¡Zas!

¡Whaam! es un díptico pintado en 1963 por el artista estadounidense Roy Lichtenstein . Es una de las obras más conocidas del arte pop y una de las pinturas más importantes de Lichtenstein. ^{[ 1 ]} ¡Whaam! se exhibió por primera vez en la Galería Leo Castelli de Nueva York en 1963 y fue adquirida por la Tate Gallery de Londres en 1966. Se exhibe de forma permanente en la Tate Modern desde 2006.

El panel izquierdo muestra un avión de combate disparando un cohete que, en el panel derecho, impacta contra un segundo avión que explota en llamas. Lichtenstein adaptó la imagen de varias viñetas de cómics , siendo la fuente principal una viñeta ilustrada por Irv Novick de un cómic bélico de 1962. Lichtenstein transformó la fuente presentándola como un díptico, alterando la relación entre los elementos gráficos y narrativos. ¡Whaam! es reconocida por la integración temporal, espacial y psicológica de sus dos paneles. El título de la pintura es fundamental para la acción y el impacto de la obra, y se muestra en grandes onomatopeyas en el panel derecho.

Lichtenstein estudió arte antes y después de servir en el Ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial . Practicó ejercicios antiaéreos durante el entrenamiento básico y fue enviado a un programa de entrenamiento de pilotos, pero este fue cancelado antes de comenzar. Entre los temas que abordó después de la guerra se encuentran el romance y la guerra . Representó el combate aéreo en varias obras. ¡Whaam! forma parte de una serie sobre la guerra en la que trabajó entre 1962 y 1964, y junto con Al abrir fuego (1964) es una de sus dos grandes pinturas de temática bélica.

En 1943, Lichtenstein dejó sus estudios de pintura y dibujo en la Universidad Estatal de Ohio para servir en el Ejército de los Estados Unidos, donde permaneció hasta enero de 1946. Tras ingresar en programas de entrenamiento de idiomas, ingeniería y pilotaje, todos los cuales fueron cancelados, sirvió como ordenanza, dibujante y artista en funciones no de combate. ^{[ 2 ] [ 3 ]} Una de sus tareas en Camp Shelby era ampliar las caricaturas de Stars and Stripes de Bill Mauldin . ^{[ 2 ]} Fue enviado a Europa con un batallón de ingenieros, pero no participó en combate activo. ^{[ 2 ]} Como pintor, finalmente se decantó por un estilo expresionista abstracto con elementos paródicos. ^{[ 4 ]} Alrededor de 1958 comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas. ^{[ 5 ]}

Una nueva generación de artistas surgió a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 con un enfoque más objetivo y "frío", caracterizado por los movimientos artísticos conocidos hoy como minimalismo , ^{[ 6 ]} pintura de bordes duros , ^{[ 7 ]} pintura de campos de color , ^{[ 8 ]} el movimiento neodadaísta , ^{[ 9 ]} Fluxus , ^{[ 10 ]} y arte pop , todos los cuales redefinieron el arte contemporáneo de vanguardia de la época. El arte pop y el neodadaísmo reintrodujeron y cambiaron el uso de las imágenes al apropiarse de temas del arte comercial, los bienes de consumo, la historia del arte y la cultura dominante. ^{[ 11 ] [ 12 ]} Lichtenstein alcanzó reconocimiento internacional durante la década de 1960 como uno de los iniciadores del movimiento del arte pop en Estados Unidos. ^{[ 13 ]} Respecto a su uso de las imágenes, la curadora del MoMA, Bernice Rose, observó que Lichtenstein estaba interesado en "desafiar la noción de originalidad tal como prevalecía en ese momento". ^{[ 14 ]}

