Juan Hubley

Hubley comenzó a trabajar en Walt Disney Productions el 1 de enero de 1936. ^{[ 6 ]} Empezó como aprendiz en Blancanieves y los siete enanitos (1937), donde realizaba bocetos de fondos y pintaba fondos y diseños para los animadores. Rápidamente fue ascendido a director artístico para Pinocho (1940).

El 25 de febrero de 1939, el arquitecto Frank Lloyd Wright visitó el estudio con una copia de El cuento del zar Durandai (1934), una película de animación rusa dirigida por Ivan Ivanov-Vano . Wright mostró la película al personal de Disney, incluido Hubley, ^{[ 33 ]} quien quedó muy inspirado por el estilo visual y la animación de la película. ^{[ 34 ]}

Hubley fue elegido como uno de los tres directores (junto con Dick Kelsey y McLaren Stewart) para dirigir el pasaje de "La consagración de la primavera" de Fantasía (1940). Específicamente, Hubley dirigió la sección que abarca la etapa fundida de la creación de la Tierra hasta su enfriamiento y transformación en vegetación. Hubley se sintió molesto por la inexactitud de la película, afirmando que "no era científicamente precisa en cuanto a la desaparición de los reptiles. Era más probable que se congelaran durante la era glacial . Pero Disney no quería una era glacial; quería una secuencia del desierto". ^{[ 5 ] : 1} Hubley también pintó varios fondos para el segmento de "El aprendiz de brujo". Ese mismo año, Hubley se mudó de la casa de los Woodruff a su propia casa en 3827 Ronda Vista Place en Los Ángeles. Hubley vivió allí con su compañero artista y actor de los estudios Disney, John McLeish. ^{[ 35 ]}

En la primavera de 1941, los empleados de Disney Studios estaban descontentos con las desigualdades salariales y el desaliento del estudio hacia la sindicalización . ^{[ 36 ]} Hubley y su esposa Claudia participaron en la huelga de animadores de Disney de 1941 , ^{[ 37 ]} y John tomó docenas de fotografías para documentar el evento. Hubley era uno de los empleados mejor pagados del estudio, ganando $ 67.50 por semana ^{[ 1 ] : 17} (equivalente a $ 1,367.04 en 2023), pero decidió ir a la huelga en apoyo a la sindicalización. La huelga, organizada por el amigo de Hubley, Art Babbitt , fortaleció la relación de Hubley con huelguistas como Bill Littlejohn , Herb Klynn , Stephen Bosustow y Jules Engel , quienes más tarde trabajaron con Hubley en UPA o Hubley Studios. El 10 de agosto de 1941, John y Claudia fueron dos de los 256 empleados despedidos por el estudio cuando terminó la huelga. ^{[ 1 ] : 22}

Después de ser despedido de Disney Studios, Hubley trabajó brevemente en Screen Gems de Columbia bajo la dirección de Frank Tashlin y, posteriormente, de Dave Fleischer . Inicialmente trabajó como guionista y diseñador gráfico, pero cuando Tashlin dejó el estudio, Hubley fue ascendido a director junto con el animador Paul Sommer, siendo el cortometraje Old Blackout Joe (1942) su primera experiencia como director. A Hubley no le gustaba su trabajo en Screen Gems y se refería a Fleischer como "uno de los intelectuales más débiles del mundo" ^{[ 38 ]} , sin embargo, el distanciamiento de Fleischer con los empleados le permitió a Hubley obtener la libertad creativa que no había encontrado en Disney Studios. Hubley codirigió siete dibujos animados para Screen Gems, y muchos señalaron que la mayoría de ellos se basaban mucho más en personajes humanos y diseños y fondos estilizados, elementos que seguirían siendo relevantes para el trabajo posterior de Hubley. Hubley y Sommer también fueron conocidos por dirigir The Rocky Road to Ruin (1943), un dibujo animado inquietantemente similar a The Dover Boys (1942) de Chuck Jones , que presentaba diseños de personajes y escenarios similares. ^{[ 39 ]}

