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Art of Europe

Leonardo da Vinci 's Mona Lisa is an Italian art masterpiece famous worldwide. Considered an archetypal masterpiece of the Italian Renaissance , [ 1 ] [ 2 ] it has normally been...

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Leonardo da Vinci's Mona Lisa is an Italian art masterpiece famous worldwide. Considered an archetypal masterpiece of the Italian Renaissance,[1][2] it has normally been on display at the Louvre in Paris since 1797.[3]
Maiden of the Blackbird's Field; by Uroš Predić; 1919; oil on canvas; 1.95 x 2.64m; National Museum of Serbia (Belgrade, Serbia)
The Art of Painting; by Johannes Vermeer; 1666–1668; oil on canvas; 1.3 x 1.1 m; Kunsthistorisches Museum (Vienna, Austria)

The art of Europe, also known as Western art, encompasses the history of visual art in Europe. European prehistoric art started as mobile Upper Paleolithicrock and cave painting and petroglyph art and was characteristic of the period between the Paleolithic and the Iron Age.[4] Written histories of European art often begin with the Aegean civilizations, dating from the 3rd millennium BC. However, a consistent pattern of artistic development within Europe becomes clear only with Ancient Greek art, which was adopted and transformed by Rome and, with the Roman Empire, was carried across much of Europe, North Africa and Western Asia.[5]

The influence of the art of the Classical period waxed and waned throughout the next two thousand years, seeming to slip into a distant memory in parts of the Medieval period, to re-emerge in the Renaissance, suffer a period of what some early art historians viewed as "decay" during the Baroque period,[6] to reappear in a refined form in Neo-Classicism[7] and to be reborn in Post-Modernism.[8]

Antes del siglo XIX, la Iglesia cristiana ejercía una gran influencia en el arte europeo, y los encargos eclesiásticos constituían la principal fuente de trabajo para los artistas. En ese mismo periodo, resurgió el interés por la mitología clásica, las grandes guerras, los héroes y heroínas, y temas ajenos a la religión. [ 9 ] La mayor parte del arte de los últimos 200 años se ha producido sin referencia a la religión y, a menudo, sin ninguna ideología en particular, pero con frecuencia se ha visto influenciado por cuestiones políticas, ya sea reflejando las preocupaciones de los mecenas o del propio artista.

El arte europeo se divide en numerosos periodos estilísticos que, históricamente, se superponen a medida que diferentes estilos florecieron en distintas áreas. A grandes rasgos, los periodos son: Clásico , Bizantino , Medieval , Gótico , Renacentista , Barroco , Rococó , Neoclásico , Moderno , Posmoderno y Nueva Pintura Europea . [ 9 ]

arte prehistórico

El arte prehistórico europeo es una parte importante del patrimonio cultural europeo. [ 10 ] La historia del arte prehistórico se divide generalmente en cuatro períodos principales: Edad de Piedra , Neolítico , Edad de Bronce y Edad de Hierro . La mayoría de los artefactos que se conservan de este período son pequeñas esculturas y pinturas rupestres.

Venus de Willendorf ; c. 26.000 a. C. (periodo gravetiense); piedra caliza con coloración ocre; Museo de Historia Natural ( Viena , Austria).

Gran parte del arte prehistórico que ha sobrevivido son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figurillas femeninas de Venus como la Venus de Willendorf (24.000–22.000 a. C.) encontrada en toda Europa central; [ 11 ] la figurilla Löwenmensch  de 30 cm de altura de alrededor de 30.000 a. C. tiene apenas piezas que puedan relacionarse con ella. El Reno Nadador de alrededor de 11.000 a. C. es uno de los mejores de varios tallados magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico Superior , aunque son superados en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como escultura. [ 12 ] Con el comienzo del Mesolítico en Europa la escultura figurativa se redujo enormemente, [ 13 ] y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta el período romano, a pesar de algunas obras como el caldero de Gundestrup de la Edad del Hierro europea y el carro solar de Trundholm de la Edad del Bronce . [ 14 ]

