Arte académico

La primera academia de arte fue fundada en Florencia por Cosimo I de' Medici , el 13 de enero de 1563, bajo la influencia del arquitecto Giorgio Vasari , quien la llamó Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Academia y Compañía de las Artes del Dibujo), ya que estaba dividida en dos ramas operativas diferentes. Mientras que la compañía era una especie de corporación a la que podía unirse cualquier artista en activo de la Toscana, la academia estaba compuesta únicamente por los artistas más eminentes de la corte de Cosimo y tenía la tarea de supervisar todas las actividades artísticas florentinas, incluyendo la enseñanza y la salvaguarda de las tradiciones culturales locales. Entre los miembros fundadores se encontraban Michelangelo , Bartolomeo Ammannati , Agnolo Bronzino y Francesco da Sangallo . En esta institución, los estudiantes aprendían los "arti del disegno" (término acuñado por Vasari) y asistían a clases de anatomía y geometría . ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]} La fama de la Accademia se extendió rápidamente, hasta el punto de que, apenas cinco meses después de su fundación, importantes artistas venecianos como Tiziano , Salviati , Tintoretto y Palladio solicitaron su ingreso, y en 1567, el rey Felipe II de España la consultó sobre los planes para El Escorial . ^{[ 4 ]}

Otra academia, la Accademia de i Pittori e Scultori di Roma (Academia de Pintores y Escultores de Roma), más conocida como Accademia di San Luca (llamada así por el santo patrón de los pintores, San Lucas ), fue fundada aproximadamente una década después en Roma . Cumplía una función educativa y se centraba más en la teoría del arte que la florentina, otorgando gran importancia a la asistencia a conferencias teóricas, debates y clases de dibujo. ^{[ 5 ]} Doce académicos fueron nombrados inmediatamente como profesores, estableciendo una serie de medidas disciplinarias para los estudios e instituyendo un sistema de premios para los estudiantes más capaces. ^{[ 6 ]}

En 1582, el pintor y profesor de arte Annibale Carracci abrió su influyente Accademia dei Desiderosi (Academia de los Deseosos) en Bolonia sin apoyo oficial; en cierto modo, se parecía más a un taller de artista tradicional, pero el hecho de que sintiera la necesidad de denominarla "academia" demuestra el atractivo de la idea en aquella época. ^{[ 7 ]}

El surgimiento de las academias de arte en el siglo XVI se debió a la necesidad de responder a las nuevas demandas sociales. Varios estados, que avanzaban hacia el absolutismo , comprendieron la necesidad de crear un arte que los identificara específicamente y sirviera como símbolo de unidad cívica, además de ser capaz de consolidar simbólicamente el estatus de sus gobernantes. En este proceso, la Iglesia Católica , entonces la mayor fuerza política y unificadora social de Europa, comenzó a perder influencia como consecuencia de la creciente secularización de las sociedades. El arte sacro , con mucho el ámbito de expresión artística más extenso durante la Edad Media , coexistió con un arte profano en expansión, derivado de fuentes clásicas , que había experimentado un lento resurgimiento desde el siglo XII y que, en la época del Renacimiento , se había consolidado como la referencia cultural y el modelo de calidad más prestigiosos. ^{[ 8 ] [ 9 ]}

Este resurgimiento del clasicismo exigió que los artistas adquirieran mayor cultura para poder trasladar con competencia esta referencia a las artes visuales . Al mismo tiempo, el antiguo sistema de producción artística, organizado por gremios —asociaciones de clase de carácter artesanal, más vinculadas a la artesanía mecánica que a la erudición intelectual—, comenzó a considerarse obsoleto y socialmente indigno, ya que los artistas empezaron a aspirar a la igualdad con los intelectuales versados ​​en las artes liberales , puesto que el arte mismo comenzó a ser visto no solo como una tarea técnica, como lo había sido durante siglos, sino principalmente como una forma de adquirir y transmitir conocimiento. En este nuevo contexto, la pintura y la escultura comenzaron a ser consideradas teorizables, al igual que otras artes como la literatura y, especialmente, la poesía. Sin embargo, si bien los artistas ascendieron socialmente, perdieron la seguridad de inserción en el mercado que les proporcionaba el sistema gremial, teniendo que vivir en la incierta expectativa de la protección individual de algún mecenas . ^{[ 10 ]}

Si bien a Italia se le atribuye la fundación de este nuevo tipo de institución, Francia fue responsable de llevar el modelo a una primera etapa de gran orden y estabilidad. Los primeros intentos del país por establecer academias similares a las italianas también tuvieron lugar en el siglo XVI, durante el reinado del rey Enrique III , especialmente a través de la obra del poeta Jean-Antoine de Baïf , quien fundó una academia vinculada a la Corona francesa . Al igual que sus homólogas italianas, era principalmente filológica - filosófica , pero también trabajaba con conceptos relacionados con las artes y las ciencias. Aunque desarrolló una intensa actividad con debates regulares y producción teórica, defendiendo los principios clásicos, carecía de una estructura educativa y tuvo una existencia breve. ^{[ 11 ]}

La Accademia di San Luca sirvió posteriormente de modelo para la Académie royale de peinture et de sculpture (Real Academia de Pintura y Escultura) francesa, fundada en 1648 por un grupo de artistas liderados por Charles Le Brun , y que más tarde se convirtió en la Académie des Beaux-Arts (Academia de Bellas Artes). Su objetivo era similar al italiano: honrar a los artistas «que eran caballeros practicantes de un arte liberal» por encima de los artesanos, que se dedicaban al trabajo manual. Este énfasis en el componente intelectual de la creación artística tuvo un impacto considerable en los temas y estilos del arte académico. ^{[ 12 ] [ 13 ] [ 14 ]}

