Arte de la antigua Grecia

El arte de la Antigua Grecia comprende las artes visuales y aplicadas , así como la arquitectura , producidas por los helenos o pueblos griegos desde el inicio de la Edad de Hierro hasta el período helenístico , que culminó con la conquista romana de Grecia en la batalla de Corinto en el 146 a. C. Se distingue de otras culturas antiguas por el desarrollo de representaciones naturalistas pero idealizadas del cuerpo humano, en las que las figuras masculinas, en su mayoría desnudas, fueron el foco principal de la innovación. El ritmo de desarrollo estilístico entre aproximadamente el 750 y el 300 a. C. fue notable para los estándares de la época, y en las obras que se conservan se aprecia mejor en la escultura . Hubo importantes innovaciones en la pintura, que deben reconstruirse esencialmente debido a la escasez de ejemplares originales de calidad, a excepción del campo específico de la cerámica pintada.

La arquitectura griega , técnicamente muy sencilla, estableció un estilo armonioso con numerosas convenciones detalladas que fueron ampliamente adoptadas por la arquitectura romana y que aún se siguen en algunos edificios modernos. Empleaba un vocabulario ornamental compartido con la cerámica, la metalistería y otros medios, y tuvo una enorme influencia en el arte euroasiático , especialmente después de que el budismo lo extendiera más allá del mundo griego expandido por Alejandro Magno . El contexto social del arte griego incluía importantes avances políticos y un gran aumento de la prosperidad; los igualmente impresionantes logros griegos en filosofía , literatura y otros campos son bien conocidos.

El arte más antiguo de los griegos generalmente se excluye del "arte griego antiguo", y en su lugar se conoce como arte neolítico griego seguido del arte egeo ; este último incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y micénica de la Edad del Bronce griega . ^{[ 1 ]} El arte de la antigua Grecia generalmente se divide estilísticamente en cuatro períodos: el geométrico , el arcaico , el clásico y el helenístico . La época geométrica generalmente se fecha alrededor del 1000 a. C., aunque en realidad se sabe poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años anteriores, tradicionalmente conocidos como la Edad Oscura griega . El siglo VII a. C. fue testigo del lento desarrollo del estilo arcaico como lo ejemplifica el estilo de figuras negras de la pintura de vasos. Alrededor del año 500 a. C., poco antes del inicio de las Guerras Médicas (480 a. C. a 448 a. C.), se suele considerar la línea divisoria entre los periodos Arcaico y Clásico, y el reinado de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.) se considera la separación entre el periodo Clásico y el Helenístico. A partir de algún momento del siglo I a. C. se utiliza el término «grecorromano», o términos más locales para referirse al mundo griego oriental. ^{[ 2 ]}

En realidad, no hubo una transición abrupta de un período a otro. Las formas artísticas se desarrollaron a ritmos diferentes en distintas partes del mundo griego, y, como en cualquier época, algunos artistas trabajaron con estilos más innovadores que otros. Las arraigadas tradiciones locales y las exigencias de los cultos locales permiten a los historiadores localizar los orígenes incluso de obras de arte encontradas lejos de su lugar de origen. El arte griego, en sus diversas formas, se exportaba ampliamente. Durante todo el período se observó un aumento constante de la prosperidad y de las relaciones comerciales dentro del mundo griego y con las culturas vecinas.

La tasa de supervivencia del arte griego varía notablemente según el medio. Se conservan grandes cantidades de cerámica y monedas, así como mucha escultura en piedra (aunque aún más copias romanas) y algunas esculturas de bronce de gran tamaño. Prácticamente han desaparecido la pintura, los finos recipientes de metal y cualquier objeto realizado en materiales perecederos, incluida la madera. Se conserva la estructura de piedra de varios templos y teatros, pero poco de su elaborada decoración. ^{[ 3 ]}

Por convención, los recipientes finamente pintados de todas las formas se denominan «jarrones», y se conservan más de 100 000 piezas significativamente completas, ^{[ 5 ]} que ofrecen (con las inscripciones que muchas llevan) una visión sin precedentes de muchos aspectos de la vida griega. La cerámica escultórica o arquitectónica, también pintada con frecuencia, se denomina terracota y también se conserva en grandes cantidades. En gran parte de la literatura, «cerámica» se refiere únicamente a recipientes pintados o «jarrones». La cerámica era la principal forma de ajuar funerario depositado en las tumbas, a menudo como «urnas funerarias» que contenían las cenizas cremadas , y se exportaba ampliamente.

El famoso y distintivo estilo de la pintura de vasos griegos, con figuras representadas de contornos marcados y líneas finas en su interior, alcanzó su apogeo entre el 600 y el 350 a. C., y se divide en dos estilos principales, casi opuestos entre sí: la pintura de figuras negras y la de figuras rojas , donde el otro color forma el fondo en cada caso. Los demás colores eran muy limitados, normalmente reducidos a pequeñas áreas blancas y otras más grandes de un rojo violáceo diferente. Dentro de las restricciones de estas técnicas y otras convenciones arraigadas, los pintores de vasos lograron resultados notables, combinando refinamiento y poderosa expresividad. La técnica del fondo blanco permitía mayor libertad en la representación, pero no era duradera y se utilizaba principalmente para entierros. ^{[ 6 ]}

Tradicionalmente, se dice que los antiguos griegos fabricaban la mayoría de sus vasijas de cerámica para uso cotidiano, no para exhibición. Las excepciones son los grandes jarrones monumentales arcaicos hechos como marcadores de tumbas, trofeos ganados en juegos, como las ánforas panatenaicas llenas de aceite de oliva, y piezas hechas específicamente para ser colocadas en tumbas; algunos frascos de perfume tienen una base ahorrativa justo debajo de la boca, de modo que una pequeña cantidad los hace parecer llenos. ^{[ 7 ]} En las últimas décadas, muchos estudiosos han cuestionado esto, al observar una producción mucho mayor de la que se creía anteriormente destinada a ser colocada en tumbas, como un sustituto más económico de la cerámica metálica tanto en Grecia como en Etruria. ^{[ 8 ]}

La mayor parte de la cerámica que se conserva consiste en vasijas para almacenar, servir o beber líquidos, como ánforas , cráteras (cuencos para mezclar vino y agua), hidrias (jarras de agua), cuencos para libaciones, frascos de aceite y perfume para el aseo, jarras y copas. Las vasijas pintadas para servir y comer alimentos son mucho menos comunes. La cerámica pintada era asequible incluso para la gente común, y una pieza «decentemente decorada con unas cinco o seis figuras costaba el salario de dos o tres días». ^{[ 9 ]} También se producían miniaturas en grandes cantidades, principalmente para ser utilizadas como ofrendas en los templos. ^{[ 10 ]} En el período helenístico se produjo una gama más amplia de cerámica, pero la mayor parte de ella tiene poca importancia artística.

En épocas anteriores, incluso las ciudades griegas más pequeñas producían cerámica para su propia localidad. Esta variaba ampliamente en estilo y calidad. Se producía cerámica distintiva, considerada arte, en algunas islas del Egeo , en Creta y en las ricas colonias griegas del sur de Italia y Sicilia . ^{[ 12 ]} Sin embargo, a finales del período Arcaico y principios del Clásico, las dos grandes potencias comerciales, Corinto y Atenas , llegaron a dominar. Su cerámica se exportaba a todo el mundo griego, desplazando las variedades locales. Se han encontrado vasijas de Corinto y Atenas en lugares tan lejanos como España y Ucrania , y son tan comunes en Italia que se coleccionaron por primera vez en el siglo XVIII como «vasijas etruscas». ^{[ 13 ]} Muchas de estas vasijas son productos de producción en masa de baja calidad. De hecho, en el siglo V a. C., la cerámica se había convertido en una industria y la pintura sobre cerámica dejó de ser una forma de arte importante.

La gama de colores que se podían usar en las vasijas estaba limitada por la tecnología de cocción: el negro, el blanco, el rojo y el amarillo eran los más comunes. En los tres primeros periodos, las vasijas se dejaban en su color claro natural y se decoraban con engobe que se volvía negro en el horno. ^{[ 6 ]}

La cerámica griega suele estar firmada, a veces por el alfarero o el maestro alfarero, pero solo ocasionalmente por el pintor. Sin embargo, cientos de pintores son identificables por su personalidad artística: cuando sus firmas no han sobrevivido, se les nombra por sus temas predilectos, como «el Pintor de Aquiles », por el alfarero para quien trabajaron, como el « Pintor de Kleophrades » del período Arcaico Tardío, o incluso por su ubicación actual, como el « Pintor de Berlín » del período Arcaico Tardío. ^{[ 14 ]}

Historia

La historia de la cerámica griega antigua se divide estilísticamente en cinco períodos:

• La Protogeométrica data de alrededor del 1050 a. C.
• La geometría data de alrededor del 900 a. C.
• El período geométrico tardío o arcaico, desde aproximadamente el 750 a. C.
• La figura negra de principios del siglo VII a. C.
• y la figura roja de alrededor del 530 a. C.

