música electrónica de baile

El autor Michael Veal considera que la música dub , un género musical jamaicano derivado del roots reggae y la cultura de los sistemas de sonido que floreció entre 1968 y 1985, es uno de los precursores importantes de la música electrónica de baile contemporánea. ^{[ 8 ]} Las producciones dub eran remezclas de pistas de reggae que enfatizaban el ritmo, los elementos líricos y melódicos fragmentados y las texturas reverberantes. ^{[ 9 ]} La música fue impulsada por ingenieros de estudio como King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry y Scientist . ^{[ 8 ]} Sus producciones incluían formas de edición de cinta y procesamiento de sonido que Veal considera comparables a las técnicas utilizadas en la música concreta . Los productores de dub realizaban deconstrucciones improvisadas de mezclas de reggae multipista existentes utilizando la mesa de mezclas del estudio como un instrumento de interpretación. También destacaban los efectos espaciales como la reverberación y el retardo mediante el uso creativo de enrutamientos de envío auxiliares . ^{[ 8 ]} El Roland Space Echo , fabricado por Roland Corporation , fue ampliamente utilizado por los productores de dub en la década de 1970 para producir efectos de eco y retardo. ^{[ 10 ]}

A pesar del limitado equipo electrónico disponible para pioneros del dub como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente vanguardistas. ^{[ 11 ]} El dub ambiental fue impulsado por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos, utilizando electrónica ambiental inspirada en los DJ , con interrupciones, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos . Presentaba técnicas de superposición e incorporaba elementos de la música del mundo , líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. ^{[ 12 ]} También se utilizaron técnicas como un retardo de eco prolongado. ^{[ 13 ]}

El hip-hop ha tenido cierta influencia en el desarrollo de la música electrónica de baile desde la década de 1970. ^{[ 14 ]} Inspirado por la cultura del sound system jamaicano, el DJ jamaicano-estadounidense Kool Herc introdujo grandes sistemas de altavoces con graves potentes en el Bronx . ^{[ 15 ]} Se le atribuye a sus fiestas el haber impulsado el movimiento hip-hop de la ciudad de Nueva York en 1973. ^{[ 15 ]} Una técnica desarrollada por DJ Kool Herc que se popularizó en la cultura hip-hop consistía en reproducir dos copias del mismo disco en dos tocadiscos, de forma alternada, y en el punto donde una pista presentaba un break . Esta técnica se utilizó además para crear manualmente un bucle de un break puramente percusivo , dando lugar a lo que más tarde se denominó break beat . ^{[ 16 ]}

El turntablismo tiene sus orígenes en la invención del tocadiscos de transmisión directa , ^{[ 17 ]} por Shuichi Obata, ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ). ^{[ 18 ]} En 1969, Matsushita lo lanzó como el SP-10 , ^{[ 19 ]} el primer tocadiscos de transmisión directa del mercado, ^{[ 20 ]} y el primero de su influyente serie de tocadiscos Technics . ^{[ 19 ]} El tocadiscos más influyente fue el Technics SL-1200 , ^{[ 21 ]} desarrollado en 1971 por un equipo liderado por Shuichi Obata en Matsushita, que lo lanzó al mercado en 1972. ^{[ 17 ]} En las décadas de 1980 y 1990, los DJ de hip-hop utilizaron los tocadiscos como instrumentos musicales por derecho propio, y su uso virtuoso se convirtió en una práctica creativa llamada turntablismo. ^{[ 21 ]}

En 1974, el primer éxito disco de George McCrae , " Rock Your Baby ", fue uno de los primeros discos en usar una caja de ritmos , ^{[ 22 ]} una de las primeras cajas de ritmos Roland . ^{[ 23 ]} El uso de cajas de ritmos en la producción disco fue influenciado por " Family Affair " (1971) de Sly and the Family Stone , cuyo ritmo se repitió en "Rock Your Baby" de McCrae, ^{[ 24 ]} y en " Why Can't We Live Together " (1972) de Timmy Thomas . ^{[ 25 ] [ 23 ] [ 24 ]} El productor disco Biddu usó sintetizadores en varias canciones disco de 1976 a 1977, incluyendo "Bionic Boogie" de Rain Forest (1976), ^{[ 26 ]} "Soul Coaxing" (1977), ^{[ 27 ]} y Eastern Man y Futuristic Journey ^{[ 28 ] [ 29 ]} (grabadas de 1976 a 1977). ^{[ 30 ]}

Artistas como Donna Summer , Chic , Earth, Wind & Fire , Heatwave y Village People ayudaron a definir el sonido disco de finales de la década de 1970. Giorgio Moroder y Pete Bellotte produjeron " I Feel Love " para Donna Summer en 1977. Se convirtió en el primer éxito disco conocido con una base musical completamente sintetizada. Otros productores de música disco, entre los que destaca el productor estadounidense Tom Moulton , tomaron ideas y técnicas de la música dub (que surgió con la creciente migración jamaicana a la ciudad de Nueva York en la década de 1970) para ofrecer alternativas al estilo four-on-the-floor que predominaba. ^{[ 31 ] [ 32 ]} A principios de la década de 1980, la popularidad de la música disco disminuyó drásticamente en Estados Unidos, siendo abandonada por las principales discográficas y productores estadounidenses. El eurodisco continuó evolucionando dentro de la amplia escena de la música pop dominante. ^{[ 33 ]}

El synth-pop (abreviatura de synth-pop ; ^{[ 34 ]} también llamado techno-pop ^{[ 35 ] [ 36 ]} ) es un género musical que se hizo prominente a finales de la década de 1970 y presenta el sintetizador como el instrumento musical dominante. ^{[ 37 ]} Fue prefigurado en la década de 1960 y principios de la de 1970 por el uso de sintetizadores en el rock progresivo , la música electrónica , el art rock y la música disco .