El arte rupestre europeo más antiguo data de hace 40.800 años y se puede encontrar en la cueva de El Castillo en España. [ 15 ] Otros sitios de pintura rupestre incluyen Lascaux , la cueva de Altamira , la Grotte de Cussac , Pech Merle , la cueva de Niaux , la cueva de Chauvet , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, Inglaterra, (grabados rupestres y bajorrelieves descubiertos en 2003), la cueva de Coliboaia en Rumania (considerada la pintura rupestre más antigua de Europa central ) [ 16 ] y Magura, [ 4 ] Belogradchik, Bulgaria. [ 17 ] También se realizó pintura rupestre en paredes de acantilados, pero menos de ellas han sobrevivido debido a la erosión. Un ejemplo bien conocido son las pinturas rupestres de Astuvansalmi en el área de Saimaa en Finlandia. Cuando Marcelino Sanz de Sautuola descubrió las pinturas magdalenienses de la cueva de Altamira, en Cantabria, España, en 1879, los académicos de la época las consideraron falsificaciones. Sin embargo, recientes reevaluaciones y numerosos descubrimientos posteriores han demostrado su autenticidad, a la vez que han despertado el interés por el arte de los pueblos del Paleolítico Superior. Las pinturas rupestres, realizadas con herramientas rudimentarias, también pueden ofrecer valiosas perspectivas sobre la cultura y las creencias de aquella época.

El arte rupestre de la cuenca mediterránea ibérica presenta un estilo muy diferente, con la figura humana como protagonista principal, a menudo representada en grandes grupos, con escenas de batallas, danzas y caza, además de otras actividades y detalles como la vestimenta. Las figuras suelen representarse de forma esquemática con pintura fina, y las relaciones entre los grupos de humanos y animales se representan con mayor detalle que las figuras individuales. Otros grupos de arte rupestre, menos numerosos y muchos de ellos grabados en lugar de pintados, muestran características similares. Se cree que los ejemplos ibéricos datan de un largo periodo, que quizás abarque el Paleolítico Superior, el Mesolítico y el Neolítico temprano.

El arte celta prehistórico data de gran parte de la Edad de Hierro europea y sobrevive principalmente como objetos de metal de alto estatus, hábilmente decorados con diseños complejos, elegantes y mayormente abstractos, que a menudo presentan formas curvas y espirales. Se encuentran cabezas humanas y algunos animales representados con todo detalle, pero las figuras humanas de cuerpo entero, de cualquier tamaño, son tan raras que su ausencia podría representar un tabú religioso. Con la conquista romana de los territorios celtas, este estilo prácticamente desapareció. Sin embargo, se mantuvo en uso limitado en las Islas Británicas , y con la llegada del cristianismo, resurgió allí en el estilo insular de la Alta Edad Media.

Antiguo

Minoico

La civilización minoica de Creta es considerada la civilización más antigua de Europa. [ 18 ] El arte minoico se caracteriza por imágenes imaginativas y una maestría excepcional. Sinclair Hood describió una «cualidad esencial del mejor arte minoico: la capacidad de crear una atmósfera de movimiento y vida, aunque siguiendo un conjunto de convenciones muy formales». [ 19 ] Forma parte del conjunto más amplio del arte egeo y, en épocas posteriores, llegó a tener una influencia dominante sobre el arte cicládico . La madera y los textiles se han descompuesto, por lo que la mayoría de los ejemplos que se conservan del arte minoico son cerámica , sellos minoicos intrincadamente tallados , frescos palaciegos (que incluyen paisajes), pequeñas esculturas de diversos materiales, joyería y trabajos en metal.

La relación del arte minoico con el de otras culturas contemporáneas y el posterior arte de la Antigua Grecia ha sido objeto de numerosos debates. Dominó claramente el arte micénico y el arte cicládico de los mismos periodos, [ 20 ] incluso después de que los micénicos ocuparan Creta, pero solo algunos aspectos de la tradición sobrevivieron a la Edad Oscura griega tras el colapso de la Grecia micénica . [ 21 ]

El arte minoico abarca una variedad de temas, muchos de los cuales aparecen en diferentes medios, aunque solo algunos estilos de cerámica incluyen escenas figurativas. El salto del toro aparece en pinturas y varios tipos de escultura, y se cree que tenía un significado religioso; las cabezas de toro también son un tema popular en terracota y otros materiales escultóricos. No hay figuras que parezcan retratos de individuos, ni que sean claramente de la realeza, y las identidades de las figuras religiosas suelen ser tentativas, [ 22 ] y los estudiosos no están seguros de si son deidades, clérigos o devotos. [ 23 ] De igual modo, no está nada claro si las habitaciones pintadas eran "santuarios" o seculares; se ha argumentado que una habitación en Akrotiri era un dormitorio, con restos de una cama, o un santuario. [ 24 ]

A menudo se representan animales, incluyendo una inusual variedad de fauna marina; el " Estilo Marino " es un tipo de cerámica palaciega pintada del MM III y LM IA que pinta criaturas marinas, incluyendo pulpos que se extienden por toda la vasija, y probablemente se originó a partir de escenas similares pintadas al fresco; [ 25 ] a veces estas aparecen en otros soportes. Las escenas de caza y guerra, y de caballos y jinetes, se encuentran principalmente en períodos posteriores, en obras quizás hechas por cretenses para un mercado micénico o para los señores micénicos de Creta.