Durante los periodos protogeométrico y geométrico , la cerámica griega se decoraba con diseños abstractos; en el primero, generalmente elegantes y de gran tamaño, con mucho espacio sin pintar, mientras que en el geométrico a menudo cubrían densamente la mayor parte de la superficie, como en las grandes vasijas del Maestro de Dipylon , que trabajó alrededor del año 750. Él y otros alfareros de su época comenzaron a introducir figuras de siluetas muy estilizadas de humanos y animales, especialmente caballos. Estas suelen representar procesiones fúnebres o batallas, presumiblemente aquellas libradas por el difunto. ^{[ 15 ]}

A la fase geométrica le siguió un período orientalizante a finales del siglo VIII, cuando se adaptaron algunos animales, muchos de ellos míticos o no originarios de Grecia (como la esfinge y el león, respectivamente), procedentes del Cercano Oriente, acompañados de motivos decorativos como el loto y la palmeta. Estos se representaban a un tamaño mucho mayor que las figuras anteriores. El estilo de la cabra montesa es una variante regional que a menudo muestra cabras . Las figuras humanas no recibieron tanta influencia oriental, pero también se hicieron más grandes y detalladas. ^{[ 16 ]}

La técnica de figuras negras , plenamente desarrollada , con detalles rojos y blancos añadidos e incisiones para contornos y detalles, se originó en Corinto a principios del siglo VII a. C. y se introdujo en el Ática aproximadamente una generación después; floreció hasta finales del siglo VI a. C. ^{[ 17 ]} La técnica de figuras rojas , inventada alrededor del 530 a. C., invirtió esta tradición, pintando las vasijas de negro y las figuras de rojo. Los jarrones de figuras rojas reemplazaron gradualmente el estilo de figuras negras. A veces, las vasijas más grandes también se grababan además de pintarse. Los temas eróticos, tanto heterosexuales como homosexuales masculinos , se hicieron comunes. ^{[ 18 ]}

Hacia el año 320 a. C., la fina pintura figurativa de vasos había cesado en Atenas y otros centros griegos, siendo el estilo policromado de Kerch su último florecimiento; probablemente fue reemplazada por la metalistería para la mayoría de sus funciones. La cerámica de West Slope , con motivos decorativos sobre un cuerpo vidriado negro , continuó durante más de un siglo después. ^{[ 19 ]} La pintura italiana de figuras rojas terminó hacia el año 300, y en el siglo siguiente los vasos Hadra , relativamente primitivos, probablemente de Creta , la cerámica Centuripe de Sicilia y las ánforas panatenaicas , ahora una tradición congelada, fueron los únicos vasos pintados de gran tamaño que aún se fabricaban. ^{[ 20 ]}

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  Píxide del período geométrico tardío , Museo Británico
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  Jarra orientalizante corintia, c. 620 a. C. , Colección de Antigüedades de Múnich
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  Olpe (vasija para vino) de figuras negras del Pintor de Amasis , que representa a Heracles y Atenea , c. 540 a. C. , Museo del Louvre.
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  Interior ( tondo ) de un kílix de figuras rojas , que representa a Heracles y Atenea , obra de Fénix (alfarero) y Douris (pintor), c. 480-470 a. C., Colección de Antigüedades de Múnich.
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  Detalle de una ánfora de figuras rojas que representa a un sátiro atacando a una ménade , obra de Pamphaios (alfarero) y Oltos (pintor), c. 520 a. C. , Museo del Louvre.
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  Lecito de fondo blanco con una escena de duelo del Pintor de las Cañas , c. 420-410 a. C., Museo Británico.
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  Cuenco helenístico con relieve y cabeza de ménade , siglo II a. C. (?), Museo Británico

La orfebrería fina fue un arte importante en la antigua Grecia, pero la producción posterior está muy poco representada por los ejemplares que se conservan, la mayoría de los cuales provienen de los confines del mundo griego o incluso de más allá, llegando hasta la actual Francia o Rusia. Se producían vasijas y joyas de alta calidad y se exportaban a lugares lejanos. Los objetos de plata, que en aquella época valían más en relación con el oro que en la actualidad, solían llevar inscrita su peso por el orfebre, ya que se consideraban principalmente depósitos de valor y era probable que se vendieran o se volvieran a fundir en poco tiempo. ^{[ 22 ]}

Durante las fases Geométrica y Arcaica, la producción de grandes vasijas metálicas fue una importante expresión de la creatividad griega y una etapa crucial en el desarrollo de las técnicas de trabajo del bronce, como la fundición y el repujado . Los primeros santuarios, especialmente Olimpia , han revelado cientos de vasijas trípodes sacrificiales , en su mayoría de bronce , depositadas como ofrendas votivas . Estas consistían en una cazoleta poco profunda con dos asas, elevada sobre tres patas; en versiones posteriores, el soporte y la cazoleta eran piezas separadas. Durante el período orientalizante del siglo VIII a. C., estos trípodes se decoraban frecuentemente con protomos figurativos , con forma de grifos , esfinges y otras criaturas fantásticas. ^{[ 23 ]}

Las espadas, el casco griego y a menudo la armadura corporal como la coraza muscular estaban hechas de bronce, a veces decoradas con metales preciosos, como en la coraza de Ksour Essef del siglo III . ^{[ 24 ]} Las armaduras y las "bandas de escudo" son dos de los contextos para las tiras de escenas arcaicas en bajorrelieve, que también se fijaban a varios objetos de madera; la banda en el cráter de Vix es un gran ejemplo. ^{[ 25 ]} Los espejos de bronce pulido, inicialmente con reversos decorados y asas de kore, eran otro artículo común; el tipo posterior de "espejo plegable" tenía tapas con bisagras, a menudo decoradas con una escena en relieve, típicamente erótica. ^{[ 26 ]} Las monedas se describen más adelante .

Desde finales del período Arcaico, la mejor metalurgia se mantuvo al ritmo de los desarrollos estilísticos en la escultura y las demás artes, y Fidias ( activo en el siglo V a. C. ) se encuentra entre los escultores conocidos que la practicaron. ^{[ 27 ]} El gusto helenístico fomentó demostraciones sumamente intrincadas de virtuosismo técnico, tendiendo a la «ingeniosidad, el capricho o la elegancia excesiva». ^{[ 28 ]} Muchas o la mayoría de las formas de la cerámica griega se tomaron de formas utilizadas originalmente en metal, y en las últimas décadas ha habido una opinión cada vez más extendida de que gran parte de la mejor pintura de vasos reutilizaba diseños de plateros para vasijas con grabados y secciones chapadas en un metal diferente, trabajando a partir de diseños dibujados. ^{[ 29 ]}

Excepcionales ejemplos de lo que pudo haber sido una clase relativamente común de grandes vasijas de bronce son dos cráteras de voluta , para mezclar vino y agua. ^{[ 30 ]} Estas son la crátera de Vix , c. 530 a. C. , 1,63 m (5 pies 4 pulgadas) de alto y más de 200 kg (440 libras) de peso, con capacidad para unos 1100 litros, y encontrada en el entierro de una mujer celta en la actual Francia, ^{[ 31 ]} y la crátera de Derveni del siglo IV , 90,5 cm (35,6 pulgadas) de alto. ^{[ 32 ]} Las élites de los vecinos de los griegos, como los tracios y los escitas , como ávidos consumidores de la metalurgia griega, probablemente eran abastecidas por orfebres griegos establecidos en sus territorios, que adaptaban sus productos para satisfacer los gustos y funciones locales. Estas piezas híbridas constituyen una gran parte de los hallazgos conservados, incluyendo el Tesoro de Panagyurishte , el Tesoro de Borovo y otros tesoros tracios , así como varios enterramientos escitas, que probablemente contenían obras de artistas griegos afincados en los asentamientos griegos del Mar Negro . ^{[ 33 ]} Al igual que con otras artes de lujo , el cementerio real macedonio de Vergina ha producido objetos de máxima calidad de la transición entre los períodos clásico y helenístico. ^{[ 34 ]}       

Las joyas para el mercado griego suelen ser de una calidad excepcional, ^{[ 35 ]} con una forma inusual: intrincadas y delicadas guirnaldas de oro que imitan formas vegetales y se llevaban en la cabeza. Probablemente, rara vez se usaban en vida, sino que se ofrecían como ofrendas votivas y se lucían tras la muerte. ^{[ 36 ]} Muchos de los retratos de momias de Fayum las llevan. Algunas piezas, especialmente del período helenístico, son lo suficientemente grandes como para permitir la inclusión de figuras, al igual que el gusto escita por las piezas de oro relativamente sustanciales. ^{[ 37 ]}