Entre los primeros pioneros del synth-pop se encontraban el grupo japonés Yellow Magic Orchestra y las bandas británicas Ultravox , The Human League y Berlin Blondes . The Human League utilizaba sintetizadores monofónicos para crear música con un sonido sencillo y austero. Tras el éxito de Gary Numan en la lista de sencillos del Reino Unido en 1979, a principios de los años 80, numerosos artistas comenzaron a cosechar éxitos con un sonido basado en sintetizadores, incluyendo debutantes de finales de los 70 como Japan y Orchestral Manoeuvres in the Dark , y recién llegados como Depeche Mode y Eurythmics . En Japón, el éxito de Yellow Magic Orchestra abrió el camino a bandas de synth-pop como P-Model , Plastics y Hikashu . El desarrollo de sintetizadores polifónicos económicos , la definición del MIDI y el uso de ritmos de baile propiciaron un sonido más comercial y accesible para el synth-pop. Esto, sumado a su adopción por parte de los artistas más preocupados por el estilo del movimiento New Romantic , junto con el auge de MTV , propició el éxito de un gran número de artistas británicos de synth-pop (entre ellos Duran Duran y Spandau Ballet ) en Estados Unidos.

El uso del muestreo digital y el bucle en la música popular fue impulsado por la banda japonesa de música electrónica Yellow Magic Orchestra (YMO). ^{[ 38 ] [ 39 ] [ 40 ] [ 41 ]} Su enfoque del muestreo fue un precursor del enfoque contemporáneo de construir música cortando fragmentos de sonidos y haciéndolos bucles usando tecnología informática. ^{[ 40 ]} " Computer Game/Firecracker " (1978) interpoló una melodía de Martin Denny , ^{[ 42 ]} y muestreó sonidos del videojuego Space Invaders ^{[ 43 ]} . ^{[ 42 ]} Technodelic (1981) introdujo el uso del muestreo digital en la música popular, como el primer álbum que consistía principalmente en muestras y bucles . ^{[ 39 ] [ 41 ]} El álbum fue producido usando el muestreador digital PCM LMD-649 de Toshiba-EMI , que el ingeniero Kenji Murata construyó a medida para YMO. ^{[ 41 ]} El LMD-649 también fue utilizado para muestreo por otros artistas de synthpop japoneses a principios de la década de 1980, incluyendo grupos asociados a YMO como Chiemi Manabe ^{[ 44 ]} y Logic System . ^{[ 45 ]}

Durante la era post-disco que siguió a la reacción en contra de " disco " que comenzó a mediados y finales de 1979, que en Estados Unidos llevó a disturbios civiles y un motín en Chicago conocido como la Noche de la Demolición del Disco , ^[13] un movimiento underground de música inspirada en el disco "despojada" con "sonidos radicalmente diferentes" ^[14] comenzó a surgir en la Costa Este . ^{[15] [Nota 1]} Esta nueva escena se vio principalmente en el área metropolitana de Nueva York y fue inicialmente liderada por los artistas urbanos contemporáneos que respondían a la sobrecomercialización y la posterior desaparición de la cultura disco. El sonido que surgió se originó en el P-Funk ^[18] el lado electrónico del disco , la música dub y otros géneros. Gran parte de la música producida durante este tiempo estaba, al igual que el disco, dirigida a un mercado impulsado por los sencillos . ^[14] En este momento el control creativo comenzó a pasar a compañías discográficas independientes, productores menos establecidos y DJs de clubes. ^[14] Otros estilos de baile que comenzaron a popularizarse durante la era post-disco incluyen dance-pop , ^{[19] [20]} boogie , ^[14] electro , Hi-NRG , Italo disco , house , ^{[19] [21] [22] [23]} y techno . ^{[22] [24] [25] [26] [27]}