El 23 de noviembre de 1942, Hubley se alistó en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos para trabajar en la Primera Unidad Cinematográfica , ^{[ 40 ]} una unidad de producción cinematográfica independiente en la Fuerza Aérea. ^{[ 41 ]} Allí, Hubley dirigió películas de entrenamiento animadas relacionadas con la seguridad de vuelo y el equipo de armas de fuego. El tiempo de Hubley en la Fuerza Aérea fue tranquilo, y "podía ir a casa todas las noches" y "pasaba la mitad [de su] tiempo dibujando [bromas] y pasándolas por ahí". ^{[ 38 ]} La Fuerza Aérea tenía pocas expectativas sobre cómo debían verse o sentirse las películas estéticamente, lo que permitió a Hubley y su equipo un control creativo casi total. Hubley, quien se había interesado cada vez más en las obras de artistas modernos como Paul Klee , impulsó que sus películas tuvieran imágenes planas y abstractas. Dado que las películas a menudo no se acreditaban, se desconoce cuántas películas dirigió Hubley para la Primera Unidad Cinematográfica, pero Flight Safety: Landing Accidents (1946) probablemente fue la última. A Hubley se le atribuyen las animaciones de Tuesday in November (1945), producidas por la Oficina de Información de Guerra de los Estados Unidos. ^{[ 42 ]}

En 1943, Hubley fue contactado por los Trabajadores Automotrices Unidos (UAW) , quienes buscaban contratar a Hubley para producir un cortometraje que respaldara a Franklin D. Roosevelt en las elecciones presidenciales de 1944. [ ^{38 ] Hubley} llevó el proyecto al recién formado Servicio de Películas Industriales y Carteles, que pronto pasó a llamarse United Productions of America (UPA) . ^{[ 1 ] : 49} La película, Hell-Bent for Election (1944), fue guionizada por Hubley y dirigida por Chuck Jones . ^{[ 43 ] [ 38 ]} En UPA, Hubley encontró la libertad creativa que había anhelado durante toda su carrera. El UAW quedó satisfecho con Hell-Bent for Election y contrató a UPA para Brotherhood of Man (1945), una película sobre las relaciones raciales. ^{[ 44 ]} Hubley coescribió la película y dirigió el diseño de producción . En ambas películas de la UAW, Hubley abogó por una estética modernista de líneas elegantes, formas planas y colores llamativos que eran completamente exclusivos de las películas de UPA.

Para 1947, Hubley había sido ascendido a vicepresidente y director creativo de UPA. ^{[ 1 ] : 75} Ese mismo año, el fundador de UPA, Stephen Bosustow, cerró un acuerdo de distribución con Columbia: UPA produciría varias películas "de prueba" ^{[ 1 ] : 75} para el estudio utilizando a las estrellas de dibujos animados de Columbia, El Zorro y El Cuervo . Si las películas tenían éxito, Columbia entraría en una asociación de distribución formal con UPA. Hubley fue el encargado de dirigir las primeras películas "de prueba", Robin Hoodlum (1948) y The Magic Fluke (1949).

Hubley y el equipo de UPA se sentían limitados con los cortos de El Zorro y el Cuervo, y se acercaron a Columbia con una idea para un corto original. ^{[ 1 ] : 77} Hubley, inspirado por su tío Harry Woodruff, propuso una idea para un viejo cascarrabias agresivo y de mal genio. "El personaje se basó en un tío mío, Harry Woodruff" ^{[ 32 ] : 1} dijo más tarde. Hubley y el escritor Millard Kaufman nombrarían al personaje Sr. Magoo en honor a Point Mugu en Malibú, California . ^{[ 1 ] : 78} Si bien a Hubley se le suele atribuir la creación exclusiva del Sr. Magoo, el personaje fue un esfuerzo conjunto con Kaufman, quien basó a Magoo parcialmente en su propio tío. ^{[ 45 ]}

Hubley y el fundador de UPA, Zachary Schwartz, dejaron claras sus intenciones con UPA en un número de Film Quarterly de 1946. Hubley y Schwartz creían que se había vuelto "necesario para los animadores de la industria cinematográfica analizar y reevaluar su medio". ^{[ 46 ]} Hubley y Schwartz estaban influenciados por su experiencia compartida en la Primera Unidad Cinematográfica, donde realizaban películas de capacitación, específicamente por cómo se utilizaba la animación como herramienta educativa, ya que ambos creían que "el uso de la animación en el cine educativo [estaba] singularmente poco desarrollado" ^{[ 46 ] : 360} antes de la guerra. Ahora, Hubley y Schwartz comprendían la "importancia del cine de animación como medio de comunicación" ^{[ 46 ] : 363} y se propusieron crear películas que pudieran "expresar la esencia de una idea" con "línea, forma, color y símbolos". ^{[ 46 ] : 363}