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  Protoma de cabeza de grifo de bronce procedente de Olimpia , siglo VII a. C.
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  El cráter de Vix , un recipiente monumental de bronce del período Arcaico tardío, exportado a los celtas franceses.
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  Elegante espejo de bronce del período clásico temprano con mango en forma de cariátide humana , c. 460 a. C.
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  Corona dorada, 370-360, del sur de Italia.
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  Ritón de plata para el mercado tracio, finales del siglo IV ^{[ 38 ]}
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  Ritón griego de oro y bronce del siglo IV a. C. con cabeza de Dioniso, Fondo de Arte de Tamoikin
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  Fragmento de una corona de oro, c. 320-300 a. C., procedente de un enterramiento en Crimea.
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  Adorno para el cabello y redecilla de oro, siglo III a. C.
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  Medallón de plata del período helenístico tardío

Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. ^{[ 39 ]} Al ver a sus dioses con forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo profano en el arte: el cuerpo humano era a la vez profano y sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles presentaba solo ligeras diferencias en el tratamiento con respecto a uno del campeón olímpico de boxeo de ese año. En el período arcaico, la forma escultórica más importante era el kouros (plural kouroi ), el desnudo masculino de pie (véase, por ejemplo, Biton y Kleobis ). La kore (plural korai ), o figura femenina vestida de pie, también era común, pero dado que la sociedad griega no permitió la exhibición pública de la desnudez femenina hasta el siglo IV a. C., la kore se considera de menor importancia en el desarrollo de la escultura. ^{[ 40 ]} Hacia el final del período, la escultura arquitectónica en los templos estaba adquiriendo importancia.

Al igual que con la cerámica, los griegos no producían esculturas monumentales simplemente para exhibición artística. Las estatuas eran encargadas por individuos aristocráticos o por el Estado, y se utilizaban como monumentos públicos, ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como se muestra frecuentemente en las inscripciones de las estatuas), o como marcadores de tumbas. Las estatuas del período Arcaico no todas representaban a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre representaban a hombres jóvenes, desde la adolescencia hasta la primera etapa de la madurez, incluso cuando se colocaban sobre las tumbas de ciudadanos (presumiblemente) ancianos. Todos los kouroi eran estilísticamente similares. Las diferencias en la posición social de quien encargaba la estatua se indicaban por el tamaño más que por las innovaciones artísticas. ^{[ 41 ]}

A diferencia de los autores, quienes practicaban las artes visuales, incluida la escultura, tenían inicialmente un estatus social bajo en la antigua Grecia, aunque los escultores más destacados podían llegar a ser famosos y bastante ricos, y a menudo firmaban sus obras (a menudo en el pedestal, que generalmente se separaba de la estatua). ^{[ 42 ]} Plutarco ( Vida de Pericles , II) dijo: «Admiramos la obra de arte, pero despreciamos a su creador»; esta era una opinión común en el mundo antiguo. La escultura griega antigua se clasifica según los períodos estilísticos habituales de «Arcaico», «Clásico» y «Helenístico», complementados con algunos adicionales que se aplican principalmente a la escultura, como el estilo dedálico orientalizante y el estilo severo de la escultura clásica temprana. ^{[ 43 ]}

Materiales, formas

Las esculturas griegas antiguas que se conservan estaban hechas principalmente de dos tipos de material. La piedra, especialmente el mármol u otras calizas de alta calidad, era la más utilizada y se tallaba a mano con herramientas de metal. Las esculturas de piedra podían ser exentas y estar talladas completamente en bulto redondo (estatuas), o ser relieves parcialmente tallados que aún estaban unidos a una placa de fondo, por ejemplo, en frisos arquitectónicos o estelas funerarias . ^{[ 44 ]}

Las estatuas de bronce eran de mayor estatus, pero han sobrevivido en cantidades mucho menores debido a la reutilización de los metales. Generalmente se realizaban mediante la técnica de la cera perdida . Las estatuas crisoelefantinas , o de oro y marfil, eran las imágenes de culto en los templos y se consideraban la forma más elevada de escultura, pero solo han sobrevivido algunos fragmentos. Normalmente eran de tamaño superior al natural, construidas alrededor de un marco de madera, con finas láminas talladas de marfil que representaban la carne y láminas de pan de oro , probablemente sobre madera, que representaban las vestimentas, la armadura, el cabello y otros detalles. ^{[ 45 ]}

En algunos casos, se emplearon pasta de vidrio, vidrio y piedras preciosas y semipreciosas para detalles como ojos, joyas y armas. Otras grandes estatuas acrolíticas utilizaban piedra para las partes carnosas y madera para el resto, y las estatuas de mármol a veces presentaban peinados de estuco . La mayoría de las esculturas estaban pintadas (véase más abajo), y muchas lucían joyas auténticas y tenían ojos incrustados y otros elementos de diferentes materiales. ^{[ 46 ]}

La terracota se empleaba ocasionalmente para estatuas de gran tamaño. Se conservan pocos ejemplos, al menos en parte debido a la fragilidad de dichas estatuas. La excepción más conocida es una estatua de Zeus cargando a Ganímedes , hallada en Olimpia y realizada alrededor del 470 a. C. En este caso, la terracota está pintada. Sin duda existieron esculturas exclusivamente de madera, que pudieron haber sido muy importantes en épocas tempranas, pero prácticamente ninguna ha sobrevivido. ^{[ 47 ]}

Arcaico

El arte cicládico de la Edad de Bronce , hasta aproximadamente el año 1100 a. C., ya mostraba un enfoque inusual en la figura humana, generalmente representada en una postura frontal de pie con los brazos cruzados sobre el estómago. Entre los rasgos más pequeños, solo se esculpían narices, a veces ojos y senos femeninos, aunque aparentemente las figuras solían estar pintadas y es posible que originalmente tuvieran un aspecto muy diferente.

Inspirados por la monumental escultura en piedra de Egipto y Mesopotamia , durante el período Arcaico los griegos volvieron a esculpir en piedra: mercenarios y comerciantes griegos estaban activos en el extranjero, como en Egipto al servicio del faraón Psamético I (664-610 a. C.), y estuvieron expuestos al arte monumental de estos países. ^{[ 48 ] [ 49 ]} En general, se acepta que "la estatuaria egipcia del segundo milenio a. C. dio el impulso decisivo para la innovación de la escultura griega en tamaño natural y en hiperformatos en el período Arcaico durante finales del siglo VII". ^{[ 48 ]} Las figuras exentas comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (período Arcaico temprano, c. 660-580 a. C., ambos en el Louvre, París). Después de aproximadamente el 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, lucían la llamada sonrisa arcaica . Esta expresión, que no guarda una relación específica con la persona o situación representada, pudo haber sido un recurso para dotar a las figuras de una característica humana distintiva. ^{[ 50 ]}

Se utilizaron tres tipos de figuras: el joven desnudo de pie (kouros), la muchacha de pie con túnica (kore) y, con menos frecuencia, la mujer sentada. ^{[ 51 ]} Todas enfatizan y generalizan las características esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Ejemplos de ello son el Apolo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Apolo de Strangford de Anafi (Museo Británico, Londres), una obra mucho posterior; y el Kouros de Anavyssos ( Museo Arqueológico Nacional de Atenas ). En esta estatua se aprecia mejor la musculatura y la estructura esquelética que en las obras anteriores. Las muchachas de pie con túnica presentan una amplia gama de expresiones, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas . Sus túnicas están talladas y pintadas con la delicadeza y meticulosidad características de los detalles escultóricos de este período. ^{[ 52 ]}

Se conservan relieves arcaicos de numerosas tumbas y de edificios más grandes en Foce del Sele (actualmente en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum ), en Italia, con dos grupos de paneles de metopas , de alrededor del 550 y el 510 a. C., y del Tesoro Sifnio en Delfos, con frisos y un pequeño frontón . Se conservan partes, todas ellas en museos locales, de los grandes grupos triangulares de frontones del Templo de Artemisa, Corfú ( c. 580 a. C. ), dominado por una enorme Gorgona , y del Antiguo Templo de Atenea en Atenas ( c. 530-500 a. C.). ^{[ 53 ]}

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  Kouros de Dipylon, c. 600 a. C. , Atenas, Museo de Kerameikos
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  El Moschophoros o portador del ternero, c. 570 a. C. , Atenas, Museo de la Acrópolis.
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  Kore de Peplos , c. 530 a. C. , Atenas, Museo de la Acrópolis.
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  Friso del Tesoro de Sifnia , Delfos , que representa una Gigantomaquia , c. 525 a. C. , Museo Arqueológico de Delfos.
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  El Apolo de Strangford , 500–490, uno de los últimos kouroi
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  La cabeza de Sabouroff , un importante ejemplo de la escultura griega en mármol del período Arcaico Tardío, c. 550-525 a. C.
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  Los escombros persas , o "escombros persas", que datan de la destrucción de Atenas en el 480/479 a. C. durante la segunda invasión persa de Grecia, ofrecen un claro indicador de datación para la estatuaria arcaica.