A principios de la década de 1980, el electro (abreviatura de "electro-funk") surgió como una fusión de synth-pop , funk y boogie . También llamado electro-funk o electro-boogie, pero luego abreviado a electro, los pioneros citados incluyen a Ryuichi Sakamoto , Afrika Bambaataa , ^{[ 57 ]} Zapp , ^{[ 58 ]} D.Train , ^{[ 59 ]} y Sinnamon . ^{[ 59 ]} El hip hop y el rap tempranos combinaron influencias electropop europeas y japonesas como Giorgio Moroder, Dan Lacksman (Telex) y Yellow Magic Orchestra inspiraron el nacimiento del electro. ^{[ 60 ]} A medida que el sonido electrónico se desarrollaba, instrumentos como el bajo y la batería fueron reemplazados por sintetizadores y, más notablemente, por icónicas cajas de ritmos , en particular la Roland TR-808 y la Yamaha DX7 . ^{[ 61 ]} Los primeros usos del TR-808 incluyen "Riot in Lagos" de Sakamoto en 1980, ^{[ 47 ]} varias pistas de Yellow Magic Orchestra durante 1980-1981, la pista de 1982 " Planet Rock " de Afrika Bambaataa y la canción de 1982 " Sexual Healing " de Marvin Gaye . ^{[ 62 ]} En 1982, el productor Arthur Baker , con Afrika Bambaataa , lanzó el seminal " Planet Rock ", que estuvo influenciado por Yellow Magic Orchestra (Ryuichi Sakamoto - Riot In Lagos 1980) y tenía ritmos de batería proporcionados por el TR-808. A Planet Rock le siguió más tarde ese año otro disco electro revolucionario, " Nunk " de Warp 9 . En 1983, Hashim creó un sonido electro-funk con "Al-Naafyish (The Soul)" ^{[ 57 ]} que influyó en Herbie Hancock , lo que resultó en su exitoso sencillo " Rockit " ese mismo año. Los primeros años de la década de 1980 fueron el apogeo del electro en la música comercial. Según el autor Steve Taylor, ^{[ 63 ]} Planet Rock de Afrika Bambaataa sirve como "plantilla para toda la música dance interesante desde entonces". ^{[ 63 ]}

A principios de la década de 1980, los locutores de radio de Chicago The Hot Mix 5 y los DJ de clubes Ron Hardy y Frankie Knuckles ponían varios estilos de música dance, incluyendo discos de disco antiguos (principalmente temas de Philly disco y Salsoul ^{[ 64 ]} ), Italo Disco, temas de electro funk de artistas como Afrika Bambaataa , ^{[ 65 ]} Italo disco más reciente , música hip hop B-Boy de Man Parrish , Jellybean Benitez , Arthur Baker y John Robie , y música pop electrónica de Giorgio Moroder y Yellow Magic Orchestra . Algunos hacían y ponían sus propias ediciones de sus canciones favoritas en cinta de carrete a carrete, y a veces mezclaban efectos, cajas de ritmos y otros instrumentos electrónicos rítmicos. La hipnótica canción electrónica de baile "On and On", producida en 1984 por el DJ de Chicago Jesse Saunders y coescrita por Vince Lawrence , tenía elementos que se convirtieron en pilares del sonido house de la época, como el sintetizador de bajo Roland TB-303 y voces minimalistas, así como una caja de ritmos Roland (específicamente TR-808 ) y un sintetizador Korg (específicamente Poly-61 ) .

"On and On" se cita a veces como el "primer disco de house", ^{[ 66 ] [ 67 ]} aunque también se han citado otros ejemplos de esa época, como " Music is the Key " (1985) de JM Silk . ^{[ 68 ]} La música house se extendió rápidamente a ciudades estadounidenses como Nueva York, Newark y Detroit, todas las cuales desarrollaron sus propias escenas regionales. A mediados y finales de la década de 1980, la música house se popularizó en Europa, así como en las principales ciudades de Sudamérica y Australia. ^{[ 69 ]} El house de Chicago tuvo cierto éxito comercial en Europa con lanzamientos como "House Nation" de House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987). Posteriormente, varios lanzamientos inspirados en el house, como " Pump Up The Volume " de M | A | R | R | S (1987), " Theme from S'Express " de S'Express (1988) y " Doctorin' the House " de Coldcut (1988), entraron en las listas de éxitos pop.

La instrumentación electrónica y el arreglo minimalista de Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982) de Charanjit Singh , un álbum de ragas indias interpretadas al estilo disco, anticiparon los sonidos de la música acid house , pero no se sabe que haya tenido ninguna influencia en el género antes del redescubrimiento del álbum en el siglo XXI. ^{[ 70 ] [ 71 ] [ 72 ]}

En la década de 1980, los DJs de Detroit Juan Atkins , Derrick May y Kevin Saunderson sentaron las bases de un nuevo estilo musical que se conocería como techno. Fusionaron la electrónica influenciada por el house de Chicago y los sonidos funk influenciados por Detroit (incluido Motown) con la atmósfera mecánica de la ciudad postindustrial, creando el sonido techno de ritmo four-on-the-floor impulsado por un bombo en las negras y una caja o un hi-hat en las segundas, cuartas u octavas notas.