Tras un comienzo ineficaz, la Académie royale fue reorganizada en 1661 por el rey Luis XIV , cuyo objetivo era controlar toda la actividad artística del país, ^{[ 15 ]} y en 1671 pasó a estar bajo el control del primer ministro de Estado Jean-Baptiste Colbert , quien confirmó a Le Brun como director. Juntos, la convirtieron en el principal brazo ejecutivo de un programa para glorificar la monarquía absolutista del rey , estableciendo definitivamente la asociación de la escuela con el Estado y, por lo tanto, otorgándole un enorme poder directivo sobre todo el sistema artístico nacional, lo que contribuyó a convertir a Francia en el nuevo centro cultural europeo, desplazando la hasta entonces supremacía italiana. Pero mientras que para el Renacimiento italiano el arte era también un estudio del mundo natural, para Le Brun era sobre todo el producto de una cultura adquirida, formas heredadas y una tradición establecida. ^{[ 16 ] [ 17 ]}

Durante este periodo, la doctrina académica alcanzó la cúspide de su rigor, exhaustividad, uniformidad, formalismo y explicitud, y según el historiador de arte Moshe Barasch, en ningún otro momento de la historia de la teoría del arte se ha cultivado con tanta intensidad la idea de la perfección como la meta suprema del artista, con la producción del Alto Renacimiento italiano como modelo por excelencia. Así, Italia continuó siendo una referencia invaluable, hasta tal punto que en 1666 se estableció una filial en Roma, la Academia Francesa , con Charles Errard como su primer director. ^{[ 16 ]}

Al mismo tiempo, surgió una controversia entre los miembros de la Academia, que llegaría a dominar las actitudes artísticas durante el resto del siglo. Esta «batalla de estilos» fue un conflicto sobre si Peter Paul Rubens o Nicolas Poussin era el modelo adecuado a seguir. Los seguidores de Poussin, llamados «poussinistas», sostenían que la línea (disegno) debía dominar el arte, debido a su atractivo para el intelecto, mientras que los seguidores de Rubens, llamados «rubenistas», argumentaban que el color (colore) debía ser el rasgo dominante, debido a su atractivo para la emoción. ^{[ 18 ]} El debate se reavivó a principios del siglo XIX, bajo los movimientos del Neoclasicismo , representado por el arte de Jean Auguste Dominique Ingres , y el Romanticismo, representado por la obra de Eugène Delacroix . También se debatió si era mejor aprender arte observando la naturaleza o a los maestros artísticos del pasado. ^{[ 19 ]}

Al final del reinado de Luis XIV, el estilo académico y las enseñanzas fuertemente asociadas a su monarquía comenzaron a extenderse por toda Europa, acompañando el crecimiento de la nobleza urbana. Se fundaron otras academias importantes en todo el continente, inspiradas por el éxito de la Academia Francesa: la Akademie der Bildenden Künste de Núremberg (1662), la Real Academia de Bellas Artes de Amberes (1663), la Akademie der Künste de Berlín (1696), la Akademie der bildenden Künste de Viena (1698), la Real Academia de Dibujo de Estocolmo (1735), la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid (1752), la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo (1757) y la Accademia di Belle Arti di Brera de Milán (1776), por nombrar algunas. En Inglaterra, esta fue la Real Academia de las Artes , fundada en 1768 con la misión de "establecer una escuela o academia de diseño para uso de los estudiantes de artes". ^{[ 20 ] [ 21 ]}

La Real Academia Danesa de Bellas Artes de Copenhague , fundada en 1754, puede considerarse un ejemplo exitoso en un país pequeño, que logró su objetivo de crear una escuela nacional y reducir la dependencia de artistas extranjeros. Casi todos los pintores de la Edad de Oro danesa, entre 1800 y 1850 aproximadamente, se formaron allí, y muchos, inspirados en la pintura de la Edad de Oro italiana y holandesa , regresaron para enseñar en Dinamarca. ^{[ 22 ]} La historia del arte danés se caracteriza mucho menos por la tensión entre el arte académico y otros estilos que en otros países.

En los siglos XVIII y XIX, el modelo se extendió a América, con la fundación de la Academia de San Carlos en México en 1783, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Estados Unidos en 1805, ^{[ 23 ]} y la Academia Imperial de Bellas Artes en Brasil en 1826. ^{[ 24 ]} Mientras tanto, en Italia, surgió otro importante centro de irradiación, Venecia, que dio origen a la tradición de las vistas urbanas y los " capriccios ", escenas de paisajes fantásticos poblados por ruinas antiguas, que se convirtieron en los favoritos de los viajeros nobles en el Grand Tour . ^{[ 23 ]}

A pesar de su amplia difusión, el sistema académico comenzó a ser seriamente cuestionado por las acciones de intelectuales vinculados a la Ilustración . Para ellos, el academicismo se había convertido en un modelo obsoleto, excesivamente rígido y dogmático; criticaban la metodología, que creían que producía un arte meramente servil a los ejemplos antiguos, y condenaban la administración institucional, que consideraban corrupta y despótica . ^{[ 25 ]} Sin embargo, una figura importante de la Ilustración como Diderot se adhirió a gran parte del ideal académico, apoyó la jerarquía de géneros ( véase más adelante ) y dijo que «la imaginación no crea nada». ^{[ 26 ]} A finales del siglo XVIII, tras la agitación de la Revolución Francesa , se emprendió una verdadera campaña contra la enseñanza de la academia, que fue identificada como un símbolo del Antiguo Régimen . En 1793, el pintor Jacques-Louis David , estrechamente vinculado a los revolucionarios, asumió la dirección de los asuntos artísticos de la nueva república y, tras acceder a la petición de numerosos artistas descontentos con la burocracia y el sistema de privilegios de la institución, disolvió las academias parisinas y todas las demás academias reales del campo. Sin embargo, la desaparición de las antiguas escuelas fue temporal, ya que posteriormente se organizó un Comité para las Artes, que condujo a la fundación en 1795 de una nueva institución, el Institut de France , que incluía una sección artística y se encargó de reorganizar el sistema artístico nacional. ^{[ 25 ]}