Las primeras obras de Lichtenstein basadas en cómics, como Look Mickey, se centraban en personajes animados populares. Para 1963, había progresado hacia temas más serios y dramáticos, centrándose típicamente en situaciones románticas o escenas de guerra. ^{[ 15 ]} Los cómics como género eran poco apreciados en ese momento. La antipatía pública llevó en 1954 a examinar las supuestas conexiones entre los cómics y la delincuencia juvenil durante las investigaciones del Senado sobre la delincuencia juvenil ; ^{[ 16 ]} para finales de esa década, los cómics eran considerados material de "la clase comercial e intelectual más baja", según Mark Thistlethwaite del Museo de Arte Moderno de Fort Worth . ^{[ 16 ]} Lichtenstein no era un entusiasta de los cómics en su juventud, ^{[ 17 ]} pero se sintió atraído como artista por el desafío de crear arte basado en un tema alejado de la típica "imagen artística". ^{[ 18 ]} Lichtenstein admitió estar "muy entusiasmado y muy interesado en el contenido altamente emotivo, pero a la vez en el tratamiento impersonal y distante del amor, el odio, la guerra, etc., en estas imágenes de dibujos animados". ^{[ 15 ]}

Las obras de Lichtenstein, basadas en cómics de romance y guerra, tomaron temas heroicos de pequeñas viñetas originales y los monumentalizaron. ^{[ 19 ]} ¡Whaam! es comparable en tamaño a los lienzos generalmente grandes pintados en ese momento por los expresionistas abstractos. ^{[ 20 ]} Es una de las muchas obras de Lichtenstein con temática aeronáutica. ^{[ 21 ]} Dijo que «los héroes representados en los cómics son de tipo fascista, pero no los tomo en serio en estas pinturas; tal vez haya un propósito en no tomarlos en serio, un propósito político. Los uso por razones puramente formales». ^{[ 22 ]}

Whaam! adapta una viñeta de Irv Novick de la historia "Star Jockey" del número 89 de All -American Men of War de DC Comics (febrero de 1962). ^{[ 23 ] [ 24 ] [ 25 ]} El original forma parte de una secuencia onírica en la que el piloto ficticio de P-51 Mustang de la Segunda Guerra Mundial , Johnny Flying Cloud, "el as navajo ", se ve a sí mismo pilotando un caza a reacción mientras derriba otros aviones a reacción. ^{[ 26 ] [ 27 ]} En la pintura de Lichtenstein, tanto los aviones atacantes como los objetivos son reemplazados por diferentes tipos de aeronaves. Paul Gravett sugiere que Lichtenstein sustituyó el avión atacante por una aeronave de "Wingmate of Doom" ilustrada por Jerry Grandenetti en el número siguiente (n.º 90, abril de 1962), ^{[ 28 ]} y que el avión objetivo fue tomado prestado de un dibujo de Russ Heath ^{[ 29 ]} en el tercer panel de la página 3 de la historia "Aces Wild" en el mismo número n.º 89. ^{[ 28 ]} La pintura también omite el bocadillo de diálogo de la fuente en el que el piloto exclama "¡El enemigo se ha convertido en una estrella llameante!" ^{[ 30 ]}

Una pintura al óleo más pequeña de un solo panel de Lichtenstein, Tex!, tiene una composición similar, con un avión en la parte inferior izquierda disparando un misil aire-aire a un segundo avión que está explotando en la parte superior derecha, con un bocadillo de diálogo. ^{[ 31 ]} El mismo número de All-American Men of War fue la inspiración para al menos otras tres pinturas de Lichtenstein, Okay Hot-Shot, Okay!, Brattata y Blam , además de Whaam! y Tex! ^{[ 32 ]} El boceto a lápiz de grafito, Jet Pilot, también era de ese número. ^{[ 33 ]} Varias de las otras obras de Lichtenstein basadas en cómics están inspiradas en historias sobre Johnny Flying Cloud escritas por Robert Kanigher e ilustradas por Novick, incluyendo Okay Hot-Shot, Okay!, Jet Pilot y Von Karp . ^{[ 27 ]}

