Barroco

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  Basílica de San Pedro , Roma, de Donato Bramante , Miguel Ángel , Carlo Maderno y otros, terminada en 1615 ^{[ 27 ]}
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  Santa Maria della Salute , Venecia, por Baldassare Longhena , 1631-1687 ^{[ 28 ]}
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  San Carlo alle Quattro Fontane , Roma, por Francesco Borromini , 1638-1677
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  Fontana dei Quattro Fiumi , Roma, por Gian Lorenzo Bernini , 1648-1651 ^{[ 29 ]}
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  Plaza de San Pedro , Roma, por Gian Lorenzo Bernini, 1656–1667 ^{[ 27 ]}
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  Santa Maria della Pace, Roma, por Pietro da Cortona , 1656-1667 ^{[ 30 ]}

El primer edificio de Roma con fachada barroca fue la iglesia del Gesù, en 1584. Si bien era sencilla para los estándares del barroco posterior, marcó una ruptura con las fachadas renacentistas tradicionales que la precedieron. El interior de esta iglesia se mantuvo muy austero hasta el pleno barroco, cuando se ornamentó profusamente.

En Roma, en 1605, Pablo V se convirtió en el primero de una serie de papas que encargaron basílicas y edificios religiosos diseñados para inspirar emoción y asombro mediante una proliferación de formas, una riqueza de colores y efectos dramáticos. ^{[ 31 ]} Entre los monumentos más influyentes del Barroco temprano se encontraban la fachada de la Basílica de San Pedro (1606-1619), y la nueva nave y logia que conectaban la fachada con la cúpula de Miguel Ángel en la iglesia anterior. El nuevo diseño creó un contraste dramático entre la imponente cúpula y la fachada desproporcionadamente ancha, y el contraste en la propia fachada entre las columnas dóricas y la gran masa del pórtico. ^{[ 32 ]}

Entre mediados y finales del siglo XVII, el estilo alcanzó su apogeo, posteriormente denominado Alto Barroco. Numerosas obras monumentales fueron encargadas por los papas Urbano VIII y Alejandro VII . El escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini diseñó una nueva columnata cuádruple alrededor de la Plaza de San Pedro (1656-1667). Las tres galerías de columnas en una elipse gigante equilibran la cúpula descomunal y otorgan a la iglesia y a la plaza una unidad y la sensación de un gran teatro. ^{[ 33 ]}

Otro importante innovador del Alto Barroco italiano fue Francesco Borromini , cuya obra principal fue la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlos de las Cuatro Fuentes (1634-1646). La sensación de movimiento no la proporciona la decoración, sino las propias paredes, que ondulan, y los elementos cóncavos y convexos, incluyendo una torre ovalada y un balcón insertados en un arco cóncavo. El interior fue igualmente revolucionario; el espacio principal de la iglesia era ovalado, bajo una cúpula ovalada. ^{[ 33 ]}

Los techos pintados, repletos de ángeles y santos, y los efectos arquitectónicos de trampantojo fueron una característica importante del Alto Barroco italiano. Entre las obras más destacadas se encuentran La entrada de San Ignacio en el Paraíso de Andrea Pozzo (1685-1695) en la iglesia de Sant'Ignazio, Roma , y ​​El triunfo del nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli en la iglesia del Gesù en Roma (1669-1683), que presentaba figuras que parecían salirse del marco y una iluminación oblicua dramática y contrastes de luz y sombra. ^{[ 34 ]}

El estilo se extendió rápidamente desde Roma a otras regiones de Italia: apareció en Venecia en la iglesia de Santa Maria della Salute (1631–1687) de Baldassare Longhena , una forma octogonal muy original coronada con una enorme cúpula . También apareció en Turín , notablemente en la Capilla de la Sábana Santa (1668–1694) de Guarino Guarini . El estilo también comenzó a usarse en palacios; Guarini diseñó el Palazzo Carignano en Turín, mientras que Longhena diseñó Ca' Rezzonico en el Gran Canal (1657), terminado por Giorgio Massari y decorado con pinturas de Giovanni Battista Tiepolo . ^{[ 35 ]} Una serie de terremotos masivos en Sicilia requirieron la reconstrucción de la mayoría de ellos y varios fueron construidos en el exuberante estilo barroco tardío o rococó .

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  Palacio de San Telmo , Sevilla, Andalucía, por Leonardo de Figueroa , 1682-1754
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  Palacio de la Merced , Córdoba, Andalucía, 1245-1760
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  Palacio Real de Madrid , por Jean Bautista Sachetti , 1735–1764 ^{[ 36 ]}
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  Fachada de la Catedral de Santiago de Compostela , España, de Fernando de Casas Novoa , 1738 ^{[ 37 ]}
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  Palacio de la Virreina en Barcelona , ​​Cataluña, construido entre 1772 y 1778 por Josep Ausich
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  Basílica de Nuestra Señora de la Misericordia en Barcelona , ​​Cataluña, construida entre 1765 y 1775 por José Mas Dordal.
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  La Clerecía, Salamanca , Castilla y León, construida entre 1617 y 1754.
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  Iglesia-convento de Santa Teresa , en Ávila , Castilla y León, construida a principios del siglo XVII
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  Casa consistorial de Cuenca, en Cuenca , Castilla-La Mancha, construida entre 1760 y 1788 por Lorenzo de Santa María y Mateo López
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  Iglesia de Santos Juanes, Valencia , construida entre 1240 y 1702.

La Iglesia Católica en España, y en particular los jesuitas , fueron el motor de la arquitectura barroca española. La primera obra importante de este estilo fue la Capilla de San Isidro en Madrid , iniciada en 1643 por Pedro de la Torre . Contrastaba una riqueza ornamental extrema en el exterior con la sencillez del interior, dividido en múltiples espacios y utilizando efectos de luz para crear una sensación de misterio. ^{[ 38 ]} La Catedral de Santiago de Compostela fue modernizada con una serie de añadidos barrocos a partir de finales del siglo XVII, comenzando con un campanario muy ornamentado (1680), luego flanqueado por dos torres aún más altas y ornamentadas, llamadas Obradorio , añadidas entre 1738 y 1750 por Fernando de Casas Novoa . Otro hito del barroco español es la torre de la capilla del Palacio de San Telmo en Sevilla , obra de Leonardo de Figueroa . ^{[ 39 ]}

Granada, conquistada a los moros apenas en el siglo XV, poseía una variante propia del barroco. El pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano diseñó el interior barroco de la catedral de Granada entre 1652 y su muerte en 1657. Este interior se caracteriza por el impactante contraste entre las enormes columnas blancas y la decoración dorada.

La arquitectura más ornamental y ricamente decorada del barroco español se denomina estilo churrigueresco , en honor a los hermanos Churriguera , quienes trabajaron principalmente en Salamanca y Madrid. Entre sus obras destacan los edificios de la Plaza Mayor de Salamanca (1729). ^{[ 39 ]} Este estilo barroco, de gran ornamentación, influyó en numerosas iglesias y catedrales construidas por los españoles en América.

