pintura india

En el este de la India, los principales centros de actividad artística e intelectual del budismo fueron Nalanda, Odantapuri, Vikramshila y Somarpura, situados en el reino Pala (Bengala y Bihar). La pintura en miniatura de esta región se conserva desde el siglo X. Estas miniaturas, que representan divinidades budistas y escenas de la vida de Buda, se pintaban en las hojas (de aproximadamente 2,25 x 3  pulgadas) de los manuscritos de hojas de palma, así como en sus cubiertas de madera. Entre los manuscritos budistas ilustrados más comunes se encuentran los textos Astasahasrika Prajnaparamita , ^{[ 23 ]} Pancharaksa , Karandavyuha y Kalachakra Tantra . Las miniaturas más antiguas que se conservan se encuentran en un manuscrito del Astasahasrika Prajnaparamita, fechado en el sexto año del reinado de Mahipala (c. 993), que actualmente pertenece a la Sociedad Asiática de Calcuta. Este estilo desapareció de la India a finales del siglo XII.

La influencia de las pinturas del este de la India se puede apreciar en varios templos budistas de Bagan , Myanmar, en particular en el templo Abeyadana , que recibió su nombre de la reina consorte de Myanmar, Abeyadana , quien tenía raíces indias, y en el templo Gubyaukgyi . ^{[ 24 ]} Las influencias de las pinturas del este de la India también se observan claramente en las pinturas Thangka tibetanas . ^{[ 25 ]}

Los manuscritos ilustrados que se conservan del oeste de la India, principalmente de Gujarat , comienzan alrededor del siglo XI, pero son en su mayoría del siglo XIII en adelante. Inicialmente, todos los ejemplos que se conservan son jainistas . Para el siglo XV, se volvieron cada vez más suntuosos, con un uso abundante de oro. ^{[ 26 ]}

El texto manuscrito más ilustrado es el Kalpa Sūtra , que contiene las biografías de los Tirthankaras , en particular de Parshvanatha y Mahavira . Las ilustraciones son paneles de forma cuadrada insertados en el texto, con un dibujo de trazo fino y colores brillantes, casi como joyas. Las figuras siempre se ven de tres cuartos, con sus características narices largas y puntiagudas y ojos saltones. Existe la convención de que el lado más alejado del rostro sobresale, de modo que se ven ambos ojos. ^{[ 27 ]}

La pintura mogol es un estilo de pintura india, generalmente limitado a ilustraciones en libros y realizado en miniaturas, que surgió, se desarrolló y tomó forma durante el período del Imperio mogol entre los siglos XVI y XIX. ^{[ 29 ]} El estilo mogol estuvo fuertemente influenciado por las miniaturas persas y, a su vez, influyó en varios estilos indios, incluidos los estilos de pintura rajput , pahari y deccán .

Las pinturas mogolas fueron una mezcla única de estilos indios, persas e islámicos. Dado que los reyes mogoles deseaban tener registros visuales de sus hazañas como cazadores y conquistadores, sus artistas los acompañaban en expediciones militares o misiones de estado, o registraban su destreza como cazadores de animales, o los representaban en las grandes ceremonias dinásticas de matrimonios. ^{[ 30 ]}

El reinado de Akbar (1556-1605) marcó el comienzo de una nueva era en la pintura en miniatura india. ^{[ 31 ]} Tras consolidar su poder político, construyó una nueva capital en Fatehpur Sikri, donde reunió a artistas de la India y Persia. Fue el primer monarca que estableció en la India un taller bajo la supervisión de dos maestros persas, Mir Sayyed Ali y Abdus Samad . Anteriormente, ambos habían servido bajo el patrocinio de Humayun en Kabul y lo acompañaron a la India cuando recuperó el trono en 1555. Se emplearon más de cien pintores, la mayoría procedentes de Gujarat, Gwalior y Cachemira, quienes dieron origen a una nueva escuela de pintura, conocida popularmente como la Escuela Mogol de Pintura en Miniatura.

Tuti-Nama fue una obra temprana del Imperio mogol, de mediados del siglo XVI, y las similitudes, sobre todo en las figuras femeninas, con la escuela indígena del oeste de la India son claramente visibles. Si bien algunos la consideran una fase de transición donde se combinaron los rasgos estilísticos de las escuelas indígenas y persas, otros la atribuyen a artistas formados en la escuela del oeste de la India que trabajaron en el taller de Akbar para crear arte para el imperio mogol, posiblemente bajo la supervisión de maestros persas.