Lichtenstein representó repetidamente combates aéreos entre Estados Unidos y la Unión Soviética . ^{[ 3 ]} A principios y mediados de la década de 1960, produjo esculturas de "explosión", tomando temas como la "liberación catastrófica de energía" de pinturas como Whaam! y representándolos en formas exentas y en relieve. ^{[ 34 ]} En 1963, parodiaba diversas obras de arte, desde publicidad y cómics hasta obras maestras modernas de " alta cultura " de Cézanne , Mondrian , Picasso y otros. En ese momento, Lichtenstein señaló que "las cosas que aparentemente he parodiado, en realidad las admiro". ^{[ 35 ]}

La primera exposición individual de Lichtenstein se llevó a cabo en la Galería Leo Castelli en la ciudad de Nueva York, del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962. Se agotaron las obras antes de su inauguración. ^{[ 36 ]} La exposición incluyó Look Mickey , ^{[ 37 ]} Engagement Ring , Blam y The Refrigerator . ^{[ 38 ]} Según el sitio web de la Fundación Lichtenstein, Whaam! formó parte de la segunda exposición individual de Lichtenstein en la Galería Leo Castelli del 28 de septiembre al 24 de octubre de 1963, que también incluyó Drowning Girl , Baseball Manager , In the Car , Conversation y Torpedo...Los! ^{[ 2 ] [ 36 ]} Los materiales de marketing para la muestra incluyeron la obra de arte litográfica , Crak! ^{[ 39 ] [ 40 ]}

El sitio web de la Fundación Lichtenstein dice que Lichtenstein comenzó a usar su técnica de proyector opaco en 1962. ^{[ 2 ]} En 1967 describió su proceso para producir arte basado en cómics de la siguiente manera:

Las hago de la forma más directa posible. Si trabajo a partir de una caricatura, una fotografía o lo que sea, hago un dibujo pequeño —del tamaño que quepa en mi proyector opaco  ... No dibujo para reproducir una imagen, sino para recomponerla  ... Voy desde tener un dibujo casi idéntico al original hasta crearlo completamente. ^{[ 41 ]}

Whaam! fue adquirido por la Tate Gallery en 1966. ^{[ 2 ]} En 1969, Lichtenstein donó su dibujo inicial a grafito sobre papel Drawing for ' Whaam! ' , describiéndolo como un "garabato a lápiz". ^{[ 42 ]} Según la Tate, Lichtenstein afirmó que este dibujo representaba su "primera visualización de Whaam! y que fue ejecutado justo antes de que comenzara la pintura". ^{[ 43 ]} Aunque había concebido una obra de arte unificada en un solo lienzo, hizo el boceto en dos hojas de papel de igual tamaño, que medían 14,9 cm × 30,5 cm (5,9 in × 12,0 in) . ^{[ 43 ]} La pintura se ha exhibido en la Tate Modern desde 2006. ^{[ 44 ]} En 2012-13, ambas obras se incluyeron en la mayor retrospectiva de Lichtenstein exhibida hasta la fecha, que pasó por el Instituto de Arte de Chicago (del 22 de mayo al 3 de septiembre de 2012), la Galería Nacional de Arte de Washington, DC (del 14 de octubre al 13 de enero de 2013), la Tate Modern de Londres (del 21 de febrero al 27 de mayo de 2013) y el Centro Pompidou (del 3 de julio al 4 de noviembre de 2013). ^{[ 45 ]}      

¡Whaam! representa un avión de combate en el panel izquierdo disparando un cohete contra un avión enemigo en el panel derecho, que se desintegra en una vívida explosión roja y amarilla. El estilo de caricatura se enfatiza mediante el uso de la onomatopeya "¡WHAAM!" en el panel derecho y un título enmarcado en amarillo con letras negras en la parte superior del panel izquierdo. La exclamación textual "¡WHAAM!" puede considerarse el equivalente gráfico de un efecto de sonido . ^{[ 46 ]} Esto se convertiría en una característica de su obra, al igual que otras de sus pinturas onomatopéyicas que contienen exclamaciones como ¡Bratatat! y ¡Varoom! ^{[ 47 ]}

