Unidad espiritual

Spiritual Unity es un álbum de estudio del saxofonistaestadounidense de free jazz Albert Ayler . Fue grabado el 10 de julio de 1964 en la ciudad de Nueva York y cuenta con la participación del bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray . Fue el primer álbum grabado para el sello ESP-Disk de Bernard Stollman y catapultó a Ayler a la fama internacional por ser tan "sorprendentemente diferente". ^{[ 2 ]} Al mismo tiempo, transformó a ESP-Disk en "una fuente importante para el jazz de vanguardia ". ^{[ 3 ]} Una reseña de 5 estrellas en AllMusic lo calificó como una "grabación emblemática esencial para cualquier comprensión básica del free jazz", "el álbum que impulsó a Albert Ayler a la vanguardia del jazz... realmente el primer documento disponible de la música de Ayler que lo emparejó con un grupo de músicos verdaderamente afines", y afirmó que "los resultados son una destilación magníficamente pura de su estética". ^{[ 4 ]}

A finales de diciembre de 1963, Bernard Stollman, que había estado jugando con la idea de fundar un sello discográfico, fue, por insistencia de un amigo, a escuchar a Ayler en el Baby Grand Café en la calle 125 en Harlem. ^{[ 5 ]} Ayler se había mudado a la ciudad de Nueva York a principios de año y recientemente había estado tocando con varios músicos, entre ellos Ornette Coleman , con quien Ayler hizo una grabación informal a principios de ese mes, ^{[ 6 ]} y Cecil Taylor , con quien actuaría en la víspera de Año Nuevo en un concierto en el Philharmonic Hall, Lincoln Center que también contaría con el quinteto de John Coltrane y Art Blakey and the Jazz Messengers . ^{[ 7 ]} Según Stollman, al llegar al Baby Grand Cafe,

Elmo Hope estaba al piano, con su trío, en un escenario elevado. Me senté a escucharlos. Varios minutos después, un hombrecillo con un traje de cuero gris, sosteniendo un gran saxofón, pasó a mi lado y saltó al escenario. Tenía barba negra, con una pequeña cana. No fue presentado y, haciendo caso omiso del trío, comenzó a tocar. Los demás músicos se detuvieron y lo miraron. No intercambiaron palabra. Elmo Hope cerró su piano en silencio, el bajista guardó su bajo, el baterista dejó las baquetas y todos volvieron a sentarse para escuchar. Tocaba solo y siguió tocando durante veinte o treinta minutos, una explosión de música. Pareció un segundo; ¡no pasó nada de tiempo! Luego se detuvo y saltó de la plataforma, cubierto de sudor. ^{[ 8 ]}

Stollman se acercó entonces a Ayler, le dijo que estaba creando un sello discográfico y le pidió que fuera su primer artista, ofreciéndole un anticipo de 500 dólares. ^{[ 9 ]} Ayler aceptó y declaró que se pondría en contacto con Stollman después de cumplir con el compromiso de grabar material en los estudios Atlantic. ^{[ 8 ]} (Aquí se refería a la sesión del 24 de febrero de 1964 que dio como resultado dos álbumes: Spirits , posteriormente reeditado como Witches & Devils , y Swing Low Sweet Spiritual ).

A principios de 1964, Ayler se unió brevemente a un cuarteto liderado por Paul Bley . ^{[ 10 ]} Esta ocasión le presentó a Ayler al bajista Gary Peacock, quien había estado tocando con Bley durante varios años y que también había grabado recientemente con Bill Evans . El grupo de Bley también incluía al baterista Sunny Murray, con quien Ayler había tocado en el grupo de Cecil Taylor. ^{[ 10 ]} (Murray apareció en las dos grabaciones de Ayler del 24 de febrero). El cuarteto de Bley no grabó y solo hizo una aparición pública en el café Take 3 en Greenwich Village. ^{[ 10 ]} A finales de la primavera, Ayler, Peacock y Murray habían formado un trío, después de que Peacock dejara el grupo de Miles Davis , donde estaba sustituyendo a Ron Carter . ^{[ 11 ]} El 14 de junio, el trío tocó en el Cellar Café de la ciudad de Nueva York y grabó el material que se lanzaría en el álbum Prophecy , que incluye algunas de las piezas que se grabarían para Spiritual Unity menos de un mes después.

