James Harithas

James Harithas (1 de diciembre de 1932 - 23 de marzo de 2023) fue un curador, director y fundador de un museo estadounidense.

Menelaus James "Jim" Harithas nació en Lewiston, Maine , el mayor de tres hijos. Su padre, Nikolaus, era abogado y juez del condado, que había emigrado de Grecia para asistir a la Universidad de Yale . Su madre, Terpsichore Seferlis, era sobrina nieta de un primer ministro griego. Pintaba al óleo y tocaba el piano y el violín. ^[1]

Nikolaus sirvió en el ejército de los EE. UU. La familia se mudó con frecuencia. Después de la Segunda Guerra Mundial, estuvieron destinados en la Alemania ocupada , un entorno caótico y sin ley. James regresó a los EE. UU. en 1953. ^[2]

Se matriculó en la Universidad de Maine en Orono, pero la abandonó después de tres semestres. ^[2] En un viaje para visitar a sus padres en 1948, Harithas quedó asombrado por una exposición de pintores expresionistas abstractos en Frankfurt. Unos años más tarde, vio obras de Jackson Pollock y le causaron un "efecto abrumador". Las experiencias cambiaron su vida. ^[3] Dejó la escuela y viajó a autostop a la ciudad de Nueva York para convertirse en pintor ^[4] a la manera de Pollock, Kline o de Kooning . ^[2]

Debido a que su madre pintaba, el interés de Harithas por el arte se despertó cuando era bastante joven. Dibujaba y hacía garabatos en la escuela, ganando premios por su trabajo. Comenzó a pintar a los 18 años. ^[5] Mientras perseguía una carrera artística, trabajó como lavaplatos en un establecimiento de la calle 72 y como manipulador de equipaje en el Hotel New Yorker . ^[2]

En 1954, fue reclutado por el ejército y estuvo destinado en Francia durante la guerra de Argelia . Después de su baja del servicio en 1956, permaneció en Francia. En 1957, fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de Nancy, pero no tardó en regresar a los Estados Unidos ^[4]

Terminó su licenciatura en la Universidad de Maine. ^[4] Su campo de estudio incluía ciencias políticas, historia, filosofía y arte. ^[3] Obtuvo un MFA de la Universidad de Pensilvania . Después de graduarse, trabajó limpiando máquinas de azúcar en la refinería de azúcar Quaker en Filadelfia mientras simultáneamente hacía arte. ^[4]

En 1958 se casó con Christiana Bakas, con quien tuvo tres hijas, Ifienia, Thalia y Amalia. ^[6]

Harithas consiguió un puesto de curador en el Museo De Cordova en 1962. Aunque era en gran medida un museo regional, pudo mostrar obras de Andy Warhol y Hans Haacke . ^{[2] [7]}

Al año siguiente, Harithas fue nombrado Curador de la Colección del Museo de Arte de Phoenix . ^[8] Sus logros notables allí incluyeron una exposición de Paolo Soleri que luego se mostró en la Galería Corcoran y el Museo Whitney , así como una exposición mexicana contemporánea que recibió atención nacional. ^[2]

Después de dos años en Phoenix, Harithas fue contratado como curador por el Corcoran en Washington, DC. Ascendió al puesto de director asistente. En 1968, se convirtió en director. ^[2]

En esa época, Washington DC era el epicentro de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra. Harithas asistió a manifestaciones contra la guerra y a la Marcha sobre el Pentágono . Su compromiso con el arte de protesta se solidificó durante los años turbulentos. ^[2] Creyendo que el museo debía responder a la agitación social causada por los disturbios raciales en la ciudad, abrió un centro de distribución de alimentos en una de las galerías y aumentó el número de exposiciones de artistas afroamericanos que se celebraban allí. ^[9]

En 1967, Scale as Content llevó tres esculturas monumentales a lugares fuera del Corcoran. La pieza de Barnett Newman , de 3 toneladas de acero Cor-Ten con forma de obelisco invertido en equilibrio sobre la punta de una pirámide, se colocó en una esquina entre el museo y el National Mall con vista al Monumento a Washington . Broken Obelisk despertó una considerable controversia ya que parecía aludir a políticas gubernamentales rotas y al revés durante una época de disturbios civiles. ^[10]

En 1969, Harithas inició un nuevo enfoque para la Bienal Corcoran. La 31.ª Bienal cambió el tono, la dirección y el proceso que regirían las bienales posteriores. Puso fin al antiguo proceso de selección por jurado y asumió la responsabilidad total de invitar a todos los participantes. También reconfiguró el formato de la exposición y creó veintitrés exposiciones individuales independientes distribuidas por todo el museo. La muestra siguió centrándose en la pintura abstracta a color, pero Harithas se concentró en artistas más jóvenes que rara vez se habían visto en un contexto museístico y en artistas que habían hecho contribuciones significativas a la pintura estadounidense pero que habían recibido poco reconocimiento. ^[11]

