esmalte de Limoges

El esmalte de Limoges se aplicaba generalmente sobre una base de cobre , pero también a veces sobre plata u oro. ^{[ 5 ]} Su conservación suele ser excelente debido a la dureza del material empleado, ^{[ 5 ]} y las obras de Limoges más económicas sobre cobre han sobrevivido en mayor proporción que las obras cortesanas sobre metales preciosos, que casi todas fueron recicladas para aprovechar sus materiales en algún momento. Las partes no cubiertas de esmalte generalmente estaban doradas ; existían dos estilos básicos. En el primero, el más común pero introducido alrededor de 1200, las figuras estaban doradas y a menudo al menos parcialmente en relieve , mientras que los fondos eran principalmente de esmaltes de colores. En el otro, esto se invertía, y las figuras eran de esmalte sobre un fondo dorado. ^{[ 11 ]}

Las zonas doradas también estaban marcadas con líneas incisas que representaban los rostros y la vestimenta de figuras o motivos en los fondos (este último conocido como estilo vermiculado ). Las piezas solían estar decoradas con joyas, generalmente imitaciones en esmalte o vidrio en las piezas que se conservan, y los medallones multicolores en muchos de los fondos pueden interpretarse como gemas de imitación. Desde aproximadamente 1200, el azul, junto con el oro de las zonas doradas, fue el color predominante en la paleta de Limoges. En el arte medieval, el azul era notoriamente caro en otros medios como la pintura, pero relativamente fácil de conseguir tanto en esmalte como en vidrieras , cuyos creadores aprovecharon al máximo esta ventaja. ^{[ 12 ]}

Los elementos de relieve más pequeños se realizaban principalmente mediante el estampado en matrices que contenían el diseño de detalles como las cabezas de figuras que, de otro modo, serían planas; cuando las figuras completas estaban en relieve, generalmente se hacían a partir de una pieza de cobre separada que primero se empujaba desde atrás para crear la forma básica, y luego se terminaba trabajando en el frente. Estas se fijaban a la pieza principal con remaches de cobre , cuyas cabezas redondas suelen ser fácilmente visibles. En algunas piezas, especialmente aquellas como las cabezas de báculo con una forma tridimensional idéntica en ambos lados, el cuerpo completo se martillaba en matrices metálicas que contenían el diseño. Posteriormente, lo más probable era que los dos lados se soldaran entre sí. ^{[ 13 ]}

El crecimiento de la industria de Limoges y su reputación en el siglo XII parecen deberse en gran medida a los grandmontinos , una orden monástica cuya casa matriz, Grandmont, se encontraba fuera de la ciudad. La orden creció rápidamente tras la muerte de su fundador, San Esteban de Muret, en 1124, y fue patrocinada por el rey Enrique II de Inglaterra . Ya no se cree que existiera un taller de esmalte en la propia abadía de Grandmont; en su lugar, se patrocinaban los talleres seculares de Limoges. La orden poseía pocas tierras y era pobre, además de que su regla austera aparentemente desalentaba el gasto en arte; no utilizaba escultura monumental. No obstante, se enviaban esmaltes a los nuevos talleres que surgían, principalmente en Francia. ^{[ 14 ]}

El papa Inocencio III (1198-1216), quien visitó Grandmont en dos ocasiones, encargó obras de Limoges para Roma: un relicario para su iglesia titular y obras para el santuario de San Pedro en la Basílica de San Pedro , considerado el lugar más prestigioso de la Iglesia Occidental. El IV Concilio de Letrán , convocado por Inocencio, especificó que el esmalte de Limoges era adecuado para una de las dos píxides que toda iglesia debía tener (aunque no se consideraba un material apropiado para los cálices , que según las normas católicas generalmente deben estar al menos chapados en metal precioso). ^{[ 15 ]}

Otros factores que contribuyeron a difundir la reputación de la obra de Limoges fueron que Limoges se encontraba en una ruta principal de peregrinación a Santiago de Compostela y que también contaba con el patrocinio de los Caballeros Templarios . Se obsequiaron piezas a lugares tan lejanos como los reinos cruzados de Tierra Santa y Escandinavia , y se conservan en Novgorod , Rusia. ^{[ 13 ]}

