movimiento de artes y oficios

El movimiento Arts and Crafts surgió del intento de reformar el diseño y la decoración en la Gran Bretaña de mediados del siglo XIX. Fue una reacción contra un declive percibido en los estándares que los reformadores asociaban con la maquinaria y la producción fabril. Su crítica se agudizó al observar las piezas de la Gran Exposición de 1851 , que consideraban excesivamente ornamentadas , artificiales e ignorantes de las cualidades de los materiales utilizados. El historiador de arte Nikolaus Pevsner escribe que las exhibiciones mostraban «ignorancia de esa necesidad básica en la creación de patrones: la integridad de la superficie», además de exhibir «vulgaridad en los detalles». ^{[ 10 ]}

La reforma del diseño comenzó con los organizadores de la Exposición Henry Cole (1808–1882), Owen Jones (1809–1874), Matthew Digby Wyatt (1820–1877) y Richard Redgrave (1804–1888), ^{[ 11 ]} quienes desaprobaron el ornamento excesivo y los objetos poco prácticos o mal hechos. ^{[ 12 ]} Los organizadores fueron «unánimes en su condena de las exhibiciones». ^{[ 13 ]} Owen Jones, por ejemplo, se quejó de que «el arquitecto, el tapicero, el fabricante de papel, el tejedor, el impresor de calico y el alfarero» producían «novedad sin belleza, o belleza sin inteligencia». ^{[ 13 ]} De estas críticas a los productos manufacturados surgieron varias publicaciones que establecían lo que los autores consideraban los principios correctos del diseño. El Informe Suplementario sobre Diseño (1852) de Richard Redgrave analizó los principios del diseño y el ornamento y abogó por «más lógica en la aplicación de la decoración». ^{[ 12 ]}

Otras obras siguieron una línea similar, como * Industrial Arts of the Nineteenth Century * de Wyatt (1853), *Wissenschaft, Industrie und Kunst* ("Ciencia, Industria y Arte") de Gottfried Semper (1852), *Análisis del Ornamento* de Ralph Wornum (1856), *Manual de Diseño* de Redgrave (1876) y *Gramática del Ornamento * de Jones (1856). ^{[ 12 ]} La *Gramática del Ornamento* fue particularmente influyente, se distribuyó ampliamente como premio estudiantil y tuvo nueve reimpresiones para 1910. ^{[ 12 ]}

Jones declaró que el ornamento «debe ser secundario a lo decorado», que debe haber «armonía entre el ornamento y lo ornamentado», y que los papeles pintados y las alfombras no deben tener ningún patrón «que sugiera algo más que una superficie plana o lisa». ^{[ 14 ]} Una tela o un papel pintado en la Gran Exposición podría estar decorado con un motivo natural que pareciera lo más real posible, mientras que estos autores abogaban por motivos naturales planos y simplificados. Redgrave insistió en que el «estilo» exigía una construcción sólida antes que la ornamentación, y una debida conciencia de la calidad de los materiales utilizados. « La utilidad debe tener prioridad sobre la ornamentación». ^{[ 15 ]}

Sin embargo, los reformadores del diseño de mediados del siglo XIX no llegaron tan lejos como los diseñadores del movimiento Arts and Crafts. Se preocupaban más por la ornamentación que por la construcción, tenían un conocimiento incompleto de los métodos de fabricación ^{[ 15 ]} y no criticaban los métodos industriales como tales. Por el contrario, el movimiento Arts and Crafts fue tanto un movimiento de reforma social como de reforma del diseño, y sus principales exponentes no separaron ambos aspectos.