Hubley fue el director supervisor de Gerald McBoing-Boing (1950), escrito por Theodor Geisel y dirigido por Robert Cannon . La película le valió a UPA su primer Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación , lo que "dolió" y "realmente impactó" a Hubley, afirmó el artista de diseño Bill Hurtz. ^{[ 1 ] : 91} Hubley, ahora decidido a ganar su propio Premio de la Academia para el estudio, dirigió Rooty Toot Toot (1952), la película más cara y ambiciosa de UPA hasta ese momento. ^{[ 1 ] : 93} Hubley escribió la película junto con Bill Scott y contrató a Phil Moore para componer la banda sonora. Por recomendación de Art Babbitt , Hubley contrató a la bailarina Olga Lunick para coreografiar los elementos de baile de la película, y gran parte de la animación de la película fue realizada por el creador de Betty Boop, Grim Natwick . ^{[ 1 ] : 96} Los temas oscuros de la película sobre asesinato, sexo, violencia, celos e infidelidad fueron un "momento innovador para la animación". ^{[ 47 ]} Si bien la película fue nominada al Premio de la Academia, ^{[ 48 ]} perdió ante Los dos Mouseketeers . Ese mismo año, Hubley también dirigió los segmentos animados de The Four Poster (1952) de Irving Reis . ^{[ 49 ]}

En septiembre de 1951, el diseñador gráfico de UPA, Bernyce Fleury, testificó ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes que varios artistas de UPA, incluido Hubley, estaban promoviendo el comunismo a través de sus películas. ^{[ 50 ]} En respuesta, en abril siguiente, Columbia envió a UPA una lista de ocho empleados sospechosos de ser comunistas, entre los que se encontraba Hubley. Columbia, amenazando con rescindir su acuerdo de distribución con UPA, exigió que los empleados mencionados confesaran o abandonaran UPA. ^{[ 1 ] : 129} Hubley se negó a denunciar el comunismo y, posteriormente, fue despedido de UPA el 31 de mayo de 1952. ^{[ 1 ] : 131} Reflexionando sobre su tiempo en UPA, Hubley diría: «Se hizo demasiado grande. Sin darnos cuenta, nos preocupábamos cada vez más por la administración y menos por la creación». ^{[ 51 ]}

Tras su despido de UPA, Hubley fue efectivamente vetado de la industria de la animación. ^{[ 1 ] : 131} Encontró trabajo ilustrando portadas de álbumes para Westminster y Clef Records para artistas como Al Hibbler , Aaron Copland , Slim Gaillard y Chico O'Farrill . ^{[ 52 ]} Estas portadas mostraron que el arte de Hubley progresaba aún más hacia el expresionismo abstracto y el modernismo, tomando una fuerte influencia de Pablo Picasso .

Todavía "de incógnito" en Hollywood, Hubley fundó Storyboard, Inc. (a veces llamado Storyboard Studios o simplemente Storyboard) en 1953. ^{[ 1 ] : 131} Dado que el trabajo en televisión era tanto sin acreditar como muy solicitado, Hubley rápidamente encontró trabajo dirigiendo comerciales animados para compañías como Heinz , ^{[ 53 ]} Bank of America , ^{[ 54 ]} y EZ Pop. ^{[ 55 ] [ 56 ]} Como muchos de sus clientes buscaban una entrega rápida, el enfoque altamente estilizado de Hubley para la animación limitada y los gráficos llamativos se volvió práctico y popular. Para estos primeros comerciales, Hubley volvería a colaborar con animadores como Bill Littlejohn , Emery Hawkins y Rob Scribner . También en 1953, Hubley y el productor Michael Shore comenzaron a desarrollar una adaptación animada del musical Finian's Rainbow . ^{[ 57 ] [ 58 ]} Shore quería que Hubley dirigiera, y Hubley estaba motivado para "desarrollar el arte visual aún más allá de las películas de UPA". ^{[ 58 ]} Shore tuvo dificultades para interesar a los estudios con el proyecto debido a los fuertes temas raciales del musical, pero finalmente consiguió financiación y un acuerdo de distribución con Distributors Corporation of America (DCA) . Frank Sinatra y Ella Fitzgerald fueron contratados para la película, marcando su única colaboración. A finales de 1954, todos los diálogos y la música de la película habían sido grabados y Hubley había reunido a un gran equipo de colaboradores anteriores, como Littlejohn, Babbitt y Les Goldman. Faith Elliott (de soltera Chestman), más tarde la segunda esposa de Hubley, trabajó como supervisora ​​de guion en la película. Aunque Hubley estaba muy entusiasmado con el proyecto, su "actitud relajada" hacía que fuera "difícil trabajar con él porque no era muy disciplinado". ^{[ 58 ]} Los escritores del musical, Burton Lane y Yip Harburg (otra víctima de la lista negra), vigilaban de cerca a Hubley, y pronto surgieron tensiones sobre la dirección musical de la película y los efectos visuales de Hubley. ^{[ 58 ]} También surgieron problemas entre DCA y miembros del equipo de la película que pertenecían al Sindicato de Dibujantes de Cine (SCG) y no a la Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE).DCA estaba preocupada porque, dado que muchos miembros del equipo no pertenecían a IATSE, la película no se proyectaría en cines. Poco después, el presidente de DCA, Fred J. Schwartz, recibió una llamada del representante de IATSE, Roy Brewer , quien despidió a Hubley por su negativa a cooperar con el HUAC . Hubley, que seguía negándose a testificar ante el HUAC, provocó que la empresa matriz de DCA dejara de financiar la película. Aunque Schwartz intentó salvar la película contactando con RKO , fue en vano. ^{[ 58 ]} La película fue cancelada en 1955 y se confiscaron todos los bienes del estudio. ^{[ 1 ] : 132}