Clásico

En el período clásico se produjo una revolución en la estatuaria griega, generalmente asociada con la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática vinculada a los kouroi . Este período vio cambios en el estilo y la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (véase el Auriga de Delfos como ejemplo de la transición a una escultura más naturalista), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en diversas poses aumentó considerablemente. A partir del año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar personas reales. Se dice que las estatuas de Harmodio y Aristogitón, erigidas en Atenas para conmemorar el derrocamiento de la tiranía, fueron los primeros monumentos públicos dedicados a personas reales. ^{[ 54 ]}

Al mismo tiempo, la escultura y las estatuas adquirieron usos más amplios. Los grandes templos de la época clásica, como el Partenón en Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, requerían relieves para los frisos decorativos y esculturas de bulto redondo para rellenar los campos triangulares de los frontones . El difícil reto estético y técnico impulsó una gran innovación escultórica. Estas obras se conservan solo en fragmentos, siendo los más famosos los mármoles del Partenón , la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico. ^{[ 57 ]}

La estatuaria funeraria evolucionó durante este período, pasando del rígido e impersonal kouros del período arcaico a los grupos familiares altamente personales del período clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en las afueras de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Si bien algunos representan tipos "ideales" —la madre en duelo, el hijo obediente—, cada vez más representaban personas reales, mostrando típicamente al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Son algunos de los vestigios más íntimos y conmovedores de los antiguos griegos. ^{[ 58 ]}

En el período clásico, por primera vez conocemos los nombres de escultores individuales. Fidias supervisó el diseño y la construcción del Partenón . Praxíteles hizo que el desnudo femenino fuera respetable por primera vez en el período clásico tardío (mediados del siglo IV): su Afrodita de Cnido , que se conserva en copias, fue considerada por Plinio como la estatua más grande del mundo. ^{[ 59 ]}

Las obras más famosas del período clásico para sus contemporáneos fueron la colosal estatua de Zeus en Olimpia y la estatua de Atenea Parthenos en el Partenón. Ambas eran crisoelefantinas y fueron ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y actualmente se encuentran perdidas, aunque aún existen copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones de ambas. Su tamaño y magnificencia impulsaron a los emperadores a confiscarlas durante el período bizantino , y ambas fueron trasladadas a Constantinopla , donde posteriormente fueron destruidas en incendios. ^{[ 60 ]}

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  Copia del Diadumenos de Policlito , Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
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  La llamada Venus Braschi de Praxíteles , tipo de la Afrodita de Cnido , Gliptoteca de Múnich.
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  El joven maratoniano, estatua de bronce del siglo IV a. C., posiblemente obra de Praxíteles , Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
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  Hermes , posiblemente obra de Lisipo , Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
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  Metopa Sur 1 del Partenón en el Museo de la Acrópolis de Atenas.
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  Bloque VI del friso oeste del Partenón en el Museo de la Acrópolis de Atenas.

Helenístico

La transición del período clásico al helenístico tuvo lugar durante el siglo IV a. C. Tras las conquistas de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.), la cultura griega se extendió hasta la India , como revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán , y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos . El arte grecobudista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. De este modo, el arte griego se diversificó y se vio más influenciado por las culturas de los pueblos que se vieron atraídos por la órbita griega. ^{[ 61 ]}

En opinión de algunos historiadores del arte, también decayó en calidad y originalidad. Sin embargo, este es un juicio que los artistas y amantes del arte de la época no habrían compartido. De hecho, muchas esculturas consideradas anteriormente como obras maestras clásicas ahora se reconocen como helenísticas. La habilidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras importantes como la Victoria Alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo . Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría , Antioquía , Pérgamo y otras ciudades, donde las nuevas monarquías fueron generosas mecenas. ^{[ 62 ]} Para el siglo II, el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y una proporción cada vez mayor de sus productos. ^{[ 63 ]}

Durante este período, la escultura se volvió más naturalista y expresiva; el interés por representar emociones extremas a veces se llevó al extremo. Los temas de género, como la gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas, se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que era encargada por familias adineradas para el adorno de sus hogares y jardines; el Niño con espina es un ejemplo. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sentían obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. ^{[ 64 ]}

El mundo de Dioniso , un idilio pastoral poblado por sátiros , ménades , ninfas y silenos , había sido representado con frecuencia en pinturas de vasos y figurillas anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño natural. Ahora se realizaron tales obras, que se conservan en copias como el Fauno Barberini , el Torso Belvedere y el Sátiro en reposo ; los Centauros Furietti y el Hermafrodito durmiente reflejan temas relacionados. ^{[ 65 ]} Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgían por todo Egipto , Siria y Anatolia requerían estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió la escultura, al igual que la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Por estas razones, se conservan muchas más estatuas helenísticas que del período clásico.

Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria Alada de Samotracia (siglo II o I a. C.), ^{[ 66 ]} la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a. C.), el Gálata Moribundo (alrededor del 230 a. C.) y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a. C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emotivo de lo que el gusto austero del período clásico habría permitido o sus habilidades técnicas habrían posibilitado.

El grupo de estatuas con múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, que trasladó las batallas épicas de los relieves de los frontones de los templos anteriores de sus muros a grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo se suele denominar « barroco », con posturas corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. Los relieves del Altar de Pérgamo son los originales más cercanos que se conservan, pero se cree que varias obras conocidas son copias romanas de originales helenísticos. Entre ellas se incluyen el Galo Moribundo y el Galo Ludovisi , así como un Galo Arrodillado menos conocido y otros, todos ellos considerados copias de encargos de Pérgamo realizados por Átalo I para conmemorar su victoria alrededor del 241 sobre los galos de Galacia , que probablemente comprendían dos grupos. ^{[ 67 ]}

El grupo de Laocoonte , el toro Farnesio , Menelao sosteniendo el cuerpo de Patroclo («grupo Pasquino»), Arrotino y las esculturas de Sperlonga son otros ejemplos. ^{[ 68 ]} A partir del siglo II, el estilo neoático o neoclásico es visto por diferentes estudiosos como una reacción a los excesos barrocos, un retorno a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional para las estatuas de culto. ^{[ 69 ]} Los talleres de este estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería las copias de piezas clásicas a las helenísticas. ^{[ 70 ]}

Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la (ahora sumergida) antigua ciudad egipcia de Heraclio incluyen una representación de Isis del siglo IV a. C., inusualmente sensual, detallada y feminista (en contraposición a la deificación) , que marca una combinación de formas egipcias y helenísticas que comenzó alrededor de la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno . Sin embargo, esto era atípico de la escultura de la corte ptolemaica , que generalmente evitaba mezclar estilos egipcios con su estilo helenístico bastante convencional, ^{[ 71 ]} mientras que los templos del resto del país continuaron utilizando versiones tardías de fórmulas egipcias tradicionales. ^{[ 72 ]} Los estudiosos han propuesto un "estilo alejandrino" en la escultura helenística, pero de hecho hay poco que lo conecte con Alejandría. ^{[ 73 ]}

La escultura helenística también se caracterizó por un aumento de escala, que culminó en el Coloso de Rodas (finales del siglo III), del mismo tamaño que la Estatua de la Libertad . La combinación de terremotos y saqueos destruyó esta obra, así como otras grandes piezas de este período.

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  El Príncipe Helenístico , una estatua de bronce que originalmente se creía que representaba a un seléucida , o Átalo II de Pérgamo , ahora considerada un retrato de un general romano, realizada por un artista griego que trabajaba en Roma en el siglo II a. C. Museo Nacional Romano del Palazzo Massimo , Roma.
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  La Victoria Alada de Samotracia (helenística), Museo del Louvre , París.
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  Laocoonte y sus hijos (periodo helenístico tardío), Museos Vaticanos
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  Bronce helenístico tardío de un jinete a caballo, Museo Arqueológico Nacional, Atenas.

