Historia del ballet

El ballet se originó en la corte renacentista como una consecuencia de la pompa cortesana en Italia , ^{[ 3 ]} donde las bodas aristocráticas eran celebraciones fastuosas. Los tutús , las zapatillas de ballet y el trabajo de puntas aún no se utilizaban. La coreografía se adaptaba de los pasos de baile cortesano. ^{[ 4 ]} Los intérpretes vestían a la moda de la época. Para las mujeres, esto significaba vestidos formales que les cubrían las piernas hasta los tobillos. ^{[ 5 ]} El ballet primitivo era participativo, y el público se unía a la danza hacia el final.

Domenico da Piacenza (c. 1400–c. 1470) fue uno de los primeros maestros de danza. Junto con sus alumnos Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo da Pesaro , se formó en danza y se encargó de enseñar este arte a la nobleza. Da Piacenza dejó una obra: De arte saltandi et choreus ducendi (Sobre el arte de bailar y dirigir danzas), compilada por sus alumnos. ^{[ 6 ]}

En 1489, Galeazzo, duque de Milán , contrajo matrimonio con Isabel de Aragón en Tortona . El maestro de danza italiano Bergonzio Botta organizó un elaborado espectáculo de danza para las celebraciones . Las danzas estaban unidas por una breve narración sobre Jasón y los Argonautas , y cada una correspondía a un plato diferente de la cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, que fue considerado tan impresionante que se organizaron muchos espectáculos similares en otros lugares. ^{[ 7 ] [ 8 ]}

El ballet fue moldeado aún más por el ballet de cour francés , que consistía en danzas sociales interpretadas por la nobleza junto con música, discurso, verso, canción, desfile, escenografía y vestuario. ^{[ 9 ]} Cuando Catalina de Médici , una aristócrata italiana con interés en las artes, se casó con el heredero al trono francés Enrique II , llevó su entusiasmo por la danza a Francia y brindó apoyo financiero. Los deslumbrantes entretenimientos de Catalina apoyaban los objetivos de la política cortesana y generalmente se organizaban en torno a temas mitológicos. ^{[ 10 ]} El primer ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Este ballet se representó en 1573 con motivo de la visita del embajador polaco. Fue coreografiado por Balthasar de Beaujoyeulx y presentaba una danza de una hora de duración para dieciséis mujeres, cada una representando una provincia francesa. El Ballet Comique de la Reine (1581), coreografiado y dirigido también por Balthasar de Beaujoyeulx , fue encargado por Luisa de Lorena , reina consorte del rey Enrique III , hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio del duque de Joyeuse, favorito de Enrique , con Margarita de Lorena, hermana de la reina Luisa. El ballet duró más de cinco horas y fue interpretado por veinticuatro bailarines: doce náyades y doce pajes. ^{[ 11 ] [ 12 ]}

En ese mismo año, la publicación de Il Ballarino de Fabritio Caroso , un manual técnico sobre danza cortesana, tanto escénica como social, contribuyó a establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico del ballet. ^{[ 13 ]}

El ballet se desarrolló como una forma de arte centrada en la interpretación en Francia durante el reinado de Luis XIV , quien era un apasionado de la danza. ^{[ 14 ]} Su interés por el ballet tenía motivaciones políticas. Estableció estrictas normas de etiqueta social a través de la danza y la convirtió en uno de los elementos más cruciales de la vida social de la corte, ejerciendo así autoridad sobre la nobleza y gobernando el estado. ^{[ 15 ]} Las iniciaciones de Luis llevaron al refinamiento y perfeccionamiento de la danza social entre la aristocracia como una forma de exhibir la realeza, consolidando aún más el arte del ballet clásico con nuevas reglas y protocolos. ^{[ 16 ]}

En 1661, Luis XIV, decidido a consolidar su ambición de controlar a la nobleza ^{[ 17 ]} y revertir el declive en los estándares de la danza que había comenzado en el siglo XVII, fundó la Académie Royale de Danse . ^{[ 14 ]} Antes de eso, los aristócratas consideraban la danza, junto con la equitación y el entrenamiento militar, como tres disciplinas importantes para exhibir su nobleza. Sin embargo, la fundación de la academia por parte de Luis XIV desvió su atención de las artes militares a las funciones sociales de la corte, de la guerra al ballet, endureciendo aún más las normas que las rodeaban. ^{[ 18 ]}

