Sigrid Burton

Sigrid Burton es una artista visual estadounidense, conocida por sus pinturas semiabstractas que combinan campos de color atmosféricos y alusiones a la naturaleza y la cultura. ^{[1] [2] [3]} Su obra tiene una amplia gama de influencias, incluidas las pinturas rupestres budistas y las pinturas en miniatura indias , los diagramas cosmológicos jainistas y artistas desde el Renacimiento hasta los modernistas como Kandinsky , Klee y los pintores de campos de color hasta el movimiento de luz y espacio de California . ^[4] Los críticos han notado el predominio del color sobre la forma en su obra, describiendo a veces su enfoque como "expresionismo cromático". ^{[5] [6]}

Burton ha realizado exposiciones en lugares como Artists Space , AIR Gallery , la Academia Estadounidense de Artes y Letras , el Museo de Arte John y Mable Ringling , el Museo de Arte Carnegie, Oxnard y el Centro de Artes Michael C. Rockefeller . ^{[7] [8] [9]} Su obra pertenece a las colecciones públicas del Museo Metropolitano de Arte , ^[10] la Fundación Rockefeller y el Museo del Desierto de Palm Springs , entre otros. ^{[2] [11]} Después de estar radicada en la ciudad de Nueva York, Burton ha vivido y trabajado en Pasadena, California desde 2013. ^[4]

Burton nació en Pasadena, California, hija de Gene y Betye (Monell) Burton, ambos mecenas del arte. ^{[5] [12]} Asistió a la Westridge School for Girls (1963-9), donde participó en Fluids (1967) de Allan Kaprow y estudió con la artista de performance Barbara T. Smith , ayudándola en su conocida performance, Ritual Meal (1969). ^{[13] [14]} Después de inscribirse en la Universidad de California, Berkeley , Burton completó una licenciatura (1973) en el Bennington College en Vermont, estudiando con Pat Adams , Carol Haerer y Sidney Tillim . ^{[15] [13]}

Después de graduarse, se mudó a la ciudad de Nueva York para trabajar como asistente de estudio de la pintora Helen Frankenthaler y, posteriormente, de Jules Olitski ; ayudó a Frankenthaler en la serie de azulejos pintados Thanksgiving Day (1973), exhibida en el Museo Guggenheim . ^{[16] [17] [4]} En sus primeras dos décadas, Burton tuvo exposiciones individuales en Artists Space (1976) y Salander O'Reilly (1980) en Nueva York, Martha White (Louisville, 1982-4), Ivory Kimpton (San Francisco, 1984-7), Patricia Hamilton Gallery (Nueva York y Santa Mónica, 1986-90) y Hokin Kaufman (Chicago, 1987-90), entre otros. ^[11] En 1994, recibió una beca de investigación sénior indoamericana del Programa Fulbright para estudiar el significado y el uso del color en el arte tradicional indio y las formas rituales. ^{[4] [18] [11]} Continuó con estudios de posgrado en estudios del sur de Asia en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York (1996-9). ^{[8] [19]}

Además de su carrera artística, Burton ha enseñado y formado parte de la junta directiva de LEAP (Learning through an Expanded Arts Program) en el sistema escolar de la ciudad de Nueva York, ha trabajado como voluntaria y ha escrito un manual para organizaciones de servicios para el SIDA, y ha formado parte de la Junta Comunitaria 2 de Manhattan y de la junta directiva de la Escuela Westridge. ^{[20] [18] [21]}