Aunque las figuras minoicas, ya sean humanas o animales, poseen una gran sensación de vida y movimiento, a menudo no son muy precisas y, en ocasiones, resulta imposible identificar la especie; en comparación con el arte del Antiguo Egipto, suelen ser más vívidas, pero menos naturalistas. [ 26 ] En comparación con el arte de otras culturas antiguas, existe una alta proporción de figuras femeninas. Sin embargo, la idea de que los minoicos solo tenían diosas y ningún dios ha sido descartada. La mayoría de las figuras humanas se representan de perfil o siguiendo la convención egipcia, con la cabeza y las piernas de perfil y el torso visto de frente. Aun así, las figuras minoicas exageran rasgos como la cintura delgada en los hombres y los grandes senos en las mujeres. [ 27 ]

Griego clásico y helenístico

La Antigua Grecia contó con grandes pintores, escultores y arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta nuestros días. La escultura griega en mármol suele describirse como la máxima expresión del arte clásico . La pintura sobre cerámica de la Antigua Grecia ofrece una visión particularmente reveladora del funcionamiento de la sociedad griega. La pintura de vasos de figuras negras y de figuras rojas proporciona numerosos ejemplos que han sobrevivido de la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos de tablas de madera mencionados en textos son Apeles , Zeuxis y Parrasio . No se conservan ejemplos de pintura griega antigua sobre tabla, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o por romanos posteriores. Zeuxis vivió entre el 5 y el 6 a. C. y se dice que fue el primero en utilizar el sfumato . Según Plinio el Viejo , el realismo de sus pinturas era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apeles es considerado el mayor pintor de la Antigüedad por su técnica perfecta en el dibujo, su brillante colorido y su maestría en el modelado.

romano

El arte romano estuvo influenciado por Grecia y puede considerarse, en parte, descendiente de la pintura y la escultura griegas antiguas, pero también recibió una fuerte influencia del arte etrusco, más local, de Italia. La escultura romana se compone principalmente de retratos de las clases altas, así como de representaciones de los dioses. Sin embargo, la pintura romana posee características únicas e importantes. Entre las pinturas romanas que se conservan se encuentran pinturas murales, muchas de ellas procedentes de villas en Campania , en el sur de Italia, especialmente en Pompeya y Herculano . Estas pinturas pueden agruparse en cuatro "estilos" o periodos principales [ 29 ] y pueden contener los primeros ejemplos de trampantojo , pseudoperspectiva y paisaje puro. [ 30 ]

Casi todos los retratos pintados que se conservan del mundo antiguo son numerosos retratos de busto en sarcófagos hallados en el cementerio tardoantiguo de Al-Fayum . Estos retratos dan una idea de la calidad que debían tener las mejores obras antiguas. También se conserva un número muy reducido de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad tardía, así como un número considerablemente mayor de copias de estos libros de principios de la Edad Media. El arte paleocristiano surgió del arte popular romano, y posteriormente del arte imperial, y adaptó su iconografía de estas fuentes.

Medieval

La mayor parte del arte medieval que se conserva tiene un enfoque religioso, a menudo financiado por la Iglesia , figuras eclesiásticas influyentes como obispos , grupos comunitarios como abadías o mecenas seculares adinerados . Muchas obras tenían funciones litúrgicas específicas, como cruces procesionales y retablos .

Una de las cuestiones centrales del arte medieval radica en su falta de realismo. Gran parte del conocimiento sobre la perspectiva en el arte y la comprensión de la figura humana se perdió con la caída de Roma . Sin embargo, el realismo no era la principal preocupación de los artistas medievales. Su objetivo era transmitir un mensaje religioso, una tarea que exige imágenes claras e icónicas, más que representaciones precisas.

Periodo : del siglo VI al siglo XV

arte altomedieval

El arte del período de las migraciones es un término general que engloba el arte de los pueblos considerados "bárbaros" que se asentaron en territorios que antes pertenecían al Imperio Romano. En las Islas Británicas, el arte celta de los siglos VII y VIII experimentó una fusión con las tradiciones germánicas a través del contacto con los anglosajones , dando lugar al estilo hiberno-sajón o arte insular , que tuvo una gran influencia durante el resto de la Edad Media. Los francos desarrollaron el arte merovingio hasta aproximadamente el año 800, cuando el arte carolingio combinó las influencias insulares con un renacimiento clásico consciente, dando origen al arte otoniano . El arte anglosajón es el arte de Inglaterra posterior al período insular. Los manuscritos iluminados contienen casi todas las pinturas que se conservan de este período, pero la arquitectura, la metalistería y las pequeñas tallas en madera o marfil también fueron medios de expresión importantes.

