Cady Noland

Cady Noland (nacida en 1956) es una escultora , grabadora y artista de instalaciones estadounidense que trabaja principalmente con objetos encontrados e imágenes apropiadas . Su obra, a menudo realizada con objetos que denotan peligro, industria y patriotismo estadounidense, aborda nociones de la promesa fallida del sueño americano , la división entre la fama y el anonimato y la violencia en la sociedad estadounidense, entre otros temas. El crítico de arte Peter Schjeldahl llamó a Noland "una poeta oscura del inconsciente nacional". ^[1]

También es conocida por sus numerosas disputas y demandas con museos, galerías y coleccionistas por el manejo de su obra, así como por su renuencia a ser identificada públicamente, habiendo permitido solo que se publicaran dos fotografías de ella misma.

Noland ha participado en varias exposiciones de alto perfil, entre ellas la 44.ª Bienal de Venecia (1990), la Bienal del Whitney (1991) y la Documenta 9 (1992). Después de exponer ampliamente su arte en las décadas de 1980 y 1990 con gran éxito, Noland dejó de presentar su trabajo durante casi dos décadas. Comenzó a exponer nuevamente a fines de la década de 2010, organizando una retrospectiva en un museo en 2018 y exhibiciones de nuevos trabajos a principios de la década de 2020.

Una importante muestra museística de la obra de Noland, su primera en los Estados Unidos, se exhibe actualmente en Glenstone en Potomac, Maryland , hasta el 23 de febrero de 2025.

Cady Noland nació en 1956 en Washington, DC, hija de Kenneth Noland y Cornelia Langer. ^[2]

Kenneth era un conocido pintor de campos de color y Langer, también artista, era copropietario de una tienda de ropa y accesorios en Alexandria, Virginia , aunque los dos se divorciaron en 1957. ^[3] Después del divorcio, Kenneth se mudó a Nueva York para vivir en el Chelsea Hotel antes de comprar una propiedad en Shaftsbury, Vermont ; Langer finalmente se volvió a casar con el Dr. Donald J. Reis en 1985. ^[3] El crítico de arte Robert Hughes escribió antes de su muerte que Kenneth había sido un miembro activo del culto de psicoterapia sullivaniano dirigido por Saul B. Newton , que alentaba a los participantes a descartar sus relaciones familiares; ^[4] Langer fue fotografiado más tarde para un artículo en The New York Times sobre un juicio por custodia relacionado con el culto y fue identificado con otras dos mujeres como "parientes de miembros del colectivo sullivaniano". ^[5]

Noland creció en Nueva York, ^[6] a veces pasando tiempo en la propiedad de su padre en Vermont. ^[3] Asistió al Sarah Lawrence College , el alma mater de Langer, y se mudó a Manhattan después de graduarse. ^[7] Mientras estaba en la universidad, estudió con el profesor de sociología Stephen N. Butler, a quien más tarde citaría como una influencia en su trabajo. ^[8]

Hablando como adulta sobre su ciudad natal, Washington, Noland dijo que era "una ciudad de fachadas", y agregó: "¿Qué hay detrás de eso? ¡Somos hipócritas! Estoy tratando de romper la fachada, de mezclar las cosas". ^[9] También dijo que crecer en torno a la práctica de su padre como artista la ayudó a comprender las maquinaciones del mundo del arte desde una edad temprana: " Para mí, los comerciantes ya estaban desmitificados". ^[10]

Tras mudarse a Nueva York, Noland comenzó a hacer obras de arte con objetos encontrados en 1983. ^[11] Entre sus primeras obras se encuentra Total Institution (1984), una escultura de ensamblaje multimedia creada con un auricular de teléfono, un asiento de inodoro, un pollo de goma y otros objetos colgados de un estante en una pared. ^[6] En 1987, Noland creó una conferencia de diapositivas titulada "Hacia un metalenguaje del mal", que presentó en la Conferencia Internacional sobre las Expresiones del Mal en la Literatura y las Artes Visuales, una conferencia académica en Atlanta. La conferencia exploró la investigación de Noland sobre la psicopatología , con un enfoque en la violencia social de lo que ella llamó el hombre estadounidense "exitoso". ^[12]

En 1988, Noland asistió a una jornada de puertas abiertas para artistas en la galería sin fines de lucro White Columns , donde mostró imágenes Polaroid de su arte al director de la galería, Bill Arning. ^[2] Arning dijo más tarde que las imágenes lo confundieron, ya que las instalaciones en las fotografías no parecían obras de arte tradicionales, sino más bien colecciones de objetos: "No podía decir dónde estaba el arte. Ella estaba haciendo estas piezas de instalación. Y yo estaba fascinado". ^[2] Después de visitar el estudio de Noland, Arning la invitó a presentar su primera exposición individual en una galería en White Columns. ^[2] Noland pasó tanto tiempo finalizando las obras en la galería que Arning le dio las llaves para que cerrara cuando se fuera a casa por la noche. ^{[7] [2]}

La exposición de Noland en White Columns, White Room: Cady Noland , se inauguró en marzo de 1988. ^[13] Las obras de la exposición se realizaron con equipos médicos como bolsas intravenosas y andadores y materiales industriales como tapetes de goma y cables puente , ^[2] junto con una representación serigrafiada de una pistola. ^[7] También instaló una barra de metal en la puerta, obligando a los visitantes a agacharse para entrar. ^[7] La ​​periodista Julia Halperin ha descrito la exposición como "una mezcla entre una oficina de Seguridad Social, una estación de policía y un hospital". ^[7] Cuando Arning vio por primera vez la instalación de Noland después de regresar a la galería, dijo: "Tuve la sensación de que había sucedido algo significativo, históricamente del arte". ^[7] Dijo que inmediatamente llamó a los clientes de la galería para decirles "Miren, algo realmente importante sucedió aquí, y creo que necesitan verlo". ^[2] La exposición de Noland recibió un amplio reconocimiento de la crítica en publicaciones de arte y pronto fue invitada a participar en varias exposiciones de alto perfil en los Estados Unidos e internacionalmente. ^[7] En noviembre de 1988, ^[14] Noland realizó su primera exposición individual fuera de los Estados Unidos, ^[15] en la Galerie Westersingel 8 en Rotterdam , que presentó construcciones de espejos en técnica mixta. ^[16] La exposición de Noland fue parte de una serie de espectáculos de artistas con sede en Nueva York organizados en conjunto con el festival cultural de Rotterdam de 1988. ^[14]

Noland expuso en solitario en la galería American Fine Arts Co. de Colin de Land en abril de 1989, presentando múltiples obras centradas en el asesinato de Abraham Lincoln . ^[17] Serigrafió imágenes históricas de las botas de Lincoln, el traje que llevaba cuando le dispararon y el catre ensangrentado en el que murió, ^[18] junto con fragmentos de texto de un informe de noticias minuto a minuto del asesinato, sobre paneles de metal que apoyó contra la pared. ^[19] También exhibió varias instalaciones de objetos encontrados, incluida Our American Cousin , un recinto de metal similar a un bolígrafo en el centro de la galería lleno de latas de cerveza vacías, andadores apilados, esposas, una parrilla de barbacoa, matrículas y panecillos de hamburguesa. ^[20] La obra se tituló en honor a la obra que Lincoln había estado viendo la noche en que fue asesinado. ^{[21] [17]} Otras instalaciones que mostró en la exposición incluyeron Celebrity Trash Spill , una obra exhibida en el piso con una copia del New York Post con el titular " Abbie Hoffman Dead", ^[20] y The American Trip , una escultura de ensamblaje que presenta una bandera estadounidense combinada con una variante de la Jolly Roger . ^[22] Además, Noland usó barras de metal instaladas alrededor del espacio para bloquear el acceso a ciertas áreas, incluidas las barras situadas alrededor del mostrador de recepción de la galería, las barras que bloqueaban la entrada a la oficina del dueño de la galería y las barras que rodeaban el escritorio del propietario. ^{[19] [23]} Al reseñar la exposición para Arts Magazine , la crítica Gretchen Faust llamó a Our American Cousin la "pieza central" de la muestra, y agregó que la pieza "captura el sabor, realmente la esencia, de un comercial de camionetas Chevy ". ^[20] Múltiples críticos identificaron el metal cromado o brillante como un motivo visual central en el trabajo de Noland en sus reseñas de la exposición. ^[a]