Otra obra temprana de esa escuela de pintura en miniatura fue el manuscrito Akbar Hamzanama , que según el historiador de la corte Badayuni se comenzó en 1567 y se completó en 1582. El Hamzanama , un relato épico persa de Amir Hamza, tío del Profeta, fue ilustrado por Mir Sayyid Ali . Las pinturas del Akbar Hamzanama son de gran tamaño, 20 x 27 pulgadas, y fueron pintadas sobre tela. Pertenecen al estilo persa safavi. Predominan los brillantes colores rojo, azul y verde; las rocas rosadas y erosionadas, así como la vegetación, los plátanos y los ciruelos y melocotoneros en flor, recuerdan a Persia. El Hamza Nama es muy diferente en estilo al Tuti Nama. Esta diferencia se debió, bien a un grupo distinto de artistas formados en el estilo persa, o bien a un cambio deliberado de estilo mediante la experimentación. En cualquier caso, la pintura mogol evolucionó rápidamente hacia un estilo más fluido y naturalista, distinto de la rigidez de las figuras que se observa en pinturas anteriores. Sin embargo, tras un examen minucioso, aún se aprecian vínculos con las escuelas de la India occidental, especialmente en la representación de la figura femenina.

Después de él, Jahangir animó a los artistas a pintar retratos y escenas de la corte. ^{[ 32 ] [ 31 ]} Sus pintores de retratos más talentosos fueron Ustad Mansur , Abul Hasan y Bishandas .

Shah Jahan (1627–1658) continuó el mecenazgo de la pintura. ^{[ 32 ]} Algunos de los artistas famosos del período fueron Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Muhammad Nadir, Bichitr , Chitarman, Anupchhatar, Manohar y Honhar. ^{[ 33 ] [ 31 ]}

Aurangzeb no tenía gusto por las bellas artes, probablemente debido a su conservadurismo islámico. ^{[ 32 ]} Debido a la falta de mecenazgo, los artistas emigraron al Deccan y a las cortes hindúes de Rajputana , influyendo enormemente en los estilos de estos centros.

La pintura del Deccan se produjo en la región del Deccan de la India central , en las diversas capitales musulmanas de los sultanatos del Deccan que surgieron tras la desintegración del Sultanato Bahmani hacia 1520. Estas fueron Bijapur , Golkonda , Ahmadnagar , Bidar y Berar . El período principal fue entre finales del siglo XVI y mediados del siglo XVII, ^{[ 35 ] [ 36 ]} con un cierto resurgimiento a mediados del siglo XVIII, para entonces centrado en Hyderabad .

En comparación con la pintura mogol temprana que se desarrollaba simultáneamente en el norte, ^{[ 37 ]} la pintura del Decán sobresale por "el brillo de sus colores, la sofisticación y el arte de su composición, y un aire general de lujo decadente". ^{[ 38 ]} Otras diferencias incluyen la representación de rostros, modelados con poca maestría, en vista de tres cuartos, en lugar de principalmente de perfil como en el estilo mogol, y "mujeres altas con cabezas pequeñas" que visten saris. Hay muchos retratos reales, aunque carecen de la semejanza precisa de sus equivalentes mogoles. Los edificios se representan como "paneles totalmente planos, como pantallas". ^{[ 39 ]}

Las pinturas Ragamala , conjuntos que ilustran (evocando sus estados de ánimo) las diversas formas musicales raga , parecen haber sido una innovación del Deccan. Además de los retratos e ilustraciones habituales de obras literarias, a veces se encuentran crónicas ilustradas, como el Tuzuk-i-Asafiya . Una especialidad del Deccan (que también se encuentra a veces en otros materiales, como el marfil ) ^{[ 40 ]} es el "animal compuesto", un animal grande formado por muchas imágenes más pequeñas de otros animales.