Después de nueve meses como director, Harithas agotó su bienvenida en el Corcoran y regresó a Nueva York, donde enseñó en el Hunter College y la Escuela de Artes Visuales . ^[3] Cuando Harithas se fue, Barnett Newman retiró el Obelisco roto en una muestra de solidaridad. La escultura terminaría en la Capilla Rothko en Houston. ^[10]

De 1971 a 1974, Harithas fue director del Museo de Arte Everson en Syracuse, Nueva York . Más tarde dijo que algunos de los mejores trabajos se hicieron allí: exposiciones individuales de Nam June Paik , Joan Mitchell , Norman Bluhm , Marilyn Minter y Hermann Nitsch , y programas activistas con Daniel Berrigan y Leonard Crow Dog . ^[2]

En 1972, le ofreció a Yoko Ono su primera exposición en un museo, This is Not Here . En ese momento, muy pocas mujeres tenían exposiciones. Harithas también pensó que el movimiento Fluxus que ella representaba era importante. La exposición abarcó todo el museo. Yoko invitó a otros cincuenta artistas, incluido John Lennon, a participar. ^[12]

También fue notable la exposición individual de Elaine Sturtevant en 1973 , Sturtevant: Estudios realizados para Acción y objetos de Beuys, Duchamp, etc., incluyendo películas . Se atribuye a Harithas haber dicho de Sturtevant: "Es un personaje tan místico y misterioso como cualquiera que uno quisiera encontrar en el mundo del arte". ^[13]

Al llegar a Syracuse, Harithas contrató a David Ross, un recién graduado de la universidad, como Curador de Videoarte del Everson. El trabajo fue el primer puesto de este tipo en cualquier lugar del país. Harithas y Ross convirtieron el Everson en un centro de videoarte. Nam June Paik y Charlotte Moorman interpretaron una versión temprana del icónico Video Cello de Paik en 1972. ^[14] (Ross pasó a dirigir el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston , el Museo Whitney y el Museo de Arte Moderno de San Francisco ). En 1973, el Everson albergó una exposición individual de un mes de duración que presentaba el trabajo del videoartista Frank Gillette . Parte del esfuerzo de Harithas por hacer del museo una institución pionera para el medio, la muestra fue la primera en dedicar las cuatro galerías superiores a un videoartista. ^[15]

Harithas también pasó mucho tiempo trabajando con la población carcelaria del centro de Nueva York. Durante los disturbios de Attica , impartió clases en el centro penitenciario de Auburn, donde fue mentor de artistas como Juan Alberto Cruz. Harithas creía que un programa de bellas artes en prisión podía ofrecer un "marco creativo en el que el estudiante pudiera explorar su relación visual e intelectual con el 'interior' así como con el 'exterior' y disipar o lidiar con fantasías irracionales o inexplicables". ^[16] Una exposición del Smithsonian de 1973 titulada From Within surgió del programa. ^[14]

Harithas dejó el Everson en 1974 para trasladarse al Museo de Arte Contemporáneo de Houston. Aunque se sentía razonablemente feliz en Syracuse, la reubicación le proporcionaría una puerta de entrada a México y Sudamérica, que deseaba explorar. Además, tenía vínculos familiares con la región. ^[1]

Sus colegas le dijeron a Harithas que mudarse a Houston lo alejaría demasiado del mundo del arte convencional y arruinaría su carrera. ^[17] Pero lo vio como un desafío que también satisfacía su necesidad de escapar de la esfera de influencia de la ciudad de Nueva York y pensar en el arte “como una actividad fundamental en lugar de un ajetreo geopolítico”. ^[1]

Durante su gestión en el CAMH (1974-1978), el museo funcionó casi como un espacio alternativo, en parte porque no podía permitirse hacer mucho más. Harithas se centró intensamente en apoyar y exhibir a los artistas de Texas . Las exposiciones eran económicas de montar y ofrecían un terreno fértil para el crecimiento del talento local. ^[18]