¡Whaam! es una de las series de imágenes de guerra de Lichtenstein, que combina colores vibrantes con una narrativa expresiva. ^{[ 48 ]} ¡Whaam! es muy grande, mide 1,7 m × 4,0 m (5  pies 7 pulgadas × 13  pies 4 pulgadas). ^{[ 23 ]} Es menos abstracta que As I Opened Fire , otra de sus escenas de guerra. ^{[ 46 ]} Lichtenstein emplea su estilo habitual de cómic: imágenes estereotipadas en colores primarios brillantes con contornos negros, junto con imitaciones de los puntos Ben-Day de la imprenta mecánica . ^{[ 49 ]} El uso de estos puntos, inventados por Benjamin Day para simular variaciones de color y sombreado, se considera el "método característico" de Lichtenstein. ^{[ 50 ]} ¡Whaam! se diferencia de los dípticos anteriores de Lichtenstein, como Step-on-Can with Leg y Like New , en que los paneles no son dos variaciones de la misma imagen. ^{[ 25 ]}

Fragmento recortado y editado del dibujo para ' Whaam! ' (1963). Lichtenstein marcó las secciones con anotaciones de color, como "w" para blanco. ^{[ 42 ]}

Las letras blancas previstas resultaron ser amarillas en el trabajo final.

Aunque Lichtenstein se esforzó por mantenerse fiel a las imágenes originales, construyó sus pinturas de manera tradicional, comenzando con un boceto que ajustaba para mejorar la composición y luego proyectaba sobre un lienzo para crear la pintura final. ^{[ 51 ]} En el caso de Whaam!, el boceto está en dos hojas de papel, y la obra terminada está pintada con acrílico Magna y pintura al óleo sobre lienzo. ^{[ 31 ]} Si bien la transformación de una concepción de un solo panel a una pintura de díptico ocurrió durante el boceto inicial, la obra final difiere del boceto en varios aspectos. El boceto sugiere que el motivo "WHAAM!" sería de color blanco, aunque es amarillo en la obra terminada. ^{[ 42 ] [ 43 ]} Lichtenstein amplió el tema gráfico principal de cada panel (el avión de la izquierda y las llamas de la derecha), acercándolos como resultado. ^{[ 43 ]}

Lichtenstein construyó la imagen con múltiples capas de pintura. La pintura se aplicó con un pincel y una malla metálica hecha a mano para producir puntos Ben-Day mediante un proceso que dejó evidencia física. ^{[ 52 ] [ 53 ]} La técnica de puntos Ben-Day permitió a Lichtenstein dar a sus obras una apariencia de reproducción mecánica. Lichtenstein dijo que la obra "se supone que parece una falsificación, y creo que lo logra". ^{[ 50 ]}

Lichtenstein dividió la composición en dos paneles para separar la acción de su consecuencia. ^{[ 25 ]} El panel izquierdo muestra el avión atacante —colocado en diagonal para crear una sensación de profundidad— debajo del globo de texto, que Lichtenstein relegó al margen sobre el avión. ^{[ 25 ]} En el panel derecho, el avión que explota —representado de frente— está delineado por las llamas, acompañado de la audaz exclamación "¡WHAAM!". ^{[ 25 ]} Aunque separados, con un panel que contiene el lanzamiento del misil y el otro su explosión, representando dos eventos distintos, ^{[ 54 ]} los dos paneles están claramente vinculados espacial y temporalmente, sobre todo por la estela de humo horizontal del misil. ^{[ 55 ]} Lichtenstein comentó sobre esta obra en una carta del 10 de julio de 1967: "Recuerdo que me preocupaba la idea de hacer dos pinturas casi separadas con poca conexión compositiva, y cada una con un carácter estilístico ligeramente distinto. Por supuesto, está la conexión humorística de un panel disparando al otro". ^{[ 56 ]}