bizantino

El arte bizantino se superpone o se fusiona con lo que llamamos arte paleocristiano hasta el período iconoclasta de 730-843, cuando se destruyó la gran mayoría de las obras de arte con figuras; tan poco se conserva que hoy en día cualquier descubrimiento aporta una nueva perspectiva. Desde 843 hasta 1453, existe una clara tradición artística bizantina. A menudo se trata del arte más refinado de la Edad Media en cuanto a la calidad de los materiales y la maestría artística, con la producción centrada en Constantinopla. El mayor logro del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos de las iglesias con cúpula, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y a la conversión de iglesias en mezquitas.

románico

El arte románico abarca el periodo comprendido entre el año 1000 aproximadamente y el auge del arte gótico en el siglo XII. Fue una época de creciente prosperidad y la primera en la que se observó un estilo coherente extendido por toda Europa, desde Escandinavia hasta Sicilia. El arte románico se caracteriza por su vigor y franqueza, sus colores vivos y su sofisticación. El vitral y el esmalte sobre metal adquirieron gran importancia, y se desarrollaron esculturas de gran formato, si bien el alto relieve fue la técnica principal. Su arquitectura se distingue por sus muros gruesos, ventanas y arcos de medio punto, y una profusa decoración tallada.

gótico

El arte gótico es un término variable que depende de la técnica, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica en 1140, pero la pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas salvedades), cuando se separó del estilo románico. La escultura gótica nació en Francia en 1144 con la renovación de la abadía de San Dionisio y se extendió por toda Europa; para el siglo XIII se había convertido en el estilo internacional, reemplazando al románico. El gótico internacional describe el arte gótico desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después del cual el arte gótico se fusiona con el arte renacentista en diferentes momentos y lugares. Durante este período, formas como la pintura, al fresco y sobre tabla, adquieren una nueva importancia, y el período finaliza con nuevos medios como el grabado.

Renacimiento

El Hombre de Vitruvio ( Uomo Vitruviano ) de Leonardo da Vinci (c. 1490), una obra fundamental del Renacimiento. El dibujo está inspirado en el arquitecto y escritor romano del siglo I a. C., Vitruvio , y posteriormente recibe su nombre, así como en sus nociones sobre las proporciones "ideales" del cuerpo humano , expuestas en su obra De architectura . [ 31 ] [ 32 ] El dibujo pone de relieve la fascinación del movimiento por las civilizaciones grecorromanas y la apropiación del arte clásico , así como su búsqueda de la correlación entre la estructura corporal y la naturaleza. [ 32 ]

El Renacimiento se caracteriza por un enfoque en las artes de la Antigua Grecia y Roma , lo que propició numerosos cambios tanto en los aspectos técnicos de la pintura y la escultura como en su temática. Comenzó en Italia , un país con una rica herencia romana y una prosperidad material que permitió financiar a los artistas. Durante el Renacimiento, los pintores comenzaron a realzar el realismo de sus obras mediante el uso de nuevas técnicas de perspectiva , representando así las tres dimensiones con mayor autenticidad. Los artistas también empezaron a utilizar nuevas técnicas para manipular la luz y la sombra, como el contraste tonal evidente en muchos retratos de Tiziano y el desarrollo del sfumato y el claroscuro por Leonardo da Vinci . Los escultores , asimismo, redescubrieron muchas técnicas antiguas, como el contrapposto . Siguiendo el espíritu humanista de la época, el arte se volvió más secular en su temática, representando la mitología antigua junto con temas cristianos. Este género artístico se conoce a menudo como Clasicismo Renacentista . En el norte, la innovación más importante del Renacimiento fue el uso generalizado de la pintura al óleo , que permitió una mayor intensidad y colorido.

Del gótico al Renacimiento

Durante finales del siglo XIII y principios del XIV, gran parte de la pintura en Italia era de carácter bizantino , especialmente la de Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma tenía un estilo más gótico . Durante el siglo XIII , los escultores italianos comenzaron a inspirarse no solo en prototipos medievales, sino también en obras antiguas. [ 33 ]

En 1290, Giotto comenzó a pintar de una manera menos tradicional y más basada en la observación de la naturaleza. Su famoso ciclo en la Capilla Scrovegni de Padua se considera el inicio del estilo renacentista .