La primera muestra que organizó fue Art of the Lower Crust , una exposición de trabajos de miembros del personal del museo. ^[17] Una exhibición posterior, 12/Texas, trajo reconocimiento nacional a varios de la docena de participantes. ^[19] Los artistas de Texas que recibieron exhibiciones individuales, con frecuencia las primeras en el contexto de un museo, incluyeron a: Dick Wray , James Surls , Dorothy Hood , Luis Jiménez , Terry Allen , John Alexander y Mel Casas . La muestra Dále Gas , organizada por el artista y curador del CAMH Santos Martínez Jr. a pedido de Harithas, fue la primera exhibición importante de arte chicano en un museo de Texas. ^[20]

En febrero de 1976, Harithas presentó la primera muestra individual del tejano trasplantado Julian Schnabel en la galería inferior del CAMH. ^[21] En junio de ese año, una inundación repentina llenó el nivel inferior con nueve pies de agua, dañando los espacios de la galería y las oficinas, y destruyendo las obras de arte en exhibición y almacenadas. ^[22] Harithas y el artista John Alexander se pusieron equipo de buceo en un intento de salvar las obras de arte, pero docenas de pinturas, esculturas y artefactos sufrieron daños irreparables. ^[1]

El museo cerró durante meses mientras se hacían reparaciones en el edificio. Los habitantes de Houston respondieron con generosas donaciones y una campaña de recaudación de fondos que permitió que el espacio volviera a abrir en marzo de 1977. ^[19]

Harithas, que había acumulado una gran cantidad de dinero tras las inundaciones, emprendió una serie de proyectos ambiciosos. Una retrospectiva de la obra del escultor Sal Scarpitta llenó la galería superior con grandes lienzos envueltos y empapados de resina y "trineos", reproducciones detalladas de coches de carreras y la recreación de un tanque italiano de los años 40. El escultor de luz Dale Eldred instaló su Escultura Solar en la galería superior y en el exterior de metal corrugado del museo. (El museo cerró durante un mes mientras se colgaban del techo de la galería 4.000 filamentos de acero de 36,6 metros de largo pintados con colores fluorescentes y se colocaba una pancarta de mylar de 2400 metros por 6 metros en la fachada.) ^[1] En octubre de 1977, Harithas trajo al artista multidisciplinario Antoni Miralda , cuyas instalaciones, performances y acontecimientos se centraban en la comida: la cultura, la política y el ritual de lo que comemos. ^[23]

La instalación Breadline de Miralda en el CAMH incluía fotografías de comida, así como videos de la preparación y el consumo de alimentos en restaurantes locales. (De manera similar a su trabajo en Everson, Harithas había contratado a un camarógrafo del CAMH). El equipo de ejercicios Kilgore Rangerettes fue convocado para la noche de apertura para realizar su rutina de patadas altas y llevar bandejas de panes de colores del arco iris desde el nivel inferior del CAMH hasta una fila de bancos de 53 metros de largo en la galería principal. Tan pronto como un alborotador arrojaba un pan, el evento se convertía en una pelea masiva de comida y puños que se extendía a la calle. ^[3]

La debacle de Breadline , combinada con la disminución de los fondos y la falta de fe en el liderazgo de Harithas, llevó a la junta a contratar a un gerente comercial con poder tácito sobre el director y con un salario igual al suyo (el hecho de que Harithas hubiera propuesto incluir los escritos de Charles Manson en una próxima muestra no ayudó). La junta incluso contempló la posibilidad de que el CAMH siguiera existiendo y consideró fusionarse con el Museo de Bellas Artes de Houston . Indignado por la idea de un codirector, Harithas presentó su renuncia en mayo de 1978. ^[1]

Poco después de su llegada a Houston, Harithas conoció a su segunda esposa, Ann O'Connor Williams Robinson . Nacida en una prominente familia de ganaderos y petroleros de Texas, Ann había estado interesada en el arte desde la infancia. ^[1] Con su primer marido, fundó la Galerie Ann en Houston en 1970. Cuando se divorciaron en 1977, ella se hizo cargo del espacio y lo rebautizó como Robinson Galleries. Su primera colaboración con el CAMH fue una exposición posterior a la inundación, organizada por Harithas, de su colección de muñecas Kachina . También hizo generosas donaciones al museo. ^[1]

En septiembre de 1978, ella y Jim se casaron. ^[24] La pareja sería la pareja poderosa de la escena artística de Houston durante las décadas siguientes, dedicándose a artistas locales y regionales, así como a aquellos que trabajaban con contenido política y socialmente comprometido. ^[3]

Junto con Ann, Harithas fundó el Museo del Automóvil Artístico , también conocido como Garage Mahal , en 1998. Este centro de arte privado, sin fines de lucro, está dedicado al arte contemporáneo. La misión del museo es servir como "un foro de exposiciones para artistas locales, nacionales e internacionales, con énfasis en los autos artísticos, otras bellas artes y artistas que rara vez, o nunca, son reconocidos por otras instituciones culturales". ^[25]