Lichtenstein alteró la composición para hacer la imagen más impactante, haciendo que el avión que explota sea más prominente en comparación con el avión atacante que en el original. ^{[ 25 ]} La estela de humo del misil se convierte en una línea horizontal. Las llamas de la explosión dominan el panel derecho, ^{[ 25 ]} pero el piloto y el avión en el panel izquierdo son el foco narrativo. ^{[ 46 ]} Ejemplifican el minucioso detalle de Lichtenstein de las características físicas como la cabina del avión. ^{[ 57 ]} El otro elemento del contenido narrativo es un globo de texto que contiene el siguiente texto: "Presioné el control de fuego  ... y delante de mí los cohetes ardieron a través del cielo  ..." ^{[ 52 ]} Este es uno de los textos que se cree que fue escrito por el editor de All-American Men of War, Robert Kanigher . ^{[ 28 ] [ 58 ] [ 59 ]} La palabra amarilla "¡WHAAM!", alterada del rojo en el panel original del cómic y el blanco en el boceto a lápiz, vincula el amarillo de la explosión debajo de ella con el cuadro de texto a la izquierda y las llamas del misil debajo del avión atacante.

Los préstamos de Lichtenstein de los cómics imitaban su estilo al tiempo que adaptaban su temática. ^{[ 60 ]} Explicó que «Los letreros y las tiras cómicas son interesantes como temática. Hay ciertas cosas que son útiles, contundentes y vitales en el arte comercial». Rebecca Bengal de PBS escribió que la claridad gráfica de Whaam! ejemplifica el estilo de línea clara asociado con Hergé , un caricaturista cuya influencia Lichtenstein reconoció. ^{[ 61 ]} A Lichtenstein le atraía usar un estilo frío y formal para representar temas emotivos, dejando que el espectador interpretara la intención del artista. ^{[ 51 ]} Adoptó una paleta de colores simplificada y técnicas similares a las de la impresión comercial. La técnica prestada era «representar variaciones tonales con patrones de círculos de colores que imitaban las tramas de semitonos de los puntos Ben Day utilizados en la impresión de periódicos, y rodearlos con contornos negros similares a los que se usaban para ocultar imperfecciones en el papel de periódico barato». ^{[ 60 ]} Lichtenstein dijo una vez sobre su técnica: "Tomo un cliché y trato de organizar sus formas para hacerlo monumental". ^{[ 52 ]}

La pintura fue, en general, bien recibida por la crítica de arte cuando se exhibió por primera vez. Una reseña de noviembre de 1963 de Art Magazine por Donald Judd describió Whaam! como una de las "pinturas amplias y poderosas" de la exposición de 1963 en la Galería Castelli. ^{[ 36 ]} En su reseña de la exposición, el crítico de arte de The New York Times, Brian O'Doherty, describió la técnica de Lichtenstein como "puntillismo de máquina de escribir  ... que martilla laboriosamente momentos tales como un avión derribando a otro avión con un gran BLAM". Según O'Doherty, el resultado "ciertamente no era arte, [pero] el tiempo podría convertirlo en tal", dependiendo de si podía ser "racionalizado  ... y colocado en la fila para que el futuro lo asimile como historia, lo cual muestra todas las señales de hacerlo". ^{[ 62 ]} La Tate Gallery de Londres adquirió la obra en 1966, lo que provocó una acalorada discusión entre sus fideicomisarios y algunos miembros vocales del público. La compra se realizó a la marchante de arte Ileana Sonnabend , cuyo precio inicial de 4665 libras ( 75 880 libras en moneda de 2025 ) se redujo mediante negociación a 3940 libras ( 64 087 libras en moneda de 2025 ). ^{[ 63 ]} Algunos fideicomisarios de la Tate se opusieron a la adquisición, entre ellos la escultora Barbara Hepworth , el pintor Andrew Forge y el poeta y crítico Herbert Read . ^{[ 63 ]} En defensa de la adquisición, el historiador de arte Richard Morphet, entonces conservador asistente de la Tate, sugirió que la pintura aborda varios temas y estilos pictóricos al mismo tiempo: "la pintura histórica, la extravagancia barroca y el fenómeno cotidiano de las tiras cómicas de circulación masiva". ^{[ 64 ]} The Times en 1967 describió la adquisición como una "pintura muy grande y espectacular". ^{[ 65 ]} El director de la Tate, Norman Reid , dijo más tarde que la obra despertó más interés público que cualquiera de sus adquisiciones desde la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 66 ]}