En octubre de 1989, Noland realizó una exposición individual en la Mattress Factory de Pittsburgh , donde instaló This Piece Has No Title Yet . ^[2] Una de las obras más conocidas de Noland, la pieza es una instalación del tamaño de una habitación compuesta por más de 1000 paquetes de seis cervezas Budweiser apilados detrás de andamios de metal con banderas estadounidenses, esposas y otros desechos esparcidos por la habitación. ^[2] El museo tomó prestada la cerveza de un distribuidor local y tuvo que desmantelar y reconstruir la instalación tres veces durante el transcurso de la muestra para devolver la cerveza para que pudiera venderse antes de que caducara. ^[27] Noland dijo que las latas de Budweiser "sirven como una especie de 'bandera manqué '" en su arte debido a su similitud en color con las banderas estadounidenses, y describió las latas como "pequeñas unidades de maestría" por su representación visual de la producción en masa, la mercantilización y el consumo. ^[28] John Caldwell, un curador del Museo de Arte Carnegie , calificó la obra de "impresionante" e intentó sin éxito convencer a los coleccionistas locales de Pittsburgh para que la compraran, ^{[2] pero en su lugar fue adquirida por la coleccionista} Elaine Dannheisser , con sede en Nueva York . ^[29] El curador y comerciante Jeffrey Deitch más tarde llamó a la obra la "obra maestra de Noland, su mayor trabajo". ^[29]

Noland luego montó una exposición individual en la Galleria Massimo De Carlo en Milán , en diciembre de 1989, donde llenó casi por completo la galería con objetos esparcidos por el piso e instalados en las paredes ^[30] - incluyendo latas de cerveza, andadores, cuerdas elásticas, clips de metal, una aleta y un snorkel, un revólver, banderas, papas fritas y una máscara de gas. ^[31] La obra más grande de la muestra, Deep Social Space , ^[30] consistía en latas de cerveza, una bandera estadounidense, sillas de montar y mantas para caballos, una parrilla de barbacoa, un buzón rural de USPS , una muleta, paños de cocina y un delantal, panecillos de hamburguesa y contenedores de aceite de motor y avena Quaker , entre otros objetos, todos apilados y dispuestos entre y entre dos conjuntos paralelos de barras y barreras de metal. ^{[30] [32]} También instaló una gran cantidad de obras serigrafiadas, muchas de las cuales comprendían paneles de metal con imágenes de los medios e informes de la vida y las tribulaciones de la víctima de secuestro y heredera Patty Hearst , incluidas imágenes de Hearst con un uniforme de animadora, Hearst en un viaje de caza con su novio y Hearst empuñando un arma con miembros del Ejército Simbiótico de Liberación . ^[30] Noland también estrenó Oozewald , una obra de metal recortada serigrafiada que presenta una imagen de Lee Harvey Oswald , el asesino de John F. Kennedy , siendo asesinado; Noland cortó varios agujeros circulares en el recorte, incluido uno sobre la boca de Oswald, en el que metió una bandera estadounidense. ^[30] Además, Noland volvió a instalar barras y puertas de metal en toda la galería que obligaban a los espectadores a seguir ciertos caminos y les impedían ingresar a los espacios. ^[31]

Ese mismo año, Noland publicó una versión ilustrada en forma de ensayo de "Hacia un metalenguaje del mal" en el cuarto volumen de la poco conocida revista española Balcon . ^[33] El ensayo iba acompañado de ilustraciones de obras de artistas como Sherrie Levine , Peter Nagy , Steven Parrino y Barbara Kruger , junto con fotografías de archivo de accidentes automovilísticos y otros accidentes de transporte. ^[33] Más tarde, calificó el ensayo como una crítica de "un modelo del hombre emprendedor cuyos objetivos excusan todo tipo de comportamiento atroz si esos objetivos se cumplen con éxito". ^[34]

En una conversación con el cineasta John Waters y el historiador de arte Bruce Hainley en 2003, Noland dijo que un comerciante de arte anónimo había censurado su obra a finales de los años 1980. ^[35] Para una exposición colectiva, Noland instaló un poste de metal a lo largo de una puerta con una pequeña bandera estadounidense que había sido cortada en ángulo colgando del poste. Noland dijo a Waters y Hainley que el galerista anónimo se había "abalanzado sobre mí gritando e hiperventilando, 'Quité esa pieza. Las otras todavía están allí... NO PUEDEN atraer al IRS... los coleccionistas se ofendieron... ESO no, Cady... ellos tienen razón... razón'". ^[36] También contó una historia del mismo dueño de la galería que censuró el título de una obra de Parrino, ^[36] y el curador Bob Nickas confirmó más tarde que el comerciante anónimo era John Gibson . ^[37]

El trabajo de Noland fue incluido en la 44ª Bienal de Venecia en mayo de 1990, en la sección Aperto ^{de la exposición. [2]} Noland exhibió Deep Social Space , ^[32] una extensa instalación de objetos encontrados que debutó por primera vez en Milán, en 1989. ^[30] También instaló varias obras serigrafiadas con imágenes de Oswald y Hearst, imágenes publicitarias de vaqueros y una fotografía de la vivienda de una prostituta del siglo XIX en el noroeste del Pacífico. ^[32] El crítico Peter Schjeldahl , al reseñar la exposición de Mirabella , dijo que el "efecto del conjunto es drásticamente melancólico; una carga acumulativa de hechos tristes que afectan al espectador como recuerdos personales de infelicidad infantil". ^[32] Al hablar del trabajo de Noland como uno de los más populares de la exposición, el crítico Amei Wallach , escribiendo en Newsday , dijo que los coleccionistas estaban "tras [sus] pistas..." ^[38]