Algunas de las ideas del movimiento fueron anticipadas por Augustus Pugin (1812-1852), un líder del neogótico en la arquitectura . Por ejemplo, abogó por la fidelidad al material, la estructura y la función, al igual que los artistas del movimiento Arts and Crafts. ^{[ 16 ]} Pugin articuló la tendencia de los críticos sociales a comparar los defectos de la sociedad moderna con los de la Edad Media, ^{[ 17 ]} como el crecimiento descontrolado de las ciudades y el trato a los pobres, una tendencia que se volvió habitual con Ruskin, Morris y el movimiento Arts and Crafts. Su libro Contrasts (1836) presentó ejemplos de malos edificios modernos y planificación urbana en contraste con buenos ejemplos medievales, y su biógrafa Rosemary Hill señala que «llegó a conclusiones, casi de pasada, sobre la importancia de la artesanía y la tradición en la arquitectura que requerirían el resto del siglo y los esfuerzos conjuntos de Ruskin y Morris para desarrollar en detalle». Ella describe el mobiliario austero que él especificó para un edificio en 1841, "sillas de junco, mesas de roble", como "el interior Arts and Crafts en embrión". ^{[ 17 ]}

La filosofía de Arts and Crafts se derivó en gran medida de la crítica social de John Ruskin , profundamente influenciada por la obra de Thomas Carlyle . ^{[ 18 ]} Ruskin relacionaba la salud moral y social de una nación con las cualidades de su arquitectura y la naturaleza de su trabajo. Consideraba que la producción mecanizada y la división del trabajo creadas durante la Revolución Industrial constituían un «trabajo servil», y creía que una sociedad sana y moral requería trabajadores independientes que diseñaran los objetos que fabricaban. Consideraba que las obras producidas en fábricas eran «deshonestas» y que el trabajo manual y la artesanía fusionaban la dignidad con el trabajo. ^{[ 19 ]}

En el ámbito artístico, Ruskin estuvo influenciado por su contemporáneo Viollet-le-Duc , a quien enseñó a todos sus alumnos. En una carta a uno de ellos, Ruskin escribe: «Solo hay un libro de arquitectura de verdadero valor, y ese lo contiene todo, con razón: el Diccionario del señor Viollet-le-Duc. Todo arquitecto debe aprender francés». ^{[ 20 ]} Según algunos, la influencia de Ruskin en el movimiento Arts and Crafts fue suplantada en 1860 por la de Viollet-le-Duc. ^{[ 21 ]}

Sus seguidores favorecían la producción artesanal sobre la manufactura industrial y les preocupaba la pérdida de las habilidades tradicionales, pero les inquietaban más los efectos del sistema fabril que la maquinaria en sí. ^{[ 22 ]} La idea de «artesanía» de William Morris era esencialmente trabajo sin división del trabajo, más que trabajo sin ningún tipo de maquinaria. ^{[ 23 ]} Morris admiraba Las siete lámparas de la arquitectura y Las piedras de Venecia de Ruskin y había leído Pintores modernos , pero no compartía la admiración de Ruskin por J.M.W. Turner ^{[ 24 ]} y sus escritos sobre arte indican una falta de interés en la pintura de caballete como tal. Por su parte, Ruskin disintió firmemente de la idea que se convirtió en la ortodoxia de Arts and Crafts, de que la decoración debía ser plana y no representar formas tridimensionales. ^{[ 25 ]}

William Morris (1834-1896) fue la figura más destacada del diseño de finales del siglo XIX y la principal influencia del movimiento Arts and Crafts. La visión estética y social del movimiento surgió de las ideas que desarrolló en la década de 1850 con el Grupo de Birmingham , un grupo de estudiantes de la Universidad de Oxford, entre los que se encontraba Edward Burne-Jones , que combinaban el amor por la literatura romántica con el compromiso con la reforma social. ^{[ 26 ]} John William Mackail señala que, para el Grupo, « Pasado y presente de Carlyle se situaba junto a Los pintores modernos de Ruskin como una verdad absoluta e inspirada». ^{[ 27 ]} El medievalismo de La muerte de Arturo de Malory estableció el estándar para su estilo inicial. ^{[ 28 ]} En palabras de Burne-Jones, pretendían «librar una guerra santa contra la época». ^{[ 29 ]}

