Igor Kopystiansky

Igor Kopystiansky (nacido el 16 de diciembre de 1954 en Lviv ) es un artista estadounidense , activo en la ciudad de Nueva York desde 1988. ^{[ 1 ]} Tiene una práctica multimedia, que incluye pintura, fotografía, cine y video, con una investigación de la pintura como su paradigma principal. ^{[ 2 ]} En obras en medios de cine y video, colabora con su esposa Svetlana Kopystiansky . Sus obras individuales y sus obras conjuntas se exhiben internacionalmente y se encuentran en colecciones de museos estadounidenses, europeos y australianos, incluyendo MoMA , Metropolitan , Centre Pompidou , Tate Modern , Whitney Museum of American Art , Museum of Fine Arts Houston , Art Institute of Chicago , Walker Art Center , Smithsonian American Art Museum , Folkwang Museum , MMK Museum für Moderne Kunst , ZKM , Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Art Gallery of New South Wales . Los archivos de obras de Igor y Svetlana Kopystiansky se encuentran en el Centro Pompidou , Biblioteca Kandinsky. ^{[ 3 ]}

Desde finales de los 70 hasta finales de los 80, Igor Kopystiansky formó parte de la segunda generación de «artistas soviéticos inconformistas». ^{[ 2 ]} En 1979, se volcó a la tradición vanguardista. La inspiración inicial para sus obras, arraigadas en ideas de deconstrucción y apropiación, provino del dadaísmo y de Marcel Duchamp . Estas obras se apropiaron de imágenes de pintores de Europa occidental. Las nuevas pinturas se crearon deliberadamente en tamaños diferentes a los originales. Este enfoque refleja la situación en la que una obra de arte funciona en la sociedad más como una reproducción en un libro, póster o valla publicitaria, o cuando se ve en una pantalla de cine, con un tamaño de imagen distinto al de la pintura original. La ejecución de las pinturas apropiadas fue solo la primera etapa en la producción de la obra de arte propiamente dicha. ^{[ 4 ]}

Estas copias pintadas se utilizaron para crear ensamblajes o entornos denominados Interiores , donde imágenes de varias pinturas interactuaban entre sí. El resultado final de la obra completa siempre se revelaba solo en la última etapa, al completar la instalación, permaneciendo absolutamente impredecible de antemano. ^{[ 5 ]} Dos instalaciones Interiores fueron parte de una exposición de Igor y Svetlana celebrada en octubre de 1988 en la ciudad de Nueva York. De esta exposición, ambas obras fueron adquiridas por el MAMC, Musée d'art moderne et contemporain, Saint-Étienne , Francia ^{[ 6 ] [ 7 ]} y el Ludwig Forum for international art ^{[ 8 ]} Aachen, Alemania.

Interior 1992 fue construida a partir de pinturas apropiadas de Nicolas Poussin , Claude Lorrain , Caspar David Friedrich , Vermeer , Rembrandt , Jacob van Ruisdael , Pieter Claesz , etc. y fue exhibida en Martin Gropius-Bau , Berlín, ^{[ 9 ]} Kunsthalle Düsseldorf , ^{[ 10 ]} Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid , ^{[ 11 ] [ 12 ]} The Boundary Rider, 9.ª Bienal de Sídney . Curador Anthony Bond. AGNSW , Sídney, Australia. ^{[ 13 ]}

Paralelamente a un grupo de obras tituladas Interiores, se crearon instalaciones tridimensionales llamadas Construcciones , que fueron “construidas” o “creadas” utilizando pinturas apropiadas de varios períodos históricos, cuyas interacciones dentro de cada instalación generaron un efecto surrealista.

La obra Construcción (1988) forma parte de la colección del Ludwig Forum for International Art y fue creada a partir de pinturas icónicas apropiadas de Franz Marc , Paul Gauguin , Paul Cézanne , André Derain y Maurice de Vlaminck . Tras ser adquirida en la exposición individual de 1988 en Nueva York, se exhibió en 1989 como parte de la exposición internacional Arte de los últimos 10 años (Kunst der letzten 10 Jahre) en el MUMOK, Museo de Arte Moderno de Viena. ^{[ 14 ]}

De este grupo de obras de la colección del MNAM Centre Pompidou Paris se encuentra la obra Transformable Paintings (1991). Esta obra consta de siete pinturas basadas en trabajos de artistas de Europa Occidental, entre ellos Tiziano, Diego Velázquez, Giorgione Murillo, Tintoretto y Eugène Delacroix, que fueron expuestas y pueden ser exhibidas como objetos de diversas maneras. ^{[ 15 ] [ 16 ]}

Las Pinturas Compactas (1992) forman parte de la colección del Centro Pompidou . ^{[ 17 ]} Para cada objeto del conjunto se realizó una copia al óleo de la pintura preexistente. Posteriormente, la pintura se cortó en tiras que se enrollaron y se fijaron atadas con una cuerda. De esta manera, una pintura bidimensional se transformó en un objeto compacto tridimensional.

La obra El secreto de lo perdido (2003), que consta de 18 pinturas compactas, forma parte de la colección del Museo Folkwang Essen. ^{[ 18 ]}

Sillas restauradas (1990) consta de 17 sillas de madera dispuestas en círculo. Para su creación, se eligieron sillas de madera de diversas formas, tapizadas con pinturas al óleo de artistas como Paul Gauguin , Pablo Picasso , Vincent van Gogh , Rafael , Tiziano , Paul Cézanne , Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Amedeo Modigliani y Tintoretto . Para cada silla se utilizaron varias pinturas elegidas al azar, lo que generó una imprevisibilidad surrealista en sus interacciones. En esta realidad ficticia, se aplicó una función utilitaria a las obras maestras y se las despojó de su carácter sagrado, con el fin de revertir un gesto radical de Marcel Duchamp respecto a Fuente (1917), un ready-made.