A mediados de la década de 1980, la música house floreció en la pequeña isla balear de Ibiza, España . El sonido balear era el espíritu de la música que emergía de la isla en ese momento; la combinación de viejos discos de vinilo de rock, pop, reggae y disco, junto con una actitud de "todo vale", convirtió a Ibiza en un centro de experimentación musical inducida por las drogas. ^{[ 73 ]} Un club llamado Amnesia, cuyo DJ residente, Alfredo Fiorito , fue pionero del house balear , era el centro de la escena. ^{[ 74 ]} Amnesia se hizo conocido en toda Europa y, a mediados y finales de la década de 1980, atraía a gente de todo el continente. ^{[ 75 ]}

Para 1988, la música house se había convertido en la forma más popular de música de club en Europa, con el acid house desarrollándose como una tendencia notable en el Reino Unido y Alemania ese mismo año. ^{[ 76 ]} En el Reino Unido, una subcultura establecida de fiestas en almacenes , centrada en la escena británica de sistemas de sonido afrocaribeños, alimentó fiestas clandestinas posteriores que presentaban exclusivamente música dance. También en 1988, el ambiente de fiesta balear asociado con el DJ Alfredo de Ibiza se transportó a Londres, cuando Danny Rampling y Paul Oakenfold abrieron los clubes Shoom y Spectrum, respectivamente. Ambos lugares se convirtieron en sinónimo de acid house, y fue durante este período que el MDMA ganó prominencia como droga de fiesta. Otros clubes importantes del Reino Unido fueron Back to Basics en Leeds , Leadmill y Music Factory de Sheffield, y The Haçienda en Manchester, donde el local de Mike Pickering y Graeme Park, Nude, fue un importante campo de pruebas para la música dance underground estadounidense . ^{[ Nota 1 ] [ 77 ]} El éxito del house y el acid house allanó el camino para el techno de Detroit , un estilo que inicialmente fue apoyado por un puñado de clubes de música house en Chicago, Nueva York y el norte de Inglaterra, y que los clubes de Detroit se sumaron más tarde. ^{[ 78 ]} El término Techno se empezó a usar después del lanzamiento de una compilación de 10 Records/Virgin Records titulada Techno: The Dance Sound of Detroit en 1988. ^{[ 79 ]}

Una de las primeras producciones de Detroit en recibir mayor atención fue " Strings of Life " (1987) de Derrick May, que, junto con el lanzamiento anterior de May, "Nude Photo" (1987), ayudó a elevar el perfil del techno en Europa, especialmente en el Reino Unido y Alemania, durante el auge de la música house de 1987-1988 (ver Second Summer of Love ). ^{[ 80 ]} Se convirtió en el tema más conocido de May, que, según Frankie Knuckles, "simplemente explotó. Fue como algo que no puedes imaginar, el tipo de poder y energía que la gente sintió con ese disco cuando lo escuchó por primera vez. Mike Dunn dice que no tiene idea de cómo la gente puede aceptar un disco que no tiene una línea de bajo". ^{[ 81 ]} Según el DJ británico Mark Moore , "Strings of Life" llevó a los asistentes a los clubes londinenses a aceptar el house: "porque la mayoría de la gente odiaba la música house y todo era rare groove y hip hop... Yo ponía 'Strings of Life' en el Mudd Club y vaciaba la pista". ^{[ 82 ] [ Nota 2 ]} A finales de la década de 1980, el interés por el house, el acid house y el techno aumentó en la escena de los clubes, y los asistentes a los clubes, bajo los efectos del MDMA, que se enfrentaban a un  horario de cierre a las 2 de la madrugada en el Reino Unido, comenzaron a buscar refugio fuera del horario habitual en fiestas nocturnas en almacenes. En el plazo de un año, en el verano de 1989, hasta 25.000 personas asistían simultáneamente a fiestas clandestinas organizadas comercialmente llamadas raves. ^{[ 1 ]}

El trance surgió de la escena rave en el Reino Unido a finales de la década de 1980 y se desarrolló aún más durante la década de 1990 en Alemania antes de extenderse por el resto de Europa, como una rama más melódica del techno y el house. Al mismo tiempo que la música trance se desarrollaba en Europa, el género también ganaba seguidores en el estado indio de Goa . ^{[ 84 ]} El trance es mayoritariamente instrumental , aunque se pueden mezclar voces: normalmente son interpretadas por solistas femeninas de mezzosoprano a soprano, a menudo sin una estructura tradicional de verso/estribillo. La forma vocal estructurada en la música trance constituye la base del subgénero vocal trance , que ha sido descrito como "grandioso, elevado y operístico" y "voces femeninas etéreas que flotan entre los sintetizadores". ^{[ 85 ] [ 86 ]} La música trance se divide en varios subgéneros, incluidos acid trance , classic trance, hard trance , progressive trance, ^{[ 87 ]} y uplifting trance . ^{[ 87 ]} El trance melódico también se conoce como "trance himno", "trance épico", ^{[ 87 ]} "trance comercial", "trance de estadio" o "trance eufórico", ^{[ 88 ]} y ha sido fuertemente influenciado por la música clásica en los años 1990 ^{[ 87 ]} y 2000 por artistas destacados como Ferry Corsten , Armin Van Buuren , Tiësto , Push , Rank 1 y en la actualidad con el desarrollo del subgénero "trance melódico orquestal" o "trance melódico con orquesta sinfónica" por artistas como Andy Blueman , Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone y Simon O'Shine, etc. Estrechamente relacionado con el trance melódico está el eurotrance , que se ha convertido en un término general para una amplia variedad de música dance europea altamente comercializada. Varios subgéneros son crossovers con otros géneros importantes de la música electrónica. Por ejemplo, Tech trance es una mezcla de trance y techno, y Vocal trance "combina elementos progresivos [del trance] con música pop". ^{[ 87 ]} El género dream trance se originó a mediados de la década de 1990, y su popularidad fue entonces liderada por Robert Miles .