Morris comenzó a experimentar con diversas artesanías y a diseñar muebles e interiores. ^{[ 31 ]} Participó personalmente tanto en la fabricación como en el diseño, ^{[ 31 ]} lo cual fue el sello distintivo del movimiento Arts and Crafts. Ruskin había argumentado que la separación del acto intelectual del diseño del acto manual de la creación física era perjudicial tanto social como estéticamente. Morris desarrolló aún más esta idea, insistiendo en que no se debía realizar ningún trabajo en sus talleres antes de que él mismo dominara las técnicas y los materiales adecuados, argumentando que «sin una ocupación humana digna y creativa, las personas se desconectaban de la vida». ^{[ 31 ]}

En 1861, Morris comenzó a fabricar muebles y objetos decorativos comercialmente, basando sus diseños en estilos medievales y utilizando formas audaces y colores intensos. Sus motivos se inspiraban en la flora y la fauna, y sus productos en las tradiciones vernáculas o domésticas del campo británico. Algunos se dejaban deliberadamente sin acabado para resaltar la belleza de los materiales y la maestría del artesano, creando así una apariencia rústica. Morris se esforzó por integrar todas las artes en la decoración del hogar, haciendo hincapié en la naturaleza y la sencillez de las formas. ^{[ 32 ]}

William Morris compartía la crítica de Ruskin a la sociedad industrial y, en diversas ocasiones, atacó la fábrica moderna, el uso de maquinaria, la división del trabajo, el capitalismo y la pérdida de los métodos artesanales tradicionales. Sin embargo, su actitud hacia la maquinaria era inconsistente. En un momento dado, afirmó que la producción mediante maquinaria era «un mal absoluto» ^{[ 10 ]} , pero en otras ocasiones, estaba dispuesto a encargar trabajos a fabricantes que pudieran cumplir con sus estándares con la ayuda de las máquinas [ ^{34 ] .} Morris sostenía que en una «sociedad verdadera», donde no se produjeran ni lujos ni basura barata, la maquinaria podría mejorarse y utilizarse para reducir las horas de trabajo ^{[ 35 ]} . La historiadora cultural Fiona McCarthy afirmó sobre Morris que, «a diferencia de fanáticos posteriores como Gandhi , William Morris no tenía objeciones prácticas al uso de la maquinaria en sí, siempre y cuando las máquinas produjeran la calidad que él necesitaba» ^{[ 36 ] .}

Morris insistió en que el artista debía ser un artesano-diseñador que trabajara a mano ^{[ 10 ]} y abogó por una sociedad de artesanos libres, como la que creía que había existido durante la Edad Media. «Debido a que los artesanos disfrutaban de su trabajo», escribió, «la Edad Media fue un período de grandeza en el arte del pueblo llano. ... Los tesoros de nuestros museos ahora son solo los utensilios comunes utilizados en los hogares de esa época, cuando cientos de iglesias medievales  —cada una una obra maestra—  fueron construidas por campesinos sin sofisticación». ^{[ 37 ]} El arte medieval fue el modelo para gran parte del diseño de Arts and Crafts, y la vida, la literatura y la arquitectura medievales fueron idealizadas por el movimiento.

Los seguidores de Morris también tenían opiniones diferentes sobre la maquinaria y el sistema fabril. Por ejemplo, C.  R. Ashbee , una figura central del movimiento Arts and Crafts, dijo en 1888: «No rechazamos la máquina, la acogemos con agrado. Pero deseamos verla dominada». ^{[ 10 ] [ 38 ]} Tras enfrentar sin éxito a su gremio Guild and School of Handicraft contra los métodos modernos de fabricación, reconoció que «la civilización moderna se basa en la maquinaria», ^{[ 10 ]} pero continuó criticando los efectos nocivos de lo que él llamaba «mecanismo», diciendo que «la producción de ciertos productos mecánicos es tan perjudicial para la salud nacional como la producción de caña cultivada por esclavos o artículos elaborados con sudor infantil». ^{[ 39 ]} William Arthur Smith Benson , por otro lado, no tuvo reparos en adaptar el estilo Arts and Crafts a la metalurgia producida en condiciones industriales (véase la cita de Crawford más arriba).