Los desafíos al academicismo en Francia, sin embargo, fueron más nominales que reales. Los cursos de arte volvieron a funcionar prácticamente igual que antes, se restableció la jerarquía de géneros, se mantuvieron los premios y los salones, la sede en Roma permaneció activa y el Estado continuó siendo el principal patrocinador del arte. Quatremère de Quincy , secretario del nuevo Instituto, que había nacido como un aparato de renovación revolucionaria, creía paradójicamente que las escuelas de arte servían para preservar las tradiciones, no para fundar otras nuevas. ^{[ 25 ]} Las mayores innovaciones que introdujo fueron la idea de reunificar las artes bajo una atmósfera de igualitarismo, la eliminación de los títulos honoríficos para los miembros y algunos otros privilegios, y su intento de hacer que la administración fuera más transparente, eminentemente pública y funcional. Al reinterpretar la teoría platónica de que las artes son cuestionables porque son imitaciones imperfectas de una realidad ideal abstracta , consideró esta idea solo en una esfera moral, la politizó y republicanizó, relacionando la verdad de las artes con la de las instituciones sociales. También afirmó que la realidad política de la república era un reflejo de la república de las artes que pretendía establecer. Pero más allá de las ideas, en la práctica, el autoritarismo , que fue una de las razones aducidas para la extinción de las academias reales, continuó practicándose en la administración republicana. ^{[ 27 ]}

Otro ataque al modelo académico provino de los primeros románticos , a finales del siglo XVIII y principios del XIX, quienes predicaban una práctica centrada en la originalidad e independencia individual. Alrededor de 1816, el pintor Théodore Géricault , uno de los exponentes del Romanticismo francés, afirmó:

Estas escuelas mantienen a sus alumnos en un estado de emulación constante... Observo con tristeza que, desde la creación de estas escuelas, se ha producido un gran efecto: han dado servicio a miles de talentos mediocres... Los pintores ingresan allí demasiado jóvenes, y por lo tanto, las huellas de individualidad que sobreviven a la Academia son imperceptibles. Se pueden ver, con verdadero pesar, unas diez o doce composiciones cada año que son prácticamente idénticas en su ejecución, porque en su búsqueda de la perfección, pierden su originalidad. Una forma de dibujar, un tipo de color, una disposición para todos los sistemas... ^{[ 28 ]}

Desde el inicio del debate entre Poussinistas y Rubenistas, muchos artistas trabajaron entre ambos estilos. En el siglo XIX, con el resurgimiento de este debate, la atención y los objetivos del mundo del arte se centraron en sintetizar la línea del Neoclasicismo con el color del Romanticismo. La crítica atribuyó a diversos artistas la síntesis, entre ellos Théodore Chassériau , Ary Scheffer , Francesco Hayez , Alexandre-Gabriel Decamps y Thomas Couture . William-Adolphe Bouguereau , un artista académico posterior, comentó que el secreto para ser un buen pintor reside en ver "el color y la línea como una misma cosa". Thomas Couture defendió esta misma idea en un libro sobre método artístico, argumentando que afirmar que una pintura tenía mejor color o mejor línea era un sinsentido, pues la brillantez del color dependía de la línea para transmitirla, y viceversa; y que el color era, en realidad, una forma de hablar del "valor" de la forma.

Historicismo

Otro desarrollo durante este período, denominado historicismo , consistió en adoptar estilos históricos o imitar la obra de artistas y artesanos históricos para mostrar la época histórica representada en la pintura. En la historia del arte , tras el Neoclasicismo, que en la época romántica podría considerarse un movimiento historicista, el siglo XIX incluyó una nueva fase historicista caracterizada por una interpretación no solo del clasicismo griego y romano , sino también de las épocas estilísticas posteriores, cada vez más respetadas. Esto se aprecia mejor en la obra del barón Jan August Hendrik Leys , quien posteriormente influyó en James Tissot . También se observa en el desarrollo del estilo neogriego . El historicismo también se refiere a la creencia y práctica, asociada al arte académico, de que se deben incorporar y conciliar las innovaciones de las diferentes tradiciones artísticas del pasado.

Alegoría en el arte

El mundo del arte también comenzó a prestar cada vez más atención a la alegoría . Las teorías sobre la importancia de la línea y el color afirmaban que, a través de estos elementos, el artista ejerce control sobre el medio para crear efectos psicológicos, en los que se pueden representar temas, emociones e ideas. A medida que los artistas intentaban sintetizar estas teorías en la práctica, se enfatizó la atención en la obra de arte como vehículo alegórico o figurativo. Se sostenía que las representaciones en pintura y escultura debían evocar formas platónicas , o ideales, donde tras las representaciones ordinarias se vislumbraría algo abstracto, alguna verdad eterna. De ahí la famosa reflexión de Keats : «La belleza es verdad, la verdad es belleza». Se deseaba que las pinturas fueran una «idée», una idea completa y plena. Se sabe que Bouguereau dijo que no pintaría «una guerra», sino que pintaría «la guerra». Muchas pinturas de artistas académicos son sencillas alegorías de la naturaleza con títulos como Amanecer , Atardecer , Ver y Degustar , donde estas ideas están personificadas por una sola figura desnuda, compuesta de tal manera que resalta la esencia de la idea.

Idealismo

Estilísticamente, el arte académico cultivó el ideal de perfección y, al mismo tiempo, la imitación selectiva de la realidad ( mímesis ), que existía desde Aristóteles . Con un dominio perfecto del color, la luz y la sombra, se creaban formas de manera casi fotorrealista. Algunas pinturas tienen un acabado tan pulido que no se reconoce ninguna pincelada en la obra terminada. Tras el boceto al óleo, el artista producía la pintura final con el acabado académico, modificándola para que cumpliera con los estándares estilísticos e intentando idealizar las imágenes y añadir detalles perfectos. De manera similar, la perspectiva se construía geométricamente sobre una superficie plana y no era realmente producto de la vista.

La tendencia en el arte también apuntaba hacia un mayor idealismo , contrario al realismo , ya que las figuras representadas se simplificaban y se volvían más abstractas —idealizadas— para poder representar los ideales que simbolizaban. Esto implicaba tanto generalizar las formas que se observan en la naturaleza como subordinarlas a la unidad y el tema de la obra de arte.