Otros arquitectos barrocos españoles notables del Barroco tardío incluyen a Pedro de Ribera , discípulo de Churriguera, quien diseñó el Real Hospicio de San Fernando en Madrid, y a Narciso Tomé , quien diseñó el célebre retablo El Transparente en la Catedral de Toledo (1729-1732) que da la ilusión, con cierta luz, de flotar hacia arriba. ^{[ 39 ]}

Los arquitectos del barroco español tuvieron un impacto que trascendió las fronteras de España; su obra influyó notablemente en las iglesias construidas en las colonias españolas de Latinoamérica y Filipinas. Un buen ejemplo es la iglesia construida por los jesuitas para el Colegio de San Francisco Javier en Tepotzotlán , con su ornamentada fachada y torre barrocas. ^{[ 40 ]}

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  Poznań Fara , Poznań, Polonia, por Bartłomiej Nataniel Wąsowski , Giovanni Catenazzi y Pompeo Ferrari , 1651-1732
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  Palacio de Wilanów , Varsovia, Polonia, arquitecto desconocido, 1677–1679 ^{[ 41 ]}
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  Columna de la peste, Viena , Austria, por Matthias Rauchmiller y Johann Bernhard Fischer von Erlach , 1682 y 1694 ^{[ 42 ]}
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  Iglesia de San Nicolás , Praga, República Checa, por Christoph Dientzenhofer , 1703–1711 ^{[ 43 ]}
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  Exterior de la Karlskirche , Viena, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737 ^{[ 44 ]}
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  Interior de la Karlskirche, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737 ^{[ 44 ]}
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  Alto Belvedere , Viena, por Johann Lukas von Hildebrandt , 1717-1723 ^{[ 45 ]}
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  Palacio de Rogalin, Rogalin , Polonia, arquitecto desconocido, 1768–1774 ^{[ 46 ]}

Entre 1680 y 1750, se construyeron numerosas catedrales, abadías e iglesias de peregrinación ricamente ornamentadas en Europa Central, Austria, Bohemia y el suroeste de Polonia. Algunas eran de estilo rococó , un estilo distintivo, más ostentoso y asimétrico, que surgió del barroco y lo reemplazó en Europa Central durante la primera mitad del siglo XVIII, hasta que a su vez fue reemplazado por el clasicismo. ^{[ 47 ]}

Los príncipes de la multitud de estados de esa región también eligieron el barroco o el rococó para sus palacios y residencias, y a menudo recurrieron a arquitectos formados en Italia para construirlos. ^{[ 48 ]}

Un ejemplo notable es la iglesia de San Nicolás (Malá Strana) en Praga (1704-1755), construida por Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer . La decoración cubre todas las paredes del interior de la iglesia. El altar se ubica en la nave, bajo la cúpula central, y rodeado de capillas; la luz desciende desde la cúpula y desde las capillas circundantes. El altar está completamente rodeado de arcos, columnas, balaustradas curvas y pilastras de piedra de colores, ricamente decoradas con estatuas, creando una deliberada confusión entre la arquitectura real y la decoración. La arquitectura se transforma en un teatro de luz, color y movimiento. ^{[ 25 ]}

En Polonia, el barroco polaco de inspiración italiana duró desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y enfatizó la riqueza de detalles y colores. El primer edificio barroco en la Polonia actual y probablemente uno de los más reconocibles es la Iglesia de San Pedro y San Pablo, Cracovia , diseñada por Giovanni Battista Trevano . La Columna de Segismundo en Varsovia , erigida en 1644, fue el primer monumento barroco secular del mundo construido en forma de columna. ^{[ 49 ]} El estilo de residencia palaciega fue ejemplificado por el Palacio de Wilanów , construido entre 1677 y 1696. ^{[ 50 ]} El arquitecto barroco más renombrado activo en Polonia fue el holandés Tylman van Gameren y sus obras notables incluyen la Iglesia de San Kazimierz y el Palacio Krasiński de Varsovia , la Iglesia de Santa Ana, Cracovia y el Palacio Branicki, Białystok . ^{[ 51 ]} Sin embargo, la obra más célebre del barroco polaco es la iglesia de Poznań Fara , con detalles de Pompeo Ferrari . Después de la Guerra de los Treinta Años, bajo los acuerdos de la Paz de Westfalia, se construyeron dos estructuras barrocas únicas de entramado de madera y barro : la Iglesia de la Paz en Jawor , la Iglesia de la Santísima Trinidad de la Paz en Świdnica, el templo barroco de madera más grande de Europa.

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  Zwinger, Dresde , Alemania, por Matthäus Daniel Pöppelmann y Balthasar Permoser , 1710-1728
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  Residencia de Würzburg , Würzburg, Alemania, Balthasar Neumann , 1720–1744
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  Frauenkirche, Dresde , Alemania, por George Bähr , 1726 y 1743

Los numerosos estados del Sacro Imperio Romano Germánico, en el territorio de la actual Alemania, buscaban representarse con impresionantes edificios barrocos. ^{[ 52 ]} Entre los arquitectos más destacados se encontraban Johann Bernhard Fischer von Erlach , Lukas von Hildebrandt y Dominikus Zimmermann en Baviera , Balthasar Neumann en Brühl y Matthäus Daniel Pöppelmann en Dresde. En Prusia , Federico II se inspiró en el Gran Trianón del Palacio de Versalles y lo utilizó como modelo para su residencia de verano, Sanssouci , en Potsdam , diseñada para él por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Otra obra de la arquitectura palaciega barroca es el Zwinger (Dresde) , la antigua orangerie del palacio de los electores de Sajonia en el siglo XVIII.

Uno de los mejores ejemplos de una iglesia rococó es la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores , una iglesia de peregrinación ubicada cerca de la ciudad de Bad Staffelstein , cerca de Bamberg, en Baviera, al sur de Alemania. La Basílica fue diseñada por Balthasar Neumann y se construyó entre 1743 y 1772. Su planta consiste en una serie de círculos entrelazados alrededor de un óvalo central, con el altar ubicado en el centro exacto de la iglesia. El interior de esta iglesia ilustra la cúspide de la decoración rococó. ^{[ 53 ]} Otro ejemplo notable del estilo es la Iglesia de Peregrinación de Wies ( en alemán : Wieskirche ). Fue diseñada por los hermanos JB y Dominikus Zimmermann . Está ubicada en las estribaciones de los Alpes , en el municipio de Steingaden , en el distrito de Weilheim-Schongau , Baviera, Alemania. Su construcción tuvo lugar entre 1745 y 1754, y el interior fue decorado con frescos y estucos al estilo de la escuela de Wessobrunner . Actualmente es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO .

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  Castillo de Maisons , Francia, por François Mansart , 1630-1651 ^{[ 54 ]}
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  Galerie d'Apollon , Palacio del Louvre, París, por Louis Le Vau y Charles Le Brun , después de 1661 ^{[ 55 ]}
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  Fachada este del Palacio del Louvre, París, por Claude Perrault y Louis Le Vau, 1665–1680 ^{[ 56 ]}
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  Capilla del Palacio de Versalles , Versalles, Francia, 1696–1710 ^{[ 57 ]}
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  Porte Saint-Denis , París, por François Blondel , 1672 ^{[ 58 ]}
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  Dôme des Invalides , París, por Jules Hardouin-Mansart , 1677-1706 ^{[ 59 ]}
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  Salón de los Espejos del Palacio de Versalles, 1678–1684 ^{[ 60 ]}
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  Fachada ajardinada del Palacio de Versalles, por Jules Hardouin-Mansart, 1678–1688 ^{[ 61 ]}
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  Patio de mármol del Palacio de Versalles, 1680 ^{[ 62 ]}
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  Place Vendôme , París, por Jules Hardouin-Mansart, 1699-1706 ^{[ 63 ]}
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  Hôtel de Rothelin-Charolais , París, por Pierre Cailleteau , 1700-1704 ^{[ 64 ]}