Para expandir la influencia de la cultura francesa por toda Europa, Luis XVI ordenó a Pierre Beauchamp , maestro de danza personal del rey y su compañero favorito en el ballet de cour en la década de 1650, ^{[ 19 ]} que creara «una forma de plasmar la danza en papel». ^{[ 20 ]} Beauchamp también fue nombrado Intendant des ballets du roi y en 1680 se convirtió en director de la academia de danza, cargo que ocupó hasta 1687. ^{[ 19 ]} Esta orden dio lugar a una intensa investigación en este campo por parte de muchos maestros de ballet; sin embargo, solo el sistema de notación de danza de Beauchamp fue reconocido. ^{[ 21 ]} En su sistema, codificó las cinco posiciones básicas de los pies en el ballet. ^{[ 19 ]} Raoul Auger Feuillet, un maestro de ballet parisino, adoptó posteriormente su sistema y publicó su obra en 1700. Su sistema de notación se hizo muy popular en Europa. ^{[ 22 ]}

Feuillet concentró sus esfuerzos en el baile más influyente de la corte, llamado "La belle danse", o también conocido como "El estilo noble francés". Este tipo de baile era popular en bailes o cortes con habilidades más exigentes. "Entrée grave", como uno de los bailes de la belle danseLa forma más elevada de la danza, generalmente era interpretada por uno o dos hombres con movimientos gráciles y dignos, seguidos de música lenta y elegante. En esta época, solo los hombres interpretaban la belle danse y la entrée grave . Las mujeres sí actuaban en los ballets de la reina y otras ocasiones sociales, pero no en la entrée grave , los ballets del rey, en las cortes o en los escenarios de París, hasta la década de 1680. Durante este período, los hombres eran considerados los campeones y maestros del arte, exhibiendo su danza masculina, digna y noble, una danza de reyes. Esto también sentó las bases del ballet clásico. ^{[ 23 ]}

Los ballets cortesanos tenían una larga historia de combinar danza y etiqueta desde el Renacimiento, pero en el caso de la belle danse , la etiqueta en el ballet alcanzó un nivel completamente nuevo. Cada regla de etiqueta de las cortes de Luis XVI se detallaba minuciosamente en la belle danse , y sin duda se podía apreciar el estatus nobiliario de los demás a través de sus danzas. ^{[ 24 ]} Cinco posiciones corporales codificadas por Beauchamp, seguidas por Feuillet, describían el cuerpo como una corte en miniatura, con la cabeza como punto central, coordinando sus extremidades como el rey que gobierna su estado. Un bailarín que interpretaba a un noble genuino realizaba cinco posiciones diferentes a las de un campesino o personajes de menor rango. ^{[ 25 ]} La prueba de la nobleza también se indicaba mediante el uso de máscaras, maquillaje, vestuario y, especialmente, zapatos en la belle danse . ^{[ 26 ]}

Jean-Baptiste Lully , violinista, bailarín, coreógrafo y compositor italiano, que se unió a la corte de Luis XIV en 1652, ^{[ 27 ]} desempeñó un papel significativo en el establecimiento de la dirección general que seguiría el ballet durante el siglo siguiente. Apoyado y admirado por el rey Luis XIV, Lully a menudo lo incluía en sus ballets. El título de Rey Sol para el monarca francés se originó en el papel de Luis XIV en el Ballet de la Nuit (1653) de Lully. El joven Luis XIV, de catorce años, bailó cinco papeles en este ballet de 12 horas. ^{[ 28 ]} Este ballet era fastuoso e incluía una escena donde se incendiaba un decorado de una casa, brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones y las diosas Venus y Diana. ^{[ 29 ]} Sin embargo, el tema principal del ballet no era la oscuridad y los terrores nocturnos, sino que se centraba en Luis, quien aparecía al final como el Sol (el dios Sol, Apolo), poniendo fin a la noche. ^{[ 30 ]} La principal contribución de Lully al ballet fueron sus composiciones llenas de matices. Su comprensión del movimiento y la danza le permitió componer específicamente para el ballet, con frases musicales que complementaban los movimientos físicos. ^{[ 29 ]} Lully también colaboró ​​con el dramaturgo francés Molière . Juntos, tomaron un estilo teatral italiano, la commedia dell'arte , y lo adaptaron a su obra para un público francés, creando la comédie-ballet . Entre sus mayores producciones, con Beauchamp como coreógrafo, ^{[ 19 ]} se encuentra Le Bourgeois Gentilhomme (1670). ^{[ 31 ]}