Jerarquía de géneros

La representación de las diversas emociones fue codificada en detalle por el academicismo ^{[ 29 ]} y los géneros artísticos mismos fueron sometidos a una escala de prestigio. Dado que la historia y la mitología se consideraban obras de teatro o dialécticas de ideas, un terreno fértil para importantes alegorías, el uso de temas de estos temas se consideraba la forma más seria de pintura. Esta jerarquía de géneros, creada originalmente en el siglo XVII, era muy valorada, donde la pintura histórica (también conocida como el "gran género") —temas clásicos, religiosos, mitológicos, literarios y alegóricos— se ubicaba en la cima, seguida de los "géneros menores" —retrato , pintura de género , paisajes y bodegones . ^{[ 30 ] [ 23 ]}

El género histórico, el más apreciado, incluía obras que transmitían temas de carácter inspirador y ennoblecedor, esencialmente con un trasfondo ético, en consonancia con la tradición fundada por maestros como Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci . Paul Delaroche es un ejemplo típico de la pintura histórica francesa y Benjamin West de la moda británico-estadounidense de pintar escenas de la historia reciente. Las pinturas de Hans Makart suelen ser dramas históricos de gran formato, y combinó esto con un historicismo en la decoración para dominar el estilo de la cultura vienesa del siglo XIX . Los retratos incluían representaciones de personas en gran formato, adecuadas para su glorificación pública, pero también piezas más pequeñas para uso privado. Las escenas cotidianas, también conocidas como escenas de género, retrataban la vida común de manera simbólica; los paisajes ofrecían perspectivas de una naturaleza virgen idealizada o panoramas urbanos; y las naturalezas muertas consistían en agrupaciones de diversos objetos en composiciones formales. ^{[ 30 ] [ 23 ]}

La justificación de esta jerarquización radicaba en la idea de que cada género poseía una fuerza moral inherente y específica. Así, un artista podía transmitir un principio moral con mucha más fuerza y ​​facilidad a través de una escena histórica que, por ejemplo, a través de una naturaleza muerta. Además, siguiendo conceptos griegos, se creía que la forma más elevada de arte era la representación ideal del cuerpo humano; por lo tanto, los paisajes y las naturalezas muertas, en los que el hombre no aparecía, tenían poco prestigio. Finalmente, con una función principalmente social y didáctica, el arte académico favorecía las obras de gran formato y los retratos de gran tamaño, más adecuados para ser contemplados por grandes grupos de espectadores y más apropiados para decorar espacios públicos. ^{[ 30 ] [ 23 ]}

Todas estas tendencias estuvieron influenciadas por las teorías del filósofo alemán Hegel , quien sostenía que la historia era una dialéctica de ideas contrapuestas que, finalmente, se resolvían en una síntesis.

Napoleón fue el « canto del cisne » del concepto de arte como vehículo de valores morales y espejo de la virtud . Patrocinó y empleó activamente a artistas para retratar su gloria personal, la de su Imperio y la de sus conquistas políticas y militares. Después de él, la fragmentación y el debilitamiento de los ideales comenzaron a hacerse visibles e irreversibles. ^{[ 31 ]} Con el enfriamiento del ardor libertario de los primeros románticos, con el fracaso final del proyecto imperialista de Napoleón y con la popularización de un estilo ecléctico que fusionaba el Romanticismo y el Neoclasicismo, adaptándolos a los propósitos de la burguesía , que se convirtió en una de las mayores mecenas de las artes, surgió un sentimiento general de resignación, así como una creciente prevalencia del gusto burgués individualista frente a los sistemas colectivos idealistas. Pronto, las preferencias de esta clase social, ahora tan influyente, penetraron en la educación superior y se convirtieron en objetos dignos de representación, cambiando la jerarquía de géneros y proliferando los retratos y todos los llamados géneros menores, como las escenas cotidianas y las naturalezas muertas, que se hicieron más prominentes a medida que avanzaba el siglo. ^{[ 32 ]}

El apoyo de la burguesía a las academias fue una forma de demostrar educación y adquirir prestigio social, acercándolos a las élites culturales y políticas. Finalmente, el renacimiento neogótico , el desarrollo del gusto por lo pintoresco como criterio estético autónomo, el resurgimiento del eclecticismo helenístico , el progreso de los estudios medievalistas , orientalistas y folclóricos , la creciente participación de las mujeres en la producción artística, la valoración de la artesanía y las artes aplicadas , abrieron otros frentes de apreciación para las artes visuales, encontrando otras verdades dignas de apreciación que antes habían sido descuidadas y relegadas a los márgenes de la cultura oficial. ^{[ 19 ] [ 33 ] [ 34 ]} Como resultado de esta gran transformación cultural, el modelo educativo académico, para sobrevivir, tuvo que incorporar algunas de estas innovaciones, pero en general mantuvo la tradición establecida y logró volverse aún más influyente, continuando inspirando no solo a Europa, sino también a América y otros países colonizados por europeos, a lo largo del siglo XIX. ^{[ 35 ]}

Otro factor en este resurgimiento académico, incluso frente a un escenario profundamente cambiante, fue la reiteración de la idea del arte como instrumento de afirmación política por parte de movimientos nacionalistas en varios países. ^{[ 35 ]}

El siglo XIX fue la época dorada de las academias, en el sentido de que su producción fue muy bien recibida por un público mucho más amplio —aunque a menudo menos culto y menos exigente—, lo que le otorgó al arte académico una popularidad tan grande como la que disfruta hoy el cine , y con una temática igualmente popular, que abarcaba desde temas históricos tradicionales hasta viñetas cómicas, desde retratos dulces y sentimentales hasta escenas medievalistas o pintorescas de exóticos países orientales, algo impensable durante el Antiguo Régimen. ^{[ 36 ]}

En la segunda mitad del siglo XIX, el arte académico había impregnado la sociedad europea. Se celebraban exposiciones con frecuencia, siendo la más popular el Salón de París y, a partir de 1903, el Salón de Otoño . Estos salones eran eventos multitudinarios que atraían a multitudes de visitantes, tanto nacionales como extranjeros. Con un carácter tanto social como artístico, podían llegar a recibir hasta 50.000 personas en un solo domingo, y hasta 500.000 durante los dos meses que duraba la exposición. Se exhibían miles de cuadros, colgados desde un poco por debajo del nivel de los ojos hasta el techo, en un estilo que hoy se conoce como «estilo salón». Una exposición exitosa en el salón era un sello de aprobación para un artista, lo que hacía que su obra fuera comercializable entre el creciente número de coleccionistas privados. Bouguereau , Alexandre Cabanel y Jean-Léon Gérôme fueron figuras destacadas de este mundo artístico. ^{[ 37 ] [ 38 ]}

Durante el auge del arte académico, las pinturas del rococó , antes poco apreciadas, recuperaron popularidad, y temas recurrentes como Eros y Psique volvieron a ser populares. El mundo académico también admiraba a Rafael por el idealismo de su obra, llegando incluso a preferirlo a Miguel Ángel.