En julio de 1990, Noland presentó New West-Old West , ^[39] una muestra individual en la galería conjunta de Luhring Augustine Gallery y Galerie Max Hetzler en Los Ángeles. ^[2] Las obras de la exposición incluían una gran fachada de cabaña de madera, una gran escalera que conducía a una pared, un antiguo carromato del oeste , imágenes recortadas de vaqueros, paneles de metal serigrafiados con imágenes de Mary Todd Lincoln y textos sobre la historia de las pistolas Colt , junto con objetos encontrados en el suelo de la galería, incluyendo madera en bruto, un recogedor lleno de basura, latas de cerveza vacías, pollos de goma, pieles de animales y banderas. ^[39] Una sala de la exposición incluía obras que Noland creó en colaboración con diseñadores gráficos, que comprendían eslóganes y imágenes de apariencia comercial para productos o empresas imaginarias con eslóganes como "Loans My Ass", exhibidos junto con una puerta de bar, un parachoques de automóvil envuelto en plástico de burbujas, herramientas y un cráneo de vaca. ^[39] Además, Noland pidió al personal de la galería que usara atuendos estereotípicos de la frontera estadounidense, como polainas, pistoleras y sombreros de vaquero que alquiló durante la duración de la exposición, y se hizo que el personal respondiera el teléfono diciendo "hola". ^{[39] [2]} Noland dijo que los atuendos "funcionaron como una especie de actuación alternativa o adicional sobre los roles que ya estaban desempeñando" el personal en su trabajo diario, ^[40] agregando que "fue un mes muy difícil para ellos, pero fueron realmente buenos deportistas". ^[41] En una reseña de la exposición para Los Angeles Times , la crítica Kristine McKenna dijo que el espectáculo de Noland fue "un viaje salvaje a través del paisaje basura de Estados Unidos" y que "sugiere que nuestra mente colectiva es como una jaula de hámster, acolchada con una gruesa y reconfortante capa de basura". ^[39]

Los coleccionistas sólo podían comprar su obra de su exposición individual en Los Ángeles si aceptaban firmar un contrato que estipulara que Noland participaría en cualquier venta futura de la obra; el copropietario de la galería, Lawrence Luhring, dijo más tarde que Noland era "muy cautelosa" al tratar con el mercado del arte. ^[7] En 1992, Noland desarrolló un contrato similar que requería que cualquier propietario de una obra donara el 15% de las ganancias de la venta a una organización sin fines de lucro para la prevención de la falta de vivienda si la obra alguna vez se revendía, lo que utilizó cuando vendió varias obras impresas a coleccionistas. ^{[42] [43]}

En agosto de 1990, Noland participó en la exposición colectiva Just Pathetic del curador Ralph Rugoff en la galería Rosamund Felsen de Los Ángeles, ^[44] que buscaba definir el movimiento estilístico que Rugoff había denominado "arte patético". ^[45] Noland exhibió varias obras de ensamblaje de los cinco años anteriores, incluyendo Pedestal (1985), una combinación de una alfombra de goma, un cinturón y un balón de fútbol desinflado dispuestos para parecer una planta en maceta, junto con Chicken in a Basket (1989), una cesta de la compra llena de un pollo de goma, una cuerda elástica, latas de cerveza y una bandera estadounidense arrugada debajo de la pila de objetos. ^[46] El crítico Christopher Knight , escribiendo en Los Angeles Times , calificó a esta última obra como una de las "piezas más conmovedoras" de la exposición, describiéndola como "que sugiere la limpieza de la mañana siguiente a una fiesta particularmente indescriptible". ^[44]

En 1991, Noland participó en la Bienal de Whitney , instalando This Piece Has No Title Yet en una esquina del piso superior de la exposición. ^{[47] [29]} También instaló varias de sus obras de serigrafía con imágenes de Oswald y Hearst. ^[48] La instalación de Noland en la Bienal fue críticamente divisiva, algunos la aclamaron como una estrella de la exposición y otros criticaron su trabajo por completo. Escribiendo en Los Angeles Times , Knight dijo que Noland "prácticamente se llevó la Bienal". ^[49] Comparando positivamente el trabajo de Noland con lo que etiquetó como un grupo mayoritariamente "mediocre" de obras de otros artistas jóvenes en el piso superior de la exposición, el crítico Michael Kimmelman escribió que su instalación "sugiere lentamente en sus extrañas acumulaciones de latas y la ubicación de los objetos que puede estar en funcionamiento una sensibilidad misteriosa y compulsiva". ^[47] De manera similar, el crítico Ken Johnson , agrupando a Noland con Kiki Smith y Jim Shaw como artistas cuyas "cualidades genuinamente convincentes" no deberían pasarse por alto en medio de la "prevalencia de tendencias juveniles en el piso superior", dijo que ella "toca algunas notas profundas" de una "manera sociológica". ^[50] Escribiendo en Art Papers , la crítica Susan Canning dijo que la ubicación de la "instalación subversiva y desordenadamente inacabada" de Noland en la esquina trasera de la exposición, en oposición a una galería más transitada cerca de la entrada, representaba "la falta de compromiso del curador con el discurso social y político del arte contemporáneo". ^[51] Por el contrario, el crítico Thomas McEvilley escribió en Artforum que la instalación de Noland "podría ser candidata para la nueva ropa del emperador de esta bienal". ^[48] ​​En un artículo publicado en Women's Art Magazine , la crítica Louisa Buck dijo que "si bien el trabajo [de Noland] es un comentario contundente sobre el vacío de la cultura estadounidense y la banalidad del arte, la política y la cultura de consumo, parece demasiado vago y arbitrario como para tener un verdadero poder crítico". ^[52] El crítico Arthur Danto calificó el trabajo de Noland como un "ejercicio intolerable y condescendiente", y escribió que su instalación y el resto de las obras en el piso superior de la muestra exudaban un "estado de ánimo de agresividad". ^[53]

En febrero de 1992, Noland exhibió una instalación específica para el sitio en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), que incluía varias obras creadas para el espacio del museo que Noland donó al MOCA. ^[54] Como parte de la instalación, utilizó chinchetas para fijar copias Xerox de imágenes borrosas a las paredes de la galería, colocó cubos de pintura y herrajes de instalación alrededor de la habitación y puso andamios de aluminio en el piso en una esquina escondidos detrás de una longitud de chapa ondulada. ^[55] También instaló varias cercas de alambre y bloqueos de acero y obras que presentaban a Oswald y Hearst, además de dejar marcas de rozaduras y agujeros de taladro en las paredes de la galería. ^[55]

Noland fue seleccionada para exponer en la Documenta 9 en junio de 1992 en Kassel . ^[33] Presentó una versión tridimensional de su ensayo "Hacia un metalenguaje del mal", que presenta pasajes del texto serigrafiados en tableros colocados al azar en el suelo y apoyados contra las paredes de un estacionamiento subterráneo. ^{[56] [33]} Añadió un apéndice al ensayo para esta versión titulado "El efecto Bonsái" que exponía su crítica al exceso y el despilfarro estadounidenses. ^[33] Noland también instaló obras de arte de artistas que aparecen en la versión ilustrada del ensayo, ^[33] y rodeó la instalación con bloques de cemento, aceite, un Camaro y una furgoneta volcada de lado con las ventanas rotas. ^[56] Denys Zacharopoulos , codirector de la exposición Documenta de ese año, dijo que Noland había sido seleccionada para la muestra debido a "la clara posición con la que la artista transformó una posible muestra colectiva en una obra única colectiva". ^[57] Zacharopoulos también describió la decisión de Noland de instalar su muestra en un estacionamiento como "bastante impactante en ese momento", etiquetando el espacio como "una cavidad amenazante y vacía". ^[58] Knight, escribiendo nuevamente en Los Angeles Times , llamó a la instalación de Noland "el éxito de temporada de la muestra ". ^[56] Hablando una década después sobre su experiencia de participar en Documenta, Noland dijo que había sido "psíquicamente asombroso, pero pone a prueba tu carácter tener que dar cuenta no solo de lo que haces en el estudio sino de lo que tu trabajo significa en el mundo", agregando que "la atención internacional que Documenta arroja sobre los artistas [...] puede ser abrumadora". ^[59]