En 1955, tras el fracaso de Finian's Rainbow , Hubley trasladó Storyboard, Inc. consigo a la ciudad de Nueva York , ^{[ 59 ]} donde pronto se casó con su segunda esposa, Faith Hubley (de soltera Chestman). Faith, editora y supervisora ​​de guion en películas como 12 Angry Men (1957), ^{[ 59 ] : 5} colaboró ​​estrechamente con su marido en todas sus películas posteriores. Hacia finales de 1954, Hubley y James J. Sweeney, director del Museo Solomon R. Guggenheim , comenzaron a hablar sobre la posibilidad de que el museo le encargara una película a Hubley. ^{[ 60 ]} Hubley y Sweeney estaban decididos a crear una película que también sirviera como obra de arte moderno y comunicara la importancia del "juego" y "los placeres sensuales de [acercarse a las imágenes a través de] la vista en lugar del placer intelectual [del] oído". ^{[ 61 ]} La película resultante, Las aventuras de * (1957) ^{[ a ]} ​​fue el primer cortometraje que Hubley dirigió después de dejar UPA, así como la primera película animada jamás encargada por un museo de arte. ^{[ 62 ]} Las imágenes de la película estuvieron fuertemente influenciadas por la colección de arte moderno del Museo Guggenheim, así como por el deseo de Hubley de "transformar [la animación] de la animación de celdas de líneas duras a estilos nuevos, texturizados y sutiles más conectados con la historia del arte que con el aspecto de Disney o UPA". ^{[ 63 ]} Benny Carter compuso la banda sonora de la película, incluyendo el vibráfono de Lionel Hampton . La película ganó varios premios, incluyendo un diploma especial del Festival de Cine de Venecia de 1957 y el Gran Premio en el Festival de Cine de Montevideo de 1958. ^{[ 64 ]} En 1957, Hubley también fue contratado por la agencia de publicidad Fletcher, Richards, Calkins & Holden para dirigir el exitoso comercial "¡Quiero mi Maypo!" . Por primera vez en su carrera, Hubley usó la voz de uno de sus hijos, su hijastro Mark, para el comercial. ^{[ 59 ] : 10} El comercial provocó un auge en las ventas de Maypo , y el personaje de "Marky Maypo" (llamado así por su hijastro) se convirtió en la mascota del cereal. ^{[ 59 ] : 10}También se le atribuye al comercial el inicio de la tendencia de usar animación para vender productos a niños, ya que "explotó la capacidad aún no completamente desarrollada de los niños para distinguir entre entretenimiento y venta". ^{[ 65 ]} Por esta época, Hubley conoció al músico Dizzy Gillespie a través de su amigo común Paul Robeson , ^{[ 66 ]} y los Hubley pronto hicieron su primera película con Gillespie, A Date with Dizzy (1956). La película contenía muchos de los anuncios que Hubley ya había hecho en Storyboard, Inc., ^{[ 67 ]} así como un segmento original de un entonces desconocido RO Blechman . ^{[ 68 ]}