Las primeras escuelas de Mewar y Malwa, a veces también conocidas colectivamente como la escuela de la India Occidental, se desarrollaron en torno a este período y son estilísticamente similares y están vinculadas al estilo de representación de los textos de los siglos XIV y XV de Gujarat. Los ojos grandes similares, las figuras rígidas, las caderas y los senos prominentes son un rasgo común. El grupo de pinturas de Kulhadar se considera una de las mejores obras ejecutadas pertenecientes a la escuela de la India Occidental. Realizadas a principios del siglo XVI, estas pinturas se caracterizaban por los hombres que llevaban un gorro cónico (Kulha) sobre el cual se colocaban turbantes. El grupo de pinturas de Kulhadar estaba compuesto por Chaurapanchasika – "Cincuenta versos del ladrón" de Bilhan, el Gita Govinda, el Bhagavata Purana y Ragamala.

Impulsada por las conquistas islámicas, a mediados y finales del siglo XVI la influencia de Asia central comenzó a infiltrarse en la representación artística india. El uso de láminas de oro y azul ultramar, derivado del lapislázuli importado, fueron dos ejemplos de estas influencias persas que se incorporaron a la pintura india. Los manuscritos de Laur Chanda, conservados en el Museo Nacional, son un claro ejemplo de dicha influencia.

Varios estilos diferentes de pintura rajput se desarrollaron a partir de finales del siglo XVI en las cortes reales hindúes de Rajputana . ^{[ 41 ] [ 42 ]} Cada reino rajput desarrolló un estilo distintivo, pero con ciertas características comunes. Las pinturas rajput representan una variedad de temas, eventos de epopeyas como el Ramayana y el Mahabharata , la vida de Krishna, hermosos paisajes y figuras humanas. Muchas miniaturas eran piezas individuales de álbumes, pero también hay libros ilustrados, y al mismo tiempo hubo algunas pinturas murales en las paredes de palacios, fortalezas y havelis . Esto fue especialmente cierto en la región de Shekhawati , donde los comerciantes marwaris , principalmente activos en las grandes ciudades, competían por tener exteriores pintados con colores brillantes en las casas que mantenían en su región natal.

La pintura rajput se compone de cuatro grupos principales:

• La escuela de Mewar que incluye los estilos de pintura Chavand , Nathdwara , Devgarh , Udaipur y Sawar.
• La escuela Marwar que comprende el estilo de pintura Kishangarh , Bikaner de los estilos Bikaner , Jodhpur , Nagaur , Pali y Ghanerao.
• La escuela Hadoti con los estilos Kota , Bundi y Jhalawar y
• La escuela Dhundar de Amber , Jaipur , pintura Shekhawati y estilos de pintura Uniara

La pintura Pahari es la extensión más septentrional del estilo Rajput, pero generalmente se trata por separado.

El estilo Pahari , también conocido como estilo de las colinas del Punjab, se desarrolló y floreció entre los siglos XVII y XIX, extendiéndose desde Jammu hasta Almora y Garhwal , en la India subhimalaya , a través de Himachal Pradesh . ^{[ 43 ]} Las pinturas Pahari se pueden agrupar en dos grupos: la escuela de Jammu o Dogra; y la escuela de Basholi y Kangra. ^{[ 44 ]} Cada una creó marcadas variaciones dentro del género, que van desde la audaz e intensa pintura Basohli , originaria de Basohli en Jammu y Cachemira , hasta las delicadas y líricas pinturas Kangra , que se convirtieron en sinónimo del estilo antes de que se desarrollaran otras escuelas de pintura. ^{[ 43 ] [ 42 ]}

Un manuscrito del Nimatnama pintado en Mandu, durante el reinado de Nasir Shah (1500-1510), marcó una nueva tendencia en la ilustración de manuscritos. Este representa una síntesis del estilo autóctono y el estilo persa patrocinado, aunque este último predominó en los manuscritos de Mandu. Existía otro estilo pictórico conocido como Lodi Khuladar que floreció en el norte de la India, bajo dominio del Sultanato, desde Delhi hasta Jaunpur.

La pintura de Mysore es una forma importante de pintura clásica del sur de la India, originaria de la ciudad de Mysore , en Karnataka. Estas pinturas se caracterizan por su elegancia, sus colores suaves y su atención al detalle. La mayoría de ellas representan dioses y diosas hindúes , así como escenas de la mitología hindú . En la actualidad, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy apreciado durante las festividades en el sur de la India.

El proceso de creación de una pintura de Mysore consta de varias etapas. La primera consiste en realizar el boceto preliminar de la imagen sobre la base. Esta base se compone de papel de dibujo pegado sobre una base de madera. Se prepara una pasta de óxido de zinc y goma arábiga llamada "pasta de yeso". Con un pincel fino, se pintan las joyas y las partes del trono o el arco que presentan relieve, creando un ligero efecto de talla. Se deja secar. Sobre esta capa se pega una fina lámina de oro. El resto del dibujo se pinta con acuarelas, utilizando únicamente colores apagados.

