Gretchen Bender

Gretchen Bender (1951 en Seaford, Delaware – 19 de diciembre de 2004 en la ciudad de Nueva York ) fue una artista estadounidense que trabajó en cine , video y fotografía . Perteneció a la llamada Generación de las Imágenes de los años 80, que incluía a Cindy Sherman , ^{[ 1 ]} Robert Longo , Jack Goldstein , Laurie Simmons y Richard Prince , y que mezclaba elementos del Arte Conceptual y el Arte Pop utilizando imágenes de la cultura popular para examinar sus poderosos códigos. ^{[ 2 ]}

Bender también diseñó los créditos del programa de televisión America's Most Wanted , que Roberta Smith del New York Times sugirió en 2004 que "pudo haber originado la hiperedición de ritmo vertiginoso ahora omnipresente en el cine, la televisión y el videoarte". ^{[ 3 ]} También dirigió videos musicales para músicos como Babes in Toyland ; editó videos musicales dirigidos por Robert Longo; y diseñó escenografías para los coreógrafos Bill T. Jones y Molissa Fenley , incluyendo Still/Here del primero que la crítica de danza del New Yorker, Arlene Croce, condenó.

Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro Pompidou de París y la Colección Menil de Houston .

Bender es uno de los cinco artistas que el historiador de arte Patrick Frank examina en su libro de 2024 , Art of the 1980s: As If the Digital Mattered . ^{[ 4 ]}

Bender nació en Seaford, Delaware, hija de Charles y Carolyn Bender, y tenía un hermano y dos hermanas. Su infancia estuvo marcada por la época de los grandes espectáculos de Hollywood en los cines locales y la constante publicidad de la televisión de la época. Sus padres tenían un interés general por el arte y la apoyaron en el aprendizaje de técnicas artísticas básicas, lo que la llevó a desarrollar un interés por el arte tradicional de estudio . ^{[ 5 ]}

Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill en 1973. Sus profesores hacían hincapié en el carácter decorativo de las artes plásticas, lo que la distanció del plan de estudios general de arte. Fue más tarde, durante una visita a la galería de arte de la universidad, cuando conoció una exposición colectiva de obras experimentales. Esta experiencia la expuso a una nueva forma de explorar y comunicar ideas y visiones, lo que la impulsó a participar en diversos análisis culturales de la época.

Luego se dirigió al departamento de grabado , considerándolo el mejor lugar para el descubrimiento radical dentro de la escuela de arte. Fue allí donde se interesó por el proceso de serigrafía debido a su potencial para la producción en masa y para llegar a un público amplio. ^{[ 5 ]}

Tras graduarse en la universidad, Bender se mudó a Washington D. C. para seguir cultivando su interés por el grabado trabajando en un colectivo feminista-marxista de serigrafía. Allí imprimió pancartas, camisetas y otros materiales para manifestaciones políticas. Estas experiencias la ayudaron a asimilar información crucial sobre la síntesis entre arte y política (una práctica relevante para su obra posterior). Si bien su trabajo en Washington D. C. sentó una base sólida para su obra futura, sentía que la ciudad era demasiado restrictiva para los jóvenes artistas emergentes. Pronto se sintió atraída por Nueva York y su vibrante escena de performance experimental.

Al mudarse a Nueva York en 1978, ^{[ 6 ]} Bender entabló amistad con artistas afines, entre ellos Eric Bogosian , Bill T. Jones , Robert Longo , Richard Prince , Cindy Sherman y Arnie Zane . Animada por esta comunidad de apoyo, continuó trabajando en serigrafía , pero ahora sobre paneles cuadrados de hojalata, organizándolos en diversas formas. Comenzó a incorporar gráficos abstractos por computadora a su obra, generados a partir de imágenes de medios de comunicación encontradas en la televisión nacional . ^{[ 7 ]}

Para 1982, Bender había encontrado en la televisión una fuente fructífera de imágenes que podía reprocesar y recontextualizar. Esto se convirtió en una ventaja distintiva, ya que pocos artistas tenían las habilidades técnicas necesarias para utilizar la televisión como fuente. En un artículo de 1985 en la revista Interview de Andy Warhol , Bender afirmó que “los artistas deberían gastar su dinero en reproductores de vídeo en lugar de pintura y lienzos”. ^{[ 8 ]} Esta diferenciación le dio la oportunidad de exponer ampliamente, como en la galería alternativa Artists Space y en la Galería Nature Morte .