AllMusic afirma sobre el trance progresivo: "El ala progresiva del trance condujo directamente a un sonido más comercial y orientado a las listas de éxitos, ya que el trance nunca había tenido mucho éxito en ellas. Haciendo hincapié en el sonido más suave del eurodance o el house (y a veces más parecido a Jean-Michel Jarre que a Basement Jaxx ), el trance progresivo se convirtió en el sonido de las pistas de baile de todo el mundo a finales del milenio. Los críticos ridiculizaron su enfoque en los breakdowns predecibles y la relativa falta de habilidad para mezclar ritmos, pero el trance progresivo fue azotado por los DJ más populares." ^{[ 89 ]}

A principios de la década de 1990, dentro de la escena rave se desarrolló un estilo musical con una identidad propia, distinta del house y el techno estadounidenses. Esta música, al igual que el hip hop en sus inicios, combinaba ritmos sincopados o breakbeats sampleados, otras muestras de diversos géneros musicales y, ocasionalmente, fragmentos de música, diálogos y efectos de películas y programas de televisión. En comparación con estilos anteriores de música dance como el house y el techno, la llamada "música rave" tendía a enfatizar los sonidos graves y a utilizar tempos más rápidos, o pulsaciones por minuto (BPM). Este subgénero se conocía como rave "hardcore", pero desde 1991, algunos temas musicales compuestos por estos breakbeats de ritmo rápido, con líneas de bajo potentes y samples de música jamaicana antigua, se denominaban "jungle techno ", un género influenciado por Jack Smooth y Basement Records, y más tarde simplemente "jungle", que llegó a ser reconocido como un género musical independiente popular en las raves y en las radios piratas de Gran Bretaña.

Para 1994, el jungle había comenzado a ganar popularidad en el mercado general, y los fans de este género (a menudo llamados junglistas ) se convirtieron en una parte más reconocible de la subcultura juvenil. El género siguió evolucionando, incorporando y fusionando elementos de una amplia gama de géneros musicales existentes, incluyendo el sonido raggamuffin , el dancehall , los cánticos de MC , las líneas de bajo dub y la percusión breakbeat cada vez más compleja y editada. A pesar de su afiliación con la escena rave, impulsada por el éxtasis, el jungle también heredó algunas asociaciones con la violencia y la actividad delictiva, tanto de la cultura de pandillas que había afectado a la escena hip-hop del Reino Unido como consecuencia del sonido a menudo agresivo o amenazante del jungle y sus temas violentos (generalmente reflejados en la elección de samples). Sin embargo, esto se desarrolló paralelamente a la reputación a menudo positiva del género como parte de la escena rave más amplia y la cultura musical jamaicana basada en el dancehall, predominante en Londres. Para 1995, ya sea como reacción a esta escisión cultural o independientemente de ella, algunos productores de jungle comenzaron a alejarse del estilo influenciado por el ragga y a crear lo que, por conveniencia, se denominaría colectivamente drum and bass. ^{[ 90 ]}

El dubstep es un género de música electrónica de baile que se originó en el sur de Londres a finales de la década de 1990. Se caracteriza generalmente por patrones rítmicos sincopados y minimalistas con líneas de bajo que contienen frecuencias subgraves prominentes . El estilo surgió como una ramificación del UK garage , basándose en una línea de estilos relacionados como el 2-step , el dub reggae , el jungle , el broken beat y el grime . ^{[ 91 ] [ 92 ]} En el Reino Unido, los orígenes del género se remontan al auge de la escena de las fiestas de sound system jamaicanas a principios de la década de 1980. ^{[ 92 ] [ 93 ]}

Los primeros lanzamientos conocidos de dubstep datan de 1998 y solían aparecer como caras B de sencillos de garage 2-step . Estas pistas eran remezclas más oscuras y experimentales, con menos énfasis en las voces, e intentaban incorporar elementos de breakbeat y drum and bass al 2-step. En 2001, este y otros subgéneros de música garage oscura comenzaron a presentarse y promocionarse en la discoteca londinense Plastic People, en la noche "Forward" (a veces estilizada como FWD>>), que llegó a considerarse influyente en el desarrollo del dubstep. El término "dubstep" para referirse a un género musical comenzó a utilizarse alrededor de 2002 por sellos como Big Apple , Ammunition y Tempa, momento en el que las tendencias estilísticas utilizadas en la creación de estas remezclas comenzaron a ser más notorias y distintas del 2-step y el grime . ^{[ 94 ]}

El riddim surgió a principios de la década de 2010 como un subgénero del dubstep, fuertemente influenciado por los patrones instrumentales repetitivos de la música dancehall jamaicana. El término "riddim" fue acuñado alrededor de 2012 por el artista de dubstep Jakes para describir este nuevo estilo minimalista, que se centraba en una única y pegadiza línea de bajo que se repetía a lo largo de la pista. ^{[ 95 ]}