La pintura de Tanjore es una importante forma de pintura clásica del sur de la India , originaria de la ciudad de Tanjore en Tamil Nadu. Este arte se remonta a principios del siglo IX, un periodo dominado por los gobernantes Chola , quienes fomentaron el arte y la literatura. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, sus ricos colores y su atención al detalle. La mayoría de ellas representan dioses y diosas hindúes y escenas de la mitología hindú . En la actualidad, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy apreciado durante las festividades en el sur de la India.

El proceso de creación de una pintura Tanjore consta de varias etapas. La primera consiste en realizar el boceto preliminar de la imagen sobre la base. Esta base se compone de una tela pegada sobre una base de madera. A continuación, se mezcla polvo de tiza u óxido de zinc con adhesivo soluble en agua y se aplica sobre la base. Para alisar la superficie, a veces se utiliza un abrasivo suave . Una vez realizado el dibujo, se decoran las joyas y las vestimentas de la imagen con piedras semipreciosas. También se utilizan encajes o hilos para decorar las joyas. Sobre esto, se pegan las láminas de oro. Finalmente, se utilizan tintes para dar color a las figuras de la pintura.

Pattachitra se refiere a la pintura clásica de Odisha y Bengala Occidental , en la región oriental de la India. 'Patta' en sánscrito significa 'Vastra' o 'vestimenta' y 'chitra' significa pinturas.

Patachitra de la aldea de Naya

Patachitra de la aldea de Naya

La diosa Durga y su familia en Medinipur Patachitra

El Patachitra de Bengala

El Patachitra de Bengala se refiere a la pintura de Bengala Occidental . Es un patrimonio tradicional y mitológico de Bengala Occidental . El Patachitra de Bengala se divide en diferentes aspectos como Durga Pat , Chalchitra , Patachitra Tribal , Medinipur Patachitra y Kalighat Patachitra . ^{[ 45 ]} La temática del Patachitra de Bengala es principalmente mitológica, historias religiosas, folclore y social. El Kalighat Patachitra, la última tradición del Patachitra de Bengala, fue desarrollado por Jamini Roy . El artista del Patachitra de Bengala se llama Patua . ^{[ 46 ]}

La tradición del Orisha Pattachitra está estrechamente ligada al culto del Señor Jagannath . Aparte de la evidencia fragmentaria de pinturas en las cuevas de Khandagiri y Udayagiri y los murales de Sitabhinji del siglo VI d. C., las pinturas autóctonas más antiguas de Odisha son el Pattachitra realizado por los Chitrakars (los pintores se llaman Chitrakars). ^{[ 47 ]} El tema de la pintura Oriya se centra en la secta Vaishnava . Desde el comienzo de la cultura Pattachitra, el Señor Jagannath, que fue una encarnación del Señor Krishna, fue la principal fuente de inspiración. El tema del Patta Chitra es principalmente mitológico, historias religiosas y folclórico. Los temas principales giran en torno al Señor Jagannath y Radha - Krishna , los diferentes "Vesas" de Jagannath , Balabhadra y Subhadra , las actividades del templo, las diez encarnaciones de Vishnu basadas en el ' Gita Govinda ' de Jayadev , Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana y Mahabharata . También se pintan retratos individuales de dioses y diosas. Los pintores utilizan colores vegetales y minerales en lugar de pinturas para carteles fabricadas en fábrica. Preparan sus propios colores. El color blanco se obtiene de las conchas de caracol mediante un proceso muy peligroso de pulverización, ebullición y filtrado. Requiere mucha paciencia. Pero este proceso le da brillo y permanencia al tono . El 'Hingula', un color mineral, se usa para el rojo. El 'Haritala', rey de los ingredientes de piedra, para el amarillo, y el 'Ramaraja', una especie de índigo, para el azul. Se utiliza negro de humo puro o negro preparado a partir de la combustión de cáscaras de coco. Los pinceles que utilizan estos 'Chitrakaras' también son autóctonos y están hechos de pelo de animales domésticos. Un mechón de pelo atado al extremo de una vara de bambú forma el pincel. Es realmente asombroso cómo estos pintores logran líneas de tal precisión y acabado con la ayuda de estos pinceles tan rudimentarios. Esta antigua tradición de la pintura oriya aún perdura hoy en día en las hábiles manos de los Chitrakaras (pintores tradicionales) en Puri , Raghurajpur , Paralakhemundi , Chikiti y Sonepur .