Inglaterra

En Inglaterra, la influencia de la Real Academia creció a medida que se consolidaba su vínculo con el Estado. En la primera mitad del siglo XIX, la Real Academia ya ejercía un control directo o indirecto sobre una vasta red de galerías, museos, exposiciones y otras sociedades artísticas, así como sobre un conjunto de organismos administrativos que incluían la Corona , el Parlamento y otros departamentos estatales, los cuales encontraban su expresión cultural a través de sus relaciones con la institución académica. ^{[ 39 ] [ 40 ]} La Exposición de Verano de la Real Academia cobró impulso en aquella época y se ha celebrado anualmente sin interrupción hasta la actualidad.

Con el avance del siglo, comenzaron a surgir desafíos a esta primacía, exigiendo que se aclararan sus relaciones con el gobierno. La institución empezó a prestar mayor atención a los aspectos de mercado en una sociedad cada vez más heterogénea y que cultivaba múltiples tendencias estéticas. También se abrieron escuelas subsidiarias en varias ciudades para satisfacer las demandas regionales. A mediados del siglo XIX, la Real Academia ya había perdido el control de la producción artística británica, ante la proliferación de creadores y asociaciones independientes, pero, a pesar de las tensiones internas, continuó intentando preservarla. Hacia 1860, se estabilizó nuevamente mediante nuevas estrategias de monopolización del poder, incorporando nuevas tendencias a su órbita, como la promoción de la técnica de la acuarela , hasta entonces ignorada y que se había vuelto enormemente popular; la admisión de mujeres; la exigencia a los nuevos miembros, en una membresía ampliada, de renunciar a su afiliación a otras sociedades; y la reforma de su estructura administrativa para aparentar ser una institución privada, pero imbuida de un propósito cívico y un carácter público. De este modo, logró administrar una parte significativa del universo artístico británico a lo largo del siglo XIX, y a pesar de la oposición de sociedades y grupos de artistas como los prerrafaelitas , logró mantenerse como una agencia disciplinaria, educativa y consagrante de suma importancia, capaz de acompañar en gran medida el progreso del modernismo , contradiciendo la visión común de que las academias son invariablemente reaccionarias. ^{[ 39 ] [ 40 ]}

Alemania

En Alemania, el espíritu académico inicialmente encontró cierta resistencia a su plena implementación. Ya a finales del siglo XVIII, teóricos como Baumgarten , Schiller y Kant habían promovido la autonomía de la Estética mediante el concepto de « arte por el arte », y habían enfatizado la importancia de la autoformación del artista frente a la masificación impuesta por la civilización y sus instituciones, viendo la estructura colectivizadora y la naturaleza impersonal de la academia como una amenaza a sus anhelos de libertad creativa, inspiración individualista y originalidad absoluta. En este sentido, la crítica de arte comenzó a adquirir tintes claramente sociológicos . ^{[ 41 ]}

Parte de esta reacción se debió a la actividad de los nazarenos , un grupo de pintores que buscaban un retorno al estilo renacentista y a las prácticas medievales con espíritu de austeridad y fraternidad. Bajo su influencia, se introdujeron clases magistrales —paradójicamente dentro de las propias academias— que buscaban agrupar a estudiantes prometedores en torno a un maestro, responsable de su instrucción, pero con una atención y un cuidado mucho más concentrados que en el sistema francés, más generalista, partiendo de la premisa de que un trato más individualizado proporcionaría una educación más sólida y profunda. Este método se instituyó por primera vez en la Academia de Düsseldorf y progresó lentamente, pero a lo largo del siglo XIX se generalizó en todas las academias alemanas y también fue imitado en otros países del norte de Europa. Entre los resultados interesantes de las clases magistrales se encuentran el inicio de una tradición de pintura mural a gran escala y la orientación de la vanguardia local hacia líneas menos iconoclastas que las parisinas. ^{[ 42 ]}

Estados Unidos

La influencia de la Real Academia se extendió más allá del océano y determinó en gran medida los cimientos y la dirección del arte estadounidense desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX, cuando el país comenzó a establecer su independencia cultural. Algunos de los principales artistas locales estudiaron en Londres bajo la tutela de la Real Academia, y otros, que se establecieron en Inglaterra, continuaron ejerciendo influencia en su país natal mediante la presentación regular de obras de arte. Este fue el caso de John Singleton Copley , cuya influencia fue dominante en su país hasta principios del siglo XIX, y también de Benjamin West , quien se convirtió en uno de los líderes del movimiento neoclásico-romántico inglés y en uno de los nombres más importantes de Europa de su generación en el campo de la pintura histórica. Formó a varios discípulos, como Charles Willson Peale , Gilbert Stuart y John Trumbull , y su influencia en la pintura estadounidense fue similar a la de Copley. ^{[ 43 ]}

La primera academia que se creó en los Estados Unidos fue la Academia de Bellas Artes de Pensilvania , fundada en 1805 y aún activa en la actualidad. La iniciativa provino del pintor Charles Peale y el escultor William Rush , junto con otros artistas y comerciantes. Su progreso fue lento, y su apogeo se alcanzó a finales del siglo XIX, cuando comenzó a recibir un importante apoyo financiero, abrió una galería y formó su propia colección, convirtiéndose en un bastión antimodernista. ^{[ 44 ]} El paso más decisivo hacia la formación de una cultura académica estadounidense se dio cuando la Academia Nacional de Diseño fue fundada en 1826 por Samuel FB Morse , Asher B. Durand , Thomas Cole y otros artistas insatisfechos con la orientación de la Academia de Pensilvania. Pronto se convirtió en la institución artística más respetada del país. ^{[ 45 ] [ 46 ]} Su método seguía el modelo académico tradicional, centrándose en el dibujo de modelos clásicos y vivos, además de ofrecer conferencias sobre anatomía, perspectiva, historia y mitología, entre otros temas. Cole y Durand fueron también los fundadores de la Escuela del Río Hudson , un movimiento estético que dio inicio a una gran tradición pictórica, que duró tres generaciones, con una notable unidad de principios, y que presentó el paisaje nacional bajo una luz épica, idealista y a veces fantasiosa. Entre sus miembros se encontraban Albert Bierstadt y Frederic Edwin Church , los pintores paisajistas más célebres de su generación. ^{[ 47 ] [ 48 ]}

