciaron en 1953. [ 26 ] Posteriormente, Rauschenberg tuvo relaciones sentimentales con los también artistas Cy Twombly y Jasper Johns , entre otros. [ 27 ] [ 28 ] Su pareja durante los últimos 25 años de su vida fue el artista Darryl Pottorf , [ 29 ] su antiguo asistente. [ 24 ]

En la década de 1970 se mudó a NoHo en Manhattan en la ciudad de Nueva York. [ 30 ]

Rauschenberg compró la Casa de la Playa, su primera propiedad en la isla Captiva , el 26 de julio de 1968. Sin embargo, la propiedad no se convirtió en su residencia permanente hasta el otoño de 1970. [ 31 ]

Rauschenberg murió de insuficiencia cardíaca el 12 de mayo de 2008 en la isla Captiva , Florida. [ 24 ] [ 32 ]

Contribución artística

El enfoque de Rauschenberg a veces se denominaba " neodaísta ", etiqueta que compartía con el pintor Jasper Johns . [ 33 ] Rauschenberg afirmó que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida", y que quería trabajar "en el espacio entre ambos". [ 34 ] Al igual que muchos de sus predecesores dadaístas , Rauschenberg cuestionó la distinción entre objetos de arte y objetos cotidianos, y su uso de materiales prefabricados retomó las cuestiones intelectuales planteadas por la Fuente (1917) de Marcel Duchamp . La influencia dadaísta de Duchamp también se puede observar en las pinturas de Jasper Johns de dianas, números y banderas, que eran símbolos culturales familiares: "cosas que la mente ya conoce". [ 35 ]

Factum I y Factum II (ambos de 1957) en la Galería Nacional de Arte en 2022.

En Black Mountain College , Rauschenberg experimentó con diversos medios artísticos, como el grabado, el dibujo, la fotografía, la pintura, la escultura y el teatro; sus obras a menudo presentaban una combinación de estos. Creó sus pinturas de la serie Night Blooming (1951) en Black Mountain presionando guijarros y grava sobre pigmento negro en lienzo. Ese mismo año, realizó bocetos de cuerpo entero en colaboración con Susan Weil en su apartamento de Nueva York, que «esperan convertir [...] en diseños para pantallas y papel tapiz». [ 36 ]

Desde el otoño de 1952 hasta la primavera de 1953, Rauschenberg viajó por Italia y el norte de África con su colega y compañero artista Cy Twombly . Allí, creó collages y pequeñas esculturas, entre ellas las Scatole Personali y Feticci Personali , a partir de materiales encontrados. Las expuso en galerías de Roma y Florencia . [ 37 ] Para sorpresa de Rauschenberg, varias de las obras se vendieron; muchas de las que no se vendieron las arrojó al río Arno , siguiendo la sugerencia de un crítico de arte que reseñó su exposición. [ 38 ] [ 39 ]

A su regreso a la ciudad de Nueva York en 1953, Rauschenberg comenzó a crear esculturas con materiales encontrados en su barrio del Bajo Manhattan, como chatarra, madera y cordel. [ 40 ] A lo largo de la década de 1950, Rauschenberg se mantuvo diseñando escaparates para Tiffany & Co. y Bonwit Teller , primero con Susan Weil y luego en colaboración con Jasper Johns bajo el seudónimo de Matson Jones.

Sin título (1963), óleo, serigrafía, metal y plástico sobre lienzo.

En un incidente célebre de 1953, Rauschenberg solicitó un dibujo al pintor expresionista abstracto Willem de Kooning con el propósito expreso de borrarlo como declaración artística. Esta obra conceptual, titulada « Dibujo borrado de De Kooning », se realizó con el consentimiento del artista. [ 41 ] [ 24 ] [ 42 ]

En 1961, Rauschenberg exploró un enfoque conceptual similar al presentar una idea como la obra de arte misma. Fue invitado a participar en una exposición en la Galerie Iris Clert de París , donde los artistas debían presentar retratos de Clert , la dueña de la galería. La contribución de Rauschenberg consistió en un telegrama que declaraba: «Este es un retrato de Iris Clert, si yo lo digo». [ 23 ]

Para 1962, las pinturas de Rauschenberg comenzaron a incorporar no solo objetos encontrados, sino también imágenes encontradas. Después de una visita al estudio de Andy Warhol ese año, Rauschenberg comenzó a utilizar un proceso de serigrafía , generalmente reservado para medios comerciales de reproducción, para transferir fotografías al lienzo. [ 43 ] Las pinturas serigrafiadas realizadas entre 1962 y 1964 llevaron a los críticos a identificar la obra de Rauschenberg con el arte pop .