Otros pintores del siglo XIV llevaron el estilo gótico a un nivel de elaboración y detalle excepcionales. Entre ellos destacan Simone Martini y Gentile da Fabriano .

En los Países Bajos , la técnica de pintar al óleo, en lugar de al temple , propició una forma de elaboración que no dependía de la aplicación de pan de oro ni del relieve, sino de la representación minuciosa del mundo natural. En esta época se desarrolló el arte de pintar texturas con gran realismo. Pintores neerlandeses como Jan van Eyck y Hugo van der Goes ejercieron una gran influencia en la pintura del gótico tardío y del primer Renacimiento.

Renacimiento temprano

Las ideas del Renacimiento surgieron por primera vez en la ciudad-estado de Florencia , Italia . El escultor Donatello retomó técnicas clásicas como el contrapposto y temas clásicos como el desnudo sin apoyo; su segunda escultura de David fue el primer desnudo de bronce exento creado en Europa desde el Imperio Romano. El escultor y arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los edificios romanos antiguos en busca de inspiración. Masaccio perfeccionó elementos como la composición, la expresión individual y la forma humana para pintar frescos, especialmente los de la Capilla Brancacci , de sorprendente elegancia, dramatismo y emoción.

Un número considerable de estos importantes artistas trabajaron en diferentes partes de la Catedral de Florencia . La cúpula de Brunelleschi para la catedral fue una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias desde el arbotante gótico. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuyeron a la catedral.

Alto Renacimiento

Entre los artistas del Alto Renacimiento se incluyen figuras como Leonardo da Vinci , Miguel Ángel Buonarroti y Raffaello Sanzio .

Los desarrollos artísticos del siglo XV en Italia (por ejemplo, el interés por los sistemas de perspectiva, la representación de la anatomía y las culturas clásicas) maduraron durante el siglo XVI, lo que explica las denominaciones de «Primer Renacimiento» para el siglo XV y «Alto Renacimiento» para el siglo XVI. Si bien ningún estilo singular caracteriza al Alto Renacimiento, el arte de los más estrechamente asociados con este período —Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano— exhibe una maestría asombrosa, tanto técnica como estética. Los artistas del Alto Renacimiento crearon obras de tal autoridad que generaciones posteriores de artistas se basaron en ellas como fuente de aprendizaje. Estas creaciones artísticas ejemplares elevaron aún más el prestigio de los artistas. Podían reivindicar la inspiración divina, elevando así las artes visuales a un estatus antes reservado a la poesía. De este modo, pintores, escultores y arquitectos alcanzaron su máximo esplendor, logrando un lugar destacado para su obra dentro de las bellas artes. En cierto modo, los maestros del siglo XVI crearon una nueva profesión con sus propios derechos de expresión y su propio carácter venerable.

El arte nórdico hasta el Renacimiento.

La pintura flamenca temprana desarrolló (aunque no inventó estrictamente) la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control en la pintura de detalles minuciosos con realismo. Jan van Eyck  (1366-1441) fue una figura clave en el movimiento que pasó de los manuscritos iluminados a las pinturas sobre tabla .

Hieronymus Bosch (¿1450?–1516), pintor neerlandés , es otra figura importante del Renacimiento nórdico . Utilizó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas y leyendas populares campesinas. Sus pinturas a menudo reflejan la confusión y la angustia asociadas con el final de la Edad Media.

Albrecht Dürer introdujo el estilo del Renacimiento italiano en Alemania a finales del siglo XV y dominó el arte del Renacimiento alemán .

Período de tiempo :

  • Renacimiento italiano: finales del siglo XIV a principios del siglo XVI.
  • Renacimiento nórdico: siglo XVI

Manierismo, Barroco y Rococó

Diferencias entre el arte barroco y el rococó
El arte barroco se caracterizó por temas fuertemente religiosos y políticos; entre sus características comunes se encontraban los colores intensos con un fuerte contraste entre luces y sombras. Las pinturas eran elaboradas, emotivas y dramáticas. En la imagen, Cristo en la columna ( Cristo alla colonna ) de Caravaggio .
El arte rococó se caracterizó por temas más ligeros y a menudo jocosos; entre sus rasgos comunes se encontraban los colores pálidos y cremosos, las decoraciones floridas y la predilección por los paisajes bucólicos. Las pinturas eran más ornamentadas que las del Barroco y, por lo general, elegantes, alegres y desenfadadas.