Además de los cofres, que constituyen una parte importante de la producción durante todo el período, se elaboraron muchos otros tipos de objetos en esmalte de Limoges. Los destinados al uso eclesiástico han tenido mayor probabilidad de conservarse y, probablemente, predominaron a principios del período. Algunos tipos de objetos, como los candelabros, generalmente pequeños y con un pincho, y los medallones ornamentales para cofres, suelen tener decoración secular o neutra y probablemente se fabricaban de la misma forma para ambos mercados. En el período posterior, otros objetos pueden presentar una decoración claramente secular, como escenas caballerescas de caballeros en combate, ^{[ 16 ]} o, más raramente, escenas de amor cortés . ^{[ 17 ]} Las cubiertas religiosas para libros (o encuadernaciones de tesoros ) se fabricaron en gran cantidad durante todo el período, generalmente en pares de placas que rara vez se han conservado juntas; Dios Padre y la Crucifixión de Cristo son temas comunes. ^{[ 18 ]}

Otros temas que aparecen en el esmalte de Limoges con bastante más frecuencia que en otras obras de arte religioso de la época incluyen la vida de Santa Valerie de Limoges , una heroína local, así como el martirio de Santo Tomás Becket , cuyo culto fue promovido vigorosamente por la Iglesia después de su muerte, incluyendo la distribución de reliquias secundarias (trozos de sus ropas empapadas en su sangre diluida) por toda Europa. Que haya más de veinte grabados de Limoges que muestren la historia de los Tres Reyes Magos ha desconcertado un poco a los historiadores del arte. Sus reliquias fueron "trasladadas" de Milán a Colonia en 1164, ^{[ 19 ]} y se ha sugerido que partes de la mampostería del antiguo santuario de Milán estaban disponibles como reliquias. ^{[ 20 ]} En temas como estos, con muchos ejemplos que se conservan, las representaciones suelen ser muy similares, o se agrupan, lo que sugiere diseños compartidos, y quizás diferentes talleres que usaban los mismos patrones.

En el siglo XIII, se puso de moda que las tumbas de la élite tuvieran un panel de esmalte y metal con una efigie del difunto, a menudo en relieve . Dos hijos de San Luis IX (1214-1270), que murieron jóvenes, tuvieron tumbas de este tipo en la abadía de Royaumont, a las afueras de París (actualmente en la Basílica de Saint-Denis ), ^{[ 21 ]} y se registran varias tumbas de obispos y grandes nobles; pocas sobrevivieron a la Revolución Francesa . ^{[ 22 ]} Esto formaba parte de una tendencia en el arte tardío de Limoges a volverse cada vez más escultórico, a menudo con solo pequeños detalles en esmalte. ^{[ 23 ]} El número de piezas seculares, o las que han sobrevivido, aumentó en el período posterior, incluyendo candelabros, placas con medallones para adornar cofres y otros objetos, ^{[ 24 ]} y gemelliones , cuencos para el lavado ceremonial de manos que venían en pares, y los sirvientes vertían el agua de uno a otro sobre las manos. ^{[ 17 ]}

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  Placa para la cubierta de un libro con figuras esmaltadas aplicadas, siglo XIII.
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  Típico cofre medieval de Limoges , en este caso un crismatorio en lugar de un relicario , siglo XIII. ^{[ 25 ]}
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  Detalle de un báculo , c. 1230
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  Gemellion con caballero arrodillado ante una dama y heráldica, segunda mitad del siglo XIII. El dorado se ha desgastado.