Morris y sus seguidores creían que la división del trabajo de la que dependía la industria moderna era indeseable, pero el grado en que cada diseño debía ser ejecutado por el propio diseñador era motivo de debate y desacuerdo. No todos los artistas del movimiento Arts and Crafts realizaban personalmente todas las etapas de la fabricación de los productos, y fue solo en el siglo XX cuando esto se convirtió en un elemento esencial para la definición de la artesanía. Si bien Morris era famoso por su experiencia práctica en numerosos oficios (incluidos el tejido, el teñido, la impresión, la caligrafía y el bordado), no consideraba problemática la separación entre diseñador y ejecutor en su fábrica. Walter Crane, un estrecho colaborador político de Morris, tenía una visión crítica de la división del trabajo, tanto desde el punto de vista moral como artístico, y defendía con vehemencia que el diseño y la fabricación debían provenir de la misma mano. Lewis Foreman Day, amigo y contemporáneo de Crane, tan admirador como él de Morris, discrepaba profundamente con Crane. Pensaba que la separación entre diseño y ejecución no solo era inevitable en el mundo moderno, sino que solo ese tipo de especialización permitía lo mejor en diseño y lo mejor en fabricación. ^{[ 40 ]}

Pocos de los fundadores de la Arts and Crafts Exhibition Society insistieron en que el diseñador también debía ser el creador, aunque consideraban importante que se le diera crédito al creador, práctica habitual en los catálogos de sus exposiciones. Peter Floud, escribiendo en la década de 1950, afirmó que «los fundadores de la Sociedad... nunca ejecutaron sus propios diseños, sino que invariablemente los encargaron a empresas comerciales». ^{[ 41 ]} La idea de que el diseñador debía ser el creador y el creador el diseñador no provenía de Morris ni de las primeras enseñanzas del movimiento Arts and Crafts, sino más bien de la doctrina de la elaboración de segunda generación desarrollada en la primera década del siglo XX por hombres como WR Lethaby . ^{[ 41 ]}

Muchos de los diseñadores del movimiento Arts and Crafts eran socialistas , incluidos Morris, TJ Cobden Sanderson , Walter Crane , CR Ashbee , Philip Webb , Charles Faulkner y AH Mackmurdo . ^{[ 42 ]} A principios de la década de 1880, Morris dedicaba más tiempo a promover el socialismo que a diseñar y fabricar. ^{[ 43 ]} Ashbee fundó una comunidad de artesanos llamada Guild of Handicraft en el este de Londres, que más tarde se trasladó a Chipping Campden . ^{[ 7 ]} Aquellos seguidores que no eran socialistas, como Alfred Hoare Powell , ^{[ 22 ]} abogaban por una relación más humana y personal entre empleador y empleado. Lewis Foreman Day fue otro diseñador exitoso e influyente del movimiento Arts and Crafts que no era socialista, a pesar de su larga amistad con Crane.

En Gran Bretaña, el movimiento se asoció con la reforma de la vestimenta , ^{[ 44 ]} el ruralismo , el movimiento de la ciudad jardín ^{[ 45 ]} y el resurgimiento de la canción folclórica . Todos estaban vinculados, en cierto grado, por el ideal de "la vida sencilla". ^{[ 46 ]} En Europa continental, el movimiento se asoció con la preservación de las tradiciones nacionales en la construcción, las artes aplicadas, el diseño doméstico y el vestuario. ^{[ 47 ]}

El artista y ceramista británico Bernard Leach trajo a Inglaterra muchas ideas que había desarrollado en Japón con el crítico social Yanagi Soetsu sobre el valor moral y social de las artesanías sencillas; ambos eran lectores entusiastas de Ruskin. Leach fue un activo propagandista de estas ideas, que calaron hondo entre los artesanos durante el período de entreguerras, y las expuso en * A Potter's Book* , publicado en 1940, que denunciaba la sociedad industrial en términos tan vehementes como los de Ruskin y Morris. Así, la filosofía Arts and Crafts se perpetuó entre los artesanos británicos en las décadas de 1950 y 1960, mucho después de la desaparición del movimiento Arts and Crafts y en pleno auge del Modernismo. El mobiliario utilitario británico de la década de 1940 también se inspiró en los principios de Arts and Crafts. ^{[ 65 ]}