La pareja fue una de las primeras en apoyar el movimiento Art Car. La exposición Collision en Lawndale Art Center (1984), comisariada por Ann Harithas, presentó el Mad Cad de Larry Fuente, un Cadillac Sedan de Ville de 1960 con cuentas y lentejuelas encargado por Ann. Más tarde, construyó el coche artístico Swamp Mutha , a partir de un Monte Carlo de 1982, con Jesse Lott. Este interés se manifestaría finalmente en el Art Car Museum y en un desfile anual de coches artísticos . ^[25]

Al igual que en todos los espacios de Jim y Ann Harithas, el Art Car Museum presentó sin miedo obras abiertamente políticas. La semana después del 11 de septiembre , el museo inauguró una exposición contra las políticas internacionales de la administración de George W. Bush . Cuando el FBI y el Servicio Secreto intentaron interferir en la muestra, la comunidad se opuso. Un editorial principal del Houston Chronicle sugirió que el FBI se mantuviera alejado del mundo del arte y buscara terroristas en otros lugares. ^[2]

Ann y Jim establecieron el Museo de Arte Contemporáneo de la Estación en 2001 con el objetivo de proporcionar "un recurso que profundice y amplíe la conciencia pública de las dimensiones culturales, políticas, económicas y personales del arte". ^[26]

Sin una junta directiva, Harithas fue libre de seguir sus pasiones curatoriales: el trabajo de artistas locales o grupos de artistas foráneos , a menudo el de voces de protesta subrepresentadas o no descubiertas. ^[26] Durante sus 20 años de funcionamiento, el Museo de la Estación montó exposiciones que abordaban las preocupaciones de los palestinos, los iraquíes, la comunidad LGBTQ , las personas de color, los indígenas estadounidenses y otros que cuestionan "la moralidad y la ética de la sociedad". ^[27]

La mayoría de las exposiciones del Museo de la Estación tenían una postura política fuerte, que Harithas intentó fusionar con imágenes que iban más allá de la mera ilustración. En las mejores, dijo Harithas, la obra se convierte en "una ventana a un mundo donde la política y la dimensión estética [están] unificadas". ^[2]

Los resultados podrían ser controvertidos. En junio de 2017, un grupo de manifestantes se reunió fuera del museo para protestar contra una exposición de fotografías de "tortura" escenificadas por Andrés Serrano . En particular, se opusieron a la exhibición de la infame fotografía de 1987 Inmersión ( Piss Christ ) , que también estaba en la muestra. El museo estaba al tanto de la protesta antes de que comenzara y publicó en su página de Facebook antes del inicio de la manifestación: "Apoyamos la libertad de reunión y de decir la verdad al poder, y nos gustaría invitar a nuestra comunidad a salir y mostrar su apoyo al Museo de la Estación para defender la libertad de expresión y de palabra". ^[28]

En 2016, la pareja abrió un tercer museo privado. El Museo Five Points en Victoria, Texas , también se centra en el arte contemporáneo y organiza su propio desfile de autos artísticos. ^[29] La extensión comunitaria y la educación artística son parte de la misión de la institución. ^[30]

Las exposiciones en Five Points se centran principalmente en coches artísticos, pero el museo ha albergado obras de algunos de los artistas activistas favoritos de Harithas, entre ellos Mel Chin y Clark V. Fox . También se ofrecen teatro en vivo y proyecciones de películas. ^[31]

Harithas siguió comprometido con el Museo de la Estación hasta su muerte. En 2022 concedió una entrevista y produjo un catálogo para Clark V. Fox: Subversion and Spectacle , la última muestra en el espacio. ^[32] En noviembre de 2022, el personal del museo anunció que la instalación suspendería las exhibiciones públicas y la programación hasta nuevo aviso (lo que en realidad supuso el cierre del museo). ^[33]

En una época avanzada de su vida, le dijo a un periodista: "Me gusta mostrar cosas que están muy alejadas de lo convencional y ver cuál es el resultado... Si se sigue la historia del arte, se ve que las contribuciones se hacen muy a menudo en los extremos por parte de alguien que ha logrado abrirse paso con una idea diferente... El arte moderno se ha alejado de la idea de que hay que dibujar de cierta manera o ilustrar de cierta manera para ser artista. Un artista es simplemente alguien que expone algo apasionadamente en lo que a mí respecta. Ya sabes, visualmente a través de su arte, utilizando los materiales que quiere". ^[12]

Harithas murió en Houston el 23 de marzo de 2023, a la edad de 90 años. ^[4]