Durante este período, Rauschenberg creó Barge , [ 44 ] una obra de serigrafía y óleo de 9,75 metros de largo, creada principalmente en un período de 24 horas. Entre las imágenes reconocibles en la obra se incluyen camiones, naves espaciales, texto y partes de la Venus de Rokeby de Diego Velázquez , entre otras.

Rauschenberg había experimentado con la tecnología en sus obras de arte desde la creación de sus primeros Combines a mediados de la década de 1950, donde a veces usaba radios, relojes y ventiladores eléctricos en funcionamiento como materiales escultóricos. Más tarde exploró su interés en la tecnología mientras trabajaba con el científico investigador de Bell Laboratories, Billy Klüver . Juntos realizaron algunos de los experimentos tecnológicos más ambiciosos de Rauschenberg, como Soundings (1968), una instalación de luz que respondía al sonido ambiental. En 1966, Klüver y Rauschenberg lanzaron oficialmente Experiments in Art and Technology (EAT), una organización sin fines de lucro establecida para promover colaboraciones entre artistas e ingenieros. [ 45 ] [ 46 ] En 1969, la NASA invitó a Rauschenberg a presenciar el lanzamiento del Apolo 11 [ 47 ] . En respuesta a este evento histórico, Rauschenberg creó su Serie de litografías Stoned Moon . [ 48 ] Esto implicó combinar diagramas y otras imágenes de los archivos de la NASA con sus propios dibujos y texto manuscrito. [ 49 ] [ 50 ]

Montando en bicicleta (1998) en Berlín

Desde 1970, Rauschenberg trabajó desde su casa y estudio en Captiva, Florida . Las primeras obras que creó en su nuevo estudio fueron Cardboards (1971–72) y Early Egyptians (1973–74), para las que se basó en materiales de origen local como cartón y arena. Mientras que sus obras anteriores a menudo destacaban imágenes y materiales urbanos, Rauschenberg ahora prefería el efecto de las fibras naturales que se encuentran en la tela y el papel. Imprimió sobre textiles utilizando su técnica de transferencia de solventes para crear las series Hoarfrost (1974–76) y Spread (1975–82); esta última presentaba grandes extensiones de tela en collage sobre paneles de madera. Rauschenberg creó su serie Jammer (1975–76) utilizando telas coloridas inspiradas en su viaje a Ahmedabad, India , una ciudad famosa por sus textiles. La simplicidad sin imágenes de la serie Jammer contrasta notablemente con la profusión de imágenes de Hoarfrosts y la crudeza de sus primeras obras realizadas en la ciudad de Nueva York .

Los viajes internacionales se convirtieron en una parte fundamental del proceso artístico de Rauschenberg después de 1975. En 1984, Rauschenberg anunció el inicio de su Intercambio Cultural en el Extranjero Rauschenberg (ROCI, por sus siglas en inglés) en las Naciones Unidas . Financiado casi en su totalidad por el artista, el proyecto ROCI consistió en una gira de siete años por diez países alrededor del mundo. Rauschenberg tomó fotografías en cada lugar y creó obras de arte inspiradas en las culturas que visitó. Las obras resultantes se exhibieron en una exposición local en cada país. Rauschenberg a menudo donaba una obra de arte a una institución cultural local. [ 51 ]