Bender aprendió por sí misma a editar y trabajar con vídeo y rápidamente montó su primera pieza de teatro multimedia, que incluía proyecciones de vídeo, película y diapositivas que ella misma orquestó en escena para crear el efecto de una sobrecarga de imágenes mediáticas. Utilizó imágenes de televisión para examinar los logotipos corporativos y la estructura de poder que simbolizan en la sociedad. ^{[ 5 ]}

Su estilo comenzó a evolucionar, combinando televisión en directo, documentales y paneles fotográficos abstractos, frecuentemente con una estética caótica. A menudo serigrafiaba frases y palabras directamente sobre las pantallas de televisión, como «Relájate», «Voy a morir» y «Personas con SIDA », etiquetando cada imagen emitida que aparecía debajo. Los textos superpuestos se convertían en códigos subliminales, destinados a despertar la conciencia del espectador al encontrarse con el estado controlado y de «zombi mental» de la televisión, y a hacer que los espectadores fueran más críticos con el contenido que recibían y las imágenes «dulces» utilizadas para transmitirlo. ^{[ 5 ]}

Bender continuó trabajando con la televisión y comenzó a agrupar los aparatos electrónicos en composiciones que recordaban las exhibiciones de la sección de televisores de una tienda de electrónica, pero con un giro discursivo inconsciente e ideológico. De esta manera, Bender siguió explorando la relación parasitaria entre la televisión y la tecnología, así como las manipulaciones psicológicas que conlleva. Desde su perspectiva, la humanidad está compuesta por refugiados del videodroma. ^{[ 5 ]}

Su primera exposición individual en Nueva York tuvo lugar en 1983 en la galería Nature Morte, en el East Village . Se apropió de imágenes de los pintores neoexpresionistas de su generación y, en sus obras más dramáticas, combinó patrones computarizados con imágenes espeluznantes de asesinatos en masa . Un tema recurrente en su obra es el contraste entre el poder de las corporaciones y la tecnología y la lucha de los individuos. ^{[ 3 ]}

Finalmente, su obra se exhibió con Metro Pictures , ^{[ 9 ]} y en 1991 el Museo de Arte Everson de Syracuse organizó una retrospectiva de su trayectoria , que realizó una gira internacional. Ronald A. Kuchta, entonces director del Museo de Arte Everson, escribió en el prólogo del catálogo de la retrospectiva: «Gretchen Bender es una artista similar a los artistas de épocas anteriores que observaban su entorno cambiante, lo analizaban en sus obras y hacían que un público inquisitivo se percatara de que vivían en un mundo distinto al que daban por sentado. Su crítica implícita al sofisticado arte de la publicidad y los medios de comunicación, quizás el fenómeno artístico más convincente de nuestro tiempo, es a la vez pertinente y provocadora». ^{[ 10 ]}

Sus instalaciones multimedia también realizaron giras internacionales, entre ellas: Total Recall (1987) y Dumping Core (1984), junto con Wild Dead (1984), que presentó en Danceteria , el club de baile de la ciudad de Nueva York, consideradas sus instalaciones centrales de esa década. Total Recall fue una instalación de ocho canales con 24 monitores de televisión y dos proyecciones traseras que combinaban logotipos corporativos de comerciales de televisión, formas generadas por computadora de Amber Denker, clips manipulados de Salvador con una banda sonora post-punk de Stuart Argabright. ^{[ 9 ]} Fue incluida en la exposición de Whitney de 1989 "Image World: Art and Media Culture", con Jeff Koons , Jenny Holzer , Barbara Kruger , Cindy Sherman , Sherrie Levine y David Salle ^{[ 11 ]} y en 1992, "Contemporary Women Artists: Mixed Messages" con Kruger y Sherman nuevamente, y Nancy Dwyer , celebrada en el Museo de Arte Castellani , en el campus de la Universidad de Niagara en 1992. ^{[ 12 ]} Su obra de 42 pies de largo People in Pain, un campo de vinilo retroiluminado por neón que ilumina una serie de títulos de películas que apuntan a los significados culturales y narrativos de las películas nombradas, ^{[ 13 ]} fue incluida en la exposición "Forest of Signs" de 1989 en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , y más tarde, en 2014 en la Bienal de Whitney . ^{[ 14 ]} Enseñó videoarte en Hunter College en la década de 1990.

Falleció de cáncer el 19 de diciembre de 2004 a los 53 años en la ciudad de Nueva York y le sobrevive su pareja de muchos años, Mitchell Wagenberg. ^{[ 15 ]}

• Gretchen Bender: Tras la pista de la emoción (2012), Poor Farm , Wisconsin ^{[ 16 ]}
• Gretchen Bender, So Much Deathless (Una retrospectiva) , Red Bull Arts Nueva York, 2019 ^{[ 17 ]}

Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno y del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, del Centro Pompidou de París y de la Colección Menil de Houston .

• "Gretchen Bender por Cindy Sherman", Revista BOMB, 1 de enero de 1987