La primera instalación de Sillas Restauradas fue en el proyecto internacional Anni Novanta , (años noventa) en 1990 que tuvo lugar en la Galleria Comunale d'Arte Moderna, Bolonia; Museos Comunales, Rímini; Ex colonia “Le Navi”, Católica, Italia. ^{[ 19 ]}

Sillas restauradas, entre otras obras de instalación representativas, formaron parte de la exposición individual realizada por Igor Kopystiansky en la Kunsthalle Düsseldorf titulada “El Museo”. ^{[ 20 ]}

La Silla (1989), realizada antes de la instalación Sillas Restauradas, está representada en la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid, España. ^{[ 21 ]}

La obra Big Painting (1994), expuesta en la Kunsthalle Düsseldorf como parte de una exposición individual, fue creada a partir de cientos de fragmentos de numerosas pinturas al óleo. Estos fragmentos, de diversas dimensiones, surgieron como resultado de la «deconstrucción» de varias obras pictóricas. Durante el proceso de instalación, dichos fragmentos se fijaron directamente a la pared blanca del museo, formando un rectángulo de 300 x 1100 cm. Como resultado de este proceso creativo, Big Painting transformó varias obras figurativas en una gran pintura abstracta.

La pintura (2008) representada en la colección del MFAH, Museo de Bellas Artes de Houston . ^{[ 22 ]} se basa en la misma idea que La pintura (1994).

Big Painting (1989), representada en la colección de la Berlinische Galerie ^{[ 23 ],} es una obra que dialoga con los collages dadaístas . Pero en lugar de utilizar como fuente para sus collages fotografías o ilustraciones inconexas de catálogos, en Big Painting se combinaron en una sola gran pintura obras apropiadas de artistas como Paul Cézanne y Henri Matisse .

El Díptico (1987) de la colección del MAMC, Musée d'art moderne et contemporain , Saint-Étienne, Francia ^{[ 24 ]} se basó en la pintura El lector coronado de flores, o La musa de Virgilio, de Jean-Baptiste Camille Corot, de la colección del Louvre . Representa un grupo más amplio de obras para cuya producción se utilizó el mismo método artístico: una pintura apropiada se cortó de una manera específica y sus partes individuales se extendieron y fijaron en dos lienzos. Al ser "duplicada" de esta manera, la pintura original perdió su singularidad. Posteriormente, las partes faltantes en ambos lienzos se repintaron de una manera más expresiva que los originales.

El díptico basado en La muerte de Sócrates de Jacques-Louis David, perteneciente a la colección del Museo Metropolitano, fue una de las obras representativas incluidas en la exposición individual que Igor Kopystiansky realizó en la Kunsthalle Düsseldorf en 1994. ^{[ 25 ]}

En otro grupo de obras titulado Dípticos , dos pinturas apropiadas basadas en dos fuentes diferentes fueron desmontadas y unidas en una sola obra mediante una instalación especial y precisa que las transformó en un objeto tridimensional cuyos pliegues, moldeados por la gravedad, expusieron las cualidades materiales del lienzo pintado al óleo y crearon una especie de fusión entre pintura y escultura. ^{[ 26 ]}

El Díptico (1988/1990), construido a partir de pinturas marinas francesas y holandesas apropiadas, está representado en la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía . ^{[ 27 ]}

El díptico , que consta de dos pinturas apropiadas de Caspar David Friedrich, está representado en las colecciones de la Berlinische Galerie . ^{[ 28 ]}

La obra «La Alfombra» (1990) forma parte de la colección del Museo de Arte de Łódź . ^{[ 29 ]} Consiste en 100 fragmentos de diversas pinturas, cortados en tiras y dispuestos en el suelo formando una instalación rectangular similar a una alfombra. La obra fue creada originalmente para la exposición internacional «Construcción en Proceso» , celebrada en Łódź, Polonia, en 1990.

Las pinturas destruidas y las pinturas restauradas representan dos grupos interconectados de obras en diálogo conceptual con las estrategias anti-arte y anti-pintura del dadaísmo. Uno de los primeros ejemplos de pinturas destruidas se encuentra en la colección del Museo de Arte de Lodz , Polonia. ^{[ 30 ]}

La obra «Pintura restaurada» (1988), para la cual se utilizó como fuente la pintura « Niño con perro» de Bartolomé Esteban Murillo, forma parte de la colección del Ludwig Forum Aachen . Pertenece a un grupo de pinturas apropiadas cuya producción pasó por tres etapas sucesivas: la ejecución de la pintura propiamente dicha, su destrucción y el proceso definido como su restauración. Sin embargo, todas las acciones que supuestamente tenían como propósito la «restauración» de la fuente pictórica dañada se llevaron a cabo de manera deliberadamente expresiva. Como resultado, en lugar de devolver al material «dañado» su forma original previa a los daños, las acciones emprendidas en esta etapa aumentaron, por el contrario, la distancia entre el resultado final y la fuente de la apropiación.

Las obras individuales de Igor Kopystiansky, producidas en los medios de pintura e instalación desde principios de los años ochenta, han sido definidas con razón como parte de un movimiento artístico internacional conocido como Arte de Apropiación . ^{[ 31 ]}

En 1988, él y su esposa y colaboradora Svetlana Kopystiansky abandonaron la Unión Soviética y se mudaron a la ciudad de Nueva York. En 1990, Svetlana e Igor Kopystiansky recibieron una beca de residencia artística del DAAD que los llevó de Nueva York a Berlín, Alemania, y que culminó con su exposición individual en un museo, cuyo catálogo fue comisariado por René Block, para la Berlinische Galerie , Museo de Arte Moderno, en el Martin Gropius-Bau de Berlín en 1991. ^{[ 1 ]}

Igor y Svetlana Kopystiansky desarrollan carreras individuales, pero también colaboran habitualmente. Su obra, tanto individual como conjunta, se ha expuesto en museos, en importantes muestras internacionales y forma parte de las colecciones de destacados museos estadounidenses, europeos y australianos.