Aunque en gran medida abstracto, el trabajo de Burton ha hecho referencia constantemente a fenómenos naturales como la luz y el paisaje, al tiempo que se nutre de influencias de la pintura occidental y el arte indio, así como de los viajes. ^{[22] [4] [11] [14]} El color ha sido la base de su enfoque, siendo la concepción de Kandinsky del poder trascendente del arte abstracto una influencia temprana, aumentada más tarde por estudios de teorías estéticas indias. ^{[4] [23] [19]} Los escritores también han relacionado su trabajo con artistas como JMW Turner , Odilon Redon , Pierre Bonnard y Mark Rothko . ^{[13] [5] [24]} Se inspira literal y figurativamente en el mundo natural de los fenómenos botánicos, biológicos y meteorológicos, las estructuras de las cosmologías macro y micro y sistemas como la escritura. ^{[13] [25] [11] [22]} William C. Agee escribió: "Estas referencias se revelan lentamente, dando a su arte una sensación de duración, una sensación de un largo viaje a través del espacio, el tiempo y la memoria", como si "se moviera entre mundos, culturas y siglos" o estados de creación y disolución. ^[13]

Las pinturas acrílicas de Burton de principios de la década de 1970 se caracterizaron por amplias franjas y charcos de color abstracto, que estaban en deuda con la pintura de campos de color y las tradiciones que se remontan a Matisse , el impresionismo y Tiziano . ^{[13] [5]} Más tarde en la década, miró a artistas como Lois Lane y Terry Winters , quienes fusionaron la abstracción con imágenes directas o referenciales. ^[13] Esto resultó en tres cambios significativos: a la pintura al óleo, por sus mayores cualidades texturales y cromáticas; a trabajar en posición vertical con pinceles y lienzos estirados para un mayor control (en lugar de verter pintura sobre lienzos en el piso); y al dibujo que ampliamente referenciado reconocible, contenido más personal. ^{[13] [5]} Críticos como Alan Artner del Chicago Tribune destacaron la nueva obra por su lirismo, colores variados que evocan escenarios de California y por elementos gestuales lineales y pasajes de pintura espesa, que se alejaban de influencias de campos de color anteriores como Helen Frankenthaler. ^{[26] [27]}

Después de una residencia de arte en el Bellagio Study Center en Italia en 1985, Burton comenzó a experimentar con bordes y marcos pintados dentro del plano del cuadro, así como con elementos biomórficos abstractos, color y luz derivados de estudios de paisajes y naturaleza observados. ^[1] Estos nuevos óleos emplearon una figuración incrementada, pinceladas vigorosas, paletas de tonos altos y bordes multicolores que transmitían una sensación de ambigüedad e irrealidad. ^{[1] El crítico} de Arts Magazine Tony Towle comparó su riqueza con los pasteles, describiendo obras como el díptico Notas de un diario italiano (para Gene y Betye) (1985-6) como "paisajes misteriosamente semiabstractos [y] tranquilos, oníricos que parecían primitivos pero carecían de amenaza". ^[1] Burton trabajó de esta manera semiabstracta hasta la década de 1990, aludiendo a menudo a lugares y objetos de sus viajes.

Después de una estancia prolongada en la India en 1995, Burton respondió a un período de pérdida personal y la crisis del SIDA con obras más oscuras y melancólicas. ^[13] Estas pinturas (por ejemplo, The Waters of March , 1999) estaban más arraigadas a la experiencia y la memoria cotidianas, con alusiones naturales y multiculturales que aparecían y se dispersaban en medio de superficies brumosas y saturadas de color, frecuentemente en tonos rojos y carmesí profundos. ^{[6] [5]} A menudo empleaban cuadrículas implícitas y sistemas de color indios vagamente construidos, imaginados o canónicos como punto de partida ^[4] , un enfoque que los críticos describieron como intencional pero ambiguo, ^[13] con una "inexactitud calculada" que oscurecía las distinciones entre figura y fondo, planta y animal. ^[6] Peter Frank observó que "la forma se afirma en medio de sus nubes luminosas y translúcidas de color, dando una columna vertebral inesperada a masas de tono y matiz que de otro modo serían invertebradas"; ^[6] William Agee comparó la fusión de contrastes pictóricos (espacios atmosféricos expansivos, pasajes de dibujo y alusiones cotidianas) con la de Matisse. ^[13]

