Harriet Korman

Las primeras pinturas de Korman (1969–75) investigan problemas gestuales sutiles y medios compositivos que rompen con la tradición modernista , utilizando procesos predeterminados de adición y sustracción y estructuras de cuadrícula sueltas. ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 39 ]} Sus tres primeras exposiciones individuales en Nueva York (1972–6) presentaron principalmente pinturas en las que dibujó líneas paralelas, puntos, guiones o números con crayón (a veces formando figuras), los cubrió con una capa de gesso blanco y luego raspó con marcas enfáticas y variadas usando una espátula para unir las dos capas. ^{[ 25 ] [ 3 ]}

Los críticos describieron el trabajo resultante como sorprendentemente convincente dado su método simple y fácil de comprender; en términos conceptuales, señalaron el énfasis de Korman en la arbitrariedad y la aparente indiferencia hacia el producto final, que iba en contra de las narrativas más heroicas del minimalismo. ^{[ 25 ] [ 3 ] [ 26 ]} Hilton Kramer describió tanto una "delicadeza y pureza atractivas" como una insistencia pictórica en las formas austeras de Korman (como tallos y puntadas) y colores pálidos y de valor cercano, que recordaban el trabajo de Agnes Martin y Eva Hesse ; ^{[ 26 ]} Roberta Smith escribió que el trabajo de Korman —más denso, menos tenso y más seguro y desatento— avanzó al de Martin, produciendo "superficies silenciosamente radiantes" que pulsan entre la fragilidad y la robustez como la respiración. ^{[ 3 ] [ 39 ]}

En 1976, Korman cambió a pinturas al óleo para obtener mayor flexibilidad y experimentó con direcciones radicalmente diferentes, a veces simultáneamente. ^{[ 27 ] [ 5 ]} En general, su obra de este período presenta colores más vivos, pinceladas más sueltas de húmedo sobre húmedo y ritmos más estridentes, que adoptan formas que van desde bandas de color desiguales y formas libres hasta patrones de cuadrícula onduladas y formas geométricas sueltas, pasando por líneas gestuales y garabatos. ^{[ 5 ] [ 40 ] [ 41 ]} Stephen Westfall elogió su experimentación en una reseña de su exposición de 1984 (Willard Gallery), que describió como una "combinación sorprendentemente cálida" de toque ingenioso y ligeramente irregular, planitud rigurosa e ideas vívidas y cargadas de emoción. ^{[ 27 ]}

Los críticos sugieren que las pinturas de Korman de finales de la década de 1980 a principios de la de 1990 vuelven a un estilo para reconfigurar su pasado al convertir la cuadrícula minimalista característica en algo suelto y táctil, como el diseño textil . ^{[ 5 ] [ 39 ] [ 42 ]} Retuvo ciertos aspectos —principios de organización sueltos y procesos francamente evidentes— al tiempo que introdujo una paleta vibrante, una aplicación de pintura ágil y un mayor movimiento entre estilos. ^{[ 39 ] [ 5 ] [ 43 ] [ 6 ]} Las pinturas generalmente emergen de fondos monocromáticos construidos con capas de color, sobre los cuales Korman pintó guiones, cuadrados y trazos ondulados de color contrastante que sugieren cuadrículas o cuadros que se desintegran suavemente, pajares o caligrafía abstracta. ^{[ 5 ] [ 39 ] [ 8 ]} Las reseñas comentaron de manera más consistente la espontaneidad controlada de la obra, que Ken Johnson describió como "operando en la brecha entre el hedonismo pictórico y el puritanismo formal"; ^{[ 6 ]} Holland Cotter comparó la obra con "una buena actuación de danza" que combinaba "habilidad con una gracia instintiva". ^{[ 5 ] [ 39 ]} Entre 1993 y 1996, Korman se volcó a lienzos mayoritariamente negros, blancos y grises con cuadrículas desviadas y "compartimentos" geométricos irregulares que contenían círculos caligráficos densamente trabajados, diamantes, rayas, figuras de ocho y formas parecidas a pretzels, y emblemas. ^{[ 37 ] [ 44 ] [ 45 ]}