Tras el éxito del anuncio de Maypo, John y Faith centraron su atención en producir más cortometrajes. Su siguiente película, Harlem Wednesday (1957), marcó la primera vez que John y Faith aparecieron acreditados juntos en pantalla (aunque Faith aparece acreditada como Faith Elliott). La película, un montaje experimental de pinturas de Gregorio Prestopino ^{[ 69 ]} con música de Carter, ^{[ 70 ]} exploró aún más el deseo de los Hubley de llevar la animación hacia el arte moderno. Su siguiente película, Tender Game (1958), incluyó una pista inédita de Fitzgerald de Finian's Rainbow . ^{[ 58 ]} Hubley experimentó con efectos de exposición múltiple en la película para darle un aspecto y una dimensionalidad distintivos. ^{[ 52 ]} Mark Hubley comentaría más tarde: "La película siempre me ha parecido... una carta de amor entre [John y Faith], las figuras... parecen mamá y papá". ^{[ 52 ]} La película ganó el gran premio tanto en el Festival de Cine de Venecia como en el Festival de Cine de Montevideo. ^{[ 64 ]} Hubley se inspiró en su trabajo anterior en las películas de Mr. Magoo con Jim Backus para experimentar con películas centradas en diálogos improvisados, ya que a menudo animaba a Backus a improvisar en el estudio. En 1958, Hubley grabó a sus hijos Mark (de 6 años) y Ray (de 3 años) jugando a un juego en el que buscaban un "Moonbird", refiriéndose a un pájaro mascota que la familia había perdido recientemente por dejar una ventana abierta. ^{[ 52 ]} Faith editó las conversaciones juntas en una narración, y John reclutó a Ed Smith y al ex director de UPA Robert Cannon para la animación. La película resultante, Moonbird (1959), marcó uno de los primeros ejemplos de uso de voces de niños reales en una película animada. ^{[ 71 ]} Moonbird ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje Animado en 1960, convirtiéndose en la primera película independiente en ganar en la categoría. ^{[ 72 ]} El éxito de Moonbird llamó la atención de Susan Burnett, la oficial de cine del Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF) , quien encargó a los Hubley que hicieran una película para UNICEF. ^{[ 73 ]} Por primera vez, Hubley usó las voces de todos sus hijos y los de Faith, aunque la mayoría de sus vocalizaciones son gorgoteos y balbuceos de sus hijas pequeñas, Emily y Georgia . La película, Children of the Sun(1960), abordó "cómo afecta el hambre a los niños del mundo". ^{[ 64 ] [ 59 ] : 10}

Hubley quería hacer una película sobre la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein , y se inspiró después de leer De estrellas y hombres (1959) de Harlow Shapley en 1959. ^{[ 74 ]} Intrigado por los intentos de Shapley de comprender el lugar de la humanidad en el universo, Hubley le escribió a Shapley con la idea de adaptar los temas del libro a una película animada. En lugar de simplemente escribir un guion y obtener la aprobación de Shapley, Hubley y Shapley optaron por colaborar estrechamente en casi todos los aspectos de la película, con Hubley enviándole a Shapley esquemas detallados para la estructura de la película ^{[ 75 ]} y viajando frecuentemente a la casa de Shapley en Peterborough , New Hampshire , para reunirse con él. ^{[ 76 ] [ 77 ]} Hubley y Shapley se hicieron amigos íntimos durante este período, lo que dio como resultado De estrellas y hombres (1962), la primera película de larga duración de los Hubley . La película sigue un estilo narrativo muy libre, basándose predominantemente en la narración de Shapley. Los hijos de Hubley volverían a aparecer en la película, con sus conversaciones improvisadas presentadas de nuevo de forma muy similar a como en Moonbird . Debido a la naturaleza de la presentación de la película, los Hubley, el público y los distribuidores no estaban seguros de si la película podía clasificarse como un documental . En el Festival Internacional de Cine de San Francisco de 1961 , la película ganó el premio al Mejor Documental, y en el Festival de Cine de Venecia, donde las películas de los Hubley se habían proyectado previamente como parte de la categoría de animación, la película se colocó en la categoría de largometrajes junto con películas de acción real . La autora Sybil DelGaudio cita la película como uno de los primeros ejemplos de un documental animado . ^{[ 74 ] : 193} Mientras la película se proyectó en festivales ya en 1962, los Hubley continuarían revisando la película y apelando tanto a Columbia ^{[ 78 ]} como a Show Corp. para su distribución; Se estrenaría al público general en 1964 por Films, Inc. ^{[ 64 ]}