En 1968, ¡Whaam! se incluyó en la primera exposición individual de la Tate dedicada a la obra de Lichtenstein. ^{[ 66 ]} La muestra atrajo a 52.000 visitantes y se organizó con el Museo Stedelijk de Ámsterdam, ^{[ 63 ]} que posteriormente acogió la exposición del 4 de noviembre al 17 de diciembre de 1967, antes de que viajara a otros tres museos. ^{[ 2 ]}

Para José Pierre, ¡Whaam! representa la expansión de Lichtenstein en 1963 "hacia la veta 'épica'". ^{[ 67 ]} Keith Roberts, en un artículo de 1968 de la revista Burlington , describió la explosión como una combinación de " elegancia art nouveau con una energía nerviosa que recuerda al expresionismo abstracto". ^{[ 68 ]} Wendy Steiner cree que la obra es la composición basada en cómic más exitosa y armoniosa de Lichtenstein. Ella ve los elementos narrativos y gráficos como complementarios: la acción y la alineación espacial guían la mirada del espectador de izquierda a derecha para enfatizar la relación entre la acción y su consecuencia explosiva. Las elipsis del globo de texto presentan una progresión que culmina con un "¡WHAAM!". La "coincidencia del orden pictórico y verbal" es clara para el espectador occidental con el texto explicativo comenzando en la parte superior izquierda y el vector de acción moviéndose desde el primer plano izquierdo al fondo derecho, culminando en una explosión gráfica junto con una exclamación narrativa. ^{[ 69 ]} Steiner afirma que la sorprendente incongruencia de los dos paneles —el panel izquierdo parece estar "truncado", mientras que el derecho representa una explosión centralizada— realza el poder narrativo de la obra. ^{[ 69 ]}

La técnica de Lichtenstein ha sido caracterizada por Ernst A. Busche como «la ampliación y unificación de su material de origen  ... sobre la base de estrictos principios artísticos». ^{[ 60 ]} Extraída de una narrativa más amplia, la imagen estilizada resultante se convirtió, en algunos casos, en una «abstracción virtual». Al recrear sus técnicas gráficas minimalistas, Lichtenstein reforzó la artificialidad de las tiras cómicas y los anuncios publicitarios. La ampliación que Lichtenstein hizo de su material de origen hizo que sus motivos, dibujados de forma impersonal, parecieran aún más vacíos. Busche también afirma que, si bien puede interpretarse una crítica a la América industrial moderna en estas imágenes, Lichtenstein «parece aceptar el entorno, tal como lo revela su material de referencia, como parte de la cultura industrial capitalista estadounidense». ^{[ 60 ]}

David McCarthy contrastó la presentación "desapasionada, distante y extrañamente desencarnada" del combate aéreo de Lichtenstein con la obra de HC Westermann , para quien la experiencia del servicio militar en la Segunda Guerra Mundial infundió la necesidad de horrorizar y conmocionar. En contraste, Lichtenstein registra su "comentario sobre la civilización estadounidense" al ampliar imágenes de cómics de pulgadas de alto a las dimensiones sobredimensionadas de la pintura histórica . ^{[ 3 ]} Laura Brandon vio un intento de transmitir "la trivialización de la cultura endémica en la vida estadounidense contemporánea" al representar una impactante escena de combate como un acto banal de la Guerra Fría. ^{[ 70 ]}