El barroco en Francia se desarrolló de forma muy distinta a las versiones locales, ornamentadas y dramáticas, del barroco de Italia, España y el resto de Europa. En comparación, se presenta más severo, distante y sobrio, anticipándose al neoclasicismo y a la arquitectura de la Ilustración . A diferencia de los edificios italianos, los edificios barrocos franceses carecen de frontones partidos o fachadas curvilíneas. Incluso los edificios religiosos evitaron el intenso dramatismo espacial que se encuentra en la obra de Borromini . El estilo está estrechamente asociado con las obras construidas para Luis XIV (reinado 1643-1715), y por ello, también se le conoce como el estilo Luis XIV . Luis XIV invitó al maestro del barroco, Bernini, a presentar un diseño para el nuevo ala este del Louvre , pero lo rechazó en favor de un diseño más clásico de Claude Perrault y Louis Le Vau . ^{[ 65 ] [ 66 ]}

Entre los principales arquitectos de este estilo se encuentran François Mansart (1598-1666), Pierre Le Muet (Iglesia de Val-de-Grâce , 1645-1665) y Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657-1661). Mansart fue el primer arquitecto en introducir el estilo barroco, principalmente el uso frecuente de un orden aplicado y un marcado rusticado , en el vocabulario arquitectónico francés. El tejado abuhardillado no fue inventado por Mansart, pero se le ha asociado con frecuencia debido a su uso habitual. ^{[ 67 ]}

El principal proyecto real de la época fue la ampliación del Palacio de Versalles , iniciada en 1661 por Le Vau con decoración del pintor Charles Le Brun . Los jardines fueron diseñados por André Le Nôtre específicamente para complementar y realzar la arquitectura. La Galería de los Espejos , pieza central del palacio, con pinturas de Le Brun, se construyó entre 1678 y 1686. Mansart completó el Gran Trianón en 1687. La capilla, diseñada por Robert de Cotte , se terminó en 1710. Tras la muerte de Luis XIV, Luis XV añadió el más íntimo Pequeño Trianón y el teatro ricamente ornamentado. Las fuentes de los jardines fueron diseñadas para ser vistas desde el interior y para contribuir al efecto dramático. El palacio fue admirado y copiado por otros monarcas de Europa, en particular Pedro el Grande de Rusia, quien visitó Versalles a principios del reinado de Luis XV y construyó su propia versión en el Palacio de Peterhof , cerca de San Petersburgo, entre 1705 y 1725. ^{[ 68 ]}

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  Biblioteca Universitaria , Universidad de Coimbra, Coimbra, Portugal, por Gaspar Ferreira , 1716-1728 ^{[ 69 ]}
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  Palacio de Mafra , Mafra, Portugal, por João Frederico Ludovice , 1717-1755 ^{[ 70 ]}
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  Azulejo en los claustros del Monasterio de São Vicente de Fora , Lisboa, Portugal, con una escena basada en un grabado de Jean Le Pautre , arquitecto o artesano desconocido, 1730-1735 ^{[ 71 ]}
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  Gran Escalera del Santuario de Bom Jesus do Monte , Braga, Portugal, de Carlos Luís Ferreira Amarante y otros, c. 1784 ^{[ 72 ]}

La arquitectura barroca en Portugal duró aproximadamente dos siglos (finales del siglo XVII y el siglo XVIII). Los reinados de Juan V y José I incrementaron las importaciones de oro y diamantes, en un período conocido como absolutismo real, lo que permitió que el barroco portugués floreciera.

La arquitectura barroca en Portugal goza de una situación especial y una cronología diferente a la del resto de Europa.

Está condicionado por varios factores políticos, artísticos y económicos, que originan varias fases y diferentes tipos de influencias externas, resultando en una mezcla única, ^{[ 73 ]} a menudo malinterpretada por quienes buscan arte italiano, encuentran en cambio formas y carácter específicos que le dan una variedad singularmente portuguesa. Otro factor clave es la existencia de la arquitectura jesuítica, también llamada "estilo simple" (Estilo Chão o Estilo Plano) ^{[ 74 ]} que, como su nombre indica, es más simple y parece algo austera.

Los edificios son basílicas de una sola nave, con una capilla principal profunda y capillas laterales (con pequeñas puertas de comunicación), sin decoración interior ni exterior, con portales y ventanas sencillos. Se trata de una construcción práctica, que permitía edificarla en todo el imperio con pequeñas modificaciones y prepararla para su posterior decoración o cuando se dispusiera de los recursos económicos necesarios.

De hecho, el primer barroco portugués no carece de elementos arquitectónicos, ya que el estilo sencillo se presta fácilmente a la transformación mediante la decoración (pintura, azulejos, etc.), convirtiendo espacios vacíos en pomposos y elaborados escenarios barrocos. Lo mismo se aplica al exterior. Posteriormente, resulta sencillo adaptar el edificio al gusto de la época y del lugar, y añadirle nuevos elementos y detalles. Práctico y económico.

Con más habitantes y mejores recursos económicos, el norte, en particular las áreas de Porto y Braga , ^{[ 75 ] [ 76 ] [ 77 ]} fue testigo de una renovación arquitectónica, visible en la larga lista de iglesias, conventos y palacios construidos por la aristocracia.

Porto es la ciudad barroca de Portugal. Su centro histórico forma parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO . ^{[ 78 ]}

Muchas de las obras barrocas en el área histórica de la ciudad y más allá pertenecen a Nicolau Nasoni , un arquitecto italiano que vive en Portugal, que dibujó edificios originales con ubicación escenográfica como la iglesia y la torre de los Clérigos , ^{[ 79 ]} la logia de la Catedral de Oporto , la iglesia de la Misericordia, el Palacio de São João Novo , ^{[ 80 ]} el Palacio de Freixo , ^{[ 81 ]} el Palacio Episcopal ( portugués : Paço Episcopal do Porto ) ^{[ 82 ]} junto con muchos otros.

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  Jardines de Peterhof , San Petersburgo , Rusia, arquitecto desconocido, 1746–1758 ^{[ 83 ]}
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  Convento de Smolny , San Petersburgo, por Francesco Bartolomeo Rastrelli , 1748 ^{[ 84 ]}
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  Tsarskoe Selo , Pushkin, Rusia, por Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1749-1756 ^{[ 85 ]}

El debut del barroco ruso, o barroco petrino , se produjo tras una larga visita de Pedro el Grande a Europa occidental entre 1697 y 1698, donde visitó los castillos de Fontainebleau y Versalles , así como otros monumentos arquitectónicos. A su regreso a Rusia, decidió construir monumentos similares en San Petersburgo , que se convirtió en la nueva capital de Rusia en 1712. Entre los primeros monumentos importantes del barroco petrino destacan la catedral de San Pedro y San Pablo y el palacio Menshikov .

Durante el reinado de Ana e Isabel , la arquitectura rusa estuvo dominada por el lujoso estilo barroco del italiano Francesco Bartolomeo Rastrelli , que evolucionó hasta convertirse en el barroco isabelino . Entre los edificios más emblemáticos de Rastrelli se encuentran el Palacio de Invierno , el Palacio de Catalina y la Catedral de Smolny . Otros monumentos distintivos del barroco isabelino son el campanario del Monasterio de la Troitse-Sergiyeva y la Puerta Roja . ^{[ 86 ]}

En Moscú , el barroco de Naryshkin se popularizó, especialmente en la arquitectura de las iglesias ortodoxas orientales a finales del siglo XVII. Era una combinación del barroco de Europa occidental con estilos folclóricos tradicionales rusos .