La serie en blanco y negro de Korman proporcionó ideas que aplicó a su siguiente serie en color: pintaría sin blanco, lo que puede crear ilusiones de luz y espacio. ^{[ 46 ] [ 1 ] [ 22 ]} Presentó las pinturas resultantes en exposiciones en 2001 y 2004 ("Línea o forma, curva o recta"), que presentan formas excéntricas entrelazadas y ricamente coloreadas, y patrones rítmicos impredecibles que emergen de ondulaciones, curvas y cuadrículas geométricas (por ejemplo, Sin título , 2004; Se puede unir de cualquier manera , 2002). ^{[ 32 ] [ 38 ] [ 9 ] [ 47 ]} Estas pinturas exploran la forma en que el color y las imágenes abstractas transmiten significado. ^{[ 22 ]} Los críticos describieron la obra como "curiosamente fuera de tiempo" ^{[ 48 ]} —contemporánea pero con leves ecos de Miró , Kandinsky , Mondrian y el arte tántrico— e independiente de la nostalgia y los discursos actuales que reviven o rechazan el modernismo. ^{[ 49 ] [ 50 ]}

En su exposición posterior (Lennon, Weinberg, 2008), Korman exhibió pinturas junto con los dibujos lineales (en blanco y negro) que las generaron por primera vez. Estas pinturas introdujeron parches ondulantes de cuadrículas y líneas paralelas —que recuerdan a trabajos anteriores— en sus formas entrelazadas, creando una sensación de configuraciones cambiantes, como un caleidoscopio. ^{[ 7 ]} John Yau escribió que esta obra subvirtió dos corrientes distintas de la abstracción de posguerra al fusionar la abstracción "total" y un enfoque de figura-fondo, demostrando la continua vitalidad de la pintura. ^{[ 7 ]} Las siguientes pinturas de Korman —exhibidas en 2012— fueron divididas geométricamente por diagonales, horizontales y verticales, y las formas luego rellenas con color puro, formando patrones y configuraciones inesperadas. ^{[ 33 ] [ 22 ]} Composiciones inexpresivas de triángulos dentro de cuadrículas de rectángulos, expusieron cualidades intrínsecas de matiz, brillo y transparencia a través de yuxtaposiciones de color (por ejemplo, Quadrant , 2012; Focus , 2011); Deven Golden de artcritical las describió como obras puramente objetivas con superficies y patrones luminosos y sutilmente fluctuantes que se asemejaban a un libro para colorear geométrico infantil. ^{[ 33 ]}

En sus siguientes dos exposiciones, Korman contempló un problema básico: la división de la superficie de una pintura, encontrando libertad dentro de las limitaciones de formatos simples y en gran medida fijos. ^{[ 1 ] [ 46 ]} Para su exposición de 2014, "Línea o borde, línea o color", exhibió una serie de diez dibujos en barra de óleo y diez pinturas, construidas en torno al formato simétrico de un diamante central subdividido en rectángulos o triángulos y luego complejizado mediante su uso del color. ^{[ 51 ] [ 52 ]} Las pinturas se diferencian de su trabajo anterior por incluir áreas de pintura blanca lisa y líneas y contornos de colores de ancho variable. ^{[ 51 ] [ 52 ]} Una exposición de 2018 en Thomas Erben presentó pinturas basadas en cuadrantes con una cruz central de líneas de colores y bandas de ángulo recto de color cromáticamente rico que sugieren una actualización de la serie Homenaje al cuadrado de Albers . ^{[ 34 ] [ 1 ]}

Críticos como Raphael Rubenstein describen una geometría "enfáticamente artesanal" de bordes ondulados, bandas cónicas e irregularidades en estas obras, que lleva lo que parece ser una abstracción modular estricta (por ejemplo, Albers o el Stella temprano ) al ámbito de Paul Klee y Mary Heilmann. ^{[ 34 ]} Otras reseñas se centran en las improvisaciones, los cambios sutiles y los saltos inesperados en esta obra; por ejemplo, las variaciones entre cuadrantes en la última serie, que perturban la simetría cruciforme y la resolución de las composiciones como un todo; Roberta Smith escribió que las composiciones pintadas de manera casual "dan testimonio de la inagotabilidad tanto del color como de la geometría". ^{[ 51 ] [ 34 ] [ 1 ] [ 46 ]}