En 1993, Noland organizó una exposición de dos artistas con Doug MacWithey en el Museo de Arte de Dallas . ^[2] Noland produjo varias obras de serigrafía impresas en superficies metálicas reflectantes que llamó "espejos de la casa de la risa", y ordenó al museo que pusiera cuatro sillas de ruedas disponibles en las galerías para todos los visitantes, ^[2] que estaban hechas con un metal reflectante similar a muchas de las obras de arte de Noland. ^[33] Noland dijo más tarde en una entrevista que "yo misma me pongo impaciente y perezosa al mirar arte", y agregó que "las sillas de ruedas te permitían moverte si querías, no estabas atrapado". ^[60] También en 1993 comenzó a producir grandes obras de serigrafía sobre aluminio que representaban paredes de ladrillo rojo. ^[33]

Para una exposición individual en 1994 en la galería Paula Cooper de Nueva York, su primera muestra en la ciudad desde 1989, Noland produjo cuatro esculturas que parecen combinaciones entre una picota y un cepo . ^{[61] [2]} Las esculturas eran interactivas y permitía a los espectadores encerrarse en ellas. ^{[61] [2] [7]} Noland ha dicho que cree que los cepos, a menudo situados en las plazas de las ciudades, fueron la primera forma de escultura pública en la América colonial. ^[62] Estas obras se inspiraron por primera vez en un trabajo en progreso de Parrino titulado Stockade: Existential Trap for Speed ​​Freaks ; Parrino dijo que "Cady me llamó para preguntarme si estaba bien hacer piezas de empalizada. Le dije que no necesitaba mi permiso". ^[63] Además de las esculturas de existencias, Noland presentó Publyck Sculpture , ^[7] un conjunto de vigas de madera cubiertas de aluminio con tres neumáticos colgando de cadenas como un columpio , que se inspiró en un columpio de neumáticos de aspecto similar encontrado en el escondite final del líder de culto Charles Manson . ^[61] También produjo varias obras de serigrafía con imágenes y extractos de texto de periódicos sobre celebridades y figuras públicas, entre ellas: Thomas Eagleton , un ex senador estadounidense y candidato a vicepresidente cuya carrera flaqueó cuando se hicieron públicas sus hospitalizaciones por depresión; Wilbur Mills , un ex representante de los EE. UU. que renunció y entró en rehabilitación por alcoholismo después de varios incidentes públicos con Fanne Foxe , una bailarina exótica; Vince Foster , un asesor adjunto de la Casa Blanca durante la presidencia de Bill Clinton que murió por suicidio después de experimentar depresión y ansiedad relacionadas con el trabajo; Martha Mitchell , una denunciante durante el escándalo de Watergate que supuestamente fue secuestrada, golpeada y drogada para silenciarla; Peter Holm , el ex marido de la actriz Joan Collins , que había hecho piquetes en el jardín de Collins para protestar por su divorcio; Manson y su culto, la Familia Manson ; y otras personas implicadas en escándalos, controversias o delitos públicos. ^{[61] [64]} Según se informa, el hijo de Eagleton llevó a su padre a ver la exposición que presentaba su imagen. ^[7] La ​​crítica Roberta Smith describió la exposición como "un álbum de recortes al que se puede acceder ambulantemente de diversos crímenes, delitos menores y escándalos". ^[61]Escribiendo en Frieze , el crítico David Bussel observó que las personas en las imágenes seleccionadas por Noland "han sido frustradas, en vida o en muerte, por las repercusiones de la fama, 'víctimas' quemadas". ^[65]

En una conversación con el comisario John S. Weber en 1994, Noland dijo que "no estaba particularmente interesada" en las " personas o acontecimientos concretos " representados en muchas de sus obras. Weber escribió que "lo que le intriga es su función ejemplar como objetos de atención de los medios, junto con el voraz sistema de procesamiento de noticias que les da vida". ^[66] Ha dicho que pasa cientos de horas en archivos de noticias buscando material de origen para estas obras. ^{[67] [15]}

Noland participó en una de las exposiciones inaugurales del Museo de Arte Moderno de San Francisco tras la mudanza del museo a un nuevo edificio en enero de 1995, la muestra grupal temática Public Information: Desire, Disaster, Document . ^{[68] [69]} Presentó varias obras de serigrafía con imágenes de figuras de los escándalos públicos de la era de Nixon , junto con Publyck Sculpture . ^[69] Además, exhibió su escultura de stock más grande, Tower of Terror (1993-1994), creada para la exposición, una iteración más ancha y completamente de aluminio de su formato de stock que tiene suficientes agujeros para brazos, piernas y cabeza para varias personas. ^[70]

En marzo de 1995, Noland realizó una exposición individual en el Museo Boijmans Van Beuningen en Rotterdam. ^[67] Exhibió varias obras de aluminio serigrafiadas con imágenes de Hearst y Foster, junto con: el abuelo de Hearst, el magnate de la prensa William Randolph Hearst , retratado en carteles de campaña para sus varias candidaturas a un cargo político; y la Primera Dama Betty Ford , fotografiada riendo mientras estaba sentada junto a un niño ciego en un evento benéfico. ^{[67] [15]} Noland también presentó dos de sus esculturas de acciones junto con una escultura de columpio de neumático. ^[67]

En junio de 1996, Noland inauguró una exposición individual en el Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut . ^[71] Exhibió varias obras serigrafiadas sobre metal apoyadas contra las paredes de la galería, ^[71] incluyendo imágenes de Eagleton, Ford, Foster, Holm, Mills y Mitchell, junto con: Squeaky Fromme , un miembro de la Familia Manson que intentó asesinar al presidente Gerald Ford ; Jacqueline Kennedy Onassis , la viuda del presidente Kennedy, retratada con el diseñador de moda Valentino , cuyo rostro había sido grabado por Noland; y el actor Burt Reynolds . ^[72] También instaló un conjunto de gradas de metal en la galería para que los visitantes se sentaran y vieran la instalación, similar a los asientos para un evento deportivo. ^[7] Además, incluyó una escultura de columpio de neumático, My Amusement , y una escultura de stock titulada Sham Rage . ^[73] Noland no estaba satisfecha con la instalación antes de su apertura, y pasó horas con el personal del museo ajustando la ubicación de las obras hasta que la exposición "encajó", según el curador. ^[7] En una reseña de la muestra para el Hartford Courant , el crítico Owen McNally observó que "Noland nos convierte a todos en voyeurs de los medios al sentarnos en sus gradas". ^[74] Escribiendo en 1996 sobre la yuxtaposición de sus esculturas de cepos con sus obras serigrafiadas, el curador Philip Monk dijo que Noland estaba explorando un linaje de vergüenza y humillación en la sociedad estadounidense: "Colocadas en el contexto de las imágenes de los medios, [las esculturas de cepos] colapsaron los siglos entre la plaza del pueblo puritano y la exposición sensacionalista..." ^[75]

Noland también produjo una obra editada para la revista Parkett en 1996 como parte del programa de ediciones de la publicación. La obra, Not Titled Yet (Aún no tiene título) , comprendía un trozo de cartón con agujeros cortados de manera similar a sus esculturas de stock, cubierto con un sellador de laca para lijar y pintura en aerosol de esmalte de aluminio. ^[3]