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  Iglesia de San Francisco de Asís (Ouro Preto) , Minas Gerais, Brasil , por Aleijadinho , 1765–1788
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  Basílica de San Francisco de Asís, La Habana , Cuba, arquitecto desconocido, 1548-1738 ^{[ 87 ]}
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  Iglesia de San Francisco Acatepec , San Andrés Cholula, Puebla, México, arquitecto desconocido, siglos XVII-XVIII
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  Catedral Metropolitana de Quito , Quito, Ecuador, obra de Antonio García y otros, 1535–1799.
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  Catedral Metropolitana de Sucre en Sucre , Bolivia, 1551–1712
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  Iglesia de Santo Domingo, Santiago , Chile, arquitecto desconocido, 1747–1808 ^{[ 88 ]}
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  Iglesia de Santa Prisca de Taxco , Taxco, México, por Diego Durán y Cayetano Sigüenza , 1751–1758 ^{[ 89 ]}
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  Iglesia de la Recolección , León, Nicaragua , 1786–1788

Fachada de la iglesia jesuita de Cusco , Perú, por Jean-Baptiste Gilles y Diego Martínez de Oviedo, 1576–1668 ^{[ 90 ]}

Pinturas murales coloniales conservadas de 1802 que representan el infierno, ^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ]} de Tadeo Escalante, dentro de la Iglesia de San Juan Bautista en Huaro , Perú

Debido a la colonización de América por los países europeos, el Barroco se trasladó naturalmente al Nuevo Mundo , encontrando un terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal , ambos países monarquías centralizadas e irreductiblemente católicas, por extensión sometidas a Roma y seguidoras de la Contrarreforma barroca . Artistas europeos emigraron a América y fundaron escuelas, y junto con la amplia penetración de misioneros católicos , muchos de los cuales eran artistas talentosos, crearon un Barroco multiforme, a menudo influenciado por el gusto popular. Los artesanos criollos e indígenas contribuyeron en gran medida a dotar a este Barroco de características únicas. Los principales centros de cultivo del Barroco americano que aún perduran son (en este orden): México , Perú , Brasil , Cuba , Ecuador , Colombia , Bolivia , Guatemala , Nicaragua , Puerto Rico y Panamá .

Cabe destacar el llamado «barroco misionero», desarrollado en el marco de las reducciones españolas en áreas que se extendían desde México y el suroeste de los actuales Estados Unidos hasta Argentina y Chile. Estos asentamientos indígenas fueron organizados por misioneros católicos españoles con el fin de convertirlos a la fe cristiana y aculturarlos a la vida occidental, dando lugar a un barroco híbrido influenciado por la cultura indígena, donde florecieron criollos y numerosos artesanos y músicos indígenas, algunos incluso letrados, de gran habilidad y talento. Los relatos de los misioneros a menudo repiten que el arte occidental, especialmente la música, ejercía una influencia hipnótica sobre los indígenas, y que las imágenes de los santos eran consideradas poseedoras de grandes poderes. Muchos indígenas se convirtieron y se creó una nueva forma de devoción, de apasionada intensidad, cargada de misticismo, superstición y teatralidad, que se deleitaba en misas festivas, conciertos sacros y misterios. ^{[ 94 ] [ 95 ]}

La arquitectura barroca colonial en la América española se caracteriza por una profusa decoración (portal de la Iglesia de La Profesa , Ciudad de México; fachadas cubiertas con azulejos de estilo poblano , como en la Iglesia de San Francisco Acatepec en San Andrés Cholula y la Iglesia del Convento de San Francisco, Puebla ), que se exacerbará en el llamado estilo churrigueresco (fachada del Tabernáculo de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México , por Lorenzo Rodríguez ; Iglesia de San Francisco Javier, Tepotzotlán ; Iglesia de Santa Prisca de Taxco ). En Perú, las construcciones desarrolladas principalmente en las ciudades de Lima , Cusco , Arequipa y Trujillo , desde 1650 muestran características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros acolchados y columnas salomónicas ( Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco ; Basílica y Convento de San Francisco, Lima ). ^{[ 96 ]} Otros países incluyen: la Catedral Metropolitana de Sucre en Bolivia; Catedral Basílica de Esquipulas en Guatemala; Catedral de Tegucigalpa en Honduras; Catedral de León en Nicaragua; la Iglesia de la Compañía de Jesús, Quito , Ecuador; la Iglesia de San Ignacio, Bogotá , Colombia; la Catedral de Caracas en Venezuela; el Cabildo de Buenos Aires en Argentina; la Iglesia de Santo Domingo en Santiago , Chile; y la Catedral de La Habana en Cuba. También cabe recordar la calidad de las iglesias de las Misiones Jesuíticas Españolas en Bolivia , Misiones Jesuíticas Españolas en Paraguay , las Misiones Jesuíticas Españolas en México y las Misiones Franciscanas Españolas en California . ^{[ 97 ]}

En Brasil , al igual que en la metrópoli portuguesa , la arquitectura presenta cierta influencia italiana , generalmente de tipo borrominesco , como se puede apreciar en la Concatedral de Recife (1784) y la Iglesia de Nossa Senhora da Glória do Outeiro en Río de Janeiro (1739). En la región de Minas Gerais , destaca la obra de Aleijadinho , autor de un conjunto de iglesias que sobresalen por su planimetría curva, fachadas con efectos dinámicos cóncavo-convexos y un tratamiento plástico de todos los elementos arquitectónicos ( Iglesia de São Francisco de Assis, Ouro Preto , 1765-1788).

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  São Paulo en Macao , China, arquitecto desconocido, 1601 ^{[ 98 ]}
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  São Paulo en Diu, India , arquitecto desconocido, 1601 ^{[ 99 ]}
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  Catedral de Manila en una pintura de 1792, en Intramuros , Manila, Filipinas.
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  Basílica de Bom Jesus en Goa , India, 1594–1605

En las colonias portuguesas de la India ( Goa , Daman y Diu ) floreció un estilo arquitectónico que fusionaba formas barrocas con elementos hindúes, como la Catedral de Se y la Basílica de Bom Jesus de Goa, que alberga la tumba de San Francisco Javier . El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1986.

En Filipinas , que fue colonia española durante más de tres siglos, se conserva un gran número de construcciones barrocas . Cuatro de ellas, así como la ciudad barroca y neoclásica de Vigan , son Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO ; y aunque carecen de una clasificación formal, la Ciudad Amurallada de Manila, junto con la ciudad de Tayabas, albergan una importante extensión de arquitectura de la época barroca española.

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  Iglesia del Monasterio de Golia , Iași , Rumania, arquitecto desconocido, 1650–1660
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  Monasterio de Horezu , Horezu, Rumania, con una columna salomónica , arquitecto desconocido, siglos XVII-XVIII ^{[ 100 ]}
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  Puerta y pedestal de la iglesia de los Santos Constantino y Elena, monasterio de Horezu, arquitecto o escultor desconocido, 1692-1694.
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  Barandilla maximalista del Palacio de Potlogi , Potlogi, arquitecto desconocido, 1698.
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  Columnas y barandillas retorcidas del Palacio de Mogoșoaia , Mogoșoaia, arquitecto desconocido, principios del siglo XVIII ^{[ 101 ]}
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  Cartela sobre una piedra dañada en el patio del monasterio de Antim , Bucarest, escultor desconocido, finales del siglo XVII-principios del siglo XVIII.