En el arte europeo, el clasicismo renacentista dio origen a dos movimientos: el manierismo y el barroco . El manierismo, reacción contra la perfección idealista del clasicismo, empleó distorsiones de la luz y de la composición espacial para enfatizar el contenido emocional de la pintura y las emociones del pintor. La obra de El Greco es un ejemplo particularmente claro del manierismo en la pintura de finales del siglo XVI y principios del XVII. El manierismo nórdico tardó más en desarrollarse y fue, en gran medida, un movimiento de la segunda mitad del siglo XVI. El arte barroco llevó el representacionalismo del Renacimiento a nuevas cotas, enfatizando el detalle, el movimiento, la iluminación y el dramatismo en su búsqueda de la belleza. Quizás los pintores barrocos más conocidos sean Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens y Diego Velázquez .

En la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII , surgió un arte bastante diferente a partir de las tradiciones realistas del norte. Este género, caracterizado por la escasa presencia de arte religioso e histórico , desempeñó un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares como la naturaleza muerta , las escenas de género y el paisaje . Si bien el carácter barroco del arte de Rembrandt es evidente, esta etiqueta resulta menos útil para Vermeer y muchos otros artistas holandeses. La pintura barroca flamenca participó de esta tendencia, al tiempo que continuó produciendo obras dentro de las categorías tradicionales.

El arte barroco se considera a menudo parte de la Contrarreforma , el elemento artístico del renacimiento de la vida espiritual en la Iglesia Católica Romana . Además, el énfasis que el arte barroco puso en la grandeza se considera de naturaleza absolutista . Los temas religiosos y políticos se exploraron ampliamente dentro del contexto artístico barroco, y un fuerte elemento de drama, emoción y teatralidad caracterizó tanto las pinturas como las esculturas. Entre los artistas barrocos famosos se encuentran Caravaggio y Rubens . [ 37 ] Artemisia Gentileschi fue otra artista notable, que se inspiró en el estilo de Caravaggio. El arte barroco era particularmente ornamentado y elaborado, a menudo utilizando colores ricos y cálidos con matices oscuros. La pompa y la grandeza fueron elementos importantes del movimiento artístico barroco en general, como se puede ver en la frase de Luis XIV : "Soy la grandeza encarnada"; muchos artistas barrocos sirvieron a reyes que buscaban lograr este objetivo. El arte barroco, en muchos sentidos, era similar al arte renacentista; De hecho, el término se utilizó inicialmente de forma despectiva para describir el arte y la arquitectura posrenacentistas que eran excesivamente elaborados. [ 37 ] El arte barroco puede considerarse una readaptación más elaborada y dramática del arte del Renacimiento tardío.

Sin embargo, en el siglo XVIII, el arte barroco estaba cayendo en desuso, ya que muchos lo consideraban demasiado melodramático y sombrío, y dio paso al rococó , que surgió en Francia. El arte rococó era incluso más elaborado que el barroco, pero era menos serio y más lúdico. [ 38 ] Mientras que el barroco utilizaba colores ricos y fuertes, el rococó utilizaba tonos pálidos y cremosos. El movimiento artístico ya no hacía hincapié en la política y la religión, sino que se centraba en temas más ligeros como el romance, la celebración y la apreciación de la naturaleza. El arte rococó también contrastaba con el barroco, ya que a menudo rechazaba la simetría en favor de diseños asimétricos. Además, se inspiró en las formas artísticas y la ornamentación del Lejano Oriente asiático , lo que llevó a un aumento en la popularidad de las figurillas de porcelana y la chinoiserie en general. [ 39 ] El estilo del siglo XVIII floreció por un corto tiempo; Sin embargo, el estilo rococó pronto cayó en desuso, al ser considerado por muchos como un movimiento ostentoso y superficial que priorizaba la estética sobre el significado. El neoclasicismo se desarrolló, en muchos sentidos, como un movimiento contrario al rococó, impulsado por un sentimiento de repugnancia hacia la suntuosidad de este último.

Manierismo (siglo XVI)

Barroco (principios del siglo XVII hasta mediados o principios del siglo XVIII)

Rococó (principios a mediados del siglo XVIII)

Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo y Realismo

El arte neoclásico, inspirado en diferentes temas clásicos, se caracterizó por un énfasis en la simplicidad, el orden y el idealismo. En la imagen Psique revivida por el beso de Cupido (1787-1793) de Antonio Canova .