En 1999, Noland expuso en una muestra colectiva comisariada por el artista Robert Gober en la galería Matthew Marks de Nueva York, junto con obras de Anni Albers , Joan Semmel , Nancy Shaver y el videoartista Robert Beck. ^[76] Noland presentó su primer trabajo nuevo que se exhibe en varios años, ^[77] Stand-In for a Stand-In , una variante de sus esculturas de stocks hechas de cartón y madera y cubiertas de pintura plateada, colocadas sobre una alfombra de goma, que Gober colocó en el centro del espacio de la galería. ^[78] Llamó a la pieza un "estudio a posteriori" de sus esculturas de stocks anteriores. ^[79] Varios críticos escribieron que el diseño de Gober para la instalación se parecía a la división de arquetipos familiares o domésticos, y que el trabajo de Noland representaba la violencia o la disciplina. ^[b]

También en 1999, Noland organizó una exposición de dos artistas con el artista y escritor Olivier Mosset en el Museo de Arte Contemporáneo Migros en Zúrich . ^[83] Noland exhibió varias esculturas nuevas hechas con marcos en forma de A que colocó como barricadas en varias partes de la galería; ^[83] hizo estas obras enhebrando un trozo de madera contrachapada pintada de blanco a través del centro de múltiples marcos en forma de A de plástico blanco, que pudo mover hacia adelante y hacia atrás a lo largo de la madera contrachapada para cambiar la composición visual de las esculturas. ^[77] La ​​única otra obra nueva en la exposición fue un gran tubo de cartón que Noland cubrió completamente con hojas de papel adhesivo con logotipos en blanco y negro. ^[77] También exhibió una serie de obras anteriores prestadas de museos y colecciones privadas, ^[77] incluidas varias piezas que comprenden postes de metal colocados en el centro de neumáticos de automóvil, una gran serigrafía de una pared de ladrillos y Publyck Sculpture . ^[83] Además, utilizó una valla de alambre para acordonar varias secciones de la galería, haciendo que las áreas interiores fueran inaccesibles. ^[33]

Después de una exposición colectiva en 2000 con Team Gallery en Nueva York, Noland dejó en gran medida de exhibir nuevas obras o de relacionarse públicamente con el mundo del arte durante más de una década. ^{[2] [7]} La ​​exposición de 2000 presentó una nueva escultura de barricada en forma de A, que Noland instaló de modo que bloqueara casi por completo la entrada al pequeño espacio de la galería. ^{[84] [2]} Un comerciante de arte anónimo intentó comprar una edición de la escultura, pero Noland había dado instrucciones a la galería de no vender su obra a otros comerciantes de arte; el propietario de Team Gallery, José Freire, dijo de Noland: "Esta era una persona que quería que su obra fuera tratada de cierta manera". ^[2] Al final de la exposición, la obra no se había vendido, y Noland pidió a la galería que se deshiciera de ella colocando las esculturas en forma de A en la calle una a la vez durante varios días hasta que se las llevaran o desaparecieran. ^{[2] [7]} Parrino, amigo de Noland y también participante de la exposición, describió esto como algo similar a "un asesino en serie que se deshace de un cuerpo". ^[85]

En 2003, la obra de Noland The Big Slide (1989) fue incluida en el pabellón italiano de la 50ª Bienal de Venecia . ^[86] El mismo año, la galería David Zwirner intentó incluir una obra de Noland en una exposición colectiva en Nueva York, pero ella solicitó su eliminación cuando se enteró de la muestra. ^[87] En 2004 escribió un ensayo para Artforum sobre el artista Andy Warhol , cuyo trabajo admira. ^[88]

La prolongada ausencia de Noland del mundo del arte animó a varias galerías a intentar montar exposiciones no autorizadas, ^[7] incluyendo una muestra en la galería sin fines de lucro Triple Candie en 2006 que comprendía nuevas versiones inexactas del trabajo de Noland hechas por otros artistas. ^[89] Los críticos de arte en Nueva York reaccionaron negativamente a la muestra, ^[90] y Jerry Saltz calificó la exposición como "un acto estético de karaoke, robo de identidad [y] robo de cuerpos". ^[91] Escribiendo en The New York Times , el crítico Ken Johnson calificó la muestra de Triple Candie como "confusa, confusa y engañosa". ^[89]

Antes de una subasta en Sotheby's en marzo de 2012 que iba a incluir varias obras de Noland, la casa de subastas retiró de la venta la impresión de aluminio Cowboys Milking (1990) de Noland después de que ella "desautorizara" la obra. ^[92] Noland había visitado la casa de subastas para ver el estado de varias obras que se iban a vender y consideró que Cowboys Milking estaba dañada sin posibilidad de reparación. ^[7] El propietario de la obra, el galerista Marc Jancou, demandó posteriormente tanto a Noland como a la casa de subastas por un total de 26 millones de dólares, pero un juez desestimó la demanda. ^[7]

También en 2012, las galerías y los comerciantes de arte que intentaban exponer la obra de Noland para la venta comenzaron a publicar avisos legales para informar al público de que la artista no había participado ni aceptado la exposición de su obra. ^[93] El primer aviso legal de este tipo, a petición de la artista, ^[7] acompañó una exposición de su obra organizada por el comerciante Christopher D'Amelio en la feria de arte Art Basel y afirmaba que Noland no creía que D'Amelio fuera "un experto o una autoridad en su obra de arte, no seleccionó la obra de arte que se exhibía en esta exposición y de ninguna manera respalda la disposición de su obra por parte del Sr. D'Amelio". ^[94]

En 2013, el comerciante de arte Larry Gagosian intentó organizar una exposición de la obra de Noland en su galería homónima con el curador Francesco Bonami . ^[95] En el texto que acompaña a una entrevista con Noland realizada el mismo año, la autora Sarah Thornton escribió que Noland había respondido al acercamiento de la galería amenazando con dispararle a Gagosian si seguía adelante con la exposición, diciéndole a Thornton que no quería ser "salvada de la oscuridad". ^[96] Noland agregó que "los artistas van a Gagosian a morir. Es como un cementerio de elefantes". ^[90] Cuando se le preguntó una década después sobre el presunto incidente, solo dijo que "no estaba interesada en tener una exhibición no autorizada". ^[7] Noland también le dijo a Thornton que manejar el tema de las exhibiciones no aprobadas o la restauración de su trabajo era "una cosa de tiempo completo" que había impactado su tiempo y capacidad para hacer arte nuevo. ^[97] La ​​entrevista de Noland con Thornton -la primera del artista en más de una década ^[2] - estuvo acompañada de una exención de responsabilidad solicitada por Noland que decía que el artista no había aprobado el texto. ^[98] En 2014, se publicó otra exención de responsabilidad en una exposición que presentaba el trabajo de Noland en la Fundación Brant , diciendo que Noland "reserva su atención para proyectos de su propia elección" y "no ha dado su aprobación o bendición a esta muestra". ^[99]