En la colección del Museo Whitney de Arte Americano, Igor y Svetlana están representados con una instalación de proyección de diapositivas en dos pantallas titulada El día antes de mañana, fotografiada en las calles de Nueva York en 1999, el último año del Milenio. ^{[ 32 ]}

Obras de cine/vídeo

Cada vez más, los Kopystiansky realizan videos. Su video Incidents de 1996-97 , filmado en las calles de Chelsea Manhattan, fue presentado por primera vez por el curador Harald Szeemann en la Bienal de Lyon en 1997. ^{[ 33 ] [ 34 ]} medita sobre la belleza potencial y el patetismo de los objetos desechados, mientras son arrastrados por el viento a lo largo de una calle de la ciudad. La filmación de Incidents se realizó durante un período de dos años, 1996/1997, en Chelsea, donde se ubicaba el estudio de los artistas, lo que en ese momento era en gran parte una zona no residencial. Los artistas filmaron y editaron de inmediato y continuaron trabajando de esa manera hasta que el video estuvo terminado. La banda sonora de esta obra se basa exclusivamente en grabaciones originales de la ciudad, que consisten en sonidos incidentales de la vida callejera: tráfico, conversaciones, pasos, etc. Un viento fresco y muy común del río Hudson transformó las calles en una especie de escenario con actores. Objetos cotidianos: una taza, un periódico, un paraguas, una caja de cartón, bolsas de plástico, todo es arrastrado por el viento a través de la acera y la calle. Estos desechos producidos en masa se convierten en grandes esculturas en constante movimiento, con cambios permanentes en su forma. Horas de grabación, cuidadosamente recopiladas durante muchos días ventosos, se editaron para capturar estos momentos mágicos. El viento jugaba con estos objetos, haciéndolos girar y retorciéndolos, uniéndolos y separándolos de nuevo. Parecía como si el viento los liberara de la fuerza de la gravedad.

Incidents se produjo en ediciones limitadas que fueron adquiridas y pasaron a formar parte de las colecciones del MoMA , Metropolitan , Centre Pompidou , Museum of Fine Arts Houston, TATE Modern London, Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Alemania, AGNSW Sydney y se exhibieron como parte de las colecciones de importantes museos y en importantes exposiciones internacionales. ^{[ 35 ] [ 36 ]} Un historial completo de exposiciones de la obra de video Incidents (1996/1997) se publica en una referencia a una compra en el sitio web del MFAH, Museum of Fine Arts Houston , Texas. ^{[ 37 ]}

Colaboraciones posteriores, como Yellow Sound de 2005 , representada en la colección del Smithsonian American Art Museum, toman su título de una producción teatral de Wassily Kandinsky , y su estructura silenciosa y duración de la famosa composición de John Cage , 4'33" (1952), en la que un pianista se sienta al teclado, levanta la tapa y permanece inmóvil y en silencio durante los siguientes cuatro minutos y treinta y tres segundos. Como fuente para Yellow Sound (2005), los artistas utilizaron metraje de una película muda encontrada con la imagen de un disco de vinilo. El cortometraje original se ralentizó para aumentar su duración a 4:33. Durante toda la presentación, el espectador ve una imagen fija, y solo el polvo, los arañazos y otros daños originales de la película, que aparecen y desaparecen lentamente, indican que el tiempo fluye. ^{[ 38 ]}

En el vídeo Portrait , de 2006, que forma parte de la colección del Museo Metropolitano , Kopystiansky utilizó un breve fragmento de Masculin Feminin de Jean-Luc Godard . Este fragmento se reprodujo simultáneamente hacia adelante y hacia atrás. Como describieron los artistas, «El efecto es que la mayor parte del tiempo la imagen se duplica, pero en la mitad del programa, durante 1/24 de segundo, las imágenes se fusionan en una sola. Este momento fue determinado por el movimiento de la película en la cámara de proyección». ^{[ 39 ]}

En la obra cinematográfica de 2006, Pink and White - A Play in Two Time Directions, los artistas superponen las mismas imágenes reproduciéndose hacia adelante y hacia atrás. La cualidad sugerente de estas piezas se intensifica a medida que el tiempo/la acción avanza y retrocede, creando una sensación del tiempo como un evento encontrado y un recuerdo perdido. Pink and White pone de relieve su interés por el cine primitivo y la intensidad gráfica surrealista del fotógrafo Man Ray .

Pink and White está relacionada con otras dos obras de cine/video de Igor y Svetlana Kopystiansky: Double Fiction (2008) ^{[ 40 ]} y Fiction Double (2008). ^{[ 41 ]} En ambas obras, la película completa —respectivamente, Los pájaros de Alfred Hitchcock y Sin aliento de Jean-Luc Godard— se ha reproducido en dos direcciones: hacia adelante y hacia atrás. Sus bandas sonoras, a diferencia de Pink and White , fueron apropiadas de las películas originales. Ambas películas fueron creadas casi al mismo tiempo con solo tres años de diferencia: Sin aliento (1960) y Los pájaros (1963) , ambas tienen una intensidad dramática y una narrativa cinematográfica de ficción construida de manera clásica: un tiempo narrativo que avanza directamente en una sola dirección. Ambas películas representan una cinematografía de "autor" y para los artistas era importante utilizar películas clásicas que todo espectador conserva en la memoria.

En Double Fiction y Fiction Double , respectivamente, se muestran con sonido la totalidad de la película Los pájaros de Alfred Hitchcock y la totalidad de Sin aliento de Jean-Luc Godard , de principio a fin y, a la inversa, de principio a fin simultáneamente, y ambos flujos temporales son visibles para el espectador en cada momento de la presentación. De esta manera, Kopystiansky incorporó la película completa como un objeto encontrado y reconsideró la recepción del tiempo narrativo por parte del espectador en el cine clásico. En una parte visual, las escenas iniciales se unen con las posteriores. En el punto medio, cada película se fusiona al superponerse las películas y formar una sola. Ambos flujos temporales que se dirigen en direcciones opuestas se unen por un instante muy breve, cuya duración está definida por la velocidad de reproducción de una película: 1/24 de segundo. La deconstrucción del contenido narrativo original funcionó simultáneamente como una fuerza constructiva al crear una nueva calidad visual y auditiva de la obra y producir un nuevo objeto visual.