La arquitectura (entendida como la construcción de edificios con un diseño estéticamente considerado) cesó en Grecia desde finales del período micénico (alrededor del 1200 a. C.) hasta el siglo VII, cuando la vida urbana y la prosperidad se recuperaron hasta un punto en el que se pudo emprender la construcción pública. Dado que la mayoría de los edificios griegos de los períodos Arcaico y Clásico Temprano estaban hechos de madera o adobe , no queda nada de ellos salvo algunos planos, y prácticamente no existen fuentes escritas sobre la arquitectura antigua ni descripciones de edificios. La mayor parte de nuestro conocimiento de la arquitectura griega proviene de los edificios que se conservan de los períodos Arcaico Tardío, Clásico, Helenístico y Romano (ya que la arquitectura romana antigua se basó en gran medida en estilos griegos), y de fuentes escritas tardías como Vitruvio (siglo I a. C.). Esto significa que existe un marcado sesgo hacia los templos , los edificios principales que más se conservan. En ellos, los bloques de piedra cuadrados utilizados para los muros resultaron útiles para construcciones posteriores, por lo que a menudo lo único que se conserva son partes de columnas y metopas , más difíciles de reciclar. ^{[ 77 ]}

Durante la mayor parte del período se empleó un estricto sistema de construcción de postes y dinteles de piedra , sostenido únicamente por la gravedad. El uso de ménsulas era conocido en la Grecia micénica, y el arco se conocía al menos desde el siglo V, pero apenas se empleó hasta la época romana. ^{[ 78 ]} La madera solo se utilizaba para techos y vigas de cubierta en edificios de piedra prestigiosos. El uso de grandes tejas de terracota, sujetas únicamente por ranuras, implicaba que los tejados debían tener una pendiente baja. ^{[ 79 ]}

Hasta la época helenística, solo se construían edificios públicos con el estilo formal de piedra; estos incluían sobre todo templos y los pequeños edificios del tesoro que a menudo los acompañaban, y que fueron construidos en Delfos por muchas ciudades. Otros tipos de edificios, a menudo sin techo, eran el ágora central , frecuentemente con una o más estoas columnadas a su alrededor, teatros , el gimnasio y la palestra o escuela de lucha, el ekklesiasterion o bouleuterion para asambleas, y los propileos o puertas monumentales. ^{[ 80 ]} Los edificios redondos para diversas funciones se llamaban tholos , ^{[ 81 ]} y las estructuras de piedra más grandes a menudo eran murallas defensivas de la ciudad.

Durante la mayor parte del período, las tumbas se construían como elaborados mausoleos en los confines del mundo griego, especialmente en Anatolia. ^{[ 82 ]} Las casas particulares se construían alrededor de un patio cuando los recursos lo permitían y mostraban paredes lisas hacia la calle. A veces tenían un segundo piso, pero muy raramente sótanos. Por lo general, se construían con escombros en el mejor de los casos, y se sabe relativamente poco sobre ellas; al menos para los hombres, gran parte de la vida transcurría fuera de ellas. ^{[ 83 ]} Se han excavado algunos palacios del período helenístico. ^{[ 84 ]}

Los templos y algunos otros edificios, como los tesoros de Delfos, se planificaban con forma de cubo o, más a menudo, de rectángulo, hechos de piedra caliza , de la que Grecia posee abundancia, que se cortaba en grandes bloques y se labraba. Esto se complementaba con columnas, al menos en la fachada principal, y a menudo en todos los lados. ^{[ 85 ]} Otros edificios presentaban una planta más flexible, e incluso las casas más ricas parecen haber carecido de mucha ornamentación exterior. El mármol era un material de construcción caro en Grecia: el mármol de alta calidad solo procedía del monte Pentelo, en el Ática , y de algunas islas como Paros , y su transporte en grandes bloques era difícil. Se utilizaba principalmente para la decoración escultórica , no estructural, excepto en los edificios más grandiosos del período clásico, como el Partenón en Atenas. ^{[ 86 ]}

Existían dos órdenes clásicos principales en la arquitectura griega: el dórico y el jónico . El orden corintio apareció en el período clásico y no se consolidó como dominante hasta la época romana. Las características más evidentes de los tres órdenes son los capiteles de las columnas, pero existen diferencias significativas en otros aspectos del diseño y la decoración entre ellos. ^{[ 87 ]} Estos nombres fueron utilizados por los propios griegos y reflejaban su creencia de que los estilos descendían de los griegos dóricos y jonios de la Alta Edad Media, aunque es improbable que esto sea cierto. El dórico fue el más antiguo, probablemente apareciendo por primera vez en piedra a principios del siglo VII, habiéndose desarrollado (aunque quizás no de forma muy directa) a partir de predecesores en madera. ^{[ 88 ]} Se utilizó en la Grecia continental y en las colonias griegas de Italia. El estilo jónico se utilizó por primera vez en las ciudades de Jonia (actualmente la costa occidental de Turquía) y en algunas islas del Egeo, probablemente a partir del siglo VI. ^{[ 89 ]} El estilo dórico era más formal y austero, mientras que el jónico era más relajado y decorativo. El orden corintio, más ornamentado, fue un desarrollo posterior del jónico, inicialmente aparentemente utilizado solo en el interior de los edificios, y empleando formas jónicas para todo excepto los capiteles. El famoso y bien conservado Monumento Corágico de Lisícrates, cerca de la Acrópolis de Atenas (335/334), es el primer uso conocido del orden corintio en el exterior de un edificio. ^{[ 90 ]}

La mayoría de los edificios griegos mejor conocidos que se conservan, como el Partenón y el Templo de Hefesto en Atenas, son de estilo dórico. El Erecteión , junto al Partenón, sin embargo, es de estilo jónico. El orden jónico se convirtió en dominante durante el período helenístico, ya que su estilo más decorativo se adaptaba mejor a la estética de la época que el más sobrio estilo dórico. Algunos de los mejores edificios helenísticos que se conservan, como la Biblioteca de Celso , se pueden ver en Turquía, en ciudades como Éfeso y Pérgamo . ^{[ 91 ]} Pero en la mayor de las ciudades helenísticas, Alejandría en Egipto , casi no queda nada.

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  Modelo de la vía procesional de la antigua Delfos , sin mostrar gran parte de las estatuas. ^{[ 92 ]}
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  El antiguo teatro de Epidauro , siglo IV a. C.
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  El Erecteion en la Acrópolis de Atenas , finales del siglo V a. C.
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  Monumento Corágico de Lisícrates , Atenas, 335/334

Las monedas fueron (probablemente) inventadas en Lidia en el siglo VII a. C., pero fueron los griegos quienes las utilizaron extensamente por primera vez, ^{[ 93 ]} y ellos establecieron el canon del diseño de monedas que se ha seguido desde entonces. El diseño de monedas actual aún sigue patrones reconociblemente derivados de la antigua Grecia. Los griegos no consideraban el diseño de monedas como una forma de arte importante, aunque algunos fueron diseñados costosamente por orfebres destacados, especialmente fuera de Grecia, entre los reinos de Asia Central y en ciudades sicilianas deseosas de promocionarse. Sin embargo, la durabilidad y abundancia de monedas las han convertido en una de las fuentes de conocimiento más importantes sobre la estética griega. ^{[ 94 ]} Las monedas griegas son la única forma de arte del mundo griego antiguo que aún puede ser comprada y poseída por coleccionistas privados de recursos modestos.

Las monedas más extendidas, utilizadas mucho más allá de sus territorios de origen y copiadas y falsificadas por otros, fueron el tetradracma ateniense , emitido desde c. 510 hasta c. 38 a. C. , y en la época helenística el tetradracma macedonio , ambos de plata. ^{[ 95 ]} Ambos mantuvieron el mismo diseño familiar durante largos períodos. ^{[ 96 ]} Los diseñadores griegos comenzaron la práctica de colocar un retrato de perfil en el anverso de las monedas. Inicialmente, se trataba de un retrato simbólico del dios o diosa patrona de la ciudad emisora ​​de la moneda: Atenea para Atenas , Apolo en Corinto, Deméter en Tebas , etc. Más tarde, se utilizaron cabezas de héroes de la mitología griega, como Heracles en las monedas de Alejandro Magno .

Los primeros retratos humanos en monedas fueron los de los sátrapas del Imperio aqueménida en Asia Menor , comenzando con el general ateniense exiliado Temístocles , quien se convirtió en sátrapa de Magnesia hacia el 450 a. C. , y continuando especialmente con los dinastas de Licia hacia finales del siglo V. ^{[ 97 ]} Ciudades griegas en Italia, como Siracusa, comenzaron a colocar cabezas de personas reales en monedas en el siglo IV a. C., al igual que los sucesores helenísticos de Alejandro Magno en Egipto , Siria y otros lugares. ^{[ 98 ]} En el reverso de sus monedas, las ciudades griegas a menudo colocaban un símbolo de la ciudad: un búho para Atenas, un delfín para Siracusa, etc. La colocación de inscripciones en monedas también comenzó en la época griega. Todas estas costumbres fueron continuadas posteriormente por los romanos. ^{[ 94 ]}

Las monedas más ambiciosas artísticamente, diseñadas por orfebres o grabadores de gemas, a menudo provenían de los confines del mundo griego, de nuevas colonias en el período inicial y de nuevos reinos posteriormente, como una forma de comercializar sus "marcas" en términos modernos. ^{[ 99 ]} De las ciudades más grandes, Corinto y Siracusa también emitieron monedas consistentemente atractivas. Algunas de las monedas grecobactrianas se consideran los mejores ejemplos de monedas griegas con grandes retratos que presentan "una agradable combinación de realismo e idealización", incluyendo las monedas más grandes acuñadas en el mundo helenístico: la moneda de oro más grande fue acuñada por Eucratides (reinó 171-145 a. C.), y la moneda de plata más grande por el rey indogriego Amintas Nicátor (reinó c. 95-90 a. C.). Los retratos "muestran un grado de individualidad nunca igualado por las representaciones a menudo insulsas de sus contemporáneos reales más al oeste". ^{[ 100 ]}

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  Tetradracma macedonia con la imagen de Alejandro Magno como Heracles , posterior al 330 a. C.
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  Dracma de Egina con tortuga y sello, posterior al 404 a. C.
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  Heracles luchando contra el león de Nemea . Moneda de plata de Heraclea, Lucania.
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  Aretusa en una moneda de Siracusa, Sicilia , 415-400

Fresco de una tumba macedonia de Agios Athanasios, Tesalónica , Grecia, siglo IV a. C.