La nueva técnica produjo piezas pintadas con escenas figurativas o motivos decorativos muy detallados. Al igual que con la mayólica italiana , a la que el esmalte pintado de Limoges fue en cierto modo una tardía respuesta francesa, las imágenes tendían a inspirarse en la mitología clásica o la alegoría, aunque también incluían escenas religiosas, a menudo del Antiguo Testamento . Muchos maestros se convirtieron al hugonotes ( calvinistas franceses ) a lo largo del siglo, y las nuevas Biblias moralizadas impresas , con ilustraciones de Bernard Salomon y otros, hicieron accesible un gran número de escenas narrativas que antes no eran muy conocidas. ^{[ 36 ]}

Las composiciones se basaban principalmente en grabados alemanes, franceses o italianos , especialmente para las escenas más grandes con muchas figuras. Los bordes de las piezas más grandes son muy elaborados y utilizan toda la gama de ornamentación manierista, difuminada por grabados ornamentales y otros modelos. Hay mucha ornamentación y las figuras grotescas fantásticas a menudo reciben un tratamiento cómico. ^{[ 37 ]} Las alegres figuras grotescas ilustradas a la derecha están en el reverso de un plato grande cuya cara principal muestra una representación colorida de la Destrucción del ejército del faraón en el Mar Rojo . ^{[ 38 ]} Ambos diseños son muy similares, aunque no se copian exactamente, en piezas de otras colecciones, en particular una en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Los diseños también se basan en grabados, pero adaptados por los esmaltadores para sus piezas. ^{[ 39 ]}

La introducción, alrededor de 1530, del estilo grisalla , con la mayor parte de la composición en blanco y negro, puede parecer sorprendente en un medio que generalmente dependía para su efecto de una amplia gama de colores brillantes que solo podían igualarse con la cerámica en otros medios, como la metalistería, en la que se hacían objetos similares. A menudo se incluían otros colores apagados, especialmente oro y rosa para la piel. Es posible que hubiera una influencia del blanco y negro de los grabados de los que se extraían los diseños, y probablemente el estilo era mucho más fácil de cocer. Las áreas de grisalla generalmente se hacían cociendo una capa de esmalte "negro", de hecho generalmente de un color mora muy oscuro , a veces un azul muy oscuro, luego agregando una capa de blanco y rascándola parcialmente antes de volver a cocer. Luego se podían agregar reflejos en blanco, oro u otros colores. ^{[ 40 ]} Las piezas de grisalla dominaron la producción en el período aproximado entre 1530 y 1560, y posteriormente continuaron haciéndose junto con las policromadas. ^{[ 41 ]} Se ha afirmado que estas piezas eran "oscuras y sombrías, reflejando el pesimismo predominante durante la Reforma". ^{[ 3 ]}

Los esmaltes aún se aplicaban a las bases de las láminas de cobre; la construcción de las complejas formas tridimensionales que ahora se utilizan con frecuencia no permitía el uso de soldadura , ya que esta no soportaría la temperatura de cocción. El reverso de las láminas también debía esmaltarse, incluso donde estas serían invisibles, para reducir la deformación durante la cocción; este esmalte invisible se denomina «contraesmalte» y se elaboraba con material de desecho de los lados pintados. La técnica requería (si no en grisalla ) múltiples cocciones a temperaturas estrictamente controladas para cocer los distintos colores, aunque el número real de cocciones necesarias se ha convertido en un tema de cierta controversia en las últimas décadas. Autores anteriores afirmaban que se necesitaban hasta veinte, pero ahora parece más probable un máximo de ocho o nueve. ^{[ 42 ]} El dorado al mercurio se utilizaba para las zonas doradas, muy común en los bordes; este y algunos otros colores se cocían solo brevemente, como etapa final. ^{[ 43 ]}

Debido a los privilegios reales, los talleres de esmalte solían permanecer en la familia y, además, están bastante mal documentados en comparación con los de los pintores; las diversas firmas y monogramas en las piezas han dado mucho que hablar a los historiadores del arte. ^{[ 44 ]} Los sellos en los marcos o engastes metálicos pueden ser útiles para datar las piezas. Léonard Limousin fue el más famoso de los siete artistas del esmalte de la familia Limousin, cuyas obras firmadas y fechadas abarcan desde 1532 hasta 1574. La familia Court/de Court probablemente incluyó a la mayoría de Jean Court (activo en la década de 1550), Jean de Court (activo en las décadas de 1560 y 1570, también un exitoso retratista al óleo), Suzanne de Court , quizás activa entre las décadas de 1570 y 1620, y Pierre Courteys (o Courtois), que firmó obras desde 1550 hasta 1568. Las familias Pénicault, Laudin y Reymond o Raymond ( Pierre Reymond ) también fueron esmaltadores prominentes, ^{[ 31 ]} los Laudin especialmente prominentes en el siglo XVII, como la "última chispa" de la tradición de Limoges. ^{[ 45 ]}