A partir de mediados de la década de 1980, Rauschenberg se centró en la serigrafía de imágenes sobre una variedad de metales con diferentes tratamientos, como acero y aluminio espejado. Creó muchas series de las llamadas "pinturas metálicas", entre ellas: Borealis (1988–92), [ 52 ] Urban Bourbons (1988–1996), Phantoms (1991) y Night Shades (1991). [ 53 ] Además, a lo largo de la década de 1990, Rauschenberg continuó utilizando nuevos materiales sin dejar de trabajar con técnicas más rudimentarias. Como parte de su compromiso con las últimas innovaciones tecnológicas, en su última serie de pinturas transfirió imágenes fotográficas digitales de inyección de tinta a una variedad de soportes pictóricos. Para su Arcadian Retreats (1996) transfirió imágenes a fresco húmedo. Su obra Love Hotel [Anagrama (un juego de palabras)] de 1998, realizada mediante la transferencia de tintes vegetales sobre polilaminado, forma parte de la colección permanente del Pérez Art Museum Miami , en Florida, estado natal del artista durante casi cuarenta años. [ 54 ] [ 55 ] En consonancia con su compromiso con el medio ambiente, Rauschenberg utilizó tintes y pigmentos biodegradables, y agua en lugar de productos químicos en el proceso de transferencia. [ 56 ]

Las pinturas blancas , las pinturas negras y las pinturas rojas

En 1951, Rauschenberg creó su serie de Pinturas Blancas siguiendo la tradición de la pintura monocromática establecida por Kazimir Malevich , quien redujo la pintura a sus cualidades más esenciales para una experiencia de pureza estética e infinitud. [ 57 ] Las Pinturas Blancas se exhibieron en la Stable Gallery de Eleanor Ward en Nueva York en otoño de 1953. Rauschenberg utilizó pintura blanca común para casas y rodillos de pintura para crear superficies lisas y sin adornos que, a primera vista, parecen lienzos en blanco. Sin embargo, en lugar de percibirlas como carentes de contenido, John Cage describió las Pinturas Blancas como "aeropuertos para las luces, las sombras y las partículas"; [ 58 ] superficies que reflejaban delicados cambios atmosféricos en la habitación. El propio Rauschenberg afirmó que se veían afectadas por las condiciones ambientales, "de modo que casi se podía saber cuántas personas había en la habitación". Al igual que las Pinturas Blancas , las pinturas negras de 1951-1953 se realizaron en múltiples paneles y eran predominantemente obras monocromáticas. Rauschenberg aplicó pintura negra mate y brillante sobre fondos texturizados de periódico sobre lienzo, dejando ocasionalmente que el periódico permaneciera visible.

Hacia 1953, Rauschenberg había pasado de las series de Pintura Blanca y Pintura Negra al expresionismo intensificado de su serie de Pintura Roja . Consideraba el rojo como "el color más difícil" para pintar y aceptó el desafío goteando, pegando y apretando capas de pigmento rojo directamente sobre lienzos con soportes que incluían tela estampada, periódico, madera y clavos. [ 59 ] Las complejas superficies materiales de las Pinturas Rojas fueron precursoras de la conocida serie Combine de Rauschenberg (1954-1964). [ 57 ]

Combinaciones

Cama (1955) en el Museo de Arte Moderno en 2022.

Rauschenberg recogía objetos desechados en las calles de Nueva York y los llevaba a su estudio, donde los integraba en su obra. Afirmaba que «quería algo distinto a lo que yo mismo podía crear, y quería aprovechar la sorpresa, la colectividad y la generosidad de encontrar sorpresas. [...] Así, el objeto mismo se transformaba por su contexto y, por lo tanto, se convertía en algo nuevo». [ 60 ] [ 42 ]

El comentario de Rauschenberg sobre la brecha entre el arte y la vida constituye el punto de partida para comprender sus contribuciones como artista. [ 34 ] Veía la belleza potencial en casi cualquier cosa; una vez dijo: «Realmente siento lástima por las personas que piensan que cosas como jaboneras, espejos o botellas de Coca-Cola son feas, porque están rodeadas de cosas así todo el día, y eso debe hacerlas miserables». [ 24 ] Su serie Combine dotó a los objetos cotidianos de un nuevo significado al incorporarlos al contexto de las bellas artes junto con los materiales pictóricos tradicionales. Los Combines eliminaron las fronteras entre el arte y la escultura, de modo que ambos estaban presentes en una sola obra de arte. Si bien «Combines» se refiere técnicamente a la obra de Rauschenberg de 1954 a 1964, Rauschenberg continuó utilizando objetos cotidianos como ropa, periódicos, desechos urbanos y cartón a lo largo de su carrera artística.