Los griegos parecen haber valorado la pintura incluso por encima de la escultura, y en el período helenístico la apreciación informada e incluso la práctica de la pintura eran componentes de la educación de un caballero. La écfrasis era una forma literaria que consistía en la descripción de una obra de arte, y contamos con un considerable corpus de literatura sobre la pintura y los pintores griegos, con añadidos posteriores en latín, aunque ninguno de los tratados de los artistas mencionados ha sobrevivido. ^{[ 101 ]} Apenas conservamos ninguna de las pinturas más prestigiosas, sobre tabla o al fresco , de las que trataba esta literatura, y muy pocas de las copias que sin duda existieron, equivalentes a las que nos proporcionan la mayor parte de nuestro conocimiento de la escultura griega.

El contraste con la pintura de vasos es total. No hay ninguna mención de ella en la literatura, pero se conservan más de 100 000 ejemplos, lo que otorga a muchos pintores individuales una obra considerable. ^{[ 102 ]} Nuestra idea de cómo era la mejor pintura griega debe derivarse de una cuidadosa consideración de los paralelismos en la pintura de vasos, las copias grecorromanas tardías en mosaico y fresco, algunos ejemplos muy tardíos de pintura propiamente dicha en la tradición griega y la literatura antigua. ^{[ 103 ]}

En la antigua Grecia existían varias tradiciones pictóricas interconectadas. Debido a sus diferencias técnicas, experimentaron desarrollos algo distintos. La pintura primitiva parece haberse desarrollado de forma similar a la pintura de vasos, basándose en gran medida en el contorno y las áreas planas de color, pero floreció y se desarrolló cuando la pintura de vasos entró en decadencia. Hacia finales del período helenístico, los avances técnicos incluían el modelado para indicar contornos en las formas, sombras, escorzo, una forma de perspectiva probablemente imprecisa, fondos interiores y paisajísticos, y el uso de colores cambiantes para sugerir distancia en los paisajes, de modo que «los artistas griegos contaban con todos los recursos técnicos necesarios para una pintura plenamente ilusionista». ^{[ 104 ]}

Pintura sobre paneles y paredes

Según autores como Plinio o Pausanias , la forma de arte más común y respetada eran las pinturas sobre tabla , obras individuales y portátiles realizadas sobre tablas de madera. Las técnicas empleadas eran la pintura encáustica (con cera) y la témpera . Estas pinturas solían representar escenas figurativas, incluyendo retratos y bodegones ; conservamos descripciones de numerosas composiciones. Se coleccionaban y a menudo se exhibían en espacios públicos. Pausanias describe exposiciones de este tipo en Atenas y Delfos . Conocemos los nombres de muchos pintores famosos, principalmente de los periodos clásico y helenístico, gracias a la literatura (véase la lista ampliable a la derecha). El más famoso de todos los pintores griegos antiguos fue Apeles de Cos , a quien Plinio el Viejo elogió por haber «superado a todos los demás pintores que le precedieron o le sucedieron». ^{[ 105 ] [ 106 ]}

Debido a la naturaleza perecedera de los materiales utilizados y a las grandes convulsiones del final de la Antigüedad, ninguna de las famosas obras de pintura griega sobre tabla ha sobrevivido. Conservamos composiciones murales algo más significativas. Los ejemplos griegos más importantes que se conservan de antes del período romano son los paneles de Pitsa, de calidad bastante baja, de alrededor del 530 a . C. , ^{[ 107 ]} la Tumba del Buzo de Paestum y varias pinturas de las tumbas reales de Vergina . Numerosas pinturas en tumbas etruscas y campanas se basan en estilos griegos. En el período romano, existen varias pinturas murales en Pompeya y sus alrededores, así como en la propia Roma, algunas de las cuales se consideran copias de obras maestras anteriores. ^{[ 108 ]}

En particular, se han identificado con certeza copias de pinturas murales específicas en el Mosaico de Alejandro y en Villa Boscoreale . ^{[ 109 ]} Existe un gran grupo de restos arqueológicos grecorromanos mucho más tardíos que sobrevivieron a las condiciones áridas de Egipto, los retratos de momias de Fayum , junto con el similar Tondo Severo , y un pequeño grupo de miniaturas de retratos pintados en vidrio dorado . ^{[ 110 ]} Los iconos bizantinos también derivan de la tradición de la pintura sobre tabla encáustica, y los manuscritos iluminados bizantinos a veces continuaron un estilo ilusionista griego durante siglos.

La tradición de la pintura mural en Grecia se remonta al menos a la Edad del Bronce minoica y micénica , con la suntuosa decoración al fresco de yacimientos como Cnosos , Tirinto y Micenas . No está claro si existe alguna continuidad entre estos antecedentes y las pinturas murales griegas posteriores.

Pausanias describe frecuentemente pinturas murales, muchas de las cuales parecen haber sido realizadas en los periodos Clásico y Helenístico. Debido a la escasez de arquitectura que se conserva intacta, no se han conservado muchas. Los ejemplos más notables son una monumental escena arcaica del siglo VII a. C. que representa un combate de hoplitas en el interior de un templo en Kalapodi (cerca de Tebas ), y los elaborados frescos de la "Tumba de Filipo" y la "Tumba de Perséfone" del siglo IV en Vergina , Macedonia , o la tumba de Agios Athanasios, Tesalónica , que a veces se sugieren como estrechamente relacionadas con las pinturas sobre tabla de alta calidad mencionadas anteriormente. La inusual conservación de la Tumba de las Palmetas (siglo III a. C., excavada en 1971) con pintura en buen estado incluye retratos de la pareja enterrada en el tímpano .

La tradición griega de la pintura mural también se refleja en las decoraciones funerarias contemporáneas de las colonias griegas en Italia , como la famosa Tumba del Buzo en Paestum . Los expertos creen que los célebres frescos romanos de yacimientos como Pompeya son descendientes de la tradición griega, y algunos copian pinturas sobre tabla particularmente famosas. Sin embargo, estas copias romanas son adaptaciones libres, con figuras añadidas, poses modificadas y colores alterados.

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  Pintura mural funeraria helenística griega sobre terracota , siglo III a. C.
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  Pinturas macedonias antiguas de armaduras, armas y equipo procedentes de la tumba de Lyson y Kallikles en la antigua Mieza (actual Lefkadia), Imathia , Macedonia Central , Grecia, siglo II a. C.
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  Una estela de Dioscórides, fechada en el siglo II a. C., que muestra a un soldado tireóforo ptolemaico , un ejemplo característico de la " romanización " del ejército ptolemaico.
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  Fresco de la Tumba del Juicio en la antigua Mieza (actual Lefkadia), Imathia , Macedonia Central , Grecia, que representa imágenes religiosas del más allá , siglo IV a. C.
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  Fresco que representa a Hades y Perséfone montados en un carro , procedente de la tumba de la reina Eurídice I de Macedonia en Vergina , Grecia, siglo IV a. C.
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  Escena de banquete procedente de la tumba macedonia de San Atanasio, Tesalónica , siglo IV a. C.; se muestran seis hombres recostados en divanes , con comida dispuesta en mesas cercanas, un sirviente presente y músicas que ofrecen entretenimiento. ^{[ 111 ]}
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  Fresco de un antiguo soldado macedonio ( thorakitai ) con armadura de malla y escudo thureos , siglo III a. C.
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  El tapiz de Sampul , un tapiz de lana del condado de Lop , prefectura de Hotan , Xinjiang , China , que muestra a un soldado posiblemente griego del reino greco-bactriano (250-125 a. C.), con ojos azules , empuñando una lanza y vistiendo lo que parece ser una diadema ; sobre él se representa un centauro , de la mitología griega , un motivo común en el arte helenístico ; ^{[ 112 ]} Museo de la región de Xinjiang .
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  Retrato helenístico en técnica de encáustica sobre una lápida de mármol, siglo I a. C., Grecia romana , Museo Arqueológico de Tebas.