Algunas de estas firmas (normalmente solo iniciales) pueden representar "de la empresa/taller de" en lugar de "pintado por". Algunos pintores de esmalte individuales también son conocidos por obras particulares, y otros se les atribuyen en función de su estilo; la ilustración aquí es de una serie sobre la Eneida del "Maestro de la Eneida", ^{[ 46 ]} quien hizo un gran conjunto de placas alrededor de la década de 1530, de las cuales 74 están ahora ampliamente dispersas en varias colecciones. Copian las composiciones de las ilustraciones xilográficas utilizadas por primera vez en una edición de las obras de Virgilio publicada en Estrasburgo en 1502, y luego reutilizadas en ediciones de Lyon en 1517 y 1529; había 143 ilustraciones de la Eneida en estas, y ninguno de los últimos tres libros tiene versiones en esmalte que hayan sobrevivido. Es posible que hayan decorado un pequeño estudio, ^{[ 47 ]} integrado en paneles de madera como en el gabinete de esmaltes perteneciente a la reina Catalina de Médici a su muerte en 1589, decorado con pequeños retratos esmaltados. ^{[ 48 ]}

La serie de la Eneida refleja el estilo esencialmente gótico de los grabados en madera copiados, ^{[ 47 ]} pero probablemente se realizó cuando Léonard Limousin ya estaba al servicio del rey. Su contacto con el estilo italiano de la Primera Escuela de Fontainebleau fue probablemente la clave para la rápida adopción del sofisticado estilo manierista por parte de los artistas de Limoges, donde prevaleció durante el resto del siglo. ^{[ 49 ]}

Los esmaltes se fabricaban en forma de objetos como candelabros, platos, vasijas y respaldos de espejos, y también como placas planas para ser incluidas en otros objetos como cofres. Aunque a menudo se hacían con formas para servir comida y bebida, la evidencia sugiere que no se usaban generalmente para esto, sino que se guardaban entre otros objetos de arte en los salones de recepción. ^{[ 50 ]} Al igual que con los esmaltes medievales, si bien algunas piezas evidentemente se hacían por encargo, otras probablemente se fabricaban para existencias para vender o distribuir en el mercado. ^{[ 33 ]} Las insignias para sombreros se popularizaron a medida que la industria y la clientela se expandieron; los grandes preferían la joyería tradicional para estas. ^{[ 35 ]}

La pieza tridimensional más grande que se conserva es una fuente de mesa en grisalla  de 490 mm de altura en Waddesdon Manor , Inglaterra, fechada en 1552, supuestamente hecha para Diane de Poitiers , amante de Enrique II de Francia . ^{[ 51 ]} Sin embargo, podría tratarse de una pieza compuesta, formada en los siglos XVIII y XIX a partir de varias piezas del siglo XVI, a las que se añadieron las iniciales unidas de Henri y Diane. ^{[ 52 ]}

El cofre de las Sibilas, perteneciente al legado de Waddesdon en el Museo Británico (una de las mejores colecciones, siempre expuesta), es un pequeño y elaborado cofre con cerradura, con una estructura de plata dorada y gemas, decorado con paneles en grisalla con toques de oro y tonos carne. Representa el refinado gusto cortesano de alrededor de 1535 y probablemente estaba destinado a las joyas de una dama. La mayoría de estos conjuntos de inserciones de esmalte han perdido sus engastes originales, ^{[ 53 ]} pero muchos se encuentran ahora en marcos de reemplazo añadidos por los comerciantes parisinos en la segunda mitad del siglo XIX. ^{[ 54 ]}