Uno de sus principales promotores, Gordon Russell , presidente del Utility Furniture Design Panel, estaba imbuido de las ideas del movimiento Arts and Crafts. Fabricaba muebles en las colinas de Cotswold, una región con tradición en la fabricación de muebles Arts and Crafts desde Ashbee, y era miembro de la Arts and Crafts Exhibition Society. La biógrafa de William Morris, Fiona MacCarthy , detectó la filosofía Arts and Crafts incluso en el Festival de Gran Bretaña (1951), en la obra del diseñador Terence Conran (1931-2020) ^{[ 45 ]} y en la fundación del British Crafts Council en la década de 1970. ^{[ 66 ]}

En Europa continental, el resurgimiento y la preservación de los estilos nacionales fueron un motivo importante para los diseñadores del movimiento Arts and Crafts; por ejemplo, en Alemania, tras la reunificación en 1871, bajo el apoyo del Bund für Heimatschutz (1897) ^{[ 76 ]} y los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk, fundados en 1898 por Karl Schmidt; y en Hungría, Károly Kós revivió el estilo vernáculo de la arquitectura transilvana . En Europa central, donde diversas nacionalidades convivían bajo poderosos imperios (Alemania, Austria-Hungría y Rusia), el descubrimiento de la arquitectura vernácula se asoció con la afirmación del orgullo nacional y la lucha por la independencia, y, mientras que para los practicantes del Arts and Crafts en Gran Bretaña el estilo ideal se encontraba en la época medieval, en Europa central se buscaba en aldeas campesinas remotas. ^{[ 77 ]}

Ampliamente exhibido en Europa, la sencillez del estilo Arts and Crafts inspiró a diseñadores como Henry van de Velde y a estilos como el Art Nouveau , el grupo holandés De Stijl , la Secesión de Viena y, finalmente, el estilo Bauhaus . Pevsner consideraba este estilo como un preludio del Modernismo , que utilizaba formas simples sin ornamentación. ^{[ 10 ]}

Los primeros movimientos Arts and Crafts en Europa continental surgieron en Bélgica alrededor de 1890, donde el estilo inglés inspiró a artistas y arquitectos como Henry Van de Velde , Gabriel Van Dievoet , Gustave Serrurier-Bovy y un grupo conocido como La Libre Esthétique (Estética Libre).

Los productos de Arts and Crafts fueron admirados en Austria y Alemania a principios del siglo XX, y bajo su inspiración el diseño avanzó rápidamente mientras se estancaba en Gran Bretaña. ^{[ 78 ]} La Wiener Werkstätte , fundada en 1903 por Josef Hoffmann y Koloman Moser , estuvo influenciada por los principios de Arts and Crafts de la "unidad de las artes" y lo hecho a mano. La Deutscher Werkbund (Asociación Alemana de Artesanos) se formó en 1907 como una asociación de artistas, arquitectos, diseñadores e industriales para mejorar la competitividad global de las empresas alemanas y se convirtió en un elemento importante en el desarrollo de la arquitectura moderna y el diseño industrial a través de su defensa de la producción estandarizada. Sin embargo, sus miembros principales, van de Velde y Hermann Muthesius , tenían opiniones contradictorias sobre la estandarización. Muthesius creía que era esencial si Alemania se convertía en una nación líder en comercio y cultura. Van de Velde, representante de una actitud más tradicional del movimiento Arts and Crafts, creía que los artistas siempre "protestarían contra la imposición de órdenes o estandarización", y que "El artista... nunca se someterá, por voluntad propia, a una disciplina que le imponga un canon o un tipo". ^{[ 79 ]}

En Finlandia, Herman Gesellius , Armas Lindgren y Eliel Saarinen diseñaron una colonia de artistas idealista en Helsinki , ^{[ 1 ]} quienes trabajaron en el estilo romántico nacional , similar al neogótico británico .