En esa nueva obra, las relaciones entre los personajes han cambiado y, simultáneamente, se han construido nuevas relaciones, nuevas interacciones entre ellos. Los personajes también interactúan consigo mismos al estar presentes en la pantalla en dos tiempos a la vez. Cada imagen siguiente es una combinación visual impredecible. Toda la música, todos los ruidos y cada palabra hablada en la película siempre se han reproducido dos veces: en una dirección normal y en sentido inverso. Una parte importante de estas obras es el lenguaje verbal. El sonido se ha ligado a la imagen y se ha reproducido por igual, ya sea en una dirección normal o en sentido inverso. En ese segundo caso, las palabras habladas se han transformado en algo irreconocible y, al perder sus medios de comunicación, han adquirido nuevas cualidades y se han convertido en Sonidos abstractos . ^{[ 42 ] [ 43 ]} Con respecto a “Double Fiction”, el historiador de arte John Hanhardt ^{[ 44 ] [ 45 ]} resume:

"Una obra de asombrosa simplicidad y originalidad, toma el trabajo metacinematográfico de artistas como Douglas Gordon y Stan Douglas y el tratamiento del lenguaje en las cintas de vídeo de Gary Hill en el complejo terreno de la narrativa, el relato y la percepción. La anticipación y el recuerdo del tiempo y los eventos a través de las convenciones de la narración, como vemos en Los pájaros , también se convierte en un medio para proporcionar una nueva perspectiva sobre la visión apócrifa de la naturaleza y las relaciones humanas de esa película. Las escenas iniciales se unen con las posteriores, y es casi como si la propia película estuviera soñando su propia narrativa a medida que se desarrolla. Los pájaros es una elección brillante, ya que aumenta la intensidad dramática del cine narrativo y el matiz de las interpretaciones en una deconstrucción de los significados de la película original. También coloca al espectador frente a la pantalla como un participante activo. En cierto sentido, la película se persigue a sí misma, ya que la acción que se desarrolla anticipa su propia conclusión, y las relaciones entre los personajes se predicen y se realizan trágicamente. La destrucción que se presagia realmente aparece en La película comienza con Igor y Svetlana Kopystiansky, quienes han creado un proceso dialéctico al integrar el punto de vista de la cámara y el juego del tiempo. El espectador se involucra en una mirada activa y construye significado a partir de las imágenes en movimiento mediante este proceso cognitivo. Estos artistas han creado un texto estético impregnado de memoria, ya sea representada por imágenes encontradas, grabaciones fortuitas de bolsas de plástico volando por la acera o el movimiento de personas en la calle, o por el redescubrimiento de escenas de películas conocidas. El tiempo se desvanece a medida que las escenas se superponen y cambian, transformando así la imagen en movimiento en un texto estético de fascinación atemporal.

La videoinstalación Crossroad (2009) se exhibió por primera vez en la exposición individual de Igor y Svetlana Kopystiansky en el Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne Métropole, Francia, en 2010. Un metraje sólido sin editar, filmado en seis cruces diferentes del Bajo Manhattan, constituía un registro en tiempo real de todos los eventos que tenían lugar frente a la cámara, con todos los sonidos del entorno. A partir de estos seis metrajes, los artistas crearon tres programas de video, utilizando dos fragmentos para cada pantalla, superponiéndolos y fundiendo uno de ellos muy lentamente con el otro durante la reproducción. De esta manera, durante la proyección, las imágenes se funden lenta y gradualmente, pasando de una toma de un lugar a otra de otro lugar de la ciudad. Al comienzo de cada programa, solo hay un fotograma que representa una imagen perfecta de un lugar, e inmediatamente después comienza una disolución gradual muy larga que termina con un solo fotograma de otra "imagen perfecta" de un segundo metraje. Tras llegar a ese punto, comienza una disolución igualmente lenta de vuelta al primer metraje. En el resto del tiempo, en cada pantalla se proyecta una mezcla de dos ubicaciones diferentes y dos fragmentos temporales, lo que crea una nueva realidad visual ficticia. La arquitectura se vuelve completamente irreal y una transición gradual entre dos ubicaciones diferentes crea una dislocación del tiempo y el espacio. ^{[ 42 ] [ 43 ]}

La obra en vídeo Speak when I have nothing to say (2009) forma parte de la colección de la Henry Art Gallery . Para su creación, Igor y Svetlana emplearon el corte como principal herramienta de edición: editaron una escena compartida por dos personajes de la película clásica italiana de Michelangelo Antonioni , L'Eclisse (1962), interpretados por Monica Vitti y Francisco Rabal . Los Kopystiansky eliminaron los diálogos hablados y deconstruyeron la narrativa original mediante el corte y la repetición de escenas que se repiten y regresan. De este modo, crearon un efecto surrealista, un juego del tiempo que evoca la función de la memoria. La banda sonora de la obra se compone exclusivamente de los sonidos originales que, en la película original, llenaban los espacios entre diálogos. Como resultado, en ausencia de diálogos hablados, los gestos corporales y las imágenes visuales se convierten en el lenguaje predominante, evocando una sensación de soledad existencial, de distancia y aislamiento, en diálogo con la película original de Antonioni y la técnica del autor, caracterizada por una duración prolongada. ^{[ 46 ]}

La videoinstalación de seis pantallas Flow , exhibida en la Documenta 11 (2002), es una obra arraigada en la tradición vanguardista del ready-made de Marcel Duchamp . Podría considerarse una gran síntesis de ciertos aspectos de Incidents y Fog . Al igual que la primera, aborda el objeto desechado de uso cotidiano, pero, como la segunda, el curso continuo de los ríos también forma parte de su temática. Sin embargo, en lugar de centrarse en un único escenario, Nueva York, la obra es sintética en el sentido de que combina diversos lugares en un único reino imaginario. En opinión de Kai-Uwe Hemken, «este significado fundamental de la videoinstalación Flow también podría aplicarse al contexto de la exposición, es decir, la Documenta 11 en su conjunto. La obra muestra que los objetos y las acciones tienen múltiples códigos, cuyo contenido siempre puede cambiar. Los diferentes significados de un objeto son independientes de nuestras opiniones y valores, con los que le atribuimos un objeto como reflejo de nuestra cultura». ^{[ 47 ]}

En 2004, el SMoCA (Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale) , Arizona, encargó a Igor y Svetlana una obra en vídeo. Para la obra principal del proyecto, los artistas decidieron filmar un paisaje con una carretera en el desierto de Arizona, que aparenta ser de lo más común y atemporal. Es posible que este lugar tuviera exactamente el mismo aspecto hace muchos años y que las personas que transitaban por estas tierras en aquel entonces lo vieran de la misma forma.