En 1669, Luis XIV fundó la Académie d'Opéra con Pierre Perrin como director. ^{[ 32 ]} Luis XIV se retiró como bailarín en 1670, principalmente debido a un aumento excesivo de peso. Anteriormente, en 1661, había fundado una escuela, la Adacemie Royale de danse . Beauchamp fue el primer maestro de ballet de la Opéra y creó las danzas para la primera producción de la nueva compañía, Pomone, con música de Robert Cambert . ^{[ 19 ]} Más tarde, después de que Perrin se declarara en bancarrota, el rey restableció la Opéra como la Académie royale de Musique y nombró a Lully director. ^{[ 32 ]} Beauchamp fue uno de los coreógrafos principales. ^{[ 19 ]} En este puesto, Lully, con su libretista Philippe Quinault , creó un nuevo género, la tragédie en musique , cada acto del cual presentaba un divertissement que era una escena de ballet en miniatura. ^{[ 27 ]} En casi todas sus creaciones importantes, Jean-Baptiste Lully combinó música y drama con elementos de la danza italiana y francesa. Su obra creó un legado que definiría el futuro del ballet.

La corte francesa fue, en cierto modo, la principal fuente de cultura y moda para muchas otras cortes reales europeas. Se imitaron diversos estilos de entretenimiento, incluidos los ballets reales. Cortes de España, Portugal, Polonia, Alemania y otros países se convirtieron en público y participantes de los ballets. Además de Francia, Italia, principalmente Venecia , ejerció una importante influencia en esta forma de arte.

Las compañías de ballet profesionales comenzaron a organizarse y a realizar giras por Europa, actuando para audiencias aristocráticas. En Polonia, el rey Vladislao IV Vasa (1633-1648) acogió producciones de ópera italiana, que incluían bailarines de ballet en algunas escenas. Entre los famosos maestros de ballet europeos que trabajaron para la corte polaca se encuentran Jean Favier , Antoine Pitrot , Antonio Sacco y Francesco Caselli . ^{[ 33 ]}

El siglo XVIII fue un periodo de avance en los estándares técnicos del ballet y la época en que este se consolidó como una forma de arte dramático seria, a la par de la ópera. Fundamental para este avance fue la obra seminal de Jean-Georges Noverre , Lettres sur la danse et les ballets (1760), que se centró en el desarrollo del ballet d'action , en el que los movimientos de los bailarines están diseñados para expresar el carácter y contribuir a la narrativa. Noverre creía que: el ballet debía ser técnico, pero también conmover emocionalmente al público; las tramas debían ser coherentes; la escenografía y la música debían apoyar la trama y estar integradas en la historia; y la pantomima debía ser sencilla y comprensible. ^{[ 34 ]}

Compositores como Christoph Willibald Gluck introdujeron reformas en la composición de ballet . Finalmente, el ballet se dividió en tres técnicas formales: seria , demi-caractère y cómica . El ballet también comenzó a aparecer en las óperas como interludios llamados divertimentos.

Venecia siguió siendo un centro de danza en Europa, especialmente durante el Carnaval de Venecia , cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la ciudad para disfrutar de un animado intercambio cultural. El Teatro San Benedetto se convirtió en un lugar emblemático, en gran parte gracias a los ballets que allí se representaban. Las técnicas del ballet italiano mantuvieron la influencia dominante en gran parte del sur y el este de Europa hasta que las técnicas rusas las suplantaron a principios del siglo XX.

Las representaciones de ballet se extendieron por Europa del Este durante el siglo XVIII, llegando a regiones como Hungría, donde se realizaban en teatros privados de castillos aristocráticos. Se crearon compañías profesionales que actuaban por toda Hungría y también realizaban giras internacionales. El Teatro Nacional de Budapest desempeñó un papel cada vez más importante como hogar para los bailarines. ^{[ 35 ]}

Algunos de los bailarines más destacados de la época que actuaron por toda Europa fueron Louis Dupré , Charles Le Picque con Anna Binetti , Gaetano Vestris y Jean-Georges Noverre . ^{[ 33 ]}