En Hungría , bajo la influencia de Ruskin y Morris, un grupo de artistas y arquitectos, entre ellos Károly Kós , Aladár Körösfői-Kriesch y Ede Toroczkai Wigand, descubrieron el arte popular y la arquitectura vernácula de Transilvania . Muchos de los edificios de Kós, incluidos los del zoológico de Budapest y la finca Wekerle en la misma ciudad, muestran esta influencia. ^{[ 80 ]}

En Rusia, Viktor Hartmann , Viktor Vasnetsov , Yelena Polenova y otros artistas asociados a la Colonia Abramtsevo buscaron revivir la calidad de las artes decorativas rusas medievales de forma totalmente independiente del movimiento en Gran Bretaña.

En Islandia, la obra de Sölvi Helgason muestra la influencia del movimiento Arts and Crafts.

En Estados Unidos, el estilo Arts and Crafts impulsó diversos intentos de reinterpretar los ideales europeos para el público estadounidense. Estos incluyeron la arquitectura, el mobiliario y otras artes decorativas del estilo "Craftsman", como los diseños promovidos por Gustav Stickley en su revista The Craftsman y los producidos en el campus de Roycroft, tal como se publicitaron en The Fra de Elbert Hubbard . Ambos autores utilizaron sus revistas como vehículo para promocionar los productos fabricados en el taller Craftsman de Eastwood, Nueva York, y en el campus Roycroft de Elbert Hubbard en East Aurora, Nueva York . Entre los numerosos imitadores de los muebles de Stickley (cuyos diseños a menudo se denominan erróneamente " estilo Misión ") se encontraban tres empresas fundadas por sus hermanos.

Los términos American Craftsman o estilo Craftsman se utilizan a menudo para referirse al estilo arquitectónico, de diseño de interiores y de artes decorativas que prevaleció entre las épocas dominantes del Art Nouveau y el Art Deco en Estados Unidos, o aproximadamente el período comprendido entre 1910 y 1925. Este movimiento fue particularmente notable por las oportunidades profesionales que brindó a las mujeres como artesanas, diseñadoras y empresarias que fundaron y dirigieron, o trabajaron para, empresas exitosas como Kalo Shops , Pewabic Pottery , Rookwood Pottery y Tiffany Studios . En Canadá, predomina el término Arts and Crafts , pero también se reconoce el estilo Craftsman . ^{[ 81 ]}

Mientras los europeos intentaban recrear las artesanías virtuosas que la industrialización estaba reemplazando, los estadounidenses intentaban establecer un nuevo tipo de virtud que sustituyera la heroica producción artesanal: los hogares bien decorados de la clase media. Afirmaban que la estética sencilla pero refinada de las artes decorativas del movimiento Arts and Crafts ennoblecería la nueva experiencia del consumismo industrial, haciendo a los individuos más racionales y a la sociedad más armoniosa. El movimiento estadounidense Arts and Crafts fue la contraparte estética de su filosofía política contemporánea, el progresismo . De manera característica, cuando la Arts and Crafts Society se fundó en octubre de 1897 en Chicago, lo hizo en Hull House , una de las primeras casas de asentamiento estadounidenses para la reforma social. ^{[ 81 ]}

Los ideales de Arts and Crafts difundidos en Estados Unidos a través de artículos de revistas y periódicos fueron complementados por sociedades que patrocinaban conferencias. ^{[ 81 ]} La primera se organizó en Boston a finales de la década de 1890, cuando un grupo de influyentes arquitectos, diseñadores y educadores decidieron traer a Estados Unidos las reformas de diseño iniciadas en Gran Bretaña por William Morris; se reunieron para organizar una exposición de objetos artesanales contemporáneos. La primera reunión se celebró el 4 de enero de 1897 en el Museo de Bellas Artes (MFA) de Boston para organizar una exposición de artesanías contemporáneas. Cuando los artesanos, consumidores y fabricantes se dieron cuenta del potencial estético y técnico de las artes aplicadas, comenzó el proceso de reforma del diseño en Boston. Estuvieron presentes en esta reunión el general Charles Loring, presidente de los fideicomisarios del MFA; William Sturgis Bigelow y Denman Ross , coleccionistas, escritores y fideicomisarios del MFA; Ross Turner, pintor; Sylvester Baxter , crítico de arte del Boston Transcript ; Howard Baker, AW Longfellow Jr .; y Ralph Clipson Sturgis, arquitecto.