Cañón (1959), Pintura combinada

Sus obras de transición que llevaron a la creación de los Combines fueron Charlene (1954) y Collection (1954/1955), en las que realizó collages con objetos como bufandas, bombillas, espejos y tiras cómicas. Si bien Rauschenberg había utilizado periódicos y textiles estampados en sus pinturas negras y pinturas rojas , en los Combines otorgó a los objetos cotidianos una importancia comparable a la de los materiales pictóricos tradicionales. Considerada una de las primeras obras de los Combines, Bed (1955) fue creada untando pintura roja sobre una colcha, una sábana y una almohada muy usadas. La obra se colgó verticalmente en la pared como un cuadro tradicional. Debido a la íntima conexión de los materiales con la vida del artista, Bed se considera a menudo un autorretrato y una huella directa de la conciencia interior de Rauschenberg. Algunos críticos sugirieron que la obra podría interpretarse como un símbolo de violencia y violación, [ 61 ] pero Rauschenberg describió Bed como «uno de los cuadros más amigables que he pintado». [ 40 ] Entre sus Combines más famosos se encuentran aquellos que incorporan animales disecados, como Monogram (1955–1959) , que incluye una cabra de angora disecada , y Canyon (1959) , que presenta un águila real disecada . Aunque el águila fue rescatada de la basura, Canyon provocó la ira del gobierno debido a la Ley de Protección del Águila Calva y Real de 1940. [ 62 ]

Los críticos inicialmente consideraron los Combines en términos de sus cualidades formales: color, textura y composición. La visión formalista de la década de 1960 fue posteriormente refutada por el crítico Leo Steinberg , quien afirmó que cada Combine era "una superficie receptora sobre la cual se dispersan objetos, sobre la cual se ingresan datos". [ 63 ] Según Steinberg, la horizontalidad de lo que él denominó el "plano pictórico plano" de Rauschenberg había reemplazado la verticalidad tradicional de la pintura y, posteriormente, permitió las superficies singularmente ligadas a la materia de la obra de Rauschenberg.

En 2006, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, en asociación con el Museo Metropolitano de Arte, presentó Robert Rauschenberg: Combines , [ 64 ] una exposición de más de 65 de sus obras. Se exhibió en el Museo Metropolitano de Arte del 20 de diciembre de 2005 al 2 de abril de 2006, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles del 21 de mayo de 2006 al 4 de septiembre de 2006.

Actuación y danza

Rauschenberg comenzó a explorar su interés por la danza después de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1950. Su primer contacto con la danza de vanguardia y el arte escénico fue en Black Mountain College, donde participó en Theatre Piece No. 1 (1952) de John Cage, a menudo considerado el primer Happening . Comenzó a diseñar escenografía, iluminación y vestuario para Merce Cunningham y Paul Taylor . A principios de la década de 1960, participó en los experimentos radicales de danza-teatro en la Judson Memorial Church en Greenwich Village , y coreografió su primera obra, Pelican (1963), para el Judson Dance Theater en mayo de 1963. [ 65 ] Rauschenberg era amigo íntimo de bailarines vinculados a Cunningham, entre ellos Carolyn Brown , Viola Farber y Steve Paxton , quienes aparecieron en sus obras coreografiadas. La vinculación a tiempo completo de Rauschenberg con la Compañía de Danza Merce Cunningham terminó tras su gira mundial de 1964. [ 66 ] En 1966, Rauschenberg creó la obra Open Score para formar parte de 9 Evenings: Theatre and Engineering en el 69th Regiment Armory de Nueva York. Esta serie fue fundamental para la formación de Experiments in Art and Technology (EAT). [ 67 ] [ 68 ]

En 1977, Rauschenberg, Cunningham y Cage volvieron a colaborar por primera vez en trece años para crear Travelogue (1977), para la cual Rauschenberg contribuyó con el diseño de vestuario y escenografía. [ 56 ] Rauschenberg no coreografió sus propias obras después de 1967, pero continuó colaborando con otros coreógrafos, entre ellos Trisha Brown , durante el resto de su carrera artística.