La pintura de Assam experimentó un gran auge en respuesta al movimiento neovaisnavista que comenzó en el siglo XV, e incluso recibió el patrocinio real de diversas clases monárquicas de la época. La pintura de manuscritos de Assam continuó floreciendo hasta la decadencia del reino Ahom .

La pintura Madhubani es un estilo pictórico que se practica en la región de Mithila, en el estado de Bihar. ^{[ 48 ]} Los temas giran en torno a los dioses y la mitología hindú, junto con escenas de la corte real y eventos sociales como bodas. Generalmente, no se deja ningún espacio vacío; los huecos se rellenan con pinturas de flores, animales, pájaros e incluso diseños geométricos. En estas pinturas, los artistas utilizan hojas, hierbas y flores para elaborar los colores que emplean para pintar.

Con el inicio del dominio de la Compañía en la India en el siglo XVIII, un gran número de europeos emigraron a la India. El estilo de la Compañía es un término que designa un estilo híbrido indoeuropeo de pintura realizado en la India por artistas indios y europeos, muchos de los cuales trabajaron para mecenas europeos en la Compañía Británica de las Indias Orientales u otras compañías extranjeras en los siglos XVIII y XIX. ^{[ 49 ] [ 31 ]} Este estilo fusionó elementos tradicionales de la pintura rajput y mogol con un tratamiento más occidental de la perspectiva, el volumen y la profundidad.

A principios del siglo XVIII, la pintura al óleo y de caballete comenzó a desarrollarse en la India, lo que atrajo a numerosos artistas europeos, como Zoffany , Kettle , Hodges , Thomas y William Daniell , Joshua Reynolds , Emily Eden y George Chinnery, que viajaron allí en busca de fama y fortuna. Las cortes de los principados indios representaban un importante atractivo para los artistas europeos debido a su mecenazgo de las artes visuales y escénicas. Para los artistas indios, esta influencia occidental, en gran medida resultado del colonialismo, se consideraba un medio para el perfeccionamiento personal, y estos artistas académicos occidentales que visitaron la India les sirvieron de modelo. ^{[ 50 ]} Sin embargo, no les proporcionaron la formación necesaria. Según R. Siva Kumar, «esta tarea, que recayó en las diversas escuelas de arte establecidas en la década de 1850, dio un marco institucional a la occidentalización del arte indio». ^{[ 50 ]}

Las primeras escuelas de arte formales en la India, a saber, el Colegio Gubernamental de Bellas Artes en Madrás (1850), el Colegio Gubernamental de Arte y Artesanía en Calcuta (1854) y la Escuela de Arte Sir JJ en Bombay (1857), fueron establecidas. ^{[ 51 ]}

Raja Ravi Varma fue un pionero de la pintura india moderna. Se inspiró en tradiciones y técnicas occidentales, incluyendo la pintura al óleo y la pintura de caballete, con temas puramente indios, como deidades hindúes y episodios de las epopeyas y los Puranas . Algunos otros pintores indios prominentes nacidos en el siglo XIX son Mahadev Vishwanath Dhurandhar (1867–1944), AX Trindade (1870–1935), ^{[ 52 ]} MF Pithawalla (1872–1937), ^{[ 53 ]} Sawlaram Lakshman Haldankar (1882–1968) y Hemen Majumdar (1894–1948).

En el siglo XIX, según R. Siva Kumar, «la occidentalización selectiva para el automejoramiento dio paso a una postura cultural nacionalista contrapuesta hacia el cambio de siglo; universalmente, el primer paso hacia la resistencia política al dominio colonial». ^{[ 54 ]} En la práctica, esto se materializó como una asimilación de «diversos elementos asiáticos», expandiendo la tradición más que reviviéndola. ^{[ 54 ]} El artista más destacado de la época, Abanindranath Tagore (1871-1951), utilizó tanto el realismo de influencia occidental como elementos asiáticos que lo acercaron al «modernismo temprano». ^{[ 54 ]}

La reacción a la influencia occidental propició un resurgimiento del arte indio histórico y más nacionalista, conocido como la escuela de arte de Bengala , que se nutrió del rico patrimonio cultural de la India.

