Arte popular

El objeto es creado por un solo artesano o un equipo de artesanos. El artesano trabaja dentro de un marco cultural establecido. El arte popular tiene un estilo y método reconocibles en la elaboración de sus piezas, lo que permite que los productos sean reconocidos y atribuidos a un solo individuo o taller. Esto fue articulado originalmente por Alois Riegl en su estudio de Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie , publicado en 1894. "Riegl  ... enfatizó que la mano individual y las intenciones del artista eran significativas, incluso en la creatividad popular. Ciertamente, el artista puede haber estado obligado por las expectativas del grupo a trabajar dentro de las normas de las formas y convenciones transmitidas, pero la creatividad individual —que implicaba elecciones estéticas personales y virtuosismo técnico— salvó las tradiciones recibidas o heredadas del estancamiento y permitió que se renovaran en cada generación." ^{[ 5 ]} La innovación individual en el proceso de producción juega un papel importante en la continuidad de estas formas tradicionales. Muchas tradiciones artísticas populares, como el acolchado, el enmarcado ornamental de cuadros y la talla de señuelos, se siguen practicando, y continúan surgiendo nuevas formas.

Los artistas autodidactas contemporáneos suelen ser autodidactas, y su obra generalmente se desarrolla en aislamiento o en pequeñas comunidades por todo el país. El Museo Smithsonian de Arte Americano alberga a más de 70 artistas populares y autodidactas. ^{[ 6 ]}

Los objetos de arte popular suelen producirse mediante un proceso de producción único. Solo se fabrica un objeto a la vez, ya sea a mano o mediante una combinación de métodos manuales y mecánicos, y no se producen en masa . Como resultado de la producción manual, cada pieza se considera única y generalmente se puede diferenciar de otros objetos del mismo tipo. En su ensayo sobre "Objetos populares", el folclorista Simon Bronner hace referencia a los modos de producción preindustriales, pero los objetos de arte popular continúan elaborándose como piezas únicas hechas a mano por artesanos populares. "La noción de objetos populares tiende a enfatizar lo hecho a mano sobre lo fabricado a máquina. Los objetos populares implican un modo de producción común a la sociedad comunal preindustrial donde el conocimiento y las habilidades eran personales y tradicionales". ^{[ 7 ]} El arte popular no tiene por qué ser antiguo; continúa elaborándose a mano hoy en día en muchas regiones del mundo.

El diseño y la producción del arte popular se aprenden y enseñan de manera informal o formal; los artistas populares no son autodidactas. El arte popular no busca la expresión individualista. En cambio, "el concepto de arte colectivo implica, e incluso exige, que los artistas adquieran sus habilidades, tanto manuales como intelectuales, al menos en parte a través de la comunicación con los demás. La comunidad tiene algo, generalmente mucho, que decir sobre lo que se considera arte popular aceptable". ^{[ 8 ]} Históricamente, la formación en un oficio se realizaba mediante aprendizajes con artesanos locales, como el herrero o el cantero . A medida que el equipo y las herramientas necesarias dejaron de estar fácilmente disponibles en la comunidad, estos oficios tradicionales se trasladaron a escuelas técnicas o escuelas de artes aplicadas .

La enseñanza de la técnica a través de medios informales fuera de las instituciones ha abierto el género a artistas que podrían enfrentar barreras de entrada en otras disciplinas. La artista folclórica canadiense Maud Lewis , por ejemplo, padecía una enfermedad congénita no diagnosticada, lo que dificultó su formación artística formal. ^{[ 9 ]} A pesar de las barreras para la educación formal, Lewis se convirtió en una de las artistas folclóricas más famosas de Canadá, creando miles de pinturas de la vida en Nueva Escocia . ^{[ 9 ]}

El objeto es reconocible dentro de su marco cultural como de un tipo conocido. Se pueden encontrar objetos similares en el entorno hechos por otros individuos que se asemejan a este objeto. Las piezas individuales de arte popular harán referencia a otras obras de la cultura, incluso cuando muestren una ejecución individual excepcional en forma o diseño. Si no se pueden encontrar antecedentes para este objeto, aún podría ser una pieza de arte, pero no es arte popular. "Si bien la sociedad tradicional no borra el ego, sí enfoca y dirige las elecciones que un individuo puede tomar de manera aceptable... la persona bien socializada encontrará que los límites no son inhibidores sino útiles... Donde las tradiciones son saludables, las obras de diferentes artistas son más similares que diferentes; son más uniformes que personales." ^{[ 10 ]} La tradición en el arte popular surge a través de la transmisión de información de una generación a otra. A través de generaciones de linajes familiares, los miembros de la familia transmiten el conocimiento, la información, las habilidades y las herramientas necesarias para continuar la creación del arte popular de uno. Ejemplos son Leon "Peck" Clark, un fabricante de cestas de Mississippi, que aprendió sus habilidades de un miembro de la comunidad; George Lopez de Cordova, Nuevo México, quien es un tallador de santos de sexta generación cuyos hijos también tallan; y los tejedores de cestas Yorok-Karok, quienes explican que sus parientes generalmente les enseñaron a tejer.” ^{[ 11 ]}

El tipo conocido del objeto debe ser, o haber sido originalmente, utilitario; fue creado para cumplir alguna función en la vida cotidiana del hogar o la comunidad. Esta es la razón por la que el diseño continúa realizándose. Dado que la forma en sí tenía función y propósito, fue duplicada a lo largo del tiempo en diversos lugares por diferentes individuos. Un libro sobre la historia del arte afirma que "todo objeto hecho por el hombre surge de un problema como una solución con propósito". ^{[ 12 ]} Escrito por George Kubler y publicado en 1962, " La forma del tiempo: Observaciones sobre la historia de las cosas " describe un enfoque del cambio histórico que sitúa la historia de los objetos e imágenes en un continuo temporal más amplio. El propósito del arte popular no es puramente decorativo ni busca duplicar la artesanía. Sin embargo, dado que la forma en sí era un tipo distinto con su función y propósito, el arte popular ha continuado siendo copiado a lo largo del tiempo por diferentes individuos.

El objeto se reconoce como excepcional por su forma y motivos decorativos. Al formar parte de la comunidad, el artesano reflexiona sobre la estética cultural de la comunidad y puede tener en cuenta la respuesta de esta a la artesanía. Un objeto puede crearse para satisfacer las expectativas de la comunidad, y el artista puede diseñar el producto con sesgos culturales implícitos para reflejar este objetivo. ^{[ 13 ]} Si bien la forma compartida indica una cultura compartida, la innovación puede permitir al artesano individual plasmar su propia visión. Esto puede ser una representación de la manipulación de la cultura colectiva e individual dentro de la producción de arte popular tradicional. «Para que el arte progrese, su unidad debe desmantelarse para que ciertos aspectos puedan explorarse libremente, mientras que otros pasan desapercibidos». ^{[ 14 ]} Esta representación dicotómica de la cultura suele ser visible en el producto final. ^{[ 15 ]}