Ese mismo mes, Ayler llamó a Stollman y le dijo que quería grabar un disco. Según Val Wilmer , la decisión de Ayler de unirse al sello de Stollman, que se llamaría ESP-Disk , se tomó "en contra del consejo de Cecil Taylor y otros músicos que pensaban que los artistas debían exigir un precio acorde con su talento". ^{[ 12 ]} Ayler justificó su decisión, afirmando: "Sentía que mi arte era tan importante que tenía que darlo a conocer. En ese momento, mi música estaba en otro nivel. Sabía que tenía que tocar esta música para la gente". ^{[ 2 ]}

Stollman reservó una sesión para el 10 de julio en Variety Arts Studio, un estudio pequeño y económico cerca de Times Square que había sido utilizado con frecuencia por Moe Asch , el propietario de Folkways Records , ^{[ 8 ]} para quien Stollman había realizado trabajos legales. ^{[ 13 ]} Stollman recordó:

Justo antes de la 1 PM llegó Sunny Murray, una morsa grande y afable, que se movía y hablaba con una agilidad natural que desmentía su apariencia. Le siguió Gary Peacock, alto, delgado, de aspecto ascético y voz suave, con un semblante introspectivo y amable. Por último llegó Albert Ayler, pequeño, cauteloso y lacónico. ^{[ 14 ]}

El ingeniero de grabación dejó la puerta del estudio abierta, y Stollman y la entonces esposa de Peacock, Annette, se sentaron en la zona de recepción. ^{[ 8 ]} Según Stollman,

Mientras sonaba la música, me sentí cautivado, eufórico, jubiloso. Intercambié miradas con Annette y dije: «¡Qué comienzo tan prometedor para un sello discográfico!». Ella asintió con la cabeza en señal de acuerdo. ^{[ 8 ]}

En un momento dado, «el ingeniero huyó de la sala de control durante unos minutos, pero regresó a tiempo para cambiar la cinta para la siguiente selección». ^{[ 14 ]} Aunque la sesión estaba bien microfoneada, Stollman se horrorizó al saber que se había grabado en mono. Sin embargo, años después declaró: «En más de cuarenta años, a nadie le ha importado». ^{[ 8 ]} Los músicos cobraron y firmaron contratos de grabación después de la sesión, en un café cercano. ^{[ 14 ]}

Stollman contrató a Jordan Matthews, antiguo productor de ABC, como director artístico, y Matthews trajo a Howard Bernstein para que hiciera la portada. ^{[ 15 ]} Stollman declaró que decidió serigrafiar la portada, dándole "una cualidad primitiva, adecuada para ESP". ^{[ 16 ]} A pesar de ser la primera grabación auténtica de ESP-Disk, Spiritual Unity se lanzó en 1965 como el segundo artículo del catálogo del sello, después de un disco titulado Ni Kantu En Esperanto , que Stollman describió como "solo un ejercicio" resultante de su interés en el esperanto . ^{[ 13 ]} (Stollman recordó que cuando grabó el álbum de esperanto, "no tenía pensado hacer nada más allá de eso"). ^{[ 13 ]}

Las primeras ediciones de Spiritual Unity incluían un folleto titulado "Ayler - Peacock - Murray - You and the Night and the Music" con texto de Paul Haines . ^{[ 17 ]} Las notas del álbum indican que el símbolo "Y" que aparece en la contraportada "es anterior a la historia escrita y siempre ha representado el espíritu ascendente del hombre. Pensamos que el símbolo era particularmente apropiado para este álbum". ^{[ 18 ]} El folleto nunca se ha incluido en ninguna reedición en CD, pero sí se incluyó en la caja recopilatoria "Holy Ghost".

Ayler quedó satisfecho con la grabación y sintió que representaba un nivel muy alto de interacción musical, afirmando: «La mayoría de la gente habría pensado que esto era imposible, pero realmente sucedió. Lo más importante es mantenerse en sintonía, pero se necesita gente espiritual para lograrlo... No estábamos tocando , nos estábamos escuchando». ^{[ 2 ]} Tras su lanzamiento, Ayler envió una copia del álbum a John Coltrane , y poco después, Coltrane instó a Impulse! Records a que contratara a Ayler. En junio de 1965, Coltrane grabó el álbum Ascension ; después de la sesión de grabación, Coltrane «llamó a Ayler y le dijo: "Grabé un álbum y descubrí que estaba tocando igual que tú". La respuesta de Albert fue: "No, hombre, ¿no lo ves? Estabas tocando como tú mismo. Simplemente sentías lo que yo siento y clamabas por la unidad espiritual".» ^{[ 19 ]}