Como vimos, el barroco es un estilo occidental, nacido en Italia. A través de las relaciones comerciales y culturales de los italianos con los países de la península balcánica , incluyendo Moldavia y Valaquia , las influencias barrocas llegaron a Europa del Este. Estas influencias no fueron muy fuertes, ya que generalmente se manifiestan en la arquitectura y los ornamentos esculpidos en piedra, y también se mezclan intensamente con detalles tomados del arte bizantino e islámico .

Antes y después de la caída del Imperio Bizantino , todo el arte de Valaquia y Moldavia estuvo influenciado principalmente por el de Constantinopla . Hasta finales del siglo XVI, con escasas modificaciones, los planos de iglesias y monasterios, los murales y los ornamentos tallados en piedra permanecieron prácticamente inalterados. A partir del periodo que comenzó con los reinados de Matei Basarab (1632-1654) y Vasile Lupu (1634-1653), coincidiendo con la popularización del barroco italiano, se añadieron nuevos ornamentos y cambió el estilo del mobiliario religioso. Este cambio no fue casual. Elementos y principios decorativos llegaron de Italia, a través de Venecia o de las regiones dálmatas , y fueron adoptados por arquitectos y artesanos de Oriente. Los marcos de ventanas y puertas, las placas conmemorativas, las lápidas, las columnas y barandillas, y parte del mobiliario de bronce, plata o madera, adquirieron mayor relevancia. También existían antes, inspiradas en la tradición bizantina, pero adquirieron un aspecto más realista, mostrando delicados motivos florales. El relieve , que también existía anteriormente, se acentuó, adquiriendo volumen y consistencia. Antes de este período, los relieves de Valaquia y Moldavia, al igual que los de Oriente, tenían solo dos niveles, a poca distancia uno del otro, uno en la superficie y el otro en profundidad. Grandes flores, quizás rosas , peonías o cardos , hojas gruesas de acanto u otra planta similar, se retorcían en las columnas o rodeaban puertas y ventanas. Un lugar donde el barroco tuvo una fuerte influencia fueron las columnas y las barandillas . Los capiteles estaban más decorados que antes con follaje. Las columnas a menudo tienen fustes retorcidos, una reinterpretación local de la columna salomónica . Barandillas maximalistas se colocan entre estas columnas, decoradas con riscos . Algunas de las del Palacio de Mogoșoaia también están decoradas con delfines. Los cartuchos también se utilizan a veces, sobre todo en lápidas, como en la de Constantin Brâncoveanu . Este movimiento se conoce como el estilo Brâncovenesc , en honor a Constantin Brâncoveanu , gobernante de Valaquia cuyo reinado (1654-1714) está muy asociado con este tipo de arquitectura y diseño. El estilo también está presente durante el siglo XVIII y en parte del XIX. Muchas de las iglesias y residencias erigidas por boyardos y voivodasEntre estos periodos se encuentra el de Brâncovenesc. Si bien se aprecian claramente las influencias barrocas, el estilo de Brâncovenesc se inspira mucho más en la tradición local.

A medida que avanzaba el siglo XVIII, con los reinados de los fanariotas (miembros de familias griegas prominentes de Fanar , Estambul) en Valaquia y Moldavia, las influencias barrocas también llegaron desde Estambul. Si bien ya habían llegado antes, durante el siglo XVII, con los fanariotas, los motivos barrocos más occidentales que llegaron al Imperio Otomano tuvieron su destino final en la actual Rumania. En Moldavia, los elementos barrocos también provienen de Rusia, donde la influencia del arte italiano era fuerte. ^{[ 102 ]}

En Hispanoamérica, las primeras influencias provinieron del tenebrismo sevillano , principalmente de Zurbarán —algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú— como se puede apreciar en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga , y del boliviano Melchor Pérez de Holguín . La Escuela Cusqueña de pintura surgió tras la llegada del pintor italiano Bernardo Bitti en 1583, quien introdujo el manierismo en América. Destacó la obra de Luis de Riaño , discípulo del italiano Angelino Medoro , autor de los murales de la Iglesia de San Pedro, Andahuaylillas . También destacó a los pintores indígenas ( quechuas ) Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Pumacallao , así como a Marcos Zapata , autor de los cincuenta grandes lienzos que cubren los altos arcos de la Catedral de Cusco . En Ecuador , se formó la Escuela Quito , representada principalmente por el mestizo Miguel de Santiago y el criollo Nicolás Javier de Goríbar .

En el siglo XVIII, los retablos escultóricos comenzaron a ser reemplazados por pinturas, desarrollándose notablemente la pintura barroca en América. De igual modo, creció la demanda de obras civiles, principalmente retratos de las clases aristocráticas y la jerarquía eclesiástica. La principal influencia fue la del murillesco y, en algunos casos —como en el criollo Cristóbal de Villalpando— la de Juan de Valdés Leal . La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas dulces y suaves. Entre sus exponentes destacan Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos en Colombia, y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.

• Giovanni Gabrieli ( c. 1554 /1557-1612) Sonata pian' e forte (1597), In Ecclesiis (de Symphoniae sacrae libro 2, 1615)
• Cristóbal de Medrano (c. 1561 – 1597), voce mea cum sex vocibus (1594)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580-1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567-1643), L'Orfeo, favola in musica (1610)
• Heinrich Schütz (1585-1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602-1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664)

  

• Johann Jacob Froberger (1616–1667), Música completa para clavecín y órgano, Simone Stella
• Jean-Baptiste Lully (1632-1687), Armide (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), Te Deum (1688-1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704), Sonatas de misterio (1681)
• John Blow (1649–1708), Venus y Adonis (1680–1687)
• Johann Pachelbel (1653–1706), Canon en Re (1680)
• Arcangelo Corelli (1653-1713), 12 concerti grossi, op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656-1728), Sonería de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659–1695), Dido y Eneas (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660-1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
• François Couperin (1668-1733), Las barricadas misteriosas (1717)
• Tomaso Albinoni (1671-1751), Didone abbandonata (1724)
• Antonio Vivaldi (1678–1741), Las cuatro estaciones (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679-1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681-1767), Der Tag des Gerichts (1762)
• Juan David Heinichen (1683-1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683-1764), Dárdano (1739)
• George Frideric Handel (1685–1759), Música acuática (1717), El Mesías (1741), Música para los fuegos artificiales reales (1749)
• Domenico Scarlatti (1685-1757), Sonatas para clavecín
• Johann Sebastian Bach (1685-1750), Tocata y fuga en re menor (1703-1707), Conciertos de Brandeburgo (1721), Pasión según San Mateo (1727)
• Nicola Porpora (1686-1768), Semiramide riconosciuta (1729)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), Stabat Mater (1736)

Siguiendo la evolución marcada desde España, a finales del siglo XVI, las compañías de comediantes, esencialmente trashumantes, comenzaron a profesionalizarse. Con la profesionalización llegaron la regulación y la censura: como en Europa, el teatro oscilaba entre la tolerancia e incluso la protección gubernamental y el rechazo (con excepciones) o la persecución por parte de la Iglesia. El teatro era útil para las autoridades como instrumento para difundir el comportamiento y los modelos deseados, el respeto al orden social y a la monarquía, y la escuela del dogma religioso. ^{[ 152 ]}