En junio de 2015, el coleccionista de arte Scott Mueller, con sede en Ohio, presentó una demanda en el Distrito Sur de Nueva York buscando revertir su compra en 2014 de la escultura Log Cabin (1990) de Noland por $1,4 millones; afirmó que Noland había "desautorizado" la obra al no aprobar la extensa restauración de la pieza. ^[92] La artista desautorizó su escultura después de su venta a Mueller porque creía que la obra había sido restaurada "más allá del reconocimiento". ^[100] Esta restauración se produjo después de un préstamo a largo plazo al Suermondt-Ludwig-Museum en Aachen , Alemania, donde los troncos se habían deteriorado después de 10 años de exposición al aire libre. Se consultó y contrató a un conservador para completar la restauración en Alemania, donde toda la madera podrida fue reemplazada por troncos obtenidos de la misma fuente de Montana que los originales. ^[101] Noland, que cree que se le debería haber consultado sobre esto, sintió que la pieza ampliamente restaurada fue esencialmente recreada y, por lo tanto, era una copia no autorizada del original, violando sus protecciones de derechos de autor como se describe en la Ley de Derechos de los Artistas Visuales (VARA). ^[102] La demanda de Mueller fue desestimada en 2016. ^[100] Después de que Noland presentó su propia demanda reclamando daños bajo VARA, se involucró en batallas legales cada vez más complicadas sobre la restauración de Log Cabin y la aplicación de la ley de derechos de autor a los materiales utilizados en su escultura, las leyes alemanas frente a las estadounidenses y sus derechos de autor como artista viva. ^[103] La Oficina de Derechos de Autor de los Estados Unidos dictaminó más tarde que Log Cabin no era elegible para la protección de los derechos de autor porque, como una simple estructura de madera, la obra "carecía de suficiente autoría original o creativa" como se define en la ley de derechos de autor de los Estados Unidos , y la oficina "ignoró explícitamente las 'elecciones conceptuales' de Noland al crear la obra". ^[104] La demanda de Noland también fue desestimada posteriormente, y los tribunales decidieron que no se habían violado sus derechos. ^[7]

En noviembre de 2017, la galería Venus Over Manhattan inauguró una exposición de trabajos históricos de Noland y Alexander Calder , organizada con el permiso y la participación de Noland. ^[105] La exposición, Kinetics of Violence: Alexander Calder + Cady Noland , yuxtapuso dos obras de cada uno de los artistas. ^[106] Noland exhibió Corral Gates (1989), una serie de puertas destinadas al ganado decoradas con sillas de montar y balas, ^[105] y Gibbet (1993-1994), una escultura de cepo equipada con una bandera estadounidense cubriendo su superficie. ^[106] El crítico Andreas Petrossiants escribió en The Brooklyn Rail que la combinación de Noland y Calder tuvo el efecto de "repolitizar a un Calder completamente despolitizado", recordando al público el compromiso sostenido de este último artista con la política antibélica y antifascista. ^[105]

Tras casi dos décadas de poca actividad pública aparte de sus disputas legales de alto perfil, Noland organizó su primera exposición retrospectiva en un museo en 2018 en el Museum für Moderne Kunst (MMK) en Frankfurt. ^[107] La ​​curadora, directora del museo Susanne Pfeffer, dijo que pudo organizar la muestra después de convencer a un conocido en común para que le diera el número de teléfono de Noland y reunirse con ella en un café en Nueva York. ^[7] Noland tiene miedo a volar y no pudo visitar el museo para planificar la exposición, por lo que Pfeffer visitó Nueva York cada tres semanas durante un año para planificar la muestra con modelos a escala de los espacios de la galería; ^[7] Pfeffer dijo que "fue y sigue siendo una colaboración muy intensa y cercana". ^[108] El trabajo de la artista se instaló en todas las galerías del museo, a menudo en espacios que no se usan habitualmente para exhibir arte, como pasillos, esquinas y en paredes muy por encima del nivel de los ojos. ^[109] Además de obras de todas las épocas de la práctica de Noland, la exposición incluyó obras de una variedad de otros artistas de la colección del museo seleccionados por Noland, incluidos Michael Asher , Joseph Beuys , Bill Bollinger , Claes Oldenburg , Parrino, Charlotte Posenenske , Sturtevant , Andy Warhol , Franz West y el padre de Noland, Kenneth. ^[110] Dos instalaciones permanentes en el museo de Beuys y Oldenburg fueron selladas con una pared para evitar su visualización; Pfeffer calificó esta decisión de "práctica" ya que las obras son inamovibles y no encajaban en el tema de la muestra, pero la crítica Leah Pires interpretó el gesto como "un delicioso juego de poder, especialmente viniendo de dos mujeres". ^[111] La retrospectiva fue ampliamente aclamada en los medios alemanes e internacionales. ^[c] Varias publicaciones incluyeron la muestra en las listas de las mejores exposiciones de arte de 2018 y 2019. ^[d]

Noland también aceptó participar en una exposición grupal en octubre de 2019, curada por el artista Paul Pfeiffer para la galería Bortolami , organizada en un banco vacío en el complejo Watergate de Washington . ^[126] La exposición incluyó una escultura de cerca de alambre de cadena de Noland - Institutional Field (1991) - que se colocó plana en el piso de la galería. ^[127]

En 2021, Noland exhibió nuevos trabajos en Nueva York por primera vez en más de veinte años. ^[7] Su exposición Cady Noland: THE CLIP-ON METHOD en la Galerie Buchholz estrenó cuatro esculturas de barricada en forma de A y dos esculturas de vallas de alambre, incluida una valla que bloqueaba la única ventana de la galería. ^[128] También cubrió el suelo de la galería con una alfombra gris y mostró varias obras de serigrafía de la década de 1990 con reproducciones de descripciones de manuales de formación de agentes de policía sobre técnicas policiales violentas supuestamente justificadas. ^[129] Varios críticos señalaron que la alfombra industrial recién instalada emitía un olor químico distintivo en la galería. ^{[130] [131]} La exposición coincidió con la autopublicación de un libro de artista del mismo nombre que documenta muchas de las obras, exposiciones y escritos de Noland, junto con una variedad de ensayos y artículos sociológicos que seleccionó. ^[8] En un artículo publicado en The New Yorker , Johanna Fateman afirmó que la exposición mostraba un "estado de ánimo opresivo de la sórdida cultura americana: lo carcelario armonizando con lo corporativo". ^[131]

Noland presentó un nuevo trabajo nuevamente en 2023 en una exposición individual con la Galería Gagosian en Nueva York, una década después de rechazar los intentos anteriores de Gagosian de organizar una exposición de su trabajo. ^[132] La exposición, organizada en un pequeño espacio de galería en el Upper East Side, incluyó más de una docena de nuevas obras sin título de Noland hechas de objetos como archivadores, mesas de metacrilato , latas de cerveza, balas, placas de policía y granadas inertes, incluidos varios objetos pequeños encerrados en cubos de acrílico transparente, ^[7] además de cinta y marcas de vinilo en el suelo de la galería. ^[132] Noland también exhibió una sola obra histórica, Sin título (1986), que comprende un andador de metal adornado con guantes de cuero, una funda y otros objetos. ^[132] La crítica Isabel Ling escribió que la cinta en el suelo hacía que la instalación se pareciera a una escena del crimen y dijo que las piezas en exhibición, mucho más pequeñas que muchas de las obras de instalación anteriores de Noland, representaban "un giro hacia el interior". ^[133] La totalidad de la exposición fue adquirida por el museo privado Glenstone . ^[7]

En 2024, Glenstone anunció la apertura de una muestra del trabajo de Noland, creado "en colaboración con el artista", según el museo. ^{[7] [134]} La exposición se inauguró en octubre de 2024 y estará en exhibición hasta febrero de 2025. ^[135] La muestra incluye trabajos de la colección de Glenstone de todas las épocas de la práctica de Noland, incluidas todas las obras que exhibió en Gagosian en 2023. ^{[134] [135]} Además, Noland instaló varios objetos nuevos alrededor de su trabajo más reciente, incluidas paletas de plástico industriales, una caja de aluminio fundido con el logotipo de Pinkerton y una plataforma de metal con un código de barras que la identifica como perteneciente a un almacén de Amazon . ^[134] Saul Ostrow, al reseñar la exposición en The Brooklyn Rail , escribió que la muestra, junto con otras exhibiciones de nuevos trabajos de Noland a principios de la década de 2020, representó "su gira de regreso". ^[135]