El electro house es una forma de música house caracterizada por una prominente línea de bajo o bombo y un tempo entre 125 y 135 pulsaciones por minuto, generalmente 128. ^{[ 96 ] [ 97 ] [ 98 ]} Sus orígenes fueron influenciados por el electro . El término se ha utilizado para describir la música de muchos DJs del Top 100 de DJ Mag , incluidos Dimitri Vegas & Like Mike , Hardwell , Skrillex , ^{[ 99 ] [ 100 ]} y Steve Aoki . ^{[ 101 ]} El DJ italiano Benny Benassi , con su tema " Satisfaction " lanzado en 2002, es visto como el precursor del electro-house que lo llevó al mainstream. ^{[ 102 ]} A mediados de la década de 2000, el electro-house vio un aumento en popularidad, con éxitos como el remix de Tom Neville de "I See Girls" de Studio B en 2005 (UK #11). En noviembre de 2006, los temas de electro-house " Put Your Hands Up for Detroit " de Fedde Le Grand y el remix de D. Ramirez de " Yeah Yeah " de Bodyrox y Luciana ocuparon los puestos número uno y número dos, respectivamente, en la lista de los 40 sencillos más vendidos del Reino Unido. ^{[ 103 ]} Desde entonces, han surgido productores de electro-house como Feed Me , Knife Party , The M Machine , Porter Robinson , Yasutaka Nakata ^{[ 104 ]} y Dada Life .

El big room house es un subgénero del electro y el progressive house que surgió a mediados de la década de 2010, caracterizado por melodías y drops sencillos, y un diseño de sonido pensado para adaptarse a recintos más grandes como estadios y festivales al aire libre. ^{[ 105 ] [ 106 ] [ 107 ]}

La música trap se originó a partir del techno , el dub y el house holandés , pero también de la rama original del hip hop sureño a finales de la década de 2000 y principios de la de 2010. Esta forma de música trap se puede simplificar mediante estas tres características: "1/3 de hip hop (el tempo y la estructura de la canción son similares, la mayoría de las pistas suelen estar entre 70 y 110 bpm) – con voces a veces con tono más bajo, 1/3 de música dance – sintetizadores holandeses de tono alto, muestreo de hardstyle, así como una plétora de remezclas trap de canciones populares de EDM, y 1/3 de dub (énfasis en las bajas frecuencias y fuerte énfasis en la repetitividad a lo largo de la canción)". ^{[ 108 ]} Algunos de los artistas que popularizaron este género, junto con otros, son productores como RL Grime con los temas "Core" y "Scylla" lanzados en 2014, Flosstradamus con su álbum Hdynation Radio lanzado en 2015 y Carnage con su tema "Turn Up" lanzado en 2012. ^{[ 108 ]} La música trap en esta connotación se caracterizaba por "sintetizadores soul, 808s, la flauta de pan, cajas agudas y vocales largas y arrastradas como jarabes" que creaban ritmos sucios y agresivos que resultaban en "melodías oscuras". El trap ahora se usa principalmente para crear remixes de canciones ya existentes. ^{[ 109 ] [ 108 ]}

Afro-EDM describe géneros y estilos de música electrónica de baile africana que combinan elementos de la música tradicional africana con la música electrónica de baile. Incorpora diversos ritmos, instrumentos y estilos vocales africanos, fusionándolos con técnicas modernas de producción de EDM. Afro-EDM existía desde hace décadas. Sin embargo, fue solo con la llegada de la tecnología del siglo XXI que el EDM africano realmente comenzó a prosperar. Los géneros y estilos populares de Afro-EDM contemporáneos del nuevo milenio se pueden encontrar dentro de los géneros gqom ( Sudáfrica ) y Afrobeats ( Nigeria ). Existen escenas musicales en otros países africanos , como en Uganda y la República Democrática del Congo (tekno kintueni). ^{[ 110 ]}

Pon Pon (también conocido como ADM o African Dance Music) surgió en Nigeria alrededor de 2018, denotando influencias de EDM entremezcladas con Afrobeats, Afropop nigeriano, dancehall y highlife . Una variante es el Afro-EDM nigeriano, que surgió en la década de 2020 y abarca afrobeats, afro-house nigeriano y afroelectro. ^{[ 111 ] [ 112 ]}

El gqom surgió alrededor de 2009-2010 en Durban , gracias a los esfuerzos pioneros de productores discográficos locales. El gqom fusiona elementos de techno, broken beat y house. A diferencia del house tradicional, el gqom se distingue por prescindir del típico ritmo four-on-the-floor . El gqom se clasifica como música electrónica de baile (EDM) y house, y se caracteriza por diversas técnicas de producción y variaciones. ^{[ 110 ] [ 113 ] [ 114 ] [ 115 ] [ 116 ] [ 117 ]}

