Susan Michod

Susan Michod (nacida en 1945 en Toledo, Ohio ) es una pintora feminista estadounidense que ha estado a la vanguardia del movimiento Pattern and Decoration desde 1969. Su obra «consiste en pinturas monumentales [que están] densamente pintadas, rasgadas, con collage, salpicadas, esponjadas, espolvoreadas con purpurina e impregnadas de un espíritu de amor por la naturaleza y el arte», escribió la crítica de arte Sue Taylor. ^{[ 1 ]}

Tras graduarse con una maestría en Bellas Artes del Instituto Pratt en Brooklyn , Michod se mudó a Chicago en 1969 y se unió a una comunidad muy unida de artistas que incluía a Judy Chicago , Vera Klement , Phyllis Bramson , Margaret Wharton, Richard Loving, Robert Kushner y Nancy Spero . Impartió clases de arte en la Academia de Bellas Artes de Chicago .

En 1973, Michod cofundó la galería Artemisia , una iniciativa sin fines de lucro para artistas mujeres . ^{[ 2 ]} Al igual que la innovadora galería AIR de Nueva York, inaugurada apenas un año antes, Artemisia era un foro para que las mujeres exhibieran su arte lejos del ambiente dominado por los hombres en las galerías. ^{[ 3 ]} Judy Chicago , Miriam Schapiro , Joyce Kozloff y Nancy Spero fueron algunas de las artistas que exhibieron sus primeros trabajos en Artemisia.

La obra de Michod se ha exhibido en instituciones como el Instituto de Arte de Chicago , la Sociedad Renacentista de la Universidad de Chicago , el Museo de Queens , el Museo de Arte del Bronx y la Academia Nacional de Nueva York , y forma parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y del Museo Estatal de Illinois . Además de Artemisia, su obra también se exhibió en las galerías Jan Cicero ^{[ 4 ]} y Jean Albano de Chicago y en la Galería Andre Zarre de Nueva York.

Durante la década de 1970, Michod comenzó a viajar extensamente a la península de Yucatán , Ciudad de México y Tucson, Arizona , estudiando el arte y la cerámica indígenas . Sus pinturas incorporaron los diseños que se encuentran en los tejidos navajos y la cerámica maya , pero su obra también estuvo influenciada por los colores brillantes y el audaz movimiento visual de la obra producida por Henri Matisse y Josef Albers , entre otros. ^{[ 1 ]}

En 1977, John Perreault defendió la obra de Michod cuando la seleccionó para incluirla en una innovadora exposición de "Patrones y Decoración" que él mismo comisarió en PS1 (ahora MoMAPS1) en Long Island City. ^{[ 5 ]}

En la década de 1980, Michôd se alejó de la pintura de patrones para adoptar un estilo más surrealista, incorporando objetos encontrados como tractores de juguete Tonka , arados ( arados , etc.), secadores de pelo, limpiacristales y puertas domésticas con paneles. En un artículo publicado en la revista Artforum en marzo de 1983 , la crítica Judith Russi Kirshner escribió que la "orquestación de objetos de fauna bidimensionales y tridimensionales que extienden los personajes pintados a nuestro espacio" de Michôd evoca el ambiente de Fantasía de Walt Disney; "impulsadas por [...] los accesorios de la vida doméstica y la maternidad", las pinturas están "pobladas de juguetes infantiles y animadas por el espíritu fantástico de un niño". ^{[ 4 ]}

En 1997, Michôd expuso una serie de pinturas en el Centro Cultural de Chicago titulada "Paisajes Frágiles". Las pinturas se basaban en la experiencia de la artista al vivir con un raro tumor cerebral llamado oligodendroglioma , que sufrió en 1992. El Chicago Tribune aclamó las pinturas, paisajes "dominados por un motivo forestal de estilo neoexpresionista", como "depósitos de sentimientos" en los que "cada cuadro del bosque tiene un espectador que reacciona de diversas maneras al torbellino de pinceladas y al resplandor de luz de Michôd. La figura representa a los espectadores reales, es decir, a un miembro del público; pero también es la propia artista sirviéndonos como Virgilio a Dante en el bosque del Infierno, como guía". ^{[ 6 ]}