A lo largo del siglo XVIII, surgió en diferentes partes de Europa un movimiento contrario al rococó, conocido comúnmente como neoclasicismo . Este movimiento despreciaba la superficialidad y la frivolidad que se le atribuían al arte rococó y anhelaba un retorno a la sencillez, el orden y el purismo de la antigüedad clásica, especialmente de la antigua Grecia y Roma. El movimiento también estuvo influenciado, en parte, por el Renacimiento, que a su vez recibió una fuerte influencia del arte clásico. El neoclasicismo fue el componente artístico del movimiento intelectual conocido como la Ilustración ; la Ilustración era idealista y hacía hincapié en la objetividad, la razón y la verdad empírica. El neoclasicismo se extendió por Europa durante el siglo XVIII, especialmente en el Reino Unido , donde surgieron grandes obras de arquitectura neoclásica durante este período. La fascinación del neoclasicismo por la antigüedad clásica se puede apreciar en la popularidad del Grand Tour durante esta década, en el que aristócratas adinerados viajaban a las antiguas ruinas de Italia y Grecia. Sin embargo, un momento decisivo para el Neoclasicismo se produjo durante la Revolución Francesa a finales del siglo XVIII; en Francia, el arte rococó fue reemplazado por el arte neoclásico, considerado más serio que el movimiento anterior. En muchos sentidos, el Neoclasicismo puede verse como un movimiento tanto político como artístico y cultural. [ 40 ] El arte neoclásico enfatiza el orden, la simetría y la simplicidad clásica; entre los temas comunes del arte neoclásico se encuentran el coraje y la guerra, temas que también se exploraban en el arte griego y romano antiguo. Ingres , Canova y Jacques-Louis David se encuentran entre los neoclasicistas más conocidos. [ 41 ]

Eugène Delacroix , La Libertad guiando al pueblo, 1830, arte romántico .

Así como el Manierismo rechazó el Clasicismo, el Romanticismo rechazó las ideas de la Ilustración y la estética de los Neoclasicistas. El Romanticismo rechazó la naturaleza altamente objetiva y ordenada del Neoclasicismo y optó por un enfoque más individual y emocional de las artes. [ 42 ] El Romanticismo enfatizó la naturaleza, especialmente cuando buscaba representar el poder y la belleza del mundo natural, y las emociones, y buscó un enfoque altamente personal del arte. El arte romántico se centraba en los sentimientos individuales, no en temas comunes, a diferencia del Neoclasicismo; de esta manera, el arte romántico a menudo utilizaba el color para expresar sentimientos y emociones. [ 42 ] De manera similar al Neoclasicismo, el arte romántico se inspiró en gran medida en el arte y la mitología de la antigua Grecia y Roma, pero, a diferencia del Neoclasicismo, esta inspiración se utilizó principalmente como una forma de crear simbolismo e imágenes. El arte romántico también toma muchas de sus cualidades estéticas del medievalismo y el gótico , así como de la mitología y el folclore . Entre los más grandes artistas románticos se encontraban Eugène Delacroix , Francisco Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole y William Blake . [ 41 ]

La mayoría de los artistas adoptaron un enfoque centrista, incorporando elementos de los estilos neoclásico y romántico para sintetizarlos. Los distintos intentos se desarrollaron en el seno de la Academia Francesa y se conocen colectivamente como arte académico . Adolphe William Bouguereau es considerado un ejemplo destacado de esta corriente artística.

A principios del siglo XIX, la industrialización transformó radicalmente Europa . La pobreza, la miseria y la desesperación fueron el destino de la nueva clase trabajadora surgida de la revolución. En respuesta a estos cambios sociales, surgió el movimiento del Realismo . El Realismo buscaba retratar con precisión las condiciones y las dificultades de los pobres con la esperanza de transformar la sociedad. A diferencia del Romanticismo, que era esencialmente optimista respecto a la humanidad, el Realismo ofrecía una visión cruda de la pobreza y la desesperación. Del mismo modo, mientras que el Romanticismo glorificaba la naturaleza, el Realismo retrataba la vida en las profundidades de un páramo urbano. Al igual que el Romanticismo, el Realismo fue un movimiento tanto literario como artístico. Entre los grandes pintores realistas se encuentran Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (ambos considerados impresionistas ) y Thomas Eakins , entre otros.

La respuesta de la arquitectura a la industrialización, en marcado contraste con las demás artes, fue inclinarse hacia el historicismo. Si bien las estaciones de ferrocarril construidas durante este período suelen considerarse el reflejo más fiel de su espíritu —a veces se las denomina «las catedrales de la época»—, los principales movimientos arquitectónicos de la Era Industrial consistieron en la recuperación de estilos del pasado lejano, como el neogótico . Entre los movimientos afines se encuentran la Hermandad Prerrafaelita , que buscaba devolver al arte su «pureza» anterior a Rafael , y el movimiento Arts and Crafts , que reaccionó contra la impersonalidad de los productos fabricados en masa y abogó por un retorno a la artesanía medieval.