La consolidación corporativa en la industria de la música electrónica de baile (EDM) comenzó en 2012, especialmente en lo que respecta a eventos en vivo. En junio de 2012, el ejecutivo de medios Robert F. X. Sillerman, fundador de lo que ahora es Live Nation , relanzó SFX Entertainment como un conglomerado de EDM y anunció su plan de invertir mil  millones de dólares para adquirir negocios de EDM. Sus adquisiciones incluyeron promotores y festivales regionales (incluido ID&T , que organiza Tomorrowland ), dos operadores de clubes nocturnos en Miami y Beatport , una tienda de música en línea que se centra en la música electrónica. ^{[ 148 ] [ 149 ]} Live Nation también adquirió Cream Holdings y Hard Events , y anunció una "asociación creativa" con los organizadores de EDC Insomniac Events en 2013 que le permitiría acceder a sus recursos sin dejar de ser una empresa independiente; ^{[ 150 ]} El director ejecutivo de Live Nation, Michael Rapino, describió la EDM como el "[nuevo] rock 'n' roll ". ^{[ 129 ] [ 151 ] [ 152 ]}

El conglomerado radiofónico estadounidense iHeartMedia, Inc. (anteriormente Clear Channel Media and Entertainment) también se esforzó por alinearse con la música electrónica de baile (EDM). En enero de 2014, contrató al reconocido DJ británico y personalidad de BBC Radio 1, Pete Tong, para producir programación para su marca de radio dance "Evolution" ^{[ 153 ]} , y anunció una asociación con SFX para coproducir conciertos en vivo y programación original orientada a la EDM para sus estaciones de radio de las 40 principales . El presidente de iHeartMedia, John Sykes, explicó que quería que las propiedades de su compañía fueran el "mejor destino [para la EDM]". ^{[ 154 ] [ 155 ]}

Las grandes marcas también han utilizado el fenómeno EDM como un medio para dirigirse a los millennials ^{[ 156 ] [ 157 ] [ 158 ] [ 159 ]} y las canciones y artistas de EDM han aparecido cada vez más en comerciales y programas de televisión. ^{[ 160 ]} El mánager de Avicii, Ash Pournouri, comparó estas prácticas con la comercialización del hip-hop a principios de la década de 2000. ^{[ 160 ]} Heineken tiene una relación de marketing con el Ultra Music Festival y ha incorporado a los productores holandeses Armin van Buuren y Tiësto en sus campañas publicitarias. Anheuser-Busch tiene una relación similar como patrocinador de cerveza de los eventos de SFX Entertainment . ^{[ 160 ]} En 2014, 7 Up lanzó "7x7Up", una campaña multiplataforma basada en EDM que incluyó contenido digital, publicidad con productores y escenarios de marca tanto en Ultra como en Electric Daisy Carnival. ^{[ 156 ] [ 161 ] [ 162 ]} El operador de telefonía móvil T-Mobile US firmó un acuerdo con SFX para convertirse en el patrocinador oficial de telefonía móvil de sus eventos, y se asoció con Above & Beyond para patrocinar su gira de 2015. ^{[ 157 ]}

En agosto de 2015, SFX comenzó a experimentar descensos en su valor, ^{[ 163 ]} y un intento fallido del CEO Sillerman de privatizar la empresa. La empresa comenzó a explorar alternativas estratégicas que podrían haber resultado en la venta de la empresa. ^{[ 164 ] [ 165 ]} En octubre de 2015, Forbes declaró la posibilidad de una " burbuja " de EDM, a raíz de los descensos en SFX Entertainment, la desaceleración del crecimiento de los ingresos, el aumento de los costos de organizar festivales y contratar talento, así como una sobresaturación de festivales en el este y el oeste de los Estados Unidos. El CEO de Insomniac, Pasquale Rotella, consideró que la industria superaría la incertidumbre financiera del mercado general centrándose en la "innovación" y entrando en nuevos mercados. ^{[ 166 ]} A pesar de los pronósticos de que el interés en el EDM popular disminuiría, en 2015 se estimó que era una industria de 5.500 millones de libras esterlinas en los EE. UU., un 60 % más que las estimaciones de 2012. ^{[ 167 ]}

SFX salió de la bancarrota en diciembre de 2016 como LiveStyle , bajo el liderazgo de Randy Phillips, un ex ejecutivo de AEG Live . ^{[ 168 ] [ 169 ]} La compañía comenzó a desinvertir lentamente en sus activos de música en vivo en 2018, incluyendo la venta de sus participaciones en Rock in Rio (que había comprado como parte de un intento de edición del festival en Las Vegas ), ^{[ 170 ] [ 171 ]} y más tarde otros promotores propiedad de SFX como ID&T ^{[ 172 ] [ 173 ]} y React Presents. ^{[ 174 ]} Phillips renunció como CEO en 2019 para dedicarse a otros proyectos. ^{[ 175 ]}