Para la instalación de videoproyección de dos pantallas titulada Establishing Shot (2004), ambos canales fueron filmados con la misma cámara, sobre el mismo trípode y desde la misma posición. Al comienzo del programa proyectado en la pantalla izquierda, la cámara se mueve de izquierda a derecha y viceversa. Simultáneamente, en la pantalla derecha se mueve de derecha a izquierda y viceversa. De esta manera, al acercarse al centro del programa, las secciones del panorama se van aproximando entre sí hasta reflejar lo que parece ser una imagen idéntica en el centro del programa. Posteriormente, en ambas pantallas comienza el movimiento inverso, que finalmente resulta en un retorno a las vistas iniciales del panorama, que son opuestas entre sí. El título Establishing Shot hace referencia a un plano general en el cine, que es un plano que establece el contexto de una escena. Generalmente es un plano general o ultra general al comienzo de una escena que indica dónde, y a veces cuándo, tiene lugar el resto de la escena.

Ambas proyecciones parecen fotografías y se asemejan a imágenes fijas. Sin embargo, la quietud de la imagen es una ilusión y, a pesar del movimiento aparente, el tiempo, que avanza imparablemente, y su percepción se convierten en protagonistas en la conciencia del espectador. De esta manera, la obra fusiona los lenguajes de la fotografía y el cine. Juega con la naturaleza del medio fílmico y la investiga: el cine se constituye mediante una sucesión de imágenes fijas, que representan la única realidad, y su «movimiento» es resultado de un desplazamiento puramente mecánico entre la lente y la fuente de luz de la cámara de proyección. Dado que la historia del cine se compone de películas rodadas en blanco y negro y en color, Establishing Shot (2004), de dos pantallas, se produjo en blanco y negro. Establishing Shot (2004), de una sola pantalla, se realizó como una instalación en la que se superpusieron ambos canales en color, permitiendo al espectador observar el flujo del tiempo simultáneamente en una misma pantalla.

En el SMoCA (Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale) se exhibe de forma permanente desde 1999 Knight Rise skyspace, de James Turrell . ^{[ 48 ]} Como dice Turrell , su obra brinda la oportunidad de “mirar nuestra propia mirada”. Establishing Shot, de Igor y Svetlana Kopystiansky, ofrece a los espectadores la oportunidad de observar, en la quietud del desierto, su propia percepción del flujo del tiempo.

La instalación de videoproyección de dos pantallas encargada, Sandglass. Establishing Shot . (2004), se exhibió en SMoCA (2005) ^{[ 49 ]} y en la Lisson Gallery de Londres (2006), ^{[ 50 ]} Kunsthalle Fridericianum Kassel (2006) ^{[ 51 ]} y Espoo Museum of Modern Art (2007) ^{[ 52 ]} .

Las obras individuales y colaborativas de Kopystiansky se han presentado en el MoMA , Museo Metropolitano de Nueva York; Centro Pompidou , París; Centro Pompidou Metz ; Tate Modern , Londres; Tate Gellery Liverpool ; Museo Reina Sofía , Madrid; Museo Smithsonian de Arte Americano , Washington, DC; Instituto de Arte de Chicago ; Museo de Bellas Artes, Houston , MFAH Texas; MCA Chicago ; Galería de Arte Whitechapel , Londres; Museo de Arte Moderno , MMK Frankfurt am Main; Deichtorhallen Hamburgo ; Kunsthalle zu Kiel ; Museo Stedelijk de Arte Contemporáneo SMAK Gante; Galería de Arte de Nueva Gales del Sur AGNSW , Sídney; Museo de Arte Contemporáneo, Vigo , ^{[ 53 ]} España; MUMOK , Viena; Galería de Arte Henry , Seattle. Igor y Svetlana Kopystiansky tuvieron exposiciones individuales en el Musée d'Art Moderne de Saint-Étienne , Francia; Kunsthalle de Düsseldorf ; Museo Sprengel de Hannover; Kunsthalle Fridericianum , Kassel; Martin-Gropius-Bau / Berlinische Galerie ; Museo de Arte Moderno de Espoo , Finlandia; Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale SMoCA Arizona; Centro de Bellas Artes UMass , Amherst; GAMeC , Bérgamo; Muzeum Sztuki en Łodz, Polonia; Museo Nacional de Lituania en Vilnius, Lituania. ^{[ 54 ]}

Su práctica individual y conjunta se mostró en importantes presentaciones internacionales, incluyendo la Bienal de Venecia de 1988 , la Bienal de Sídney de 1992 , ^{[ 55 ]} la Bienal de São Paulo de 1994 , la Bienal de Estambul de 1995 , ^{[ 56 ]} la Bienal de Lyon de 1997, ^{[ 33 ]} la Bienal de Johannesburgo de 1997 ^{[ 57 ]} la Bienal de Liverpool de 1999 ^{[ 58 ]} y documenta 11 en 2002, ^{[ 59 ] [ 60 ]}

La galería Lisson representó a Igor y Svetlana Kopystiansky desde 2001 hasta 2011. ^{[ 61 ]} Una colaboración con la galería Lisson comenzó en 2000, cuando estando en Nueva York Igor y Svetlana recibieron una invitación para participar en Video Work , exposición de la galería Lisson en Covent Garden, en 9 Kean Street, del 28 de abril al 26 de mayo, Londres, que coincidió con la inauguración de la Tate Modern . En esa exposición Igor y Svetlana presentaron su obra de video Fog (2000) filmada desde los muelles de Chelsea al otro lado del río Hudson. En 2024 Fog (2000) fue adquirida por el Walker Art Center . En la exposición Video Work de la Lisson Gallery participaron: Francis Alÿs , Pierre Bismuth , Vanessa Beecroft , Mat Collishaw, Ceal Floyer , Douglas Gordon , Rodney Graham , Igor y Svetlana Kopystiansky, Paul McCarthy , Jonathan Monk , Tony Oursler , Simon Patterson, Julião Sarmento , Marijke van Warmerdam , Jane y Louise Wilson. ^{[ 62 ] [ 63 ] [ 64 ] [ 65 ]}

En la feria Armory Show de Nueva York en 2001, la galería Lisson presentó un programa de vídeo que incluía Incidents (1996/1997) de Igor y Svetlana Kopystiansky, junto con obras de vídeo de Rodney Graham , Francis Alÿs , Jane y Louise Wilson, Julião Sarmento , Simon Patterson, Paul McCarthy , Dan Graham y Pierre Bismuth .