Stollman se sintió revitalizado por la experiencia y recordó: «Estaba encantado con ese disco, así que me entusiasmé mucho con la idea de seguir adelante. Quería explorar esta nueva música». ^{[ 20 ]} Una semana después de la sesión de Spiritual Unity , Ayler, Peacock y Murray, junto con Don Cherry , John Tchicai y Roswell Rudd , grabaron New York Eye and Ear Control , que también sería lanzado por ESP-Disk. El sello publicaría varios álbumes adicionales de Ayler, incluyendo Bells y Spirits Rejoice . Según Stollman, tras la muerte de Ayler en 1970, representó al patrimonio del músico. ^{[ 21 ]}

Las primeras reacciones de la crítica a Spiritual Unity fueron dispares. Scott Deveaux y Gary Giddins observaron que el álbum "fue aclamado y ridiculizado a la vez", y afirmaron que "el potente sonido de Ayler provocó una histeria desenfrenada". ^{[ 3 ]} En julio de 1965, DownBeat publicó un artículo que incluía una reseña negativa de cero estrellas de Kenny Dorham , quien escribió que el álbum "no vale ni el papel que se necesita para reseñarlo. Demasiado descabellado. Pasó la luna y las estrellas", junto con una reseña positiva de Bill Mathieu, quien escribió: "Las notas desaparecen en cintas anchas e irregulares, fragmentadas, prismáticas, arrastradas por el viento, indeterminadas y llenas de furia. Aunque la furia es aterradora, peligrosa, alcanza una certeza absoluta al estar, musicalmente, absolutamente contenida... Ayler aparentemente rara vez escucha una nota a la vez, como si fuera inútil considerar las partículas de una cosa. Parece querer escanear todas las notas en todo momento y de esta manera hablar a una conciencia expandida. Y la consistencia en este desbordamiento es un punto de referencia a partir del cual su música toma forma... La música de Ayler, así como la mayoría de la música de vanguardia, es, en el mejor de los casos, difícil de escuchar. Sin embargo, es una declaración muy directa, la manifestación física de una Ritual espiritual o místico. Su lógica es la lógica de la carne humana en la esfera del espíritu. ¿Podría ser que el ritual sea más accesible para algunos oyentes que para otros? ^{[ 25 ]}

La reacción reciente ha sido más positiva. Los autores de The Penguin Guide to Jazz seleccionaron el álbum como parte de su "Colección Esencial" sugerida, otorgándole una "corona" además de una calificación de cuatro estrellas, y comentando: "el trío de Ayler de 1964 era esencialmente una banda de escucha, atrapada en una lucha personal que solo es posible observar, sobrecogido, desde la barrera". ^{[ 26 ]} En 2013, Spin lo incluyó en la lista de "Los 100 mejores álbumes alternativos de la década de 1960". ^{[ 27 ]} En 2017, Pitchfork lo colocó en el número 30 en la lista de "Los 200 mejores álbumes de la década de 1960". ^{[ 28 ]}

Val Wilmer escribió que Spiritual Unity «revolucionó la dirección para cualquiera que tocara esos tres instrumentos. La música era sorprendentemente diferente: Ayler inquietantemente áspero y brutal, pero al mismo tiempo profundamente teñido de patetismo; Peacock escuchaba mientras tocaba figuras de bajo monumentales; Murray se comportaba, como dijo LeRoi Jones en una ocasión, como si "simplemente quisiera desaparecer"; pero sus conclusiones parecían tan simples cuando se escuchaba. Ayler, Murray y Peacock habían creado la música de grupo perfecta». ^{[ 2 ]} Según John Corbett , Spiritual Unity representa «uno de los momentos más radicales» en una «forma alternativa de pensar» donde los instrumentistas se preguntan: «¿Cuál es mi supuesto papel, y qué pasa si no quiero vivir de acuerdo con él?». ^{[ 29 ]} Escribió: «El saxofón, el bajo y la batería hacen algo muy distinto de lo que suelen hacer: el bajista... es melódico, nervioso y virtuoso; el baterista... crea remolinos y oleadas de sonido, aumentando y disminuyendo el volumen, sus platillos rebosantes de energía nerviosa; el saxofonista... solo toca un poco de material melódico, concentrándose en gritos y alaridos extáticos, pasando por encima de los demás en grandes ligaduras y barridos, como relámpagos que cruzan un mar turbulento. Los roles convencionales de los instrumentos se subvierten, se reinventan». ^{[ 30 ]} Corbett continuó comparando la experiencia con «conducir un automóvil en el que las relaciones entre las partes del motor se reinventan repetidamente». ^{[ 31 ]}