Tras la popularización de la música electrónica de baile (EDM) en Estados Unidos, varios productores y DJs, entre ellos Carl Cox , Steve Lawler y Markus Schulz , expresaron su preocupación por el impacto que la supuesta sobrecomercialización de la música dance había tenido en el arte de ser DJ. Cox consideraba que el enfoque de "pulsar play" adoptado por los DJs de EDM más recientes no representaba lo que él denominaba una "ética DJ". ^{[ 141 ]} En un artículo para Mixmag , el DJ Tim Sheridan argumentó que los "DJs de botón" que utilizan la sincronización automática y reproducen sets pregrabados de "éxitos obvios" dieron como resultado una situación dominada por "el espectáculo, el dinero y el mundo del espectáculo". ^{[ 176 ]} El "big room house" —un género de EDM caracterizado por canciones simplistas diseñadas para ser reproducidas en festivales (ejemplificado por canciones como " Animals " de Martin Garrix )— también fue criticado por ser un sonido homogeneizado con poca originalidad. ^{[ 105 ] [ 106 ] [ 107 ]} En mayo de 2014, el programa de variedades de NBC , Saturday Night Live, satirizó la cultura de la música electrónica y a los DJs que pulsan botones en un corto digital titulado When Will the Bass Drop?. Presentaba a un DJ que realizaba actividades cotidianas —jugar a un videojuego, freír huevos, recoger dinero— que luego pulsaba un botón gigante de "BAJO", que hacía explotar las cabezas de los asistentes al concierto. ^{[ 177 ] [ 178 ] [ 179 ]}

Algunos productores de house admitieron abiertamente que el EDM "comercial" necesitaba mayor diferenciación y creatividad. Avicii, cuyo álbum de 2013 True incluía canciones que incorporaban elementos de bluegrass , como el sencillo principal " Wake Me Up ", afirmó que a la mayoría del EDM le faltaba "longevidad". ^{[ 180 ]} Deadmau5 criticó la homogeneización del EDM popular y sugirió que "todo suena igual". Durante el Ultra Music Festival de 2014, Deadmau5 hizo comentarios críticos sobre el prometedor productor Martin Garrix, y más tarde reprodujo una versión editada de "Animals" de Garrix remezclada con la melodía de " Old McDonald Had a Farm ". Después, Tiësto criticó a Deadmau5 en Twitter por mezclar "sarcásticamente" " Levels " de Avicii con su propio " Ghosts 'n' Stuff " (en referencia a ser un sustituto de última hora de Avicii en el programa del festival debido a un problema médico), a lo que Deadmau5 preguntó si reproducir una canción "sarcásticamente" implicaba " burlarse mientras se pulsa el botón de sincronización". ^{[ 181 ] [ 182 ] [ 183 ] [ 184 ]}

Porter Robinson fue otro crítico de la música electrónica comercial, creyendo que esta se orientaba más al "entretenimiento" que al arte, y sentía que intentar adaptar las canciones al baile y a los DJs comprometía la calidad de su música. En agosto de 2014, lanzó un álbum de estudio titulado Worlds , que se apartó de su material anterior orientado a la música electrónica en favor de temas atmosféricos con aspectos de música de videojuegos , new wave y electropop . ^{[ 185 ] [ 186 ]} Sus álbumes posteriores, Nurture y Smile! :D, reflejaron mayores alejamientos de la música electrónica, con el primero presentando un sonido impulsado por el indie pop , ^{[ 187 ] [ 188 ]} y el segundo con influencias pop-punk e hyperpop . ^{[ 189 ]}

Después de años de rápido crecimiento, el mercado estadounidense de música electrónica popular comenzó a declinar en 2016, cuando algunos productores empezaron a diversificarse más allá del sonido "big room". Este desarrollo fue directamente mencionado por dos de estos DJs, David Guetta y Showtek , en un sencillo con influencias techno lanzado en abril de 2016 titulado "The Death of EDM". ^{[ 190 ]} A finales de la década de 2010, la posición de la música electrónica como fuerza dominante en la música popular convencional comenzó a estancarse al ser desplazada por otros estilos. ^{[ 121 ] [ 191 ]}

Varias muertes atribuidas al aparente consumo de drogas han ocurrido en importantes conciertos y festivales de música electrónica. El Los Angeles Memorial Coliseum incluyó en la lista negra a Insomniac Events después de que un asistente menor de edad muriera por "complicaciones de encefalopatía isquémica debido a intoxicación por metilendioximetanfetamina " durante el Electric Daisy Carnival 2010; como resultado, el evento se trasladó a Las Vegas al año siguiente. ^{[ 244 ] [ 205 ] [ 245 ] [ 246 ] [ 247 ]} Las muertes relacionadas con las drogas durante el Electric Zoo 2013 en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos, y el Future Music Festival Asia 2014 en Kuala Lumpur , Malasia , llevaron a la cancelación del último día de ambos eventos, ^{[ 246 ] [ 248 ]} mientras que Life in Color canceló un evento planeado en Malasia por preocupación por el incidente, y otras muertes relacionadas con las drogas que ocurrieron en los conciertos A State of Trance 650 en Yakarta , Indonesia. ^{[ 249 ] [ 250 ] [ 251 ]}

En septiembre de 2016, la ciudad de Buenos Aires , Argentina, prohibió todos los eventos de música electrónica, a la espera de una futura legislación, tras cinco muertes relacionadas con drogas y cuatro heridos en un evento del Festival Time Warp celebrado en la ciudad en abril de 2016. La prohibición obligó al grupo de música electrónica Kraftwerk a cancelar un concierto previsto en la ciudad, a pesar de argumentar que existían diferencias entre un festival y sus conciertos. ^{[ 252 ] [ 253 ]}