Una parte importante de la primera exposición individual de Igor y Svetlana en la galería Lisson de Londres en 2002 fueron obras de instalación filmadas en las calles de la ciudad de Nueva York, incluyendo la instalación de proyección de diapositivas en dos pantallas The Day before Tomorrow (1999), que pasó a formar parte de la colección del Museo Whitney de Arte Estadounidense en 2009. ^{[ 66 ] [ 67 ]}

Por primera vez se expuso Antes de mañana : Chronos & Kairos: die Zeit in der zeitgenössischen Kunst . Curador René Block. Artistas que incluyen: Joseph Beuys , George Brecht , Marcel Broodhaers , John Cage , Hanne Darboven, Jan Dibbets , Marcel Duchamp , Hans Peter Feldmann , Robert Fillou , Dick Higgins , Allan Kaprow , On Kawara , Joseph Kosuth , Igor y Svetlana Kopystiansky, George Maciunas , Bruce Nauman , Yoko Ono , Nam June Paik , Man Ray , Dieter Rot , Thomas Ruff , Rosemarie Trockel , Ben Vautier , Wolff Vostell , Andy Warhol , Lawrence Weiner , Emmett Williams . 5 de septiembre al 7 de noviembre de 1999. ^{[ 68 ]}

En 2006, en su segunda exposición individual en la galería Lisson, Igor y Svetlana presentaron la videoinstalación Yellow Sound (2005), que desde 2009 forma parte de la colección del Smithsonian American Art Museum en Washington, D.C., dos videoinstalaciones (Sandglass) Establishing Shot, encargadas por el Scottsdale Contemporary Art Museum, acompañadas de un proyecto fotográfico Fade, también creado en el desierto de Arizona. La exposición también incluyó Pink and White, presentada como una videoinstalación multipantalla, y pinturas de Svetlana Kopystiansky: Landscapes and Seascapes, con texto manuscrito apropiado de poemas de Samuel Beckett , y obras sobre papel. ^{[ 69 ] [ 70 ] [ 71 ]}

La primera exposición colectiva en la que participó Igor tras emigrar a Estados Unidos fue "¿Qué es el arte contemporáneo?", organizada por el curador estadounidense Dan Cameron. Los artistas participantes fueron: Fischli-Weiss , Katharina Fritsch , Georg Herold , Rebecca Horn , On Kawara , Mike Kelley , Jeff Koons , Igor Kopystiansky, Sherrie Levine , Tatsuo Miyajima , Walter Obholzer, Meret Oppenheim , Perejaume , Haim Steinbach , Bill Taylor y Jeff Wall . Rooseum , Malmö, Suecia, 1989. Todas las obras de Kopystiansky expuestas en este proyecto fueron exhibidas poco antes de la exposición individual de Igor y Svetlana Kopystiansky en Nueva York en octubre de 1988. ^{[ 72 ]}

• Programa de artistas en Berlín del DAAD de 1990 ^{[ 73 ] [ 74 ]}
• 2008 Résidences internacionales aux Récollets à Paris ^{[ 75 ]}

• Museo de Arte Moderno , Nueva York, EE. UU. ^{[ 76 ]}
• Museo Metropolitano de Arte , Nueva York, EE. UU. ^{[ 77 ]}
• Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York, EE. UU. ^{[ 78 ]}
• Instituto de Arte de Chicago , EE. UU. ^{[ 79 ]}
• MFAH, Museo de Bellas Artes , Houston, EE. UU. ^{[ 80 ]}
• Walker Art Center, Museo de Arte Contemporáneo , Minneapolis, EE. UU. ^{[ 81 ]}
• Museo Smithsonian de Arte Americano , Washington D.C., EE. UU. ^{[ 82 ]}
• Galería de Arte Henry en Seattle, EE. UU. ^{[ 83 ]}
• Centro Pompidou París, Francia. ^{[ 84 ]}
• Tate Modern , Londres, Reino Unido. ^{[ 85 ]}
• Museo Folkwang en Essen, Alemania. ^{[ 86 ]}
• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid, España. ^{[ 87 ]}
• Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , Sídney, Australia. ^{[ 88 ]}
• Musée d'art moderne Saint-Étienne , Francia. ^{[ 89 ]}
• Centro ZKM de Arte y Medios de Comunicación de Karlsruhe , Alemania. ^{[ 90 ]}
• Foro Ludwig de Arte Internacional , Aquisgrán, Alemania. ^{[ 91 ]}
• Berlinische Galerie , Berlín, Alemania. ^{[ 92 ]}
• Museo de Arte Moderno , Fráncfort del Meno, Alemania. ^{[ 93 ]}
• Frac Corsica ^{[ 94 ]} Francia.
• SMoCA, Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale ^{[ 95 ]} , EE. UU.
• MOCAK, Museo de Arte Contemporáneo de Cracovia , Polonia. ^{[ 96 ]}
• Museo de Arte, Łódź , Polonia. ^{[ 97 ]}
• Museo de Arte de Tartu, Tartu Kunstimuuseum Estonia. ^{[ 98 ]}
• Artero . Fundación Vehbi Koç, Estambul, Turquía. ^{[ 99 ]}
• Museo Nacional de Arte de Lituania . Vilna, Lituania. ^{[ 100 ]}
• Museo de Arte Zimmerli , Rutgers, Universidad Estatal de Nueva Jersey, New Brunswick, NJ, EE. UU. ^{[ 101 ] [ 102 ]}

• Fondo Igor y Svetlana Kopystiansky. Biblioteca Kandinsky , Centro Pompidou .