Policromía: pintura sobre estatuaria y arquitectura.

Gran parte de la escultura figurativa y arquitectónica de la antigua Grecia estaba pintada con colores vivos. Este aspecto de la cantería griega se denomina policromía (del griego πολυχρωμία , donde πολύ significa muchos y χρώμα , color). Debido a la intensa erosión, la policromía en esculturas y arquitectura se ha desvanecido sustancialmente o por completo en la mayoría de los casos.

Aunque la palabra policromo se creó a partir de la combinación de dos palabras griegas, no se utilizaba en la antigua Grecia. El término fue acuñado a principios del siglo XIX por Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy. ^{[ 113 ]}

Arquitectura

La pintura también se utilizaba para realzar los aspectos visuales de la arquitectura. Ciertas partes de la superestructura de los templos griegos se pintaban habitualmente desde el período arcaico. Esta policromía arquitectónica podía adoptar la forma de colores brillantes aplicados directamente a la piedra (como se observa, por ejemplo, en el Partenón) , o de elaborados patrones, frecuentemente en elementos arquitectónicos de terracota (ejemplos arcaicos en Olimpia y Delfos ). En ocasiones, las terracotas también representaban escenas figurativas, como las metopas de terracota del siglo VII a. C. de Termón . ^{[ 114 ]}

Escultura

La mayoría de las esculturas griegas estaban pintadas con colores fuertes y brillantes; esto se conoce como « policromía ». La pintura solía limitarse a las partes que representaban la ropa, el cabello, etc., dejando la piel en el color natural de la piedra o el bronce, pero también podía cubrir las esculturas por completo; la piel femenina en mármol tendía a ser incolora, mientras que la masculina podía ser de un marrón claro. La pintura de la escultura griega no debe considerarse simplemente como un realce de su forma esculpida, sino que posee las características de un estilo artístico propio. ^{[ 115 ]}

Por ejemplo, recientemente se ha demostrado que las esculturas del frontón del Templo de Aphaia en Egina fueron pintadas con patrones llamativos y elaborados, que representan, entre otros detalles, vestimentas estampadas. La policromía de las estatuas de piedra se correspondía con el uso de diferentes materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas crisoelefantinas , y con el uso de diferentes metales para representar labios, uñas, etc., en bronces de alta calidad como los bronces de Riace . ^{[ 115 ]}

Los mosaicos se hicieron inicialmente con guijarros redondeados, y más tarde con vidrio y teselas, lo que les dio más color y una superficie plana. Fueron populares en el período helenístico, primero como decoración para los pisos de los palacios, pero finalmente para casas particulares. ^{[ 118 ]} A menudo, una imagen emblemática central en un panel central se realizaba con una técnica mucho más fina que la decoración circundante. ^{[ 119 ]} Los motivos de Xenia , donde una casa mostraba ejemplos de la variedad de alimentos que los invitados podían esperar disfrutar, constituyen la mayoría de los ejemplares conservados de bodegones griegos . En general, el mosaico debe considerarse un medio secundario que copia la pintura, a menudo de forma muy directa, como en el Mosaico de Alejandro . ^{[ 120 ]}

El Suelo sin barrer de Sosus de Pérgamo ( c. 200 a. C. ) fue una obra original y famosa de trampantojo , conocida por numerosas copias grecorromanas. Según John Boardman , Sosus es el único artista de mosaicos cuyo nombre ha sobrevivido; sus Palomas también se mencionan en la literatura y se copiaron. ^{[ 121 ]} Sin embargo, Katherine MD Dunbabin afirma que dos artistas de mosaicos diferentes dejaron sus firmas en mosaicos de Delos . ^{[ 122 ]} El artista del Mosaico de la Caza del Ciervo del siglo IV a. C. quizás también dejó su firma como Gnosis , aunque esta palabra podría ser una referencia al concepto abstracto de conocimiento. ^{[ 123 ]}

Los mosaicos son un elemento significativo del arte macedonio que ha sobrevivido , con un gran número de ejemplos conservados en las ruinas de Pella , la antigua capital macedonia , en la actual Macedonia Central . ^{[ 124 ]} Mosaicos como el mosaico de la "Caza del ciervo y la caza del león" demuestran cualidades ilusionistas y tridimensionales que se encuentran generalmente en las pinturas helenísticas, aunque la práctica rústica macedonia de la caza es notablemente más pronunciada que otros temas. ^{[ 125 ]} Los mosaicos del siglo II a. C. de Delos , Grecia, fueron considerados por François Chamoux como la cúspide del arte del mosaico helenístico, con estilos similares que continuaron durante el período romano y que quizás sentaron las bases para el uso generalizado de los mosaicos en el mundo occidental hasta la Edad Media . ^{[ 118 ]}

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  Un mosaico de la tumba de Kasta en Anfípolis que representa el secuestro de Perséfone por Plutón , siglo IV a.C.
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  Alejandro Magno (izquierda), vistiendo una kausia y luchando contra un león asiático con su amigo Crátero (detalle); mosaico de finales del siglo IV a. C. procedente de Pella ^{[ 126 ]}
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  Mosaico de una ninfa del Palacio del Gran Maestre de los Caballeros de Rodas , siglo II a. C.
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  El dios alado Dioniso montado en un tigre, procedente de la Casa de Dioniso en Delos , Grecia, siglo II a. C.
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  Detalle de panel de piso con perico alejandrino , Pérgamo, Turquía moderna , mediados del siglo II a.C. (reinados de Eumenes II y Atalo II )
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  Mosaico ptolemaico de un perro y un recipiente de vino askos procedente del Egipto helenístico , datado entre el 200 y el 150 a. C.
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  Mosaico helenístico de Thmuis ( Mendes ), Egipto, firmado por Sophilos c. 200 a. C .; la reina ptolemaica Berenice II (gobernante conjunta con su esposo Ptolomeo III ) como personificación de Alejandría. ^{[ 127 ]}

La gema grabada era un arte de lujo con gran prestigio; Pompeyo y Julio César figuraron entre los coleccionistas posteriores. ^{[ 128 ]} La técnica tiene una antigua tradición en el Cercano Oriente , y los sellos cilíndricos , cuyo diseño solo aparece al rodarlos sobre arcilla húmeda, a partir de los cuales se desarrolló el tipo de anillo plano, se extendieron al mundo minoico, incluyendo partes de Grecia y Chipre . La tradición griega surgió bajo la influencia minoica en la cultura heládica continental y alcanzó un apogeo de sutileza y refinamiento en el período helenístico. ^{[ 129 ]}

Se han encontrado gemas griegas redondas u ovaladas (junto con objetos similares en hueso y marfil) de los siglos VIII y VII a. C., generalmente con animales en enérgicas poses geométricas, a menudo con un borde marcado por puntos o un reborde. ^{[ 130 ]} Los primeros ejemplos son principalmente de piedras más blandas. Las gemas del siglo VI son más a menudo ovaladas, ^{[ 131 ]} con un dorso de escarabajo (en el pasado este tipo se llamaba "escarabeo"), y figuras humanas o divinas, así como animales; la forma de escarabajo fue aparentemente adoptada de Fenicia . ^{[ 132 ]}

Las formas son sofisticadas para la época, a pesar del tamaño generalmente pequeño de las gemas. ^{[ 96 ]} En el siglo V, las gemas se hicieron algo más grandes, pero aún medían solo 2-3 centímetros de altura. A pesar de esto, se aprecian detalles muy finos, incluyendo las pestañas en una cabeza masculina, quizás un retrato. Cuatro gemas firmadas por Dexamenos de Quíos son las mejores de la época, dos de ellas con garzas . ^{[ 133 ]}

El tallado en relieve se popularizó en la Grecia del siglo V a. C., y gradualmente la mayoría de las gemas talladas más espectaculares se presentaban en relieve. Generalmente, una imagen en relieve es más impresionante que una grabada; en la forma primitiva, el destinatario de un documento la veía en la cera de sellado impresa, mientras que en los relieves posteriores era el propietario del sello quien la conservaba, lo que probablemente marca el surgimiento de gemas destinadas a ser coleccionadas o usadas como colgantes en collares y similares, en lugar de usarse como sellos; los sellos posteriores a veces son demasiado grandes para usarse como sellos de cartas. Sin embargo, las inscripciones generalmente siguen estando al revés ("escritura especular"), por lo que solo se leen correctamente en impresiones (o al observarlas desde atrás con piedras transparentes). Este aspecto también explica en parte la colección de impresiones en yeso o cera de gemas, que pueden ser más fáciles de apreciar que el original.