La Escuela de Arte de Bengala fue un estilo artístico influyente que floreció en la India durante el Raj británico a principios del siglo XX. Si bien estuvo asociada al nacionalismo indio, también fue promovida y apoyada por numerosos administradores artísticos británicos.

La escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionaba contra los estilos artísticos académicos promovidos previamente en la India, tanto por artistas indios como Ravi Varma como en las escuelas de arte británicas. Tras la amplia influencia de las ideas espirituales indias en Occidente, el profesor de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en la Escuela de Arte de Calcuta animando a los estudiantes a imitar las miniaturas mogolas . Esto causó una gran controversia, que derivó en una huelga estudiantil y quejas de la prensa local, incluyendo a nacionalistas que lo consideraron un retroceso. Havel contó con el apoyo del artista Abanindranath Tagore , sobrino del poeta y artista Rabindranath Tagore . ^{[ 31 ] [ 55 ]} Abanindranath pintó varias obras influenciadas por el estilo pictórico de Ajanta, un estilo que él y Havel creían que expresaba las cualidades espirituales distintivas de la India, en contraposición al «materialismo» de Occidente. Su cuadro más conocido, Bharat Mata (Madre India), representa a una joven, retratada con cuatro brazos a la manera de las deidades hindúes, sosteniendo objetos que simbolizan las aspiraciones nacionales de la India.

Posteriormente, Tagore intentó establecer vínculos con artistas del Lejano Oriente como parte de su aspiración a construir un modelo artístico panasiático . Entre los asociados con este modelo indo-oriental se encontraban Nandalal Bose , Mukul Dey , Kalipada Ghoshal , Benode Behari Mukherjee , Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal , Beohar Rammanohar Sinha y, posteriormente, sus alumnos A. Ramachandran , Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay y algunos otros.

La influencia de la escuela de Bengala en el panorama artístico indio comenzó a disminuir gradualmente con la difusión de las ideas modernistas tras la independencia. El papel de KG Subramanyan en este movimiento es significativo.

El término Modernismo Contextual , utilizado por Siva Kumar en el catálogo de la exposición, ha surgido como una herramienta crítica poscolonial para comprender el arte que practicaban los artistas de Santiniketan.

Se han utilizado varios términos, como la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow, para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall argumenta que «modernismo contextual» es un término más apropiado porque «lo colonial en la modernidad colonial no contempla la negativa de muchos en situaciones colonizadas a internalizar la inferioridad. La negativa a la subordinación de los profesores artistas de Santiniketan incorporó una contravisión de la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsó y caracterizó la modernidad y el modernismo imperiales occidentales. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de un poder colonial británico triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaban esencialismos similares». ^{[ 56 ]}

Según R. Siva Kumar , «los artistas de Santiniketan fueron de los primeros en desafiar conscientemente esta idea de modernismo, rechazando tanto el modernismo internacionalista como el historicismo indígena, e intentando crear un modernismo sensible al contexto». ^{[ 57 ]} Llevaba estudiando la obra de los maestros de Santiniketan y reflexionando sobre su enfoque del arte desde principios de los años 80. La práctica de englobar a Nandalal Bose , Rabindranath Tagore , Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee bajo la Escuela de Arte de Bengala era, según Siva Kumar, engañosa. Esto se debía a que los primeros autores se guiaban por las genealogías del aprendizaje en lugar de por sus estilos, visiones del mundo y perspectivas sobre la práctica artística . ^{[ 57 ]}

El crítico literario Ranjit Hoskote, al reseñar las obras del artista contemporáneo Atul Dodiya, escribe: «El contacto con Santinketan, a través de un desvío literario, le abrió los ojos a Dodiya sobre las circunstancias históricas de lo que el historiador de arte R. Siva Kumar ha llamado un “modernismo contextual” desarrollado en el este de la India en las décadas de 1930 y 1940 durante los turbulentos años de la Gran Depresión, la lucha de liberación gandhiana, el renacimiento cultural tagoreano y la Segunda Guerra Mundial». ^{[ 58 ]}

El modernismo contextual en el pasado reciente se ha utilizado en otros campos de estudio relacionados, especialmente en arquitectura . ^{[ 59 ]}