En el campo de la escultura, sin embargo, la mayor influencia provino de las academias italianas, especialmente a través del ejemplo de Antonio Canova , quien fue la figura principal del neoclasicismo europeo, educado en parte en la Academia de Venecia y en Roma. ^{[ 49 ] [ 50 ]} Italia ofrecía un telón de fondo histórico y cultural de irresistible interés para los escultores, con monumentos, ruinas y colecciones de valor incalculable, y las condiciones de trabajo eran infinitamente superiores a las del Nuevo Mundo , donde había escasez tanto de mármol como de asistentes capacitados para ayudar al artista en el complejo y laborioso arte de la talla en piedra y la fundición en bronce. Horatio Greenough fue solo el primero de una gran oleada de estadounidenses que se establecieron entre Roma y Florencia. El más notable de ellos fue William Wetmore Story , quien después de 1857 asumió el liderazgo de la colonia estadounidense que se había creado en Roma, convirtiéndose en un referente para todos los recién llegados. A pesar de su estancia en Italia, el grupo continuó siendo aclamado en su país, y sus logros artísticos recibieron una cobertura de prensa constante hasta que la moda neoclásica se disipó en Norteamérica a partir de la década de 1870. Para entonces, Estados Unidos ya había consolidado su cultura y creado las condiciones generales para promover una producción escultórica local consistente y de alto nivel, adoptando una síntesis ecléctica de estilos. ^{[ 51 ] [ 52 ] [ 53 ]} Estos escultores también absorbieron fuertemente la influencia de la Academia Francesa, varios de ellos se formaron allí, y su producción pobló la mayoría de los espacios públicos y las fachadas de los principales edificios estadounidenses, con obras de fuerte civismo y gran formalismo que se convirtieron en iconos de la cultura local, como la estatua de Abraham Lincoln de Daniel Chester French y el monumento a Robert Gould Shaw de Augustus Saint-Gaudens . ^{[ 54 ]}

En 1875, la Art Students League se convirtió en la principal academia de arte estadounidense, fundada por estudiantes inspirados en el modelo de la Academia Francesa, estableciendo las directrices para la educación artística nacional hasta la Segunda Guerra Mundial , y abriendo sus clases a las mujeres. Ofreciendo mejores condiciones laborales que su modelo parisino, la Liga fue creada por artistas que veían en el entorno académico francés un atractivo para la cultura y la civilización, y creían que este modelo disciplinaría el impulso democrático nacional , trascendiendo los regionalismos y las diferencias sociales, refinaría el gusto de los capitalistas y contribuiría a elevar la sociedad y mejorar su cultura. ^{[ 54 ]}

Las academias partían de la premisa de que el arte podía enseñarse mediante su sistematización en un cuerpo de teoría y práctica totalmente comunicable, minimizando la importancia de la creatividad como contribución completamente original e individual. En cambio, valoraban la emulación de los maestros consagrados, veneraban la tradición clásica y adoptaban conceptos formulados colectivamente que no solo tenían un carácter estético, sino también un origen y un propósito ético.

Los jóvenes artistas pasaban cuatro años en una formación rigurosa. En Francia, solo los estudiantes que aprobaban un examen y contaban con una carta de recomendación de un profesor de arte de renombre eran admitidos en la escuela de la academia, la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes). Los dibujos y pinturas del desnudo, llamados "academias", eran los pilares fundamentales del arte académico, y el procedimiento para aprender a realizarlos estaba claramente definido. Primero, los estudiantes copiaban grabados de esculturas clásicas, familiarizándose con los principios del contorno, la luz y la sombra. Se creía que la copia era crucial para la formación académica; al copiar obras de artistas del pasado, se asimilaban sus métodos artísticos. Para avanzar al siguiente nivel, y a cada uno de los sucesivos, los estudiantes presentaban dibujos para su evaluación.

Si se aprobaban sus solicitudes, dibujaban a partir de moldes de yeso de famosas esculturas clásicas. Solo después de adquirir estas habilidades se les permitía a los artistas acceder a clases con modelos en vivo. La pintura no se impartía en la École des Beaux-Arts hasta después de 1863. Para aprender a pintar con pincel, el alumno primero debía demostrar dominio del dibujo, considerado la base de la pintura académica. Solo entonces podía incorporarse al taller de un académico y aprender a pintar. A lo largo de todo el proceso, el progreso de cada alumno se medía mediante concursos con un tema predeterminado y un plazo específico.

El concurso de arte más famoso para estudiantes era el Prix de Rome , cuyo ganador recibía una beca para estudiar en la escuela de la Académie française en Villa Medici, Roma , por un máximo de cinco años. ^{[ 55 ]} Para competir, un artista debía ser de nacionalidad francesa, varón, menor de 30 años y soltero. Debía cumplir con los requisitos de admisión de la École des Beaux-Arts y contar con el apoyo de un profesor de arte reconocido. El concurso era extenuante, con varias etapas antes de la final, en la que 10 competidores eran recluidos en estudios durante 72 días para pintar sus cuadros históricos finales. El ganador tenía prácticamente asegurada una exitosa carrera profesional.