Carol Strickland y John Boswell afirman que, al ampliar las viñetas del cómic a un tamaño enorme con puntos, «Lichtenstein abofeteó al espectador con su trivialidad». ^{[ 49 ]} HH Arnason señaló que Whaam! presenta «colores planos y limitados, y un dibujo duro y preciso», que producen «una pintura de sujeto de contornos definidos que documenta a la vez que parodia sutilmente las imágenes familiares de héroes de la América moderna». ^{[ 71 ]} El estilo plano y muy acabado de pinceladas planificadas puede verse como la reacción del arte pop contra la libertad del expresionismo abstracto. ^{[ 72 ]} Alastair Sooke afirma que la obra puede interpretarse como un autorretrato simbólico en el que el piloto del panel izquierdo representa a Lichtenstein «venciendo a sus competidores en una dramática batalla del mundo del arte» al disparar un misil contra la colorida «parodia de la pintura abstracta» del panel derecho. ^{[ 64 ]}

Según Ernesto Priego, si bien la obra adapta una fuente de cómic, la pintura no es ni un cómic ni una viñeta, y «su significado es meramente referencial y a posteriori ». Dirige la atención del espectador hacia características como el género y los métodos de impresión. Visual y narrativamente, la viñeta original era el elemento culminante de una composición dinámica de la página. Lichtenstein enfatiza la onomatopeya al tiempo que minimiza el diálogo articulado eliminando el globo de diálogo. Según Priego, «al despojar a la viñeta de su contexto narrativo, ¡Whaam! representa en el ámbito de las bellas artes la preferencia por la imagen-icono sobre la imagen-narrativa». ^{[ 59 ]}

A veces se dice que Whaam! pertenece al mismo género antibelicista que el Guernica de Picasso , una sugerencia que Bradford R. Collins rechaza. En cambio, Collins considera que la pintura es una fantasía de venganza contra la primera esposa de Lichtenstein, Isabel, concebida durante su amarga batalla de divorcio (la pareja se separó en 1961 y se divorció en 1965). ^{[ 73 ]}

Marla F. Prather observó que la gran escala y la representación dramática de Whaam! contribuyeron a su posición como una obra histórica del arte pop. ^{[ 72 ]} Junto con As I Opened Fire , la otra pintura de guerra monumental de Lichtenstein, Whaam! es considerada la culminación de las obras dramáticas de cómics de guerra de Lichtenstein, según Diane Waldman. ^{[ 74 ]} Se la describe ampliamente como la obra más famosa de Lichtenstein, ^{[ 75 ] [ 76 ] [ 77 ]} o, junto con Drowning Girl , como una de sus dos obras más famosas. ^{[ 78 ] [ 79 ]} Andrew Edgar y Peter Sedgwick la describen, junto con los grabados de Marilyn Monroe de Warhol , como una de las obras más famosas del arte pop. ^{[ 80 ]} Gianni Versace una vez vinculó las dos imágenes icónicas del arte pop a través de sus diseños de vestidos . ^{[ 81 ]} Según Douglas Coupland , la Enciclopedia World Book utilizó imágenes de Monroes y Whaam! de Warhol para ilustrar su entrada sobre el arte pop. ^{[ 82 ]}

Los cómics, a su vez, se vieron afectados por el impacto cultural del arte pop. A mediados de la década de 1960, algunos cómics mostraban un nuevo énfasis en colores chillones, efectos de sonido enfáticos y diálogos acartonados —elementos del estilo de los cómics que habían llegado a considerarse camp— en un intento por atraer a lectores mayores, en edad universitaria, que apreciaban el arte pop. ^{[ 83 ]} Gravett observó que la «simplicidad y la obsolescencia [de los cómics] eran propicias para la burla». ^{[ 28 ]}