Los críticos e historiadores del arte han utilizado varios términos para etiquetar el estilo y la práctica artística de Noland en relación con otros artistas que trabajaron antes y durante su tiempo. El artista y escritor Olivier Mosset dijo en 1989 que la obra de Noland era parte de una segunda generación menos restringida del movimiento Neo-geo (conceptualismo neo-geométrico). ^[136] Mosset escribió que el diseño de las obras de Noland tiene una "aparente informalidad" que señala un cuestionamiento de la importancia o centralidad de la noción del objeto de arte . ^[137] El curador Ralph Rugoff incluyó la obra de Noland en una exposición en 1990 que exploraba lo que él llamó "arte patético", ^[138] que describió como arte que "hace del fracaso su medio"; los críticos también llamaron más tarde a esto "arte abyecto". ^[139] El crítico Jack Bankowsky utilizó el término "arte slack" para describir el trabajo de Noland en Artforum en 1991, que dijo era arte que "depende del caos conscientemente cortejado". ^[140] Bankowsky identificó la pieza de Noland Dirt Corral (1984-1985) -una obra compuesta por varios paneles de muebles decorativos dispuestos juntos en el suelo ^[46] - como la obra que marcó el comienzo de este movimiento estilístico, que escribió que también incluía a artistas como Karen Kilimnik y Jack Pierson . ^[140] Roberta Smith, escribiendo en The New York Times , llamó a Noland "una practicante líder de un tipo de arte de proceso de los 90 a veces conocido como arte disperso". ^[71] El historiador de arte y crítico Bruce Hainley ha rechazado las descripciones del trabajo de Noland como "arte disperso" o "arte patético", escribiendo que su trabajo fue "confundido" como tal en la década de 1990, pero que su retrospectiva En 2018 la redefinió como "una creadora inusualmente consistente de objetos discretos". ^[141]

Charles Hagen, escribiendo en el Times en 1991, etiquetó el trabajo de Noland como un ejemplo de un "resurgimiento reciente en lo que podría llamarse arte de hardware", agrupando a Noland con artistas como Ashley Bickerton y Wolfgang Staehle . ^[142] El crítico Lane Relyea, escribiendo en 1991, incluyó a Noland entre un grupo de artistas que realizan trabajos en el legado del arte pop pero con un tono pesimista, al que llamó "neo-pop". ^[143] Los críticos también han señalado la escala y los materiales industriales utilizados en muchas de sus obras como ejemplos de su utilización de los sellos estilísticos del minimalismo , a menudo desplegados para un efecto deliberadamente siniestro o controlador. ^[e] Los escritores también han etiquetado su trabajo como un ejemplo de escultura e instalación posminimalista . ^{[148] [149]}

Muchos críticos han identificado el colapso del sueño americano como un tema central en el trabajo de Noland; ^[f] el curador Christian Rattemeyer etiquetó esto como la "pesadilla americana". ^[154] Noland ha dicho que explora aspectos de la cultura americana que ella considera singularmente tóxicos, incluyendo la búsqueda de estatus, la celebridad, la violencia y la muerte, todos los cuales encajan en lo que ella ha llamado "un meta-juego" que sustenta la sociedad americana, las reglas y existencia de las cuales ella dice están ocultas a la mayoría de las personas, particularmente a las minorías. ^[155] Varios críticos también han comentado sobre el enfoque temático de Noland en una subsección geográfica y socioeconómica específica de la sociedad americana, a saber, las comunidades rurales de clase trabajadora. ^[g] También ha utilizado ampliamente banderas americanas en su trabajo; Varios críticos han comparado su uso de la bandera con el de Jasper Johns , escribiendo que el uso que hace Noland del símbolo, a menudo arrugado, rasgado o manchado de alguna otra manera, representa un rechazo mayor del valor de la bandera como icono cultural que lo que Johns logró con sus diversas iteraciones de Flag . ^[h] Otros han comparado el examen que hace Noland de la cultura e iconografía estadounidenses con el libro de fotografía de Robert Frank The Americans , ^[i] y con el trabajo de escritores estadounidenses de cuentos cortos como Raymond Carver ^[165] y William S. Burroughs . ^[166]

Los críticos e historiadores del arte han escrito que el trabajo de Noland también trata temas de restricción física y mental, a menudo usando metal, cercas y barreras para crear sentimientos de combinación o desacoplamiento. ^[j] Su uso de dispositivos médicos como sueros intravenosos, andadores y bastones de visión también se ha señalado como una exploración de temas similares de restricción y angustia. ^{[170] [171]} El escritor Jim Lewis describió su medio como "fronteras y caminos: por un lado, cercas, límites, confines, puertas y barreras; y por el otro, su violación..." ^[172] Noland ha conectado su uso de intervenciones arquitectónicas como puertas y barreras con su exploración de la psicopatología; ha dicho que su objetivo es explorar lo que significa tratar a las personas como objetos guiando o restringiendo sus movimientos, de la misma manera que dice que los psicópatas ven a los demás como objetos para su uso y eventual descarte. ^{[173] [174]} En 1989, le dijo a la escritora Jeanne Siegel que "una buena manera de descifrar mis piezas es observar cómo se 'comportan'". ^[175] Noland ha discutido en varias ocasiones el uso y la importancia del metal en su trabajo, ^[176] diciendo en una entrevista en 1994 que "el metal es algo importante, y algo importante que desperdiciar". ^[177] Escribiendo en octubre de 1995, la crítica Liz Kotz sugirió que los exámenes temáticos de Noland sobre el confinamiento y la agresión podrían verse a través de una lente feminista "como un trabajo muy interesante sobre el género", aunque los críticos en ese momento en general no vieron el trabajo de Noland como tal. ^[178]

La violencia, tanto interpersonal como accidental, ha sido identificada como otro tema clave en el trabajo de Noland; ^[k] a menudo ha utilizado imágenes de asesinatos, accidentes violentos y armas, y ha incorporado una amplia gama de armas físicas en sus esculturas e instalaciones, incluyendo porras, granadas, pistolas y balas. ^{[11] [133]} En su ensayo "Hacia un metalenguaje del mal", escribió que el supuesto final ideal del "metajuego" en la sociedad estadounidense es una "muerte por acción" o muerte en un accidente violento de algún tipo. ^[183] ​​El amigo y compañero artista de Noland, Steven Parrino, escribió que los "temas de Noland no son la antropología social sino pistas sobre sí misma", y agregó que varias obras se inspiraron en los propios miedos de Noland: Crashed Car se inspiró en un recuerdo de la infancia de un accidente automovilístico; Plane Crash surgió de su miedo a volar; y The Family and the SLA that kidnapped Patty Hearst se basó en su miedo a las sectas. ^[184] El crítico Martin Herbert sugirió que Noland "no estaba jugando con su tema sino que estaba furiosamente aterrorizada por él, y su ira y miedo se canalizaban hacia la articulación". ^[185] La humillación y la vergüenza también son temas recurrentes en la obra de Noland, y los críticos señalan sus esculturas de stock y su trabajo de serigrafía fotográfica con imágenes de tabloides como ejemplos. ^{[186] [187]}