Comisiones

A lo largo de su carrera, Rauschenberg diseñó numerosos carteles en apoyo de causas que le eran importantes. En 1965, cuando la revista Life le encargó que visualizara un Infierno moderno, no dudó en expresar su ira contra la guerra de Vietnam y otros problemas sociopolíticos contemporáneos, como la violencia racial, el neonazismo , los asesinatos políticos y el desastre ecológico. [ 38 ]

En 1969, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York encargó a Rauschenberg la creación de una obra en honor a su centenario. Rauschenberg descubrió que los objetivos originales del museo estaban detallados en un certificado de 1870 y creó su «Certificado del Centenario» basándose en dicho documento, con imágenes de algunas de las piezas más conocidas del museo y las firmas de la junta directiva de la época. Existen copias del Certificado del Centenario en numerosos museos y colecciones privadas. [ 69 ]

El 30 de diciembre de 1979, el Miami Herald imprimió 650.000 ejemplares de Tropic , su revista dominical, con una portada diseñada por Rauschenberg. En 1983, ganó un premio Grammy por el diseño de la portada del álbum Speaking in Tongues de Talking Heads . [ 70 ] En 1986, BMW le encargó a Rauschenberg pintar un BMW 635 CSi de tamaño real para la sexta entrega del famoso BMW Art Car Project . El coche de Rauschenberg fue el primero del proyecto en incluir reproducciones de obras del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, así como sus propias fotografías.

En 1998, el Vaticano encargó una obra a Rauschenberg en honor al año jubileo 2000 para ser exhibida en la Sala Litúrgica Padre Pío , en San Giovanni Rotondo, Italia. Basándose en el tema del Juicio Final , Rauschenberg creó El Apocalipsis Feliz (1999), una maqueta de seis metros de largo . Finalmente, el Vaticano la rechazó argumentando que la representación de Dios como una antena parabólica era una referencia teológica inapropiada. [ 71 ]

Obras

Exposiciones

Rauschenberg tuvo su primera exposición individual en la Betty Parsons Gallery en la primavera de 1951. [ 72 ] [ 73 ] En 1953, mientras estaba en Italia, fue notado por Irene Brin y Gaspero del Corso y organizaron su primera exposición europea en su famosa galería en Roma . [ 37 ] En 1953, Eleanor Ward invitó a Rauschenberg a participar en una exposición conjunta con Cy Twombly en la Stable Gallery . En su segunda exposición individual en Nueva York en la Charles Egan Gallery en 1954, Rauschenberg presentó sus Red Paintings (1953–1953) y Combines (1954–1964). [ 74 ] [ 75 ] Leo Castelli montó una exposición individual de los Combines de Rauschenberg en 1958. La única venta fue una adquisición por parte del propio Castelli de Bed (1955), ahora en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York . [ 76 ]

La primera retrospectiva de la carrera de Rauschenberg fue organizada por el Museo Judío de Nueva York en 1963. En 1964 se convirtió en uno de los primeros artistas estadounidenses en ganar el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia ( James Whistler y Mark Tobey ya habían ganado premios de pintura en 1895 y 1958, respectivamente). Una retrospectiva de mitad de carrera fue organizada por la Colección Nacional de Bellas Artes (actualmente el Museo Smithsonian de Arte Americano ) en Washington, D.C., y recorrió Estados Unidos entre 1976 y 1978. [ 56 ] [ 77 ]