Mientras buscaban financiación para Of Stars and Men , los Hubley colaboraron de nuevo con Gillespie para The Hole (1962). Gillespie y el actor George Matthews improvisaron  una conversación entre dos obreros de la construcción que discutían la vida y la guerra nuclear. La película reflejaba las ansiedades estadounidenses sobre la Guerra Fría , ya que se estaba produciendo durante la Crisis de los Misiles de Cuba . ^{[ 52 ]} La película les valió a los Hubley su segundo Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación, y tanto John como Faith fueron reconocidos por la academia por primera vez. ^{[ 79 ]} The Hole llevó a la Fundación Mundial del Derecho ^{[ 64 ]} a encargar a los Hubley la realización de The Hat (1964), ^{[ 80 ]} una especie de sucesor espiritual de The Hole centrado en una conversación improvisada entre Gillespie y Dudley Moore como soldados que debatían sobre la moralidad de la guerra. The Hat surgió de la iniciativa de la Fundación Mundial del Derecho de "llegar a... un público más amplio" a través de "las artes y los medios". Tanto The Hole como The Hat utilizan un estilo visual más realista que el expresionismo abstracto de The Adventures of * y Of Stars and Men y abordan temas más serios de violencia, guerra nuclear, ansiedades nucleares y muerte. The Hat fue la única película de los Hubley distribuida por McGraw-Hill , ^{[ 64 ]} y también se publicó como libro con ilustraciones tomadas de la película. ^{[ 81 ]} Carter volvería a colaborar con los Hubley en Urbanissimo (1966), una película que examina con humor el impacto de la expansión urbana en el medio ambiente, realizada para la Expo 67 en Montreal , Quebec . ^{[ 82 ]} A Herb Alpert and the Tijuana Brass Double Feature (1966), ^{[ b ]} una película que interpreta la música del músico de jazz Herb Alpert , se estrenó el mismo año. John y Faith ganaron su tercer Premio de la Academia por el cortometraje, ^{[ 83 ] [ 84 ] [ 85 ]} y la película se considera hoy en día un ejemplo prototípico temprano de un video musical . ^{[ 86} La película fue distribuida porParamount, lo que supuso la primera colaboración entre Hubley y un importante estudio de Hollywood tras su inclusión en la lista negra en 1952 ^.

Hubley comenzó a enseñar cine en Harvard en 1962, convirtiéndose en el primer profesor de animación en el Centro de Artes Visuales de Harvard. ^{[ 87 ]} Hubley escribió una adaptación de la novela corta de Edwin Abbot de 1884 , Flatland , y colaboró ​​con sus estudiantes, así como con Dudley Moore y varios miembros de Beyond the Fringe . La película resultante, Flatland (1965), fue dirigida por Eric Martin. ^{[ 87 ]} Ya en 1964, el cineasta Joseph Koenig propuso una película que explicaba la importancia del voto a la Junta Nacional de Cine de Canadá (NFB) . ^{[ 88 ]} Hubley fue elegido ^{[ 89 ]} para dirigir la película para la NFB, que finalmente se convirtió en The Cruise (1967). La película fue diseñada como una herramienta educativa para uso escolar, aunque Hubley tuvo muy poca participación en la creación del currículo que la rodeaba. La película se proyectaría en escuelas secundarias y universidades de Estados Unidos y Canadá durante las décadas de 1960 y 1970. La participación de Hubley en la educación continuaría en la década de 1970, cuando él y Faith se convirtieron en profesores de cine en la Universidad de Yale, donde impartían clases de animación y "La visualización de temas abstractos". ^{[ 90 ]}

Los Hubley continuaron haciendo cortometrajes juntos durante el resto de la década de 1960. Su siguiente película, Windy Day (1967), presentaba una conversación improvisada entre sus hijas Georgia y Emily "explorando la proyección de fantasía de la niña para representar el romance, el matrimonio y el crecimiento". ^{[ 64 ]} La película fue nominada al Premio de la Academia de 1968 al Mejor Cortometraje de Animación, pero perdió ante Winnie the Pooh and the Blustery Day de Disney . ^{[ 91 ] [ 92 ]} El Centro para el Estudio de las Instituciones Democráticas encargó a Hubley Zuckerkandl! (1968), un cortometraje que interpretaba una rutina cómica de Robert M. Hutchins . ^{[ 93 ]} El cortometraje también se publicó como libro con ilustraciones de Hubley. ^{[ 94 ] [ 95 ]} Hubley fue contratado nuevamente por IBM para la siguiente película de Storyboard, Inc., Of Men and Demons (1969), para la Expo '70 en Osaka , Japón . La película le valió a John y Faith su quinta nominación al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación. ^{[ 96 ] [ 97 ]}

En 1970 se estrenó el decimoquinto crédito de Hubley como director independiente con Eggs (1970). ^{[ 98 ]} Por primera vez, John y Faith colaboraron con el músico Quincy Jones , quien compuso e interpretó la banda sonora de la película. La película abordó temas de fertilidad y muerte y continúa la racha de Hubley de colaborar con músicos como actores de voz, ya que los cantantes Anita Ellis y Grady Tate prestaron sus voces para la película, al igual que el actor David Burns . La película fue animada completamente por Tissa David , ^{[ 99 ]} una reciente contratación de los Hubley más conocida por ser la segunda mujer en dirigir un largometraje de animación, Bonjour Paris! (1953). ^{[ 100 ]} Alrededor de esta época, Storyboard, Inc. pasó a llamarse Hubley Studios, Inc. (a veces conocida como The Hubley Studio o Hubley Studios), lo que indica la creciente confianza de Hubley en usar su nombre a medida que los efectos de la lista negra se desvanecían.