Los corrales se administraban en beneficio de los hospitales que compartían los beneficios de las representaciones. Las compañías itinerantes (o «de la liga »), que llevaban el teatro en escenarios improvisados ​​al aire libre por las regiones que no tenían locales fijos, requerían una licencia virreinal para trabajar, cuyo precio o pinción se destinaba a limosnas y obras piadosas. ^{[ 152 ]} Para las compañías que trabajaban de forma estable en las capitales y ciudades principales, una de sus principales fuentes de ingresos era la participación en las festividades del Corpus Christi , que les proporcionaba no solo beneficios económicos, sino también reconocimiento y prestigio social. Las representaciones en el palacio virreinal y las mansiones de la aristocracia, donde representaban tanto las comedias de su repertorio como producciones especiales con grandes efectos de iluminación, escenografía y puesta en escena, también eran una importante fuente de trabajo bien remunerado y prestigioso. ^{[ 152 ]}

Nacido en el Virreinato de Nueva España ^{[ 153 ]} pero posteriormente establecido en España, Juan Ruiz de Alarcón es la figura más destacada del teatro barroco de Nueva España. A pesar de su adaptación a la nueva comedia de Lope de Vega, se han señalado su «marcado secularismo», su discreción y moderación, y una aguda capacidad de «penetración psicológica» como rasgos distintivos de Alarcón frente a sus contemporáneos españoles. Entre sus obras destaca La verdad sospechosa , una comedia de personajes que reflejaba su constante propósito moralizante. ^{[ 152 ]} La producción dramática de Sor Juana Inés de la Cruz la sitúa como la segunda figura del teatro barroco hispanoamericano. Entre sus obras merece la pena mencionar el auto sacramental El divino Narciso y la comedia Los empeños de una casa .

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  Observatorio de Meudon, Castillo de Meudon , Meudon, Francia, un ejemplo de un edificio rococó temprano de los últimos años de Luis XIV , arquitecto desconocido, 1706–1709 ^{[ 162 ]}
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  Cómoda; de Charles Cressent ; c. 1730; varios tipos de madera; herrajes de bronce dorado y tapa de mármol de Brèche d'Aleps; altura: 91,1  cm; Waddesdon Manor , Waddesdon, Reino Unido
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  Amalienburg , parque del palacio de Nymphenburg, Munich, Alemania, por François de Cuvilliés , 1734-1739 ^{[ 163 ]}
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  Salón Oval de la Princesse del Hôtel de Soubise , París, por Germain Boffrand , Charles-Joseph Natoire y Jean-Baptiste Lemoyne , 1737-1739
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  El triunfo de Venus ; por François Boucher ; 1740; óleo sobre lienzo; 130 × 162 cm; Museo Nacional , Estocolmo, Suecia
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  Sala Vieux-Laque, Palacio de Schönbrunn , Viena, Austria, decorada con paneles de laca negra china , por Nikolaus Pacassi , 1743–1763 ^{[ 164 ]}
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  Puerta con dos estatuas y elaboradas rejas de hierro forjado, Würzburg , Alemania, rejas de Johann Georg Oegg , 1752.
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  Casa china , Parque Sanssouci, Potsdam, Alemania, un ejemplo de chinoiserie , por Johann Gottfried Büring , 1755–1764 ^{[ 165 ]}
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  Cafetera decorada con motivos vegetales ; 1757; plata; altura: 29,5  cm; Museo Metropolitano de Arte , Nueva York.
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  La lección de música ; de la fábrica de porcelana de Chelsea ; c. 1765; porcelana de pasta blanda; 39,1 × 31,1 × 22,2  cm; Museo Metropolitano de Arte.
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  Pagod, basado en figuras asiáticas de Budai , ejemplo de Chinoiserie; de Johann Joachim Kändler ; do. 1765; porcelana de pasta dura; Museo Metropolitano de Arte ^{[ 166 ]}
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  Cartela del Segundo Libro de Cartelas , un ejemplo de asimetría; c. 1710–1772; grabado sobre papel; 23 x 19,8  cm; Rijksmuseum , Ámsterdam, Países Bajos

El rococó es la etapa final del barroco y, en muchos sentidos, llevó las cualidades fundamentales de ilusión y dramatismo del barroco a sus extremos lógicos. Originado en Francia como una reacción contra la pesada grandeza barroca de la corte de Luis XIV en el Palacio de Versalles , el movimiento rococó se asoció particularmente con la poderosa Madame de Pompadour (1721-1764), amante del nuevo rey, Luis XV (1710-1774). Por ello, el estilo también se conoció como Pompadour . Aunque está muy asociado con el reinado de Luis XV, no surgió en este período. Numerosas obras de los últimos años del reinado de Luis XIV son ejemplos del rococó temprano. El nombre del movimiento deriva del francés rocaille , o guijarro, y hace referencia a las piedras y conchas que decoran el interior de las cuevas, ya que formas similares de conchas se convirtieron en un rasgo común del diseño rococó. Comenzó como un estilo de diseño y artes decorativas , y se caracterizó por elegantes formas fluidas. Le siguieron la arquitectura, y después la pintura y la escultura. El pintor francés con quien más se asocia el término rococó es Jean-Antoine Watteau , cuyas escenas pastorales, o fêtes galantes , dominaron la primera parte del siglo XVIII.

Existen múltiples similitudes entre el rococó y el barroco. Ambos estilos insisten en las formas monumentales, por lo que utilizan espacios continuos, columnas o pilastras dobles y materiales lujosos (incluidos elementos dorados). Sin embargo, también existen diferencias notables. Los rococós se liberaron de la adhesión a la simetría que había dominado la arquitectura y el diseño desde el Renacimiento . Muchos objetos pequeños, como tinteros o figuras de porcelana, así como algunos ornamentos, suelen ser asimétricos. Esto se relaciona con el hecho de que la mayor parte de la ornamentación consistía en la interpretación de follaje y conchas marinas, y no tantos ornamentos clásicos heredados del Renacimiento como en el barroco. Otra diferencia clave es que, dado que el barroco es la principal manifestación cultural del espíritu de la Contrarreforma , se asocia con mayor frecuencia a la arquitectura eclesiástica. En contraste, el rococó se asocia principalmente a palacios y arquitectura doméstica. En París, la popularidad del rococó coincidió con el surgimiento del salón como un nuevo tipo de reunión social, cuyos espacios a menudo se decoraban con este estilo. Las habitaciones rococó eran típicamente más pequeñas que sus contrapartes barrocas, lo que refleja un movimiento hacia la intimidad doméstica. ^{[ 167 ]} Los colores también se corresponden con este cambio, desde los tonos terrosos de las pinturas de Caravaggio y los interiores de mármol rojo y monturas doradas del reinado de Luis XIV , hasta el azul pálido pastel y relajado, el rosa Pompadour y el blanco de la Francia de Luis XV y Madame de Pompadour. De manera similar a los colores, también hubo una transición de temas serios, dramáticos y moralizantes en la pintura y la escultura, a temas alegres y desenfadados.