Ted Gioia calificó a Spiritual Unity como "una declaración de intenciones trascendental, el proyecto de conjunto más cohesionado que el saxofonista había emprendido hasta la fecha", en el que "Ayler demostró que su radical reinvención del vocabulario del saxofón jazzístico era en gran medida autosuficiente, sin necesidad de otros instrumentos de viento para realzarla o respaldar su ataque fulminante. Abarcaba exploraciones fervientes de armónicos, evocaciones inquietantes de cuerdas en el registro agudo y explosiones vesubianas de lava sonora. Peacock y Murray se aferran a estas líneas enérgicas con la determinación de vaqueros que sujetan a los novillos en el rodeo. Cabe destacar que manejan con maestría los saltos y giros impredecibles de Ayler". ^{[ 32 ]} Los autores de The Penguin Jazz Guide describieron al trío de Ayler como "una banda esencialmente de escucha, atrapada en una lucha personal que solo es posible observar, sobrecogido, desde la barrera", y, tras señalar que Ayler había grabado material tradicional en Swing Low Sweet Spiritual a principios de ese año, escribieron: "Escuchado en ese contexto, es imposible considerar Spiritual Unity como otra cosa que una extensión de temas vernáculos, interpretados de una manera extática típica de las iglesias afroamericanas. A pesar de su brevedad, sigue siendo un disco de poder y autoridad incontenibles, pero hay humor bajo la superficie y una humanidad que rara vez se reconoce". ^{[ 33 ]}

El saxofonista Shabaka Hutchings , líder de la banda Sons of Kemet , escribió que la primera vez que escuchó Spiritual Unity , "¡no entendió nada!... Mi cerebro no podía procesarlo". Comentó: "Esto era indescriptible; parecía que no había nada que extraer de él. Sonaba como si estuviera llorando a través del saxofón. Se puede escuchar vocalización en Sidney Bechet y los músicos mayores, pero esta fue la primera vez que escuché a alguien desarrollar eso y no intentar fusionarlo con algo más convencional". Finalmente, afirmó: "Cuanto más escuchaba, más me daba cuenta de que está en lo que Anthony Braxton llama 'una zona emocional'; todo lo que hace Ayler se trata de la intención emocional que hay detrás. Quería ver si podía entrar en ese espacio donde uno es libre de hacer eso. Todo se trata de la visión general, más como pintar". ^{[ 34 ]}

Mark Richardson escribió que Ayler tenía una "empatía telepática" con Peacock y Murray en Spiritual Unity , y afirmó: "Juntos, Peacock y Murray forman un acompañamiento sonoro que a veces parece más un conjunto de sonidos en constante cambio que una sección rítmica propiamente dicha. Murray tiene un toque ligero y rápido, manteniendo los platillos y las cajas sonando casi constantemente, sin interrumpir jamás el flujo de la música con un redoble pesado, y Peacock funciona como una extensión de sus texturas". Concluyó calificando el álbum de "corto, intenso y un clásico merecido". ^{[ 23 ]} John Fordham , escribiendo en The Guardian , comentó: «Medio siglo después de que el trío lanzara esta música en un pequeño estudio de Times Square, sigue brillando, elevando y perturbando. Ayler emerge de una jovialidad al estilo de Sonny Rollins para arrebatos de tono arrastrado y silbidos de sirena sobre las líneas punzantes de Peacock y los matices de Murray en la inicial "Ghosts"; irrumpe ferozmente a través de pasajes impecables en "The Wizard"; y llama implorantemente en un tono a medio camino entre un cantante apasionado y un violista microtonal en la meditativa "Spirits". Todavía suena como música al límite». ^{[ 35 ]}

En una reseña para All About Jazz , Mark Corroto calificó el álbum como "30 minutos que cambiaron el rumbo del jazz" y escribió: "Cincuenta años después de la grabación de Spiritual Unity de Albert Ayler , la música (y el hombre) siguen causando revuelo. No es que el free jazz haya pasado desapercibido en las últimas décadas, sino que esta grabación sigue siendo una de esas experiencias que te hacen preguntarte '¿dónde estabas cuando la escuchaste por primera vez?'". Continuó: «El bajista Gary Peacock... no tanto marca el ritmo como que alimenta la llama del free folk jazz de Ayler. Peacock pasó de su trabajo con los pianistas Bill Evans y Paul Bley a esta expresión abierta con Ayler. Escucharlo tocar líneas de arco en "Spirits" o lanzar bombas de energía en "Ghosts" es como ver a un boxeador entrenando con un saco de boxeo. Lo mismo ocurre con el baterista Sunny Murray, quien prescinde de las presunciones del pulso en favor del acento. Su trabajo con los platillos chisporrotea en todo momento... Las marchas de Ayler, su folk jazz y el sonido de metales de Nueva Orleans fueron (son) un enfoque audaz e indomable de la creación musical que fue a la vez revolucionario y un momento de revelación en el desarrollo del free jazz de la década de 1960 que aún resuena con fuerza hoy en día». ^{[ 36 ]}