El movimiento romántico en el arte, la literatura y el teatro fue una reacción contra las restricciones formales y la mecánica de la industrialización.[22] El espíritu de la época llevó a los coreógrafos a componer ballets románticos que parecían ligeros, etéreos y libres, que contrastaban con la difusión de la ciencia reduccionista en muchos aspectos de la vida cotidiana que, en palabras de Edgar Allan Poe, había «expulsado a la hamadríade del bosque». Estos ballets «irreales» retrataban a las mujeres como seres frágiles y etéreos, criaturas que podían ser levantadas sin esfuerzo y que casi parecían flotar en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar trajes con faldas fluidas de colores pastel que dejaban al descubierto las espinillas. Las historias giraban en torno a espíritus folclóricos misteriosos. Un ejemplo de este tipo de ballet romántico es La Sylphide , uno de los ballets románticos más antiguos que aún se representan hoy en día.

Una corriente del movimiento romántico fue la exploración del folclore y la cultura étnica tradicional. Esta influencia se manifestó en el surgimiento de la danza folclórica europea y en las representaciones occidentales de pueblos africanos, asiáticos y de Oriente Medio en los escenarios europeos. En los ballets de este período, los personajes no europeos a menudo se creaban como villanos o como divertimentos cómicos para ajustarse a la visión orientalista occidental del mundo. ^{[ 38 ]} La Ópera Nacional de Ucrania , un teatro de artes escénicas con una compañía de ópera residente, se estableció en Kiev en 1867. También incluía una pequeña compañía residente de bailarines de ballet, que interpretaban principalmente danzas folclóricas durante las producciones de ópera. Para 1893, esta compañía había crecido lo suficiente como para montar grandes ballets. La danza folclórica y los ballets con historias ucranianas figuraban entre las primeras producciones. ^{[ 39 ]}

Muchas de las principales compañías de ballet profesionales europeas que aún existen se fundaron en nuevos teatros de las capitales europeas a mediados y finales del siglo XIX, entre ellas el Ballet de Kiev , el Ballet Nacional Húngaro , el Ballet del Teatro Nacional de Praga y el Ballet Estatal de Viena (antes Ballet de la Ópera Estatal de Viena ). Estos teatros solían reunir bajo el mismo techo a grandes compañías de ópera, teatro y ballet. Compositores, dramaturgos y coreógrafos podían entonces crear obras que aprovechaban la posibilidad de colaborar entre estas compañías.

Si bien Francia desempeñó un papel fundamental en los inicios del ballet, otros países y culturas pronto adoptaron esta forma de arte, sobre todo Rusia. Rusia cuenta con una reconocida tradición de ballet, y el ballet ruso ha tenido gran importancia en su país a lo largo de la historia. Después de 1850, el ballet comenzó a declinar en París, pero floreció en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August Bournonville , Jules Perrot , Arthur Saint-Léon , Enrico Cecchetti y Marius Petipa . A finales del siglo XIX, el orientalismo estaba de moda. El colonialismo trajo consigo el conocimiento de las culturas asiáticas y africanas, pero distorsionado por la desinformación y la fantasía. Oriente solía ser percibido como un lugar lejano donde todo era posible, siempre que fuera lujoso, exótico y decadente. Petipa apeló al gusto popular con La hija del faraón (1862), y más tarde con El talismán (1889) y La Bayadère (1877). Petipa es recordado principalmente por sus colaboraciones con Chaikovski . Utilizó su música para la coreografía de El Cascanueces (1892, aunque esto es objeto de debate entre los historiadores), La Bella Durmiente (1890) y la reposición definitiva de El Lago de los Cisnes (1895, con Lev Ivanov ). Todas estas obras se inspiraron en el folclore europeo.

El tutú clásico de las bailarinas, tal como se conoce hoy en día, comenzó a aparecer en esta época. Consistía en una falda corta y rígida sostenida por capas de crinolina o tul que dejaban ver las acrobacias de las piernas, combinada con una amplia entrepierna que servía para preservar la modestia.

Las compañías de ballet europeas iniciaron lucrativas giras por teatros de Norteamérica, Centroamérica y Sudamérica a mediados del siglo XIX. El prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, había acogido a artistas de ballet extranjeros en su escenario, y compañías europeas presentaban ballets completos ya en 1867. ^{[ 40 ]} Para la década de 1880, el Teatro Colón contaba con su propia compañía de ballet profesional. Sin embargo, aún pasarían varias décadas antes de que la mayoría de los países fuera de Europa pudieran presumir de tener sus propias compañías de ballet profesionales.