Una última diferencia entre el Barroco y el Rococó radica en el interés que la aristocracia del siglo XVIII tenía por Asia Oriental . Las tendencias orientalistas en la estética occidental ya existían antes del Barroco, pero solían inspirarse en fuentes islámicas más que en las de Asia Oriental. Esta tendencia continuó durante el Barroco, como lo demuestra el estilo de inspiración turca conocido como Turquerie . La fascinación orientalista por el mundo islámico (incluida la Turquerie) perduraría durante y después del Rococó; sin embargo, para entonces, las culturas china y de otras partes de Asia Oriental también influirían en la estética occidental. La Chinoiserie fue un estilo en las bellas artes, la arquitectura y el diseño, popular durante el siglo XVIII, fuertemente inspirado en el arte chino, pero también en el Rococó. Debido a que viajar a China u otros países del Lejano Oriente era difícil en aquella época y, por lo tanto, seguía siendo un misterio para la mayoría de los occidentales, la imaginación europea se alimentó de la percepción de Asia como un lugar de riqueza y lujo. En consecuencia, mecenas, desde emperadores hasta comerciantes, competían entre sí para adornar sus aposentos con objetos asiáticos y decorarlos al estilo asiático. Cuando los objetos asiáticos eran difíciles de conseguir, artesanos y pintores europeos intervinieron para satisfacer la demanda, creando una fusión de formas rococó con figuras, motivos y técnicas asiáticas. Además de las recreaciones europeas de objetos al estilo de Asia Oriental, la laca china se reutilizó de diversas maneras. Los aristócratas europeos decoraron por completo algunas habitaciones de palacios con paneles de laca china. Debido a su aspecto, la laca negra era popular para los estudios de los hombres occidentales. Estos paneles solían ser brillantes y negros, fabricados en la provincia china de Henan. Estaban hechos de múltiples capas de laca, luego grabadas con motivos rellenos de color y oro. Algunos carpinteros europeos del siglo XVIII también utilizaban paneles lacados chinos y japoneses para la fabricación de muebles. Para su producción, se desmontaban biombos asiáticos y se utilizaban para revestir muebles de fabricación europea.

El pionero historiador del arte y arqueólogo alemán Johann Joachim Winckelmann también condenó el estilo barroco y alabó los valores superiores del arte y la arquitectura clásicos. En el siglo XIX, el barroco se convirtió en blanco de burla y crítica. El crítico neoclásico Francesco Milizia escribió: «Borrominini en arquitectura, Bernini en escultura, Pietro da Cortona en pintura... son una plaga para el buen gusto, que ha infectado a un gran número de artistas». ^{[ 168 ]} En el siglo XIX, la crítica fue aún más lejos; el crítico británico John Ruskin declaró que la escultura barroca no solo era mala, sino también moralmente corrupta. ^{[ 168 ]}

El historiador de arte suizo Heinrich Wölfflin (1864-1945) inició la rehabilitación del término Barroco en su obra Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificó el Barroco como un «movimiento importado a las masas», un arte antitético al arte renacentista. No estableció las distinciones entre Manierismo y Barroco que hacen los autores modernos, e ignoró la fase posterior, el Barroco académico que se extendió hasta el siglo XVIII. El arte y la arquitectura barrocos se pusieron de moda en el período de entreguerras y, en general, han mantenido el favor de la crítica. El término «barroco» aún puede utilizarse, a menudo de forma peyorativa, para describir obras de arte, artesanía o diseño que se consideran excesivamente ornamentadas o complejas en sus líneas. ^{[ 169 ]} Al mismo tiempo, «barroco» se ha convertido en un término aceptado para diversas tendencias del arte y la arquitectura romanos de los siglos II y III d. C., que presentan algunas de las mismas características que el Barroco posterior.

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  Gabinete; do. 1850–1870; marquetería de boullé ; dimensiones desconocidas; Museo departamental de l'Oise , Beauvais, Francia
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  Consola grande con proyección central; de Benjamin Deguil y Benjamin-Paul Ramillon ; 1850–1875; madera dorada y mármol; 100 x 283 x 77  cm; Apartamentos de Napoleón III , Palacio del Louvre , París ^{[ 170 ]}
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  El Gran Salón de los apartamentos del ministro de Estado, actualmente conocidos como los Apartamentos Napoleón III, diseñados por Hector Lefuel y decorados con pinturas de Charles Raphaël Maréchal , 1859–1860 ^{[ 171 ]}
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  Tocador de joyas de la emperatriz Eugenia ; por Jules Fossey ; do. 1860; materiales desconocidos; dimensiones desconocidas; Castillo de Compiègne , Compiègne, Francia
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  Candelabro de once brazos; de Ferdinand Barbedienne ; 1861; bronce dorado; altura: 83,7  cm, longitud: 49,4  cm; Apartamentos de Napoleón III ^{[ 172 ]}
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  Exterior del Palacio Garnier , París, un ejemplo de arquitectura Beaux Arts , por Charles Garnier , 1860–1875 ^{[ 173 ]}
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  Gran vestíbulo del Palacio Garnier, inspirado en la Galería de los Espejos del Palacio de Versalles , pero con algunos ornamentos tomados de otros estilos históricos, como las partes inferiores de las columnas neorrenacentistas o las liras neoclásicas en la parte superior de las ventanas, por Charles Garnier , 1860–1875 ^{[ 173 ]}
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  Mesa; segunda mitad del siglo XIX; marquetería Boulle; dimensiones desconocidas; en una exposición temporal titulada "Dress Code Parfum de Secol XIX" en el Palacio Suțu , Bucarest , Rumania.
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  Petit Palais , París, un ejemplo de arquitectura Beaux Arts, con columnas jónicas muy similares a las del reinado de Luis XIV , por Charles Giraud , 1900 ^{[ 174 ]}
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  Rue Guynemer nº 2, París, con una fachada compuesta por una mezcla de elementos de piedra detallados y grandes superficies de ladrillo sencillo, como la que se ve en la Place des Vosges de París, obra de Louis Périn , 1914.
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  Puerta de la Rue Guynemer nº 2, París, con palmetas , conchas, volutas , guirnaldas, proporciones y otros elementos vistos en hierro forjado, muebles, textiles y cerámica del reinado de Luis XIV.

Muy criticado, el Barroco sería más tarde una fuente de inspiración para artistas, arquitectos y diseñadores durante el siglo XIX a través del Romanticismo , un movimiento que se desarrolló en el siglo XVIII y que alcanzó su apogeo en el XIX. Se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo , así como por la glorificación del pasado y la naturaleza, prefiriendo lo medieval a lo clásico. Una mezcla de factores literarios, religiosos y políticos impulsó a los arquitectos y diseñadores británicos de finales del siglo XVIII y del siglo XIX a mirar hacia atrás en la Edad Media en busca de inspiración. El Romanticismo es la razón por la que el siglo XIX es mejor conocido como el siglo de los renacimientos . ^{[ 175 ]} En Francia, el Romanticismo no fue el factor clave que llevó al renacimiento de la arquitectura y el diseño góticos. El vandalismo de monumentos y edificios asociados con el Antiguo Régimen (Antiguo Régimen) ocurrió durante la Revolución Francesa . Debido a esto, el arqueólogo Alexandre Lenoir fue nombrado conservador del depósito de Petits-Augustins, donde se habían trasladado esculturas, estatuas y tumbas procedentes de iglesias, abadías y conventos. Organizó el Museo de Monumentos Franceses (1795-1816) y fue el primero en recuperar el gusto por el arte medieval, que poco a poco floreció un cuarto de siglo después. ^{[ 176 ]}

Este gusto y resurgimiento del arte medieval propició el renacimiento de otros periodos, como el Barroco y el Rococó. El revivalismo comenzó con temas de la Edad Media y, posteriormente, hacia finales del reinado de Luis Felipe I (1830-1848), del Renacimiento . La inspiración barroca y rococó fue más popular durante el reinado de Napoleón III (1852-1870) y continuó tras la caída del Segundo Imperio Francés . ^{[ 177 ]}

En comparación con Inglaterra, donde arquitectos y diseñadores consideraban el gótico como un estilo nacional, el rococó se percibía como uno de los movimientos más representativos de Francia. Los franceses se sentían mucho más identificados con los estilos del Antiguo Régimen y del Imperio napoleónico que con el pasado medieval o renacentista, si bien la arquitectura gótica surgió en Francia, no en Inglaterra.