Tras un largo periodo en el que fueron poco coleccionados, el interés por el Limoges pintado resurgió en la primera mitad del siglo XIX, como parte de un renacimiento renacentista general. El gusto creció hasta finales de siglo, siendo París el principal mercado para la adquisición de ejemplares de castillos, que, de ser necesario, se restauraban con la audacia propia del siglo XIX y se vendían a un grupo cada vez más internacional de coleccionistas muy adinerados. Las habilidades recuperadas para las reparaciones dieron lugar a algunas falsificaciones descaradas. Los historiadores del arte comenzaron a reconstruir los nombres y las biografías que se escondían tras la intrincada evidencia de firmas y estilos, ^{[ 54 ]} así como las imitaciones en cerámica de Francia e Inglaterra. ^{[ 55 ]}

Desde mediados de siglo, grandes grupos fueron incluidos en exposiciones apropiadas en París y Londres, y más tarde las colecciones privadas pasaron en su mayoría a museos; "las colecciones importantes de esmaltes de Limoges se encuentran hoy en una docena de museos": ^{[ 56 ]}

• Francia: Louvre : Musée national du Moyen Âge (anteriormente Musée de Cluny, esencialmente champlevé), París: Château d'Écouen (Musée national de la Renaissance): Museo Municipal de Limoges.
• Inglaterra (todo Londres): Museo Británico , incluyendo el Legado Waddesdon : Museo Victoria y Alberto : Colección Wallace
• EE. UU.: Colección Frick , Nueva York: Galería de Arte Walters , Baltimore: Museo Metropolitano de Arte , Nueva York: Museo de Arte Taft , Cincinnati.
• Rusia: Museo del Hermitage , San Petersburgo.

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  Tríptico de finales del siglo XV , atribuido al taller de Monvaerni.
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  Placa con la Resurrección de Lázaro , Jean Penicault I, principios del siglo XVI.
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  Placa conmemorativa de Léonard Limousin, en honor a Enrique II de Navarra.
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  Plato en grisalla con Psique llevada por Céfiro al palacio de Cupido, Pierre Courteys , c. 1560
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  Jarra, alrededor de 1600
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  Placa pintada en grisalla del siglo XVII , perteneciente a una gran serie para una iglesia en Reims , Jules Laudin, c. 1663.
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  Placa pintada del siglo XVII por Jacques I Laudin (1627-1695).
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  Lámina atribuida a Jacques Laudin, siglo XVII.

Esta pieza es la placa central de una cruz, del primer tercio del siglo XIII. Actualmente se encuentra en la Legión de Honor de San Francisco . La zona sin tallar está dorada para enmarcar las partes esmaltadas. Esta cruz probablemente se usó en la Abadía de San Marcial, posiblemente como cruz procesional .

La Cruz de Spitzer es un crucifijo realizado hacia 1190 en Limoges , Francia, por un artesano conocido como el "Maestro del Taller Real Plantagenet". La obra está hecha de cobre, grabada y dorada, e incrustada con esmalte champlevé de Limoges, con tonos azules, verdes, amarillos, rojos y blancos, y representa a Cristo en la cruz . Es posible que se haya realizado como cruz procesional para la Abadía de Grandmont ; existen cruces similares en otras colecciones, incluido el Museo Metropolitano de Arte .

Este relicario representa escenas de la muerte de Thomas Becket . Santo Thomas Becket, arzobispo de Canterbury , fue asesinado en la catedral de Canterbury en 1170, supuestamente por orden del rey Enrique II de Inglaterra . Becket fue canonizado tres años después de su asesinato, y las escenas de la vida y muerte de Thomas Becket se convirtieron rápidamente en una fuente de inspiración popular para los artistas de Limoges, de modo que hoy en día se conservan más de 45 relicarios. ^{[ 57 ]} Actualmente se encuentra en la Legión de Honor de San Francisco, en las Galerías de Arte Medieval.

El ataúd de Becket en Londres (ilustrado arriba) es otro ejemplo de Limoges; es el ataúd de Becket más grande que se conserva y posiblemente el más antiguo. Es posible que se haya fabricado tan solo diez años después del asesinato de Becket. ^{[ 58 ]}

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  Cruz de Limoges
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  La Cruz de Spitzer , Museo de Arte de Cleveland
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  Relicario de Becket chasse