A pesar de la aclamación de la crítica que recibieron las películas del estudio, Hubley seguía teniendo problemas financieros. "Los cortometrajes parecen ser inevitablemente fracasos financieros, ya que los únicos que ganan dinero con ellos son los distribuidores. Incluso Moonbird , por ejemplo, recaudó al menos tanto como sus costos de producción (alrededor de $25,000), pero solo un tercio de la recaudación terminó en Storyboard, Inc.", ^{[ 101 ]} reveló un perfil de 1964 de The Harvard Crimson . A principios de la década de 1970, John y Faith comprendieron que necesitaban aceptar más trabajo comercial para financiar sus cortometrajes, y comenzaron a contribuir con segmentos animados para programas de variedades infantiles con sede en Nueva York, como The Electric Company y Sesame Street . Cabe destacar que Hubley dirigió el segmento "Letter E" para el primer episodio de este último el 10 de noviembre de 1969. ^{[ 102 ]} Hubley dirigió más de treinta segmentos animados para el programa entre 1969 y 1977. ^{[ 103 ]} Sus contribuciones más notables serían en The Electric Company , donde Hubley dirigió los segmentos " The Adventures of Letterman " de 1972 a 1977 ^{[ 104 ]} con Joan Rivers , Gene Wilder y Zero Mostel . ^{[ 105 ]} Tanto en Sesame Street como en The Electric Company , Hubley volvería a colaborar con artistas como Quincy Jones y Dizzy Gillespie para el doblaje y la música. Para ayudar a manejar la nueva carga de trabajo en el estudio, Hubley contrató a varios artistas nuevos, incluidos Tissa David y Michael Sporn . ^{[ 106 ]}

Mientras trabajaba en segmentos animados para Sesame Street y The Electric Company , Hubley se hizo más conocido por su trabajo en televisión (ya que no había hecho un comercial de televisión desde finales de la década de 1950). CBS se acercó a los Hubley para producir un programa educativo sobre geología para la estación. ^{[ 64 ]} Hubley solicitó la ayuda del geocientífico Bruce Heezen para investigar la película. ^{[ 107 ]} Originalmente titulada "What's Under My Foot?", ^{[ 108 ]} Dig (1972) se estrenó en CBS el 8 de abril de 1972. ^{[ 109 ]} La música de la película fue compuesta por Jones y contó con Jack Warden y el hijo de Hubley, Ray. Al año siguiente, la película fue adaptada a un libro coescrito por John y Faith. ^{[ 110 ]} De manera similar a como The Hole y The Hat fueron piezas complementarias, la siguiente película de Hubley, Cockaboody (1973), fue una pieza complementaria de Windy Day (1967). Hubley volvió a grabar una conversación entre sus hijas Georgia y Emily y la animó. ^{[ 111 ]} A diferencia de Windy Day , John y Faith colaboraron con estudiantes de su clase de animación en la Universidad de Yale para crear la película. Cockaboody se creó en conjunto con los estudiantes de los Hubley en Yale, así como con el Centro de Estudios Infantiles de Yale . El proceso de creación de Cockaboody en Yale fue filmado por Howard Sayre Weaver para el documental In Quest of Cockaboody (1973). ^{[ 112 ]} Cockaboody marcó la primera vez que se usó el nombre de The Hubley Studio en una de las películas de Hubley, y la segunda película del estudio animada exclusivamente por David. John y Faith obtuvieron otra nominación al Premio de la Academia por su siguiente toma, Voyage to the Next (1974), ^{[ 113 ] [ 114 ] [ 115 ]} otra colaboración con Gillespie, así como con las actrices Maureen Stapleton y Dee Dee Bridgewater comisionadas por The Institute for World Order. ^{[ 116 ]} Continuando con los temas de películas anteriores como Eggs y The Hat , Voyage to the Nextaborda temas de ambientalismo, nacionalismo y guerra. Ese mismo año, el Festival de Cine de Zagreb realizó una retrospectiva de la trayectoria de John y Faith, con John como presidente del jurado. ^{[ 64 ] [ 117 ]} Irónicamente, la siguiente película de Hubley, People People People (1975), fue encargada por la Comisión del Bicentenario de los Estados Unidos . ^{[ 64 ]} Hubley, ahora comisionado por el mismo gobierno que prácticamente lo había expulsado de la UPA en 1952, finalmente se liberó de los efectos de la lista negra. Ese mismo año, tanto John como Faith recibieron el Premio Winsor McCay de ASIFA, el máximo galardón que puede recibir un artista en la industria de la animación. ^{[ 118 ]}