El revivalismo del siglo XIX condujo con el tiempo al eclecticismo (mezcla de elementos de diferentes estilos). Debido a que los arquitectos a menudo revivieron estilos clásicos, la mayoría de los edificios y diseños eclécticos tienen una apariencia distintiva. Además de los revivalismos puros, el Barroco fue también una de las principales fuentes de inspiración para el eclecticismo. La columna pareada y el orden gigante , dos elementos ampliamente utilizados en el Barroco, suelen estar presentes en este tipo de edificios del siglo XIX y principios del XX. El eclecticismo no se limitó solo a la arquitectura. Muchos diseños del estilo Segundo Imperio (1848-1870) tienen elementos tomados de diferentes estilos. Pocos muebles de la época escaparon a sus tres influencias historicistas más predominantes, que a veces se mantienen distintas y a veces se combinan: los estilos Renacentista, Luis XV (Rococó) y Luis XVI . Los revivalismos y la inspiración también provinieron a veces del Barroco, como en el caso de las reinterpretaciones y arabescos que imitan la marquetería de Boulle , y de otros estilos, como el gótico, el Renacimiento o el Regencia inglés . ^{[ 178 ]}

La Belle Époque fue un período que comenzó alrededor de 1871-1880 y que terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914. Se caracterizó por el optimismo, la paz regional, la prosperidad económica, la expansión colonial y las innovaciones tecnológicas, científicas y culturales. El eclecticismo alcanzó su apogeo en este período, con la arquitectura Beaux Arts . El estilo toma su nombre de la École des Beaux-Arts de París, donde se desarrolló y donde estudiaron muchos de sus principales exponentes. Los edificios de este estilo suelen presentar columnas jónicas con sus volutas en las esquinas (como las que se encuentran en el barroco francés), un nivel de sótano rústico, simplicidad general pero con algunos detalles muy elaborados, puertas arqueadas y un arco sobre la entrada como el del Petit Palais de París. El estilo buscaba una opulencia barroca a través de estructuras monumentales ricamente decoradas que evocaban el Versalles de Luis XIV . En lo que respecta al diseño de la Belle Époque , se admiraba todo el mobiliario del pasado, incluyendo, quizás contrariamente a lo esperado, el estilo del Segundo Imperio (el estilo del período precedente), que se mantuvo popular hasta 1900. En los años alrededor de 1900, se produjo una gigantesca recapitulación de estilos de todos los países y de todos los períodos anteriores. Desde modelos chinos hasta españoles, desde Boulle hasta gótico, todo se incorporó a la producción de muebles, pero algunos estilos fueron más apreciados que otros. La Alta Edad Media y el Renacimiento temprano fueron especialmente valorados. El exotismo de todo tipo y los exuberantes diseños rococó también fueron favorecidos. ^{[ 179 ]}

Los resurgimientos e influencias del Barroco se desvanecieron con el Art Déco , un estilo creado como un esfuerzo colectivo de varios diseñadores franceses para dar forma a un nuevo estilo moderno alrededor de 1910. Era poco conocido antes de la Primera Guerra Mundial, pero se popularizó enormemente durante el período de entreguerras , estando estrechamente asociado con las décadas de 1920 y 1930. El movimiento fue una fusión de múltiples características tomadas de las corrientes modernistas de los años 1900 y 1910, como la Secesión de Viena , el Cubismo , el Fauvismo , el Primitivismo , el Suprematismo , el Constructivismo , el Futurismo , De Stijl y el Expresionismo . Además del Modernismo, también están presentes en el Art Déco elementos tomados de estilos populares durante la Belle Époque, como el Rococó , el Neoclasicismo o el estilo neo-Luis XVI . Las proporciones, los volúmenes y la estructura de la arquitectura Beaux Arts anterior a la Primera Guerra Mundial están presentes en los primeros edificios Art Déco de las décadas de 1910 y 1920. Los elementos tomados del Barroco son bastante raros, ya que los arquitectos y diseñadores preferían el estilo Luis XVI.

Al final del período de entreguerras, el auge del Estilo Internacional , caracterizado por la ausencia total de ornamentación, conllevó el abandono absoluto de la influencia y el resurgimiento del Barroco. Numerosos arquitectos y diseñadores del Estilo Internacional, así como artistas modernistas , criticaron el Barroco por su extravagancia y lo que consideraban un «exceso». Irónicamente, esto coincidió con el resurgimiento de la valoración crítica del Barroco original.

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  Basílica de Nuestra Señora de la Paz , Yamoussoukro, Costa de Marfil, por Pierre Fakhoury , 1985-1990
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  Basílica de San Pedro , Roma, de Donato Bramante , Miguel Ángel , Carlo Maderno y otros, terminada en 1615 ^{[ 27 ]}
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  Hotel Dolphin, Orlando, Florida , EE. UU., con tapas de urnas que recuerdan a las urnas que decoran esquinas, techos y barandillas de edificios y muebles del reinado de Luis XIV , por Michael Graves , 1989 ^{[ 180 ]}
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  Urnas que decoran la barandilla del techo del Patio de Mármol del Palacio de Versalles , Versalles, Francia, por Louis Le Vau y Jules Hardouin-Mansart , c. 1660 –1715 ^{[ 181 ]}
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  Fachada cóncava del Teatro Politeama , Catanzaro , Italia, de Paolo Portoghesi , 2002
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  Fachada redondeada del Oratorio dei Filippini , Roma, de Francesco Borromini , 1637-1650
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  Lámpara Bourgie , de Ferruccio Laviani para Kartell , 2004, policarbonato , vendida en Kartell Milano (Via Carlo Porta nº 1), Milán , Italia
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  Candelabro de iglesia, 1681, plata, Museo de la Catedral de Kotor , Kotor , Montenegro
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  Hotel Zaandam, Ámsterdam , Países Bajos , inspirado en las casas de los canales holandesas de los siglos XVI y XVII, por Wam Architecten , 2010 ^{[ 182 ]}
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  Herengracht no. 120, Amsterdam, arquitecto desconocido, c. 1625 ^{[ 183 ]}
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  Caja, perteneciente a la colección Le Jardin de Versace, con intrincados motivos decorativos que recuerdan a los barrocos de los siglos XVII y principios del XVIII, pero también a los de la época de Napoleón; diseñada por Versace y producida por Rosenthal ; fecha desconocida; porcelana; dimensiones o ubicación desconocidas.
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  Rinceaux barrocos con putti pintados en la boiserie de una habitación del Hôtel Colbert de Villacerf , ahora en el Musée Carnavalet , París, arquitecto, escultor y pintor desconocido, c. 1650 ^{[ 184 ]}

La apreciación por el Barroco resurgió con el auge del Posmodernismo , un movimiento que cuestionó el Modernismo (el statu quo tras la Segunda Guerra Mundial) y que promovió la inclusión de elementos de estilos históricos en nuevos diseños, así como la valoración del pasado premodernista. Las referencias específicas al Barroco son escasas, ya que el Posmodernismo a menudo incluía elementos muy simplificados que eran «citas» del Clasicismo en general, como frontones o columnas.

Se encuentran más referencias al Barroco en la cerámica y la moda de Versace , decoradas con motivos maximalistas de hojas de acanto , muy similares a los que se encuentran en los platos ornamentales del Barroco italiano y en la obra de Boulle , pero también similares a los que se encuentran en objetos del Imperio , especialmente textiles, del reinado de Napoleón I.