En 2001, Merck & Company encargó a Burton la creación de una serie de pinturas específicas para el vestíbulo de su sede mundial en Whitehouse Station, Nueva Jersey; fue su primer entorno permanente de obras en diálogo directo entre sí. ^{[5] [23]} A lo largo de la década de 2000, Burton continuó trabajando en campos monocromáticos modulados con formas orgánicas dispersas, difuminando la línea entre la imagen y la abstracción pura. ^{[25] [2]} En una reseña de 2005, Peter Frank escribió: "Los lienzos de Burton envuelven la vista en baños de luz y color", que representan "una experiencia medio recordada, medio imaginada, un sueño tan acuoso que podría haber sido soñado en el útero". ^[2]

En la década de 2010, las pinturas de Burton se basaron cada vez más en sus propias observaciones astronómicas en observatorios de Pasadena y Chile, junto con motivos naturales, caligráficos, hindúes y jainistas de larga data. ^{[28] [29] [30]} Estas pinturas eran más abstractas que sus trabajos anteriores, con mayor profundidad de campo y capas densas; las reseñas señalaron un juego visual acrobático entre campos de color misteriosos y marcas sueltas y sin restricciones, que sugerían respuestas a fenómenos naturales y experiencias personales en lugar de representaciones (por ejemplo, Asterisms y Storm Heart , ambas de 2019). ^{[24] [3] [30]} En una reseña de una exposición de 2020 (Tufenkian Gallery), el crítico y curador Michael Duncan describió a Burton como parte de un underground descuidado de coloristas que usan "el color como vehículo hacia lo inefable" y exploran "el potencial ideal de la pintura en una búsqueda sin complejos de lo sublime", ^[30]

Aunque es más conocida por su pintura, Burton ha creado obras en técnica mixta, lápiz, pastel, óleo y collage sobre papel a lo largo de su carrera, que recuerdan a Kurt Schwitters y Paul Klee. ^{[31] [32] [33]} En sus obras posteriores sobre papel, como Maroc (2013-6), reutilizó viejos dibujos y acumuló material efímero de viajes y los álbumes de recortes de sus abuelos, haciendo collages intencionalmente pero crípticamente de material biográfico o autobiográfico. ^{[4] [34]} Estos dibujos posteriores exploraron un sentido más profundo del espacio y la ambigüedad figura-fondo que se trasladó a sus pinturas. ^[4]

El trabajo de Burton está incluido en colecciones corporativas, privadas y públicas, incluidas las del Museo Metropolitano de Arte, ^[10] la Fundación Rockefeller, el Museo de Arte John & Mable Ringling, ^[35] el Museo del Desierto de Palm Springs, el Museo Automotriz Mullin , ^[36] la Universidad Bucknell y el Lewis and Clark College, entre otros. ^[8] Ha recibido encargos de Merck & Company (2001), Georgetown Plaza, Nueva York (1990) y la Organización Glick (1986). ^{[8] [11] [37]} Su trabajo también se ha utilizado para portadas de los libros de poesía Sex Education (de Janice Moore Fuller ) y The Poetry Project , ^{[38] [31]} y apareció en The New York Times , ^{[39] [40]} Architectural Digest , ^{[41] [42]} Interior Design ^[43] y House Beautiful . ^{[44] [45]}

Burton ha sido reconocida con una beca Fulbright Indo-American Senior Research Fellowship (1994-1995), una residencia de artes de la Fundación Rockefeller en el Centro de estudios Bellagio en Italia (1985) y un premio de la Fundación de la Familia Rosenthal a través de la Academia Estadounidense de Artes y Letras (1977). ^{[8] [11]} Ha sido artista visitante en el Delhi College of Art , la Chautauqua Institution y Virginia Tech . ^{[23] [18]} En 2019, Westridge School la reconoció con su premio Mary Lowther Ranney Distinguished Alumna Award. ^{[20] [18]}

• Sitio web oficial de Sigrid Burton
• Sigrid Burton, Bellas Artes de Tufenkian
• Sigrid Burton, Bellas Artes de Amy Simon