Al utilizar fotografías de prensa para sus trabajos de serigrafía, los críticos han postulado que está reencuadrando las imágenes y llamando la atención sobre las estructuras involucradas en la reproducción de fotografías o información. ^{[188] [189]} Noland a menudo reorienta los textos e imágenes que usa en estas obras, volteando, invirtiendo o girando de lado las fotografías y extractos que se apropia, un efecto que Hainley llamó "descombobulaciones". ^[3] Escribiendo en 1996, el crítico Christopher Hume dijo que Noland "convierte las imágenes de los medios en logotipos esculpidos y brillantes". ^[190] Otros han escrito que estas obras, que a menudo presentan figuras o arquetipos notables o notorios de la sociedad estadounidense que se han vuelto famosos a través del escándalo o el crimen, exploran una forma distintivamente estadounidense de celebridad y cultura mediática, mostrando las formas en que los medios estadounidenses elevan, mercantilizan y descartan a personas específicas que han transgredido públicamente de alguna manera. ^[l] En Parachute , la crítica Abbie Weinberg propuso que "la planitud" de sus obras serigrafiadas recortadas "es una metáfora de la bidimensionalidad de la iconografía de la cultura occidental". ^[194] De manera similar, el curador Francesco Bonami escribió que "la forma plana" de sus obras recortadas "alude a la corriente subyacente de violencia oculta en las imágenes unidimensionales y estereotipadas de Estados Unidos y sus mitos". ^[195] Además, el uso que hace Noland de imágenes serigrafiadas apropiadas de medios ha sido ampliamente comparado con la práctica y las técnicas de Andy Warhol. Una amplia gama de críticos e historiadores del arte han citado el trabajo de Warhol como un precedente directo del de Noland. ^[m]

Varios críticos han sugerido que las disputas legales de Noland en torno a la venta, restauración y tratamiento de varias obras, junto con su distanciamiento autoimpuesto de casi dos décadas del ecosistema tradicional de las galerías, fueron en sí mismas una forma de declaración y comunicación artística. ^[n] Escribiendo para T: The New York Times Style Magazine en 2019, Zoë Lescaze postuló: "Se la ha hecho conocida como el hombre del saco del mundo del arte, pero podría ser su conciencia". ^[207] Algunos críticos han propuesto que las negaciones de las obras de arte de Noland y el rechazo de larga data de las instituciones del mundo del arte son un rechazo al mercado del arte en sí; ^[o] el crítico Seph Rodney etiquetó sus acciones como "el arte (de performance) como una píldora venenosa", ^[211] mientras que el historiador del arte Frazer Ward las describió como un "ataque al mercado". ^[212] Varios escritores han señalado que la aparente desaparición de Noland de la producción o exhibición de nuevos trabajos en las décadas de 2000 y 2010, en efecto, le había valido un reconocimiento crítico más amplio y causado aumentos en los precios de su trabajo en el mercado secundario, una función del modelo económico de escasez y exclusividad del mercado del arte. ^{[213] [214]}

Las disputas legales de Noland en torno al manejo de su obra también han sido ampliamente discutidas por críticos y académicos en los contextos de la autenticación del arte , ^{[215] [216]} los límites de la capacidad de protección por derechos de autor en los Estados Unidos, ^{[217] [218]} y el alcance de los derechos morales de los artistas bajo la ley estadounidense. ^{[219] [220]}

Numerosos críticos, historiadores del arte y artistas han citado a Noland como una influencia significativa en el arte contemporáneo a partir de los años 1990. La crítica Roberta Smith ha escrito varias veces sobre la influencia de Noland, diciendo que había ayudado a definir un conjunto de "parámetros de moda" para los artistas de instalación de los años 1990, que Smith describió como "basura y yuxtaposición - lo devaluado y lo inesperado". ^[221] Smith escribió en 2002 que la exposición de Noland en 1989 en la American Fine Arts Co. marcó "uno de los primeros signos de cambio" en el arte contemporáneo respecto de las tendencias estilísticas de los años 1980, diciendo que "la contribución de Noland es incuestionable, pero se está volviendo aún más mítica en su ausencia" del mundo del arte comercial. ^[222] El crítico Jerry Saltz, escribiendo en The Village Voice en 2006, dijo que Noland era "el vínculo crucial entre el arte comercial de finales de los años 1980 y mucho de lo que ha seguido". ^[223]

En 2007, la revista New York llamó a Noland "La artista más radical de los años ochenta" y dijo que su trabajo había "predicho a cien otros artistas". ^[224] Los críticos han citado una amplia gama de artistas que trabajan en el legado estilístico de Noland, incluidos Jesse Darling , Diamond Stingily , Cameron Rowland , Andra Ursuța , ^[2] Kelley Walker , Nate Lowman , Banks Violette , ^[225] Rachel Harrison , ^[226] Josephine Meckseper , ^[227] Steven Shearer , ^[228] Anna Sew Hoy , ^[229] Liz Larner , ^[230] Jon Kessler , ^[231] Sam Durant , Matt Keegan , Helen Marten , Bozidar Brazda , ^[232] y el trabajo colaborativo de Joe Bradley y Eunice Kim. ^[225] Artistas como Mary Heilmann , ^[233] Johannes Kahrs , ^[234] Cosima von Bonin , ^[235] Meckseper y Brazda han citado a Noland como inspiración o influencia en su obra. ^[236]

En 2018, el curador y profesor Bill Arning dijo que sus estudiantes " la adoran  . La idea de alguien que es tan firme en su toma de decisiones, [que] puede decir no a todo el dinero y los premios". ^[2]

Noland nunca ha hablado públicamente en profundidad ni ha publicado información sobre su vida temprana, biografía o vida personal. ^[237] Solo hay dos fotografías públicas conocidas de la artista cuando era adulta; en una de las imágenes, tomada en Documenta en 1992, se cubre el rostro con las manos. ^[7] En varias ocasiones, cuando se le pidió que proporcionara fotos de sí misma para publicaciones, presentó imágenes de ella misma cuando era niña en lugar de fotografías más actuales. ^{[3] [7]}

En 2011, la obra de Noland estableció el récord del precio más alto jamás pagado por una obra de arte de una mujer viva cuando Oozewald (1989), una obra de serigrafía que representa a Lee Harvey Oswald , se vendió en Sotheby's por 6,6 millones de dólares. ^[2] La serigrafía roja de Noland sobre aluminio, Bluewald (1989), que también representa a Oswald, se vendió por 9,8 millones de dólares en Christie's en mayo de 2015, estableciendo un nuevo récord de subasta para la obra del artista. ^[238]

Noland ha realizado numerosas exposiciones individuales en Estados Unidos e internacionalmente. Realizó una gran cantidad de muestras a fines de la década de 1980 y principios y mediados de la década de 1990, pero dejó de exponer durante casi 20 años a principios de la década de 2000. Las exposiciones individuales notables de Noland incluyen White Room: Cady Noland (1988), White Columns , Nueva York; ^[13] New West-Old West (1990), Luhring Augustine Hetzler , Los Ángeles; ^[39] Cady Noland (1994), Paula Cooper Gallery , Nueva York; ^[61] Cady Noland (2018-2019), Museum für Moderne Kunst , Frankfurt, la primera exposición retrospectiva de la artista; ^[239] Cady Noland: THE CLIP-ON METHOD (2021), Galerie Buchholz , Nueva York, la primera exposición de obra nueva de la artista en los Estados Unidos en más de veinte años; ^[130] y Cady Noland (2023), Gagosian Gallery , Nueva York. ^[132]

Noland también ha participado en una amplia lista de exposiciones colectivas notables, incluidas la 44ª ^[2] y la 50ª Bienal de Venecia ^[86] (1990, 2003); la Bienal del Whitney (1991); ^[47] y Documenta 9 (1992). ^[33]