Sergei Diaghilev cerró el círculo del ballet al traerlo de vuelta a París con la creación de su compañía, los Ballets Rusos . Estaba formada por bailarines de la comunidad rusa en el exilio en París tras la Revolución.

Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky unieron sus talentos para dar vida al folclore ruso en El pájaro de fuego y Petrushka , coreografiados por Fokine. Los siguientes encargos coreográficos de Diaghilev fueron para Nijinsky. Su primer ballet fue L'après-midi d'un Faune (La siesta de un fauno), con música de Debussy. Se destacó por sus formas bidimensionales y la falta de técnica de ballet. Causó controversia al representar al fauno frotándose el pañuelo de una de las doncellas contra sí mismo, en una simulación de masturbación. Sin embargo, la obra más polémica de los Ballets Rusos fue La consagración de la primavera , coreografiada por Nijinsky con música de Stravinsky. La música moderna del ballet, los zapateos con los pies hacia adentro y el tema del sacrificio humano escandalizaron tanto al público que provocaron disturbios.

Tras la "época dorada" de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San Petersburgo, pero se trasladó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Rusos.

El ballet ruso continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Tras la Revolución, quedaba poco talento en el país, pero fue suficiente para dar origen a una nueva generación. Después de un periodo de estancamiento en la década de 1920, a mediados de la década de 1930 surgió esta nueva generación de bailarines y coreógrafos. La perfección técnica y la precisión en la danza fueron promovidas (y exigidas) por Agrippina Vaganova , quien había sido maestra de Petipa y Cecchetti y dirigía la Academia de Ballet Vaganova , la escuela que preparaba a los bailarines para el Ballet Kirov de San Petersburgo/Leningrado.

El ballet gozaba de gran popularidad. Tanto el Bolshoi de Moscú como el Kirov de San Petersburgo (entonces Leningrado) estaban en activo. La presión ideológica obligó a la creación de numerosas obras de realismo socialista , la mayoría de las cuales tuvieron poca repercusión entre el público y fueron posteriormente retiradas del repertorio de ambas compañías.

Sin embargo, algunas obras de esa época fueron extraordinarias. Romeo y Julieta, de Prokofiev y Lavrovsky, es una obra maestra. Las llamas de París , si bien muestra todos los defectos del arte realista socialista, fue pionera en el uso activo del cuerpo de ballet en la representación y requirió un virtuosismo asombroso. La versión de ballet del poema de Pushkin , La fuente de Bajchisarái , con música de Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov, también fue un éxito.

The well-known ballet Cinderella, for which Prokofiev provided the music, is also the product of the Soviet ballet. During the Soviet era, these pieces were mostly unknown outside the Soviet Union and later outside of the Eastern Bloc. However, after the collapse of the Soviet Union they received more recognition.

The 1999 North American premiere of The Fountain of Bakhchisarai by the Kirov Ballet in New York was an outstanding success, for example. The Soviet era of the Russian Ballet put a lot of emphasis on technique, virtuosity and strength. It demanded strength usually above the norm of contemporary Western dancers. Notable prima ballerinas include Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya and Maya Plisetskaya and choreographers such as Pyotr Gusev.

Russian companies, particularly after World War II engaged in multiple tours all over the world that revitalized ballet in the West.

Maiden Tower^[41] written by Afrasiyab Badalbeyli is the first ballet in the Muslim East.^[42][43][41]

Following the move of the Ballets Russes to France, ballet began to have a broader influence, particularly in the United States of America.

From Paris, after disagreements with Diaghilev, Fokine went to Sweden and then the US and settled in New York. Diaghilev believed that traditional ballet offered little more than prettiness and athletic display. For Fokine that was not enough. In addition to technical virtuosity he demanded drama, expression and historical authenticity. The choreographer must research the period and cultural context of the setting and reject the traditional tutu in favour of accurate period costuming.

Fokine choreographed Sheherazade and Cleopatra. He also reworked Petrouchka and The Firebird. One of his most famous works was The Dying Swan, performed by Anna Pavlova. Beyond her talents as a ballerina, Pavlova had the theatrical gifts to fulfill Fokine's vision of ballet as drama. Legend has it that Pavlova identified so much with the swan role that she requested her swan costume from her deathbed.