El biógrafo de Ayler, Jeff Schwartz, afirmó: «La música grabada en esta sesión es sencillamente increíble... Los tres miembros improvisan libremente sin cesar. Es una convención escuchar un saxofón acompañado de bajo y batería. De hecho, si bien existe una brillante interacción entre los músicos, resulta mucho más útil considerar las piezas grabadas por el trío de Ayler como conjuntos de solos simultáneos. Nunca antes (ni quizás después) un grupo había llevado el ideal de improvisación colectiva de Nueva Orleans a un nivel tan extremo». Respecto al tono de Ayler, Schwartz escribió: «Ningún músico de jazz había usado jamás un vibrato tan amplio como el de Ayler, y es principalmente el dramatismo de este sonido lo que llevó a los críticos a describirlo como primitivo. En esta oscilación de tono, casi lúgubre, reside quizás la mayor ruptura de Ayler con la tradición del jazz. Es como si se negara a ser "moderno", a ocultar sus sentimientos, a ser "guay", como Paul Desmond y Lee Konitz, que no usaban vibrato. Ha ido más allá del vibrato vocalizado de músicos como Louis Armstrong, hasta llegar a lo que solo puede describirse como un sollozo». ^{[ 10 ]} El escritor Ekkehard Jost señaló que «la negación de tonos fijos de Ayler encuentra una contraparte en la negación del ritmo de Peacock y Murray. En ningún grupo de esta época se escucha tan poco un ritmo constante... La absoluta libertad rítmica conduce frecuentemente a la acción en tres planos rítmicos independientes: Ayler improvisa en largos y prolongados pasajes sonoros; Peacock insinúa cadenas de impulsos, irregulares y sin embargo con un balanceo en un sentido remoto; Murray toca los platillos con una resonancia muy viva, creando color en lugar de acentuación». ^{[ 37 ]}

El crítico musical S. Victor Aaron escribió: «El jazz comenzó con el ragtime de Buddy Bolden, inspirado en los antiguos esclavos que actuaban en Congo Square, Nueva Orleans, a finales del siglo XIX. De alguna manera, setenta años después, terminó en un estudio cerca de Times Square, Nueva York. Fue allí donde Albert Ayler y su trío grabaron Spiritual Unity en un día de verano de 1964... Era evidente que el inconformista saxofonista Albert Ayler entró en ese estudio hace cincuenta años para llevar el jazz al punto culminante de su desarrollo». Continuó: «Este disco se adelantó a la frontera del jazz. Y aún hoy, no hay mucho que sea tan verdaderamente innovador como Spiritual Unity . Son muy pocos los que poseen su singular enfoque y propósito unificado... Para avanzar en la música, hay que retroceder cincuenta años». ^{[ 38 ]}

En una reseña, el escritor Jackson Brown afirmó: «La obra Spiritual Unity de Albert Ayler es una confluencia de caminos divergentes que se remontan a los albores de nuestra especie, a los primeros experimentos del hombre por dar forma a la fuerza a través del sonido... Lo que Ayler logra aquí no es la mera representación de la realidad, sino la recontextualización, la liberación de la tradición musical estadounidense. El resultado es sublime... Ayler deseaba prescindir de las limitaciones de las notas musicales y la composición convencional. En su lugar, buscaba el sonido entre las notas y la expresión de su instrumento como una fuerza primordial, una extensión de sí mismo en la que explorar un timbre único, improvisando en registros agudos y graves con chirridos, graznidos y explosiones: todos ellos estallidos de pasión». Respecto al trío, escribió: «La comprensión mutua entre los integrantes de este grupo, sus tendencias y búsquedas creativas, es asombrosa, casi telepática... todo el álbum se compone de tres "solos" independientes, cada uno construyendo sobre el anterior. El grupo se percibe menos como tres músicos distintos y más como un organismo espiritual unificado en comunión consigo mismo». Concluyó: «Albert Ayler se nutrió de las diversas músicas de la tradición estadounidense y forjó audazmente su propio camino entre las llamas, inspirando a algunas de las figuras más inspiradoras del jazz y dando forma al futuro de la música de vanguardia. No será olvidado, ni perdonado, por ello». ^{[ 39 ]}

Créditos adaptados de las notas del disco.

• Albert Ayler – saxofón tenor
• Gary Peacock – contrabajo
• Sunny Murray – percusión

• Spiritual Unity en Discogs (lista de lanzamientos)