Período de tiempo :

Arte moderno

El impresionismo se caracterizó por el uso de la luz y el movimiento en sus pinturas, como en " Casas del Parlamento, puesta de sol" de Claude Monet , de 1902.
Art & Language son conocidos por su importante contribución al arte conceptual.

Out of the naturalist ethic of Realism grew a major artistic movement, Impressionism. The Impressionists pioneered the use of light in painting, attempting to capture it as seen by the human eye. Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, and Pierre-Auguste Renoir, were all involved in the Impressionist movement. As a direct outgrowth of Impressionism, Post-Impressionism developed. Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat are the best known Post-Impressionists.

Following the Impressionists and the Post-Impressionists came Fauvism, often considered the first "modern" genre of art. Just as the Impressionists revolutionized light, so did the Fauvists rethink color, painting their canvases in bright, wild hues. After the Fauvists, modern art began to develop in all its forms, ranging from Expressionism, concerned with evoking emotion through objective works of art, to Cubism, the art of transposing a four-dimensional reality onto a flat canvas, to Abstract art. These new art forms pushed the limits of traditional notions of "art" and corresponded to the rapid changes taking place in human society, technology, and thought.

Surrealism is often classified as a form of Modern Art. However, the Surrealists themselves have objected to the study of surrealism as an era in art history, claiming that it oversimplifies the complexity of the movement (which they say is not an artistic movement), misrepresents the relationship of surrealism to aesthetics, and falsely characterizes ongoing surrealism as a finished, historically encapsulated era. Other forms of Modern art (some of which border on Contemporary art) include:

Time Period:

  • Impressionism: late 19th century
  • Others: First half of the 20th century

Contemporary art and Postmodern art

Charles Thomson. Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision, 2000, Stuckism.

Modern art foreshadowed several characteristics of what would later be defined as postmodern art; in fact, several modern art movements can often be classified as both modern and postmodern, such as pop art. Postmodern art, for instance, places a strong emphasis on irony, parody, and humour; modern art began to develop a more ironic approach, which would later advance in a postmodern context. Postmodern art blurs the boundaries between the high and fine arts and low-end and commercial art; modern art began experimenting with this blurring.[42] Recent developments in art have been characterised by a significant expansion of what can now be deemed art, in terms of materials, media, activities, and concepts. Conceptual art in particular has had a wide influence. This started literally as the replacement of a concept for a made object, one of the intentions of which was to refute the commodification of art. However, it now usually refers to an artwork where there is an object, but the main claim for the work is made for the thought process that has informed it. The aspect of commercialism has returned to the work.

There has also been an increase in art that refers to previous movements and artists and gains validity from that reference.

Postmodernism in art, which has grown since the 1960s, differs from Modernism in that Modern art movements were primarily focused on their own activities and values. In contrast, Postmodernism draws on the whole range of previous movements as a reference point. This has, by definition, generated a relativistic outlook, accompanied by irony and a certain disbelief in values, as each can be seen to be replaced by another. Another result of this has been the growth of commercialism and celebrity. Postmodern art has questioned common rules and guidelines of what is regarded as 'fine art', merging low art with the fine arts until neither is fully distinguishable.[43][44] Before the advent of postmodernism, the fine arts were characterised by a form of aesthetic quality, elegance, craftsmanship, finesse and intellectual stimulation which was intended to appeal to the upper or educated classes; this distinguished high art from low art, which, in turn, was seen as tacky, kitsch, easily made and lacking in much or any intellectual stimulation, art which was intended to appeal to the masses. Postmodern art blurred these distinctions, bringing a strong element of kitsch, commercialism, and campness into contemporary fine art;[42] what is nowadays seen as fine art may have been seen as low art before postmodernism revolutionised the concept of what high or fine art truly is.[42] In addition, the postmodern nature of contemporary art leaves a lot of space for individualism within the art scene; for instance, postmodern art often takes inspiration from past artistic movements, such as Gothic or Baroque art, and both juxtaposes and recycles styles from these past periods in a different context.[42]

Some surrealists in particular Joan Miró, who called for the "murder of painting" (In numerous interviews dating from the 1930s onwards, Miró expressed contempt for conventional painting methods and his desire to "kill", "murder", or "rape" them in favor of more contemporary means of expression)[45] have denounced or attempted to "supersede" painting, and there have also been other anti-painting trends among artistic movements, such as that of Dada and conceptual art. The trend away from painting in the late 20th century has been countered by various movements, for example the continuation of Minimal Art, Lyrical Abstraction, Pop Art, Op Art, New Realism, Photorealism, Neo Geo, Neo-expressionism, New European Painting, Stuckism, Excessivism and various other important and influential painterly directions.

See also

References

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Bibliography

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