George Balanchine desarrolló una técnica de vanguardia en Estados Unidos al abrir una escuela en Nueva York. Adaptó el ballet a los nuevos medios, el cine y la televisión. ^{[ 44 ]} Un trabajador prolífico, Balanchine volvió a coreografiar clásicos como El lago de los cisnes y La bella durmiente , además de crear nuevos ballets. Produjo interpretaciones originales de los dramas de William Shakespeare, como Romeo y Julieta y El sueño de una noche de verano , y también de La viuda alegre de Franz Léhár .

En 1967, Jewels de Balanchine rompió con la tradición narrativa y dramatizó un tema en lugar de una trama. Este enfoque encaja con las fuentes de financiación estatales en Estados Unidos, que buscaban fomentar la "libertad y el librepensamiento" en contraste con la danza narrativa, que se consideraba demasiado vinculada al socialismo, especialmente al comunismo soviético . ^{[ 45 ]} Hoy en día, en parte gracias a Balanchine, el ballet es una de las danzas mejor conservadas del mundo.

Barbara Karinska, emigrante rusa y hábil costurera, colaboró ​​con Balanchine para elevar el arte del diseño de vestuario, convirtiéndolo en una parte integral de la representación de ballet. Introdujo el corte al bies y un tutú clásico simplificado que brindaba mayor libertad de movimiento a la bailarina. Con meticulosa atención al detalle, decoraba sus tutús con abalorios, bordados, ganchillo y apliques.

El ballet durante la Guerra Fría en Estados Unidos

La Guerra Fría se caracterizó por la competencia ideológica entre los Estados Unidos capitalistas y la Unión Soviética comunista. Las representaciones de ballet se utilizaban a menudo para demostrar la libertad artística y creativa predominante en las sociedades occidentales, en contraste con las restricciones percibidas a la expresión artística en la Unión Soviética. Muchas compañías de ballet, como el Ballet Bolshoi de la Unión Soviética y el American Ballet Theatre de los Estados Unidos, eran consideradas embajadoras de sus respectivas naciones. Realizaban giras internacionales, incluyendo intercambios entre la Unión Soviética y los Estados Unidos, mostrando su excelencia artística y promoviendo el entendimiento cultural. Por ejemplo, la compañía de ballet American Ballet Theatre realizó una gira por la Unión Soviética entre el 13 de septiembre y el 23 de octubre de 1960. ^{[ 46 ]} El repertorio incluía tanto ballets muy «estadounidenses» como Fancy Free y Rodeo como ballets más clásicos, como el pas de deux del Cisne Negro de El Lago de los Cisnes . ^{[ 47 ]} Además, las compañías de ballet rusas también realizaron giras por los Estados Unidos. Por ejemplo, la compañía de ballet Bolshoi realizó una gira por Estados Unidos en septiembre de 1962. ^{[ 48 ]} Según Anne Searcy , profesora asistente en la Escuela de Música, en su libro " Ballet en la Guerra Fría " , ^{[ 49 ]} "las giras durante la era de la Guerra Fría no se trataban únicamente de representaciones de ballet, sino que también servían como un medio para que los gobiernos de Estados Unidos y la Unión Soviética afirmaran su influencia a escala global. Searcy argumenta que estas giras tenían motivos políticos subyacentes, con ambas naciones compitiendo por el control global e intentando moldear la percepción del resto del mundo. De manera similar, Cadra McDaniel también apoya esta visión. Utiliza el ejemplo de una carta escrita por el director del Bolshoi (Orvid) al ministro de cultura soviético después de la primera gira del Ballet Bolshoi en Estados Unidos, en la que Orvid escribió que estaba tratando de obtener los derechos para mostrar las representaciones del Bolshoi en la televisión estadounidense. ^{[ 50 ]} McDaniels argumenta que esto muestra que los soviéticos pretendían expandir su alcance más allá de los teatros. ^{[ 51 ]} Sugiere que, al ver los estadounidenses el ballet ruso, los soviéticos esperaban que los ciudadanos estadounidenses llegaran a apreciar el sistema soviético y, eventualmente, el comunismo. ^{[ 52 ]} La acogida del público a las giras estadounidenses en Rusia y a las giras rusas en Estados Unidos fue muy diversa. Searcy destaca que las reacciones del público en ambos países fueron inesperadas y que, a pesar de las diferencias ideológicas, el ballet en Estados Unidos y en la Unión Soviética compartía más similitudes de las que ambas partes estaban dispuestas a reconocer. Los bailarines soviéticos Rudolf Nureyev y Mikhail Baryshnikov desertaron a Occidente durante la Guerra Fría. Sus sonadas deserciones pusieron de manifiesto la represión artística en la Unión Soviética y resaltaron el atractivo de la libertad y la expresión artística en Occidente.