En la década de 1990 se realizó una retrospectiva en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (1997), que itineró a museos de Houston, Colonia y Bilbao hasta 1999. [ 78 ] Se presentó una exposición de Combines en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (2005; itineró al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , al Centro Georges Pompidou de París y al Moderna Museet de Estocolmo, hasta 2007). La primera retrospectiva póstuma de Rauschenberg se montó en la Tate Modern (2016; itineró al Museo de Arte Moderno de Nueva York y al Museo de Arte Moderno de San Francisco hasta 2017). [ 79 ]

Otras exposiciones incluyen: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery , Londres (2013); Robert Rauschenberg: The Fulton Street Studio , 1953–54 , Craig F. Starr Associates (2014); A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (2014); Robert Rauschenberg: Works on Metal , Gagosian Gallery, Beverly Hills (2014); [ 80 ] Rauschenberg in China , Ullens Center for Contemporary Art , Pekín (2016); Robert Rauschenberg , DE SARTHE , Hong Kong (2016) [ 81 ] [ 82 ] ; y Rauschenberg: The 1/4 Mile en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2018–2019). [ 83 ]

Del 27 de junio de 2025 al 15 de febrero de 2026, el Museo de Bellas Artes de Virginia exhibió Robert Rauschenberg: Cardbirds.  Las obras fueron creadas en 1971 “a partir de transferencias fotográficas y mecánicas, así como de impresión en relieve. Sus grabados fueron diseñados para parecer cajas de cartón aplanadas, con etiquetas y pegatinas”. [ 84 ]

Para celebrar el centenario del nacimiento de Rauschenberg, el Museo Solomon R. Guggenheim presentará Robert Rauschenberg: Life Can't Be Stopped [ 85 ], que incluye obras fundamentales como Barge , una serigrafía de 9,75 metros de largo que realizó en su mayor parte en el transcurso de un día. La exposición estará abierta del 10 de octubre de 2025 al 5 de abril de 2026 e incluye préstamos de la Fundación Robert Rauschenberg. Es una de varias exposiciones que celebran el centenario, entre las que se incluyen Robert Rauschenberg: Fabric Works of the 1970s en la Colección Menil , Robert Rauschenberg: The Use of Images en la Fundación Juan March [ 86 ] y Five Friends: John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Cy Twombly en el Museo Brandhorst [ 87 ] y el Museo Ludwig .

Del 9 de septiembre al 11 de abril de 2026, el Museo de Arte Grey presentó Handle with Care: Robert Rauschenberg's Ecological Conscience , una exposición que examina la creencia de Rauschenberg de que “…los artistas tienen tanto el imperativo como el poder de promover una administración responsable del planeta”. [ 88 ]

Del 12 de septiembre de 2025 al 19 de abril de 2026, el Museo de la Ciudad de Nueva York exhibió Nueva York de Robert Rauschenberg: Imágenes del mundo real , [ 89 ] una de varias exposiciones que celebraban el centenario del nacimiento de Rauschenberg.

Legado

Rauschenberg creía firmemente en el poder del arte como catalizador del cambio social. El Intercambio Cultural Internacional Rauschenberg (ROCI, por sus siglas en inglés) se inició en 1984 con el objetivo de fomentar el diálogo internacional y enriquecer la comprensión cultural a través de la expresión artística. En 1991, una exposición del ROCI se presentó en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., [ 90 ] culminando así una gira por diez países: México, Chile, Venezuela, China, Tíbet, Japón, Cuba, la URSS, Alemania y Malasia.

En 1970, Rauschenberg creó un programa llamado Change, Inc., para otorgar subvenciones de emergencia únicas de hasta $1,000 a artistas visuales según su necesidad económica. [ 91 ] En 1990, Rauschenberg creó la Fundación Robert Rauschenberg (RRF) para promover la concienciación sobre las causas que le importaban, como la paz mundial, el medio ambiente y los asuntos humanitarios. En 1986, Rauschenberg recibió el Premio Plato de Oro de la Academia Estadounidense del Logro . [ 92 ] [ 93 ] Fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes por el presidente Bill Clinton en 1993. En 2000, Rauschenberg fue honrado con el Premio a la Excelencia de amfAR por Contribuciones Artísticas a la Lucha contra el SIDA. [ 94 ]