La primera Exposición Estadounidense de Artes y Oficios comenzó el 5 de abril de 1897 en Copley Hall , Boston, presentando más de 1000 objetos hechos por 160 artesanos, la mitad de los cuales eran mujeres. ^{[ 82 ]} Algunos de los defensores de la exposición fueron Langford Warren, fundador de la Escuela de Arquitectura de Harvard; la Sra. Richard Morris Hunt; Arthur Astor Carey y Edwin Mead, reformadores sociales; y Will H. Bradley , diseñador gráfico. El éxito de esta exposición resultó en la incorporación de la Sociedad de Artes y Oficios (SAC), el 28 de junio de 1897, con el mandato de "desarrollar y fomentar estándares más altos en las artesanías". Los 21 fundadores afirmaron estar interesados ​​en algo más que las ventas, y enfatizaron el fomento de que los artistas produjeran obras con la mejor calidad de mano de obra y diseño. Este mandato pronto se amplió a un credo, posiblemente escrito por el primer presidente de la SAC, Charles Eliot Norton , que decía:

Esta Sociedad se constituyó con el propósito de promover el trabajo artístico en todas las ramas de la artesanía. Aspira a fomentar relaciones de beneficio mutuo entre diseñadores y artesanos, y a alentar a estos últimos a ejecutar sus propios diseños. Se esfuerza por estimular en los artesanos la apreciación de la dignidad y el valor del buen diseño; contrarrestar la impaciencia popular hacia la Ley y la Forma, y ​​el deseo de ornamentación excesiva y originalidad engañosa. Insistirá en la necesidad de sobriedad y moderación, o disposición ordenada, de la debida consideración a la relación entre la forma de un objeto y su uso, y de la armonía y adecuación en la decoración aplicada. ^{[ 83 ]}

El Castillo en las Nubes (también conocido como Lucknow ), una finca en la cima de una montaña en las montañas Ossipee de New Hampshire , construida en 1913-14 por el arquitecto de Boston J. Williams Beal para Tom y Olive Plant , es un excelente ejemplo del estilo American Craftsman en Nueva Inglaterra. ^{[ 84 ]} ,

También influyeron la comunidad Roycroft, iniciada por Elbert Hubbard en Buffalo y East Aurora, Nueva York ; Joseph Marbella ; comunidades utópicas como Byrdcliffe Colony en Woodstock, Nueva York ; y Rose Valley, Pensilvania ; urbanizaciones como Mountain Lakes, Nueva Jersey , con conjuntos de casas tipo bungalow y castillo construidas por Herbert J. Hapgood; y el estilo contemporáneo de artesanía de estudio. La cerámica de estudio , ejemplificada por la Grueby Faience Company , Newcomb Pottery en Nueva Orleans , Marblehead Pottery , Teco Pottery , Overbeck and Rookwood Pottery y Pewabic Pottery de Mary Chase Perry Stratton en Detroit , la compañía Van Briggle Pottery en Colorado Springs, Colorado , así como los azulejos artísticos fabricados por Ernest A. Batchelder en Pasadena, California , y los muebles singulares de Charles Rohlfs, demuestran la influencia del movimiento Arts and Crafts.