Las tallas y camafeos de piedra dura de mayor tamaño , que son raros en forma de intaglio, parecen haber llegado a Grecia alrededor del siglo III; la Tazza Farnese es el único ejemplo helenístico importante que se conserva (dependiendo de las fechas asignadas al Camafeo Gonzaga y la Copa de los Ptolomeos ), pero otras imitaciones de pasta de vidrio con retratos sugieren que los camafeos de tipo gema se hicieron en este período. ^{[ 134 ]} Las conquistas de Alejandro habían abierto nuevas rutas comerciales al mundo griego y aumentado la variedad de piedras preciosas disponibles. ^{[ 135 ]}

La síntesis en el período arcaico del repertorio nativo de motivos geométricos simples con motivos importados, en su mayoría de base vegetal, del este, creó un considerable vocabulario de ornamentación, que artistas y artesanos utilizaron con confianza y fluidez. ^{[ 136 ]} Hoy en día, este vocabulario se observa sobre todo en el amplio corpus de cerámica pintada, así como en restos arquitectónicos, pero originalmente se habría utilizado en una amplia gama de medios, como se utiliza una versión posterior en el Neoclasicismo europeo .

Los elementos de este vocabulario incluyen el meandro geométrico o "clave griega", el huevo y dardo , la cuenta y carrete , el rollo vitruviano , el guilloché y, del mundo vegetal, las hojas de acanto estilizadas , la voluta , la palmeta y la media palmeta, los rollos vegetales de varios tipos , la roseta , la flor de loto y la flor de papiro . Originalmente utilizados prominentemente en jarrones arcaicos, a medida que se desarrolló la pintura figurativa, estos fueron generalmente relegados a servir como bordes que delimitaban los bordes del jarrón o diferentes zonas de decoración. ^{[ 137 ]} La arquitectura griega fue notable por desarrollar convenciones sofisticadas para el uso de molduras y otros elementos ornamentales arquitectónicos, que utilizaban estos motivos en un conjunto armoniosamente integrado.

Incluso antes del período clásico, este vocabulario había influido en el arte celta, y la expansión del mundo griego después de Alejandro, y la exportación de objetos griegos aún más lejos, expusieron gran parte de Eurasia a él, incluidas las regiones del norte del subcontinente indio donde el budismo se expandía y creaba arte grecobudista . A medida que el budismo se extendió por Asia Central hasta China y el resto de Asia Oriental , en una forma que hacía un gran uso del arte religioso, versiones de este vocabulario fueron llevadas consigo y utilizadas para rodear imágenes de budas y otras imágenes religiosas, a menudo con un tamaño y énfasis que habría parecido excesivo a los antiguos griegos. El vocabulario fue absorbido por la ornamentación de la India, China, Persia y otros países asiáticos, además de desarrollarse aún más en el arte bizantino . ^{[ 138 ]} Los romanos adoptaron el vocabulario más o menos en su totalidad, y aunque muy alterado, se puede rastrear en todo el arte medieval europeo , especialmente en la ornamentación basada en plantas.

El arte islámico , donde el ornamento reemplaza en gran medida a la figuración, desarrolló el motivo vegetal bizantino hasta convertirlo en el arabesco completo e interminable , y especialmente a partir de las conquistas mongolas del siglo XIV recibió nuevas influencias de China, incluyendo los descendientes del vocabulario griego. ^{[ 139 ]} Desde el Renacimiento en adelante, varios de estos estilos asiáticos se representaron en textiles, porcelana y otros artículos importados a Europa, e influyeron en el ornamento de esa región, un proceso que aún continúa.

Izquierda: Ánfora de vidrio helenística excavada en Olbia , Cerdeña , datada en el siglo II a. C. Derecha: Sátiro helenístico que viste un perizoma rústico (taparrabos) y lleva un pedum (cayado de pastor). Aplicación de marfil, probablemente para mobiliario.

Aunque el vidrio se fabricaba en Chipre en el siglo IX a. C. y se desarrolló considerablemente hacia finales de ese período, solo se conservan unos pocos ejemplos de trabajos en vidrio anteriores al período grecorromano que muestran la calidad artística de las mejores obras. ^{[ 140 ]} La mayoría de los ejemplares conservados son pequeños frascos de perfume, con elaborados diseños de colores y motivos "plumados", similares a otros vidrios mediterráneos . ^{[ 141 ]} El vidrio helenístico se volvió más económico y accesible a una población más amplia.

No se conserva ningún mueble griego, pero existen numerosas representaciones en jarrones y relieves conmemorativos, como el dedicado a Hegeso . Evidentemente, solía ser muy elegante, al igual que los estilos derivados del mismo a partir del siglo XVIII. Se conservan algunas piezas de marfil tallado que se utilizaban como incrustaciones, como en Vergina, y algunas tallas de marfil; se trataba de un arte de lujo que podía ser de muy alta calidad. ^{[ 142 ]}

Es evidente, a partir de las pinturas de los jarrones, que los griegos solían vestir ropas con elaborados diseños, y que la habilidad para tejer era señal de una mujer respetable. Se conservan dos lujosas piezas de tela, procedentes de la tumba de Filipo de Macedonia . ^{[ 143 ]} Existen numerosas referencias a tapices decorativos tanto para hogares como para templos, pero ninguno de ellos ha sobrevivido.

Ancient Greek art has exercised considerable influence on the culture of many countries all over the world, above all in its treatment of the human figure. In the West Greek architecture was also hugely influential, and in both East and West the influence of Greek decoration can be traced to the modern day. Etruscan and Roman art were largely and directly derived from Greek models,^[144] and Greek objects and influence reached into Celtic art north of the Alps,^[145] as well as all around the Mediterranean world and into Persia.^[146]

In the East, Alexander the Great's conquests initiated several centuries of exchange between Greek, Central Asian and Indian cultures, which was greatly aided by the spread of Buddhism, which early on picked up many Greek traits and motifs in Greco-Buddhist art, which were then transmitted as part of a cultural package to East Asia, even as far as Japan, among artists who were no doubt completely unaware of the origin of the motifs and styles they used.^[147]

Following the Renaissance in Europe, the humanist aesthetic and the high technical standards of Greek art inspired generations of European artists, with a major revival in the movement of Neoclassicism which began in the mid-18th century, coinciding with easier access from Western Europe to Greece itself, and a renewed importation of Greek originals, most notoriously the Elgin Marbles from the Parthenon. Well into the 19th century, the classical tradition derived from Greece dominated the art of the western world.^[148]

The Hellenized Roman upper classes of the Late Republic and Early Empire generally accepted Greek superiority in the arts without many quibbles, though the praise of Pliny for the sculpture and painting of pre-Hellenistic artists may be based on earlier Greek writings rather than much personal knowledge. Pliny and other classical authors were known in the Renaissance, and this assumption of Greek superiority was again generally accepted. However, critics in the Renaissance and much later were unclear which works were actually Greek.^[149]

As a part of the Ottoman Empire, Greece itself could only be reached by a very few western Europeans until the mid-18th century. Not only the Greek vases found in the Etruscan cemeteries, but also (more controversially) the Greek temples of Paestum were taken to be Etruscan, or otherwise Italic, until the late 18th century and beyond, a misconception prolonged by Italian nationalist sentiment.^[149]

The writings of Johann Joachim Winckelmann, especially his books Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture (1750) and Geschichte der Kunst des Alterthums ("History of Ancient Art", 1764) were the first to distinguish sharply between ancient Greek, Etruscan, and Roman art, and define periods within Greek art, tracing a trajectory from growth to maturity and then imitation or decadence that continues to have influence to the present day.^[150]

The full disentangling of Greek statues from their later Roman copies, and a better understanding of the balance between Greekness and Roman-ness in Greco-Roman art was to take much longer, and perhaps still continues.^[151] Greek art, especially sculpture, continued to enjoy an enormous reputation, and studying and copying it was a large part of the training of artists, until the downfall of Academic art in the late 19th century. During this period, the actual known corpus of Greek art, and to a lesser extent architecture, has greatly expanded. The study of vases developed an enormous literature in the late 19th and 20th centuries, much based on the identification of the hands of individual artists, with Sir John Beazley the leading figure. This literature generally assumed that vase-painting represented the development of an independent medium, only in general terms drawing from stylistic development in other artistic media. This assumption has been increasingly challenged in recent decades, and some scholars now see it as a secondary medium, largely representing cheap copies of now lost metalwork, and much of it made, not for ordinary use, but to deposit in burials.^[152]

• Dionysian art
• Death in ancient Greek art
• Parthian art
• List of ancient Greek temples
• National Archaeological Museum of Athens
• Classical architecture

• Recurso sobre la historia del arte griego
• Cerámica de la Antigua Grecia
• Chisholm, Hugh , ed. (1911). "Arte griego"  . Encyclopædia Britannica (11.ª  ed.). Cambridge University Press.