Como se ha señalado, una exitosa participación en el Salón, la exposición de obras fundada por la École des Beaux-Arts, era un sello de aprobación para un artista. Los artistas solicitaban al comité de montaje una colocación óptima, a la altura de los ojos. Tras la inauguración, los artistas se quejaban si sus obras colgaban demasiado alto. El máximo logro para el artista profesional era ser elegido miembro de la Académie française y obtener el reconocimiento como académico. Esto dependía de su constancia en las exposiciones de los salones y de la permanencia de su producción a un nivel de excelencia. ^{[ 56 ]}

Una consecuencia del traslado a las academias fue la dificultad para que las mujeres artistas se formaran , quedando excluidas de la mayoría de ellas hasta la segunda mitad del siglo XIX. ^{[ a ] ​​[ 58 ] [ 59 ]} Esto se debió en parte a la preocupación por la supuesta impropiedad de la desnudez durante la formación. ^{[ 58 ]} En Francia, por ejemplo, la poderosa École des Beaux-Arts tuvo 450 miembros entre el siglo XVII y la Revolución Francesa, de los cuales solo 15 eran mujeres. De ellas, la mayoría eran hijas o esposas de miembros. A finales del siglo XVIII, la Academia Francesa decidió no admitir a ninguna mujer. ^{[ b ]} Como resultado, no se conservan pinturas históricas de gran formato realizadas por mujeres de este período, aunque algunas mujeres como Marie-Denise Villers y Constance Mayer se hicieron un nombre en otros géneros, como el retrato. ^{[ 61 ] [ 62 ] [ 63 ] [ 64 ]}

A pesar de ello, se dieron importantes pasos adelante para las artistas. En París, el Salón se abrió a pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres exhibir su obra en la prestigiosa exposición anual. Además, artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze aceptaban cada vez con mayor frecuencia a mujeres como alumnas . ^{[ 65 ]}

El énfasis en el arte académico en los estudios del desnudo siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de las actitudes familiares y sociales hacia las mujeres de clase media que se convertían en artistas. ^{[ 66 ]}

El arte académico fue criticado inicialmente por artistas realistas como Gustave Courbet por su idealismo , al basarse en clichés idealistas y representar motivos míticos y legendarios, ignorando las preocupaciones sociales contemporáneas. Otra crítica de los realistas fue la « superficie artificial » de las pinturas: los objetos representados lucían lisos, pulidos e idealizados, sin mostrar textura real. El realista Théodule Ribot se opuso a esto experimentando con texturas ásperas e inacabadas en su pintura.

Estilísticamente, los impresionistas , que abogaban por pintar rápidamente al aire libre exactamente lo que el ojo veía y la mano plasmaba, criticaban el estilo pictórico idealizado y acabado. Si bien los pintores académicos comenzaban una obra realizando primero dibujos y luego pintando bocetos al óleo de su sujeto, el pulido impecable que daban a sus dibujos les parecía a los impresionistas una mentira, y rechazaban la devoción a las técnicas mecánicas.

Los realistas e impresionistas también desafiaron la posición del bodegón y el paisaje en la parte inferior de la jerarquía de géneros. La mayoría de los realistas e impresionistas, así como otros miembros de la vanguardia temprana que se rebelaron contra el academicismo, fueron originalmente estudiantes en talleres académicos . Claude Monet , Gustave Courbet , Édouard Manet e incluso Henri Matisse fueron alumnos de artistas académicos. Otros artistas, como los pintores simbolistas y algunos surrealistas , fueron más receptivos a la tradición. Como pintores que buscaban dar vida a paisajes imaginarios, estos artistas estaban más dispuestos a aprender de una tradición fuertemente representacional. Una vez que la tradición se consideró anticuada, los desnudos alegóricos y las figuras en poses teatrales resultaron extraños y oníricos para algunos espectadores.

As modern art and its avant-garde gained more power, academic art was further denigrated, and seen as sentimental, clichéd, conservative, non-innovative, bourgeois, and "styleless". The French referred derisively to the style of academic art as L'art pompier (pompier means "fireman") alluding to the paintings of Jacques-Louis David (who was held in esteem by the academy), which often depicted soldiers wearing fireman-like helmets.^[67] It also suggests half-puns in French with pompéien ("from Pompeii") and pompeux ("pompous").^[68][69] The paintings were called "grandes machines", which were said to have manufactured false emotion through contrivances and tricks.

Faced with the dissatisfaction of a growing number of artists excluded from the official salons of the French Academy, in 1863 Emperor Napoleon III established the Salon des Refusés (Salon of the Refused), which is considered one of the initial milestones of modernism.^[70] Even with this concession, the public reaction was negative,^[71] and an anonymous review published at the time summarizes the general attitude:

This exhibition is sad and grotesque... save for one or two questionable exceptions, there is not a single work that deserves the honor of being shown in the official galleries. There is even something cruel about this exhibition, people laugh as if everything was nothing more than a farce.^[72]

Siguiendo el ejemplo de Courbet, quien en 1855 inauguró una exposición individual que denominó el Pabellón del Realismo, en 1867 Manet, rechazado por el Salón oficial, expuso de forma independiente, y seis años después un grupo de impresionistas fundó el Salón de los Independientes. Como resultado de estas iniciativas, el mercado del arte comenzó a abrirse a escuelas alternativas, mientras que los marchantes de nuevos creadores y las sociedades privadas iniciaron agresivas campañas para dar a conocer a sus propios artistas, abriendo diversos espacios de exposición para captar el interés del público burgués. Los críticos y literatos independientes también desempeñaron un papel importante en el desplazamiento del centro de gravedad económico y social del sistema artístico, protegiendo y promoviendo a diversos artistas no académicos y proporcionando una especie de educación pública informal a través de la publicación de artículos en la prensa, que se convirtió en un importante foro de debate artístico con amplio alcance. En este proceso, la institución oficial de la academia, para entonces rebautizada como École des Beaux-Arts y habiendo roto su vínculo con el gobierno, comenzó a perder terreno rápidamente, iniciando su declive como institución consagrante y educativa. ^{[ 73 ] [ 74 ] [ 75 ]}