En Canadá, el artista, profesor y arquitecto George Agnew Reid (1860-1947) fue un importante impulsor del movimiento Arts and Crafts. ^{[ 85 ]} Reid estaba interesado en vincular el arte con los problemas sociales y creía firmemente que las artes visuales y aplicadas podían servir como herramientas para el progreso personal y social a través del acceso público a la belleza y el buen diseño. Reid aplicó su sensibilidad de "arte por el bien de la vida" a su práctica pictórica, especialmente con los murales que creó en Toronto y sus alrededores. Reid también fue vicepresidente fundador de la Arts and Crafts Society of Canada (renombrada posteriormente como Canadian Society of Applied Arts). ^{[ 85 ]}

En Japón, Yanagi Sōetsu , creador del movimiento Mingei , que promovió el arte popular desde la década de 1920 en adelante, estuvo influenciado por los escritos de Morris y Ruskin. ^{[ 37 ]} Al igual que el movimiento Arts and Crafts en Europa, Mingei buscaba preservar las artesanías tradicionales y a menudo utilizaba estilos de decoración medievales , románticos o populares . Abogaba por la reforma económica y social y tenía una orientación antiindustrial. ^{[ 3 ] [ 90 ]} Tuvo una fuerte influencia en las artes en Europa hasta que fue desplazado por el Modernismo en la década de 1930, ^{[ 1 ]} y su influencia continuó entre artesanos, diseñadores y urbanistas mucho tiempo después. ^{[ 45 ]}

• Casa Roja – Upton, Bexley Heath, Kent – ​​1859
• Casa de David Parr – Cambridge, Inglaterra – 1886–1926
• Mansión Wightwick – Wolverhampton, Inglaterra – 1887–1893
• Inglewood – Leicester, Inglaterra – 1892
• Standen – East Grinstead, Inglaterra – 1894
• Iglesia Swedenborgiana – San Francisco, California – 1895
• Casa de Mary Ward – Bloomsbury, Londres – 1896–1898
• Blackwell – Distrito de los Lagos, Inglaterra – 1898
• Derwent House – Chislehurst, Bromley, Kent – ​​1899
• Stoneywell – Ulverscroft, Leicestershire – 1899
• Iglesia Metodista de Long Street – Middleton, Gran Manchester – 1899
• Casa Spade - Sandgate, Kent - 1900
• Finca Caledonian – Islington, Londres – 1900–1907
• Museo Horniman – Forest Hill, Londres – 1901
• Iglesia de Todos los Santos, Brockhampton – 1901–02
• Shaw's Corner – Ayot St Lawrence, Hertfordshire – 1902
• Casa de Pierre P. Ferry – Seattle, Washington – 1903–1906
• Winterbourne House – Birmingham, Inglaterra – 1904
• El fraile negro – Blackfriars, Londres – 1905
• Casa Marston – San Diego, California – 1905
• Centro Edgar Wood – Manchester, Inglaterra – 1905
• Debenham House – Holland Park, Londres – 1905–1907
• Belrock – Gran Sudbury, Ontario – 1907
• Casa de Robert R. Blacker – Pasadena, California – 1907
• Stotfold , Bickley, Kent - 1907
• Casa de apuestas – Pasadena, California – 1908
• Biblioteca Pública de Oregon – Oregon, Illinois – 1909
• Casa Thorsen – Berkeley, California – 1909
• Mansión Rodmarton - Rodmarton, cerca de Cirencester, Gloucestershire - 1909-1929
• Whare Ra – Havelock North, Nueva Zelanda – 1912
• Sutton Garden Suburb – Benhilton, Sutton, Londres – 1912–1914
• El Omni Grove Park Inn – Asheville, Carolina del Norte – 1913
• Castillo en las nubes – Montañas Ossipee en el lago Winnipesaukee , Nuevo Hampshire – 1913–14
• Capilla Honan - University College Cork, Irlanda - c. 1916
• Catedral de San Francisco Javier – Geraldton, Australia Occidental 1916–1938
• Biblioteca conmemorativa de la escuela Bedales – cerca de Petersfield, Hampshire – 1919–1921
• Casa del Demócrata – Rose Valley, Pensilvania, 1911–12
• Craftsman Farms – Parsippany, Nueva Jersey – 1911