Whaam! fue una de las obras clave exhibidas en una importante retrospectiva de Lichtenstein en 2012-2013 que fue diseñada, según Li-mei Hoang, para demostrar "la importancia de la influencia de Lichtenstein, su compromiso con la historia del arte y su legado perdurable como artista". ^{[ 84 ]} En su reseña de la Retrospectiva de Lichtenstein en la Tate Modern , Adrian Searle de The Guardian —quien generalmente no era entusiasta con el trabajo de Lichtenstein— reconoció que el título de la obra describía con precisión su contenido gráfico: "¡Whaam! dice la pintura, cuando el cohete impacta y el caza enemigo explota en un rugido lívido, de cómic". ^{[ 85 ]} El crítico del Daily Telegraph, Alastair Smart, escribió una reseña despectiva en la que reconoció la reputación de Lichtenstein como una figura principal en "el descarado ataque del Pop Art a los engreídos y pretenciosos expresionistas abstractos", cuyas obras, según Smart, Whaam! imitaba por su enorme escala. Smart afirmó que la obra no era ni un comentario positivo sobre el espíritu combativo estadounidense ni una crítica, sino que destacaba por señalar "el impacto incendiario de Lichtenstein en la escena artística estadounidense". ^{[ 20 ]}

Los detractores han expresado su preocupación por la apropiación de Lichtenstein , ya que hace referencia directa a imágenes de otras fuentes ^{[ 86 ]} en Whaam! y otras obras de la época. ^{[ 28 ]} Algunos lo han denigrado como mera copia, a lo que otros han replicado que Lichtenstein alteró sus fuentes de maneras significativas y creativas. ^{[ 64 ]} En respuesta a las acusaciones de plagio, la Fundación Roy Lichtenstein ha señalado que las editoriales nunca han demandado por infracción de derechos de autor , y que nunca plantearon el problema cuando la obra de Lichtenstein derivada de los cómics ganó atención por primera vez en la década de 1960. ^{[ 87 ]} Otras críticas se centran en que Lichtenstein no dio crédito a los artistas originales de sus fuentes; ^{[ 64 ] [ 88 ] [ 89 ]} Ernesto Priego implica a National Periodicals en el caso de Whaam!, ya que los artistas nunca fueron acreditados en los cómics originales. ^{[ 59 ]}

En el documental de Alastair Sooke de 2013 para BBC Four , que tuvo lugar frente a Whaam! en la Tate Modern, el dibujante británico de cómics Dave Gibbons refutó la afirmación de Sooke de que la pintura de Lichtenstein mejoraba el panel de Novick, diciendo: «Para mí, esto parece plano y abstracto, hasta el punto de que a mis ojos es confuso. Mientras que el original tiene una cualidad tridimensional, tiene espontaneidad, tiene emoción y una forma de involucrar al espectador que este no tiene». ^{[ 28 ]} Gibbons ha parodiado la derivación que Lichtenstein hizo de la obra de Novick. ^{[ 28 ] [ 90 ]}

• 1963 en el arte

• Alloway, Lawrence (1983). Roy Lichtenstein . Abbeville Press. ISBN 978-0-89659-331-2.
• Bader, Graham, ed. (2009). Roy Lichtenstein: Archivos de octubre . Prensa del MIT. ISBN 978-0-262-01258-4.
  • Judd, Donald. "Reseñas 1962–64". En Bader (2009) .
  • Lobel, Michael. "Tecnología imaginada: la monocularidad de Lichtenstein". En Bader (2009) .
• Coplans, John, ed. (1972). Roy Lichtenstein . Praeger Publishers. ISBN 978-0-7139-0761-2.
• Waldman, Diane (1993). «Cómics de guerra, 1962-64». Roy Lichtenstein . Museo Solomon R. Guggenheim, Museo de Arte Contemporáneo (Los Ángeles, California), Museo de Bellas Artes de Montreal. Museo Solomon R. Guggenheim. ISBN 978-0-89207-108-1.

• Sitio web de la Fundación Lichtenstein. Archivado el 24 de diciembre de 2015 en Wayback Machine .
• Leyenda de la exposición de Tate