El crítico de arte británico Clive Bell , vinculado al Grupo de Bloomsbury del modernismo inglés, afirmó en 1914 que, a mediados del siglo XIX, el arte había «muerto», perdiendo todo su interés estético, e incluso la tradición había dejado de existir. ^{[ 76 ]} Esta denigración del arte académico alcanzó su punto álgido con los escritos del crítico de arte estadounidense Clement Greenberg, quien afirmó en 1939 que todo el arte académico es « kitsch », en el sentido de banal y comercial, e intentó asociar el academicismo con los problemas del capitalismo industrial, además de vincular un nuevo concepto de «buen gusto» con la ética del radicalismo político antiburgués de izquierda . Para él, la vanguardia era positiva porque era una expresión afectiva de una conciencia social libertaria y, por lo tanto, más auténtica y libre, lo cual se repitió hasta el infinito después, siguiendo la lógica: académico = reaccionario = malo, frente a vanguardia = radical = bueno. ^{[ 77 ] [ 78 ]}

Otros críticos influyentes, como Herbert Read y Ernst Gombrich , dedicaron grandes esfuerzos a romper con los estándares académicos tradicionales. En todos los ámbitos de la enseñanza, no solo en la artística, se otorgaba gran importancia a la creatividad como punto de partida del proceso de aprendizaje, abogando por el abandono de reglas y formalismos, y alineándose con las propuestas de educadores y filósofos de la educación como Maria Montessori y Jean-Ovide Decroly . Incluso algunos de los artistas modernos más importantes, como Kandinsky , Klee , Malevich y Moholy-Nagy , se dedicaron a crear escuelas y formular nuevas teorías para la educación artística basadas en estas ideas, destacando la Bauhaus , fundada en Weimar , Alemania, en 1919 por Walter Gropius . Para los modernistas, la creatividad era una facultad innata de percepción e imaginación, presente en todas las personas, y cuanto menos influenciada estuviera por teorías y normas, más rica y fértil sería. En este contexto, la educación artística simplemente tenía como objetivo proporcionar los medios para que esta creatividad libre, guiada por sentimientos y emociones, se expresara materialmente como una obra de arte, una forma única y original que tenía su propia sintaxis y no dependía de referencias previas. ^{[ 79 ]}

La producción académica manierista , barroca, rococó y neoclásica logró salir relativamente indemne de la crítica modernista y asegurar su lugar en la historia, pero las tendencias académicas eclécticas de la segunda mitad del siglo XIX fueron ridiculizadas y devaluadas hasta el punto de que, a lo largo del siglo XX, la mayoría de estas obras fueron descartadas de colecciones privadas, vieron caer en picado sus precios de mercado y fueron retiradas de las exposiciones de los museos, relegadas al olvido en sus almacenes. ^{[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ]} Para la década de 1950, todos los últimos practicantes del antiguo academicismo habían caído en el olvido. Más aún, la pura oposición al academicismo se había convertido en una de las principales fuerzas cohesionadoras del movimiento moderno, y lo único que interesaba a los críticos vinculados a la vanguardia era la vanguardia misma. ^{[ 83 ]}

A pesar del descrédito generalizado en el que cayó el academicismo, varios investigadores a lo largo del siglo XX se dedicaron al estudio de este fenómeno. El historiador del arte Paul Barlow afirmó que, a pesar de la amplia difusión del modernismo a principios del siglo XX, las bases teóricas de su rechazo al academicismo fueron sorprendentemente poco exploradas por sus defensores, conformando sobre todo una especie de «mito antiacadémico», más que una crítica coherente. ^{[ 84 ]} De entre todos los que se dedicaron a este estudio, Nikolaus Pevsner fue quizás el más importante, al describir en la década de 1940 la historia de las academias a gran escala, pero centrándose en los aspectos institucionales y organizativos, desconectándolos de los estéticos y geográficos. ^{[ 85 ]}

Muchos autores coinciden en que el nacimiento del modernismo puede describirse como el fin de los valores colectivos y la negación del arte como vehículo esencial de principios morales . Es cierto que se siguieron produciendo obras moralizantes e históricas a lo largo del siglo XX, pero con un impacto completamente diferente, ya que en la época victoriana la moralidad había llegado a significar, sobre todo, castidad . ^{[ 86 ] [ 87 ]} El modernismo también ha sido descrito como responsable de un proceso de pulverización de jerarquías y del inicio del reinado del individualismo y la subjetividad en el arte, de una manera mucho más profunda de lo que ya habían sugerido los románticos o incluso los manieristas mucho antes, creando una multiplicidad de estéticas personales que no se consolidaron en un lenguaje común y uniforme, con poca o ninguna preocupación por insertar la producción en un sistema organizado o crear arte socialmente comprometido. Incluso se les acusa de haber practicado su propia versión de la dictadura elitista que condenaban en el academicismo. ^{[ 86 ] [ 81 ]}

Con los objetivos del posmodernismo de ofrecer una visión más completa, sociológica y pluralista de la historia, el arte académico ha vuelto a los libros de historia y al debate. Desde principios de la década de 1990, la creación de arte académico incluso ha experimentado un resurgimiento limitado a través del movimiento de los talleres del realismo clásico . ^{[ 88 ]} En museos y galerías de arte, el arte pompier (término que sus defensores suelen evitar) también ha gozado de una especie de renacimiento crítico, en parte gracias al Museo de Orsay en París, donde se exhibe en igualdad de condiciones con los pintores impresionistas y realistas de la época. La inauguración de este museo en 1986 no estuvo exenta de un acalorado debate en Francia, ya que algunos críticos la consideraron una rehabilitación del academicismo, o incluso un « revisionismo ». ^{[ 89 ]} Sin embargo, el historiador de arte André Chastel ya consideraba en 1973 que «no había más que ventajas en sustituir un juicio general de desaprobación, legado de viejas batallas, por una curiosidad tranquila y objetiva». Otros agentes institucionales de este rescate son el Museo de Arte Dahesh en Estados Unidos, especializado en arte académico de los siglos XIX y XX, ^{[ 80 ]} así como el Art Renewal Center , también con sede en Estados Unidos y dedicado a promover el academicismo como base para la formación cualificada de futuros maestros. ^{[ 90 ]} Además, el arte está ganando mayor reconocimiento por parte del público en general, y mientras que las pinturas académicas antes solo alcanzaban unos cientos de dólares en subastas, algunas ahora alcanzan millones. ^{[ 91 ]}