Ahora, uno de los artistas más respetados en una industria que lo había vetado solo dos décadas antes, Hubley comenzó su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Ya en 1973, John y Faith se interesaron en adaptar la Teoría de las Ocho Etapas de la Vida de Erik Erikson en un largometraje de animación. Como hicieron con Cockaboody , los Hubley planearon hacer la película en colaboración con el Centro de Laboratorio Cinematográfico de Yale. Inicialmente, Erikson rechazó la idea, ^{[ 119 ]} pero en 1975 aceptó, y CBS estaba interesada en emitir la película. Inicialmente, CBS y Hubley acordaron que la película serían tres episodios de media hora, pero CBS la cambió a una película de noventa minutos durante los últimos tres meses de producción. ^{[ 120 ]} John y Faith crearon los guiones gráficos de la película junto con su clase de Yale, supervisados ​​por el profesor Ken Kennison. ^{[ 121 ]} Hubley eligió a muchos actores desconocidos con pocos o ningún crédito previo para la película, incluyendo a Lawrence Pressman , su entonces novia Lanna Saunders y la estudiante de Yale Meryl Streep en su primer papel actoral. ^{[ 122 ]} Los hijos de Hubley también aparecen en la película en diferentes etapas de la vida. Everybody Rides the Carousel (1976) se emitió el 10 de septiembre de 1976. ^{[ 123 ]} Al igual que las películas anteriores de los Hubley, la película está construida a partir de conversaciones improvisadas entre los actores relacionadas con las etapas de la vida de Erikson. La mayor producción llevó a Hubley Studios a contratar a un puñado de nuevos empleados, incluyendo a la hija de Erikson, Sue Erikson, ^{[ 38 ]} casualmente una estudiante de los Hubley en Yale. La película fue un éxito y ganó el Premio Cinta Azul en el Festival de Cine Americano de ese año . ^{[ 64 ]}

Por la época en que Hubley comenzó la producción de Everybody Rides the Carousel , el productor Martin Rosen contrató a Hubley para dirigir una adaptación animada de Watership Down (1972) de Richard Adams. ^{[ 38 ]} Hubley voló a Londres para reunirse con Rosen en el nuevo estudio que Rosen abrió para la película y los dos hicieron viajes a la campiña inglesa en busca de inspiración, pero el interés de Hubley en el proyecto se desvaneció rápidamente. Rosen y Hubley discrepaban frecuentemente sobre la narrativa de la película, con Rosen presionando por un tono crudo y Hubley presionando por un tono más ligero y un estilo visual más abstracto. ^{[ 124 ]} Hubley había firmado un contrato de exclusividad para trabajar en la película, pero Rosen pronto descubrió que estaba desarrollando en secreto una nueva película, lo que llevó a Rosen a despedir a Hubley de la película y convertirse él mismo en el director. ^{[ 125 ]} El trabajo de Hubley se puede ver en la escena inicial de la "fábula", ^{[ 126 ]} animada por Bill Littlejohn , Phil Duncan, Ruth Kissane y Barrie Nelson . ^{[ 127 ]} A Hubley se le suele acreditar como codirector de la película , pero su nombre no aparece en los créditos. En noviembre de 1976, el dibujante Garry Trudeau se acercó a Hubley con la idea de un especial animado con los personajes de Trudeau de Doonesbury . Hubley y Trudeau ya se conocían, ya que Trudeau fue uno de los alumnos de Hubley a principios de los setenta, y Trudeau y los Hubley disfrutaron mucho trabajando juntos. ^{[ 128 ]} En 1976, Doonesbury era una de las tiras cómicas de periódicos más populares de Estados Unidos, habiendo ganado un Premio Pulitzer el año anterior ^{[ 129 ]} y apareciendo frecuentemente en los titulares por ser cancelada por periódicos de todo el país debido a la decisión de Trudeau de abordar eventos del mundo real actuales y controvertidos. ^{[ 130 ]} A diferencia de sus películas anteriores, John y Faith compartieron los créditos de dirección y producción con Trudeau y siguieron un guion estricto para la película. Hacia la mitad de la producción en febrero de 1977, Hubley murió, ^{[ 131 ]} dejando a Faith y Trudeau para terminar la película ellos mismos. Un especial de Doonesbury (1977) se emitió en NBC el 27 de noviembre de 1977. La película le valió a Hubley una nominación póstuma al Premio de la Academia ^{[ 132 ] [ 133 ] [ 134 ]} y un Premio Especial del Jurado póstumo en elFestival de Cine de Cannes , empatando con Oh, My Darling del animador holandés Børge Ring . ^{[ 135 ]}