• «Igor y Svetlana Kopystiansky». Museo Nacional de Arte de Lituania . 2023. Prólogo: Arūnas Gelūnas. Textos de Michel Gauthier y John G. Hanhardt . Citas de textos sobre Kopystiansky de Kai-Uwe Hemken, Philippe-Alain Michaud, Anthony Spira y Adam D. Weinberg . (Lituano, inglés, francés) ISBN 9786094261824
• Kopystiansky: Doble ficción/Ficción doble . Publicado con motivo de la exposición individual en el Musée d'Art Moderne de Saint-Étienne . 2010. Textos de John G. Hanhardt , Philippe-Alain Michaud. Les Presses du Réel. ISBN 9782840663744
• «Igor y Svetlana Kopystiansky». Publicado con motivo de la exposición individual en el EMMA – Museo de Arte Moderno de Espoo , Helsinki, 2007. Textos de Timo Valjakka, Anthony Spira y Barry Schwabsky (inglés, finlandés y sueco). EMMA – Museo de Arte Moderno de Espoo , Helsinki. ISBN 9789525509007
• «Igor y Svetlana Kopystiansky: El día antes de mañana». Publicado con motivo de la exposición individual en la Kunsthalle Fridericianum de Kassel y en el Centro de Bellas Artes de la Universidad de Massachusetts, Amherst, Massachusetts, 2005. Con introducción de René Block y Loretta Yarlow y textos de Adam D. Weinberg , Barry Schwabsky, Andreas Bee, Anthony Bond y Kai-Uwe Hemken. (Inglés y alemán), ISBN 9780929597195
• «Igor y Svetlana Kopystiansky: Tracking Shot». Con textos de Barry Schwabsky, Andreas Bee y Anthony Bond. (Inglés y español), Distrito4, 2004. Madrid, España. ISBN 9788493342265
• "Igor & Svetlana Kopystiansky: Dialog", publicado con motivo de la exposición individual en la IFA Galerie Berlin, 1998. Institut für Auslandsbeziehungen Stuttgart/Berlin.
• «Igor Kopystiansky: Exposición de pinturas». 2.ª Bienal de Johannesburgo, 1997. ISBN 9783927869127
• "Igor Kopystiansky: El Museo". Publicado con motivo de la exposición individual en la Kunsthalle Düsseldorf , Alemania. 1994.
• «Igor y Svetlana Kopystiansky». Publicado con motivo de la exposición individual en el Martin-Gropius-Bau de Berlín, 1991. DAAD. Comisario: René Block. Textos de Dan Cameron, Joachim Sartorius y Christine Tacke. ISBN 9783893570317