Sin embargo, durante los intercambios culturales entre Estados Unidos y la Unión Soviética, los malentendidos culturales obstaculizaban frecuentemente las representaciones de ballet. La producción de « Espartaco » del Ballet Bolshói, coreografiada por Leonid Yakobson, generó controversia entre los estadounidenses, quienes no la consideraban un ballet. Casualmente, una película de Hollywood con el mismo título acababa de estrenarse, lo que contribuyó a la confusión del público. ^{[ 53 ]} Los productores soviéticos esperaban transmitir el mensaje de la revuelta proletaria, pero el público estadounidense encontró la producción extraña y poco convencional. Los bailarines usaban sandalias romanas planas en lugar de las tradicionales zapatillas de punta, y el bajo precio de las entradas de cine provocó decepción y desaprobación entre el público. Esto generó numerosas reacciones negativas, y lamentablemente el ballet fue retirado de la programación, lo que avivó aún más el conflicto y el odio entre rusos y estadounidenses.

Más allá de los malentendidos y los conflictos, el ballet se utilizó como herramienta de poder blando , un medio para proyectar influencia cultural e ideales. Los Ballets Rusos , una compañía parisina compuesta por un instructor y bailarines rusos, influyeron en la percepción que Estados Unidos tenía de Rusia. Exhibieron sus logros artísticos y su herencia cultural, intentando ganarse el favor del público y contribuir al reconocimiento de Rusia en el mundo occidental a través del ballet. Estas representaciones se consideraban símbolos de orgullo nacional y superioridad cultural. La compañía incorporó una gran riqueza de elementos culturales rusos a sus espectáculos, incluyendo compositores, coreógrafos, pintores , vestuario tradicional, melodías e historias. Cabe destacar que los ballets con mayor influencia rusa, como Petrushka , ^{[ 54 ]} fueron también los más populares entre el público. Si bien estas representaciones no reflejaban necesariamente la Rusia de la época, contribuyeron a la percepción occidental de Rusia como símbolo de progreso y talento artístico excepcional. Tras el impacto de los Ballets Rusos, el ballet ruso fue aceptado en la cultura estadounidense y sirvió de inspiración para que Estados Unidos también incorporara el ballet a su propia cultura.

En 1963, el American Ballet de Lincoln Kirstein , el primer ballet creado en Estados Unidos, alcanzó un éxito significativo gracias al apoyo de la Fundación Ford , que consolidó el estilo neoclásico de George Balanchine como una institución nacional prominente. Al examinar los esfuerzos de diplomacia cultural del New York City Ballet, ^{[ 55 ]} se hizo evidente que Balanchine ocupaba una posición favorable dentro de las redes formadas entre el gobierno, las fundaciones privadas y corporativas y las artes durante la Guerra Fría cultural. Sin embargo, la colaboración entre la compañía de ballet y el gobierno es compleja, ya que los artistas a menudo tenían motivaciones políticas distintas a las del Estado. La Guerra Fría provocó un cambio transformador en la financiación, organización y gestión de las artes, en la creencia en la influencia social del arte que se había cultivado en la década de 1930.

Durante la Guerra Fría, las representaciones de ballet a veces se impregnaban de simbolismo político. Coreógrafos y bailarines utilizaban este medio para expresar ideas políticas o comentar sobre problemas sociales. Estas representaciones tenían el potencial de generar debates sobre política, sociedad y el papel del arte en la formación de la opinión pública. En general, la exposición al ballet durante la Guerra Fría influyó en la cultura estadounidense al ampliar los horizontes artísticos e introducir nuevos estilos y técnicas. Contribuyó al desarrollo de las compañías de ballet estadounidenses, al crecimiento de la enseñanza de la danza y a la popularización del ballet como forma de arte en Estados Unidos.