RRF posee hoy muchas obras de Rauschenberg de todos los períodos de su carrera. En 2011, la fundación presentó La Colección Privada de Robert Rauschenberg en colaboración con la Galería Gagosian , que incluía una selección de la colección personal de arte de Rauschenberg. Los ingresos de la exposición ayudaron a financiar las actividades filantrópicas de la fundación. [ 95 ] También en 2011, la fundación lanzó su proyecto "El artista como activista" e invitó al artista Shepard Fairey a centrarse en un tema de su elección. La obra de edición limitada que creó se vendió para recaudar fondos para la Coalición para las Personas sin Hogar . [ 96 ] RRF continúa apoyando a artistas emergentes y organizaciones artísticas con subvenciones y colaboraciones filantrópicas cada año. RRF tiene varios programas de residencia que se llevan a cabo en la sede de la fundación en Nueva York y en la propiedad del difunto artista en la isla Captiva , Florida.

En 2013, Dale Eisinger de Complex clasificó Open Score (1966) en séptimo lugar en su lista de las mejores obras de performance de todos los tiempos. [ 97 ]

La galería Bob Rauschenberg del Florida Southwestern State College pasó a llamarse así en 2004 (anteriormente se llamaba Galería de Bellas Artes, fundada en 1979) en honor a Rauschenberg y con su aprobación.

Mercado del arte

En 2010, Studio Painting (1960-61), uno de los Combines de Rauschenberg, originalmente estimado entre 6  y 9  millones de dólares, fue comprado a la colección de Michael Crichton por 11  millones de dólares en Christie's , Nueva York. [ 98 ] En 2019, Christie's vendió la serigrafía Buffalo II (1964) por 88,8 millones de dólares, pulverizando el récord anterior del artista.

Presionar para obtener regalías por la reventa de los artistas.

A principios de la década de 1970, Rauschenberg presionó al Congreso de los Estados Unidos para que aprobara un proyecto de ley que compensara a los artistas cuando sus obras se revendieran en el mercado secundario. Rauschenberg retomó su lucha por los derechos de reventa de los artistas ( droit de suite ) después de que el magnate del taxi Robert Scull vendiera parte de su colección de obras de arte expresionista abstracto y pop art por 2,2 millones de dólares. Scull había comprado originalmente las pinturas de Rauschenberg Thaw (1958) y Double Feature (1959) por 900 y 2500 dólares respectivamente; aproximadamente una década después, Scull vendió las piezas por 85 000 y 90 000 dólares en una subasta de 1973 en Sotheby Parke Bernet en Nueva York. [ 99 ]

Los esfuerzos de cabildeo de Rauschenberg fueron recompensados ​​en 1976 cuando el gobernador de California, Jerry Brown, promulgó la Ley de Regalías por Reventa de California de 1976. [ 100 ] El artista continuó impulsando una legislación nacional sobre regalías por reventa tras la victoria en California.

Véase también

Referencias

  1. ↑ Marlena Donohue (28 de noviembre de 1997). "La firma de Rauschenberg en el siglo" . Christian Science Monitor . Archivado del original el 7 de julio de 2006.
  2. ↑ "Los 25 artistas más influyentes del siglo" . ARTnews . Mayo de 1999. Archivado del original el 24 de enero de 2022. Consultado el 20 de enero de 2007 a través de askART.com.
  3. ↑ "Preguntas frecuentes – Galería Bob Rauschenberg" . Consultado el 10 de abril de 2025 .
  4. ↑ Honores a la trayectoria – Medalla Nacional de las Artes. Archivado el 21 de julio de 2011 en Wayback Machine.
  5. ↑ Galerías Franklin Bowles. "Robert Rauschenberg" . FranklinBowlesGallery.com . Archivado del original el 21 de agosto de 2007.
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  • Fundación Robert Rauschenberg
  • Robert Rauschenberg: El amplio
  • Entrevista de historia oral con Robert Rauschenberg, 1965, Archivos Smithsonianos de Arte Americano
  • Robert Rauschenberg: MoMA
  • Proyecto de investigación Rauschenberg en el SFMOMA
  • Robert Rauschenberg en IMDb