• Thierry Dávila, Heuristique des courants d'air. Les Cahiers du Musée national d'art moderne, nº 146, edición de invierno 2018-2019 del Centro Pompidou. "De un arte al que no le falta aire. De Leonardo da Vinci a Duchamp, Hans Haacke y más allá, un elogio de los borradores »Heuristique des courants d'air. Artistas: Léonard de Vinci, Marcel Duchamp, Piero Manzoni, Giuseppe Penone, Hans Haacke, Marinus Boezem, Igor y Svetlana Kopystiansky, Ryan Gander, Gabriel Orozco, Pascale Marthine Tayou, Zilvinas Kempinas, Francis Alÿs, Didier Marcel Les Cahiers du Musée national d'art moderne 2019/1 N° 146 EAN 9782844268372 
• Philippe-Alain Michaud. Sobre la película. Ediciones Macula, Francia. 464 páginas índice 150 ilustraciones color, 185 ilustraciones noir et blanc, págs. 207-220. ISBN 2016  978-2-86589-085-9, ISSN 2430-8943,
• Michel Gauthier. Escenas de la vida de los palimpsestos en Amantes del arte. Historias de arte en la Colección Pinault en el Grimaldi Forum Monaco, del 12 de julio al 7 de septiembre de 2014. Lien Art. Comisario: Martin Bethenod. Textos: Après by Martin Bethenod. ISBN 978-2-35906-112-3
• Adam D. Weinberg. El método binario, algunas reflexiones sobre dos proyectos: Incidentes y El día antes de mañana en: Artista, obra, Lisson. Lisson Gallery, Londres, Inglaterra. «ARTIST WORK LISSON documenta la historia y el legado de la Lisson Gallery durante los últimos 50 años. Bajo la dirección artística de la célebre diseñadora holandesa Irma Boom, la publicación incluye un listado alfabético de todos los artistas que han realizado una exposición individual en la galería. pp. 14, 340, 341, 464-465, 472-473, 662-665. Distribuido en Norteamérica por Artbook | DAP, 2017. ISBN 978-0-947830-63-2
• Adam D. Weinberg. "Das binäre Verfahren. Überlegungen zu zwei Arbeiten Incidents und Antes de mañana". Revista Das Fridericianum. Kunstverein und Kunsthalle, noviembre de 2005, págs.  42-45.
• Hemken, Kai-Uwe: La doble Documenta 11 - La videoinstalación "Flow" de Igor y Svetlana Kopystiansky como una imagen sinóptica de una documenta mediatizada. XXD11: Über Kunst und Künstler der Gegenwart. Ein Nachlesebuch zur Documenta 11. Prensa de la Universidad de Kassel; Erscheinungstermin. 1. mayo de 2003; ISBN 978-3-89958-506-3.
• "Kunst der letzten 10 Jahre." Comisariada por Dieter Ronte y Wolfgang Drechsler. Museo de Arte Moderno de Viena. 28 de abril al 24 de septiembre de 1989. págs.  14, 150-153. ISBN 978-3-900776-03-9
• «Documenta 11», Director Okwui Enwezor. Kassel, Alemania. 2002. ISBN 978-3-7757-9088-8
• “Chronos & Kairos: die Zeit in der zeitgenössischen Kunst”; Museum Fridericianum Kassel, curador René Block, Verlag: Documenta und Museum Fridericianum Kassel, 1999. Kunsthalle Fridericianum, 5 de septiembre al 7 de noviembre en Kassel, Alemania. ISBN 978-3-927015-13-5
• «Trace», Bienal de Arte Contemporáneo de Liverpool (Comisario: Anthony Bond). Tate Gallery Liverpool, ISBN 978-0-9536761-0-1
• "Segunda Bienal de Johannesburgo", curador Okwui Enwezor. Johannesburgo, Sudáfrica. ISBN 978-0-620-21522-0
• "L'Autre. 4e Biennale de Lyon, Art Contemporain", curador Harald Szeemann, Lyon, Francia ISBN 978-2-7118-3574-4
• «La IV Bienal Internacional de Estambul, ORIENT/ATION – La visión del arte en un mundo paradójico». Turquía. Director: René Block. Lugar: Antrepo n.º 1, Cisterna de Yerebatan, Museo de Santa Isabel, Galería de Arte del Centro Cultural Atatürk. ISBN 978-2-87939-249-3
• “Caravanserraglio, Fuori Uso '95”, curador Giacinto Di Pietrantonio. Ex Aurum, Pescara, Italia. ISBN 978-1-9993170-0-3
• "Cocido y Crudo", Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España. Curador Dan Cameron. 1994. págs.  50, 58, 118-121, 234 237, 324, 330. ISBN 978-84-8026-042-8
• “Ich will daß Du mir glaubst. Novena Trienal de Pequeña Escultura”, Curador Jean-Christophe Ammann, Natalie de Ligt. Fellbach, Alemania. Alte Kelter - 26.6. bis 26.9.2004. Artistas participantes: Nobuyoshi Araki, Stephan Balkenhol, Thomas Bayrle, Linda Benglis, Heiner Blum, Louise Bourgeois, Peter Fischli/David Weiss, Ceal Floyer, David Hammons, Martin Honert, Bethan Huws, Igor und Svetlana Kopystiansky, Zoe Leonard, Martin Liebscher, Cathy de Monchaux, Ron Mueck, Bruce Naumann, Markus Raetz, Martial Raysse, Andreas Slominski, Rosemarie Trockel, Erwin Wurm. Herausgebende Fellbach, Württ Stadt Fellbach Publikationsjahr 2004. ISBN 978-3-86984-147-2
• «The Boundary Rider», 9.ª Bienal de Sídney. Comisario: Anthony Bond. AGNSW, Sídney, Australia. ISBN 978-1-921034-84-8
• “Museo Dialog im Bode.” Comisario Klaus Biesenbach. Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Bodemuseum Berlín, 1992. ISBN 978-0-9841776-2-2
• Jörn Merkert. Kunst die in Berlin entstand: Meisterwerke der Berlinischen Galerie. Prestel, Múnich 2004, ISBN 978-3-7913-3217-8
• "De la basura al tesoro. Vom Wert des Wertlosen in der Kunst". Editado por Anette Hüsch. Kunsthalle de Kiel. Artistas participantes: Arman, Joseph Beuys, George Brecht, Pavel Büchler, Christo, Tony Cragg, Jürgen Drescher, Marcel Duchamp, Sylvie Fleury, Gilbert & George, Asger Jorn, Arthur Køpcke, Igor und Svetlana Kopystiansky, Urs Lüthi, Gordon Matta Clark, Olaf Metzel, Robert Morris, Vik Muniz, Mimmo Rotella, Dieter Roth, Kurt Schwitters, Daniel Spoerri, Jacques de la Villeglé, Wolf Vostell. Publicado por Kerber, 2011. ISBN 978-3-86984-147-2
• “Erre, variaciones laberínticas”. Organizado por Hélène Guenin y Guillaume Désanges. Préfaces de Alain Seban y de Laurent Le Bon, Centro Pompidou-Metz, 2011. ISBN 978-2-35983-014-9
• «La imagen robada», curador Christopher R. Young. Instituto de Artes de Flint, Flint, EE. UU., del 28 de marzo al 9 de mayo. ISBN 978-0-941548-01-4
• Le Musée d'art moderne de Saint-Étienne. Editado por Bernard Ceysson, pág.  120. Le Musée d'art moderne de Saint-Étienne. Editado por Bernard Ceysson, pág.  120. París  : Museos y monumentos de Francia  : A. Michel; Saint-Etienne  : la Ville, 1990. Publicado con el apoyo de la Fundación Paribas. Colección dirigida por Pierre Lemoine ISBN 978-2-912808-17-2
• "Anni Novanta", curador Renato Barilli. Galleria Comunale d'Arte Moderna, Bolonia; Museos Comunales, Rímini; Ex colonia "Le Navi", Católica, Italia. págs.21  , 250-251. Editore, Mondadori (31 de diciembre de 1990). ISBN 978-88-242-0087-5
• ¿Qué es el arte contemporáneo? Curador: Dan Cameron. Artistas participantes: Fischli-Weiss, Katharina Fritsch, Georg Herold, Rebecca Horn, On Kawara, Mike Kelley, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Sherrie Levine, Tatsuo Miyajima, Walter Obholzer, Meret Oppenheim, Perejaume, Haim Steinbach, Bill Taylor, Jeff Wall. Rooseum, Malmö, Suecia. ISBN 978-99910-73-53-8 ; OCLC 21436173 
• "XLIII La Biennale di Venezia, Aperto", págs.  310, 347, 350. 1988. ISBN 978-88-208-0332-2
• Phyllis Freeman, «Nuevo arte», Harry N. Abrams, Nueva York, págs.  106-107, 1990. ISBN 978-0-8109-2443-7
• Robert Atkins. «Lenguaje artístico: Guía de ideas, movimientos y términos de moda contemporáneos». Apropiación. Autores: Mike Bidlo, David Diao, Komar y Melamid, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Louise Lawler, Sherrie Levine, Carlo Maria Mariani, Sigmar Polke, Richard Prince, Gerhard Richter, David Salle, Julian Schnabel, Peter Schuyff, Elaine Sturtevant. Publicación: década de 1980. Lugar: Estados Unidos y Europa. Abbeville Publishers, Nueva York, 1990, págs.  42-43. Abbeville Publishers. Nueva York, Nueva York. 1990. ISBN 978-0-7892-1151-4https://openlibrary.org/books/OL2198674M/Artspeak
• “Tempo ao tempo/ Taking time”. Catálogo de una exposición celebrada en MARCO, Museo de arte contemporáneo de Vigo, 19 oct. 2007-feb. 17, 2008. Textos de Isabel Carlos, Félix Duque e Iñaki Martínez Antelo. En gallego, castellano e inglés. ISBN 978-84-935505-4-7

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• Igor y Svetlana Kopystiansky: Incidentes (1996/7)
• Bibliografía/Bibliografía
• Catálogo de la Biblioteca Thomas J. Watson del Museo Metropolitano de Arte
• archivo documenta
• Archivos Whitney
• GND Biblioteca Nacional Alemana
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• Archivo Harald Szeemann del Instituto de Investigación Getty