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Articulo de referencia

El Pitchfork Disney

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The Pitchfork Disney es una obra de teatro de 1991 escrita por Philip Ridley . [ 1 ] Fue el primer trabajo profesional de Ridley en el teatro, quien también había trabajado como artista visual, novelista, cineasta y guionista para cine y radio. [ 2 ] La obra se estrenó en el Bush Theatre de Londres, Reino Unido, en 1991 y fue dirigida por Matthew Lloyd, quien dirigió la mayoría de las primeras obras posteriores de Ridley. [ 3 ] [ 4 ]

Aunque inicialmente recibió críticas negativas por su guion, [ 5 ] la producción fue recibida con entusiasmo por un público predominantemente joven, convirtiéndose en un éxito algo controvertido. [ 6 ] [ 7 ] Con el tiempo, la obra ha llegado a ser considerada una obra fundamental en el estilo y la sensibilidad confrontativa de la década de 1990 del drama británico denominado teatro in-yer-face . [ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]

La obra es la primera entrega de la "Trilogía gótica del East End" de Ridley, titulada extraoficialmente, seguida de El reloj más rápido del universo y Un fantasma de un lugar perfecto . [ 11 ] [ 6 ]

En 2015, el guion fue republicado como parte de la serie Methuen Drama Modern Classics , reconociendo el impacto de la obra en el teatro británico moderno. [ 12 ]

Sinopsis

La obra comienza con los personajes de Presley y Haley, dos adultos que viven solos en el East End de Londres . Llevan una vida de fantasía infantil, alimentándose principalmente de chocolate . Sus padres fallecieron una década antes, aunque no se describe su destino exacto. Se cuentan historias y hablan de sus sueños y miedos.

Desde su ventana, ven a dos hombres, uno de los cuales parece estar enfermo. Agitada, Haley chupa un chupete drogado y se duerme. A pesar de su temor a los extraños, Presley hace entrar al enfermo, quien vomita inmediatamente en el suelo. El hombre se presenta como Cosmo Disney y explica que él y su compañero son artistas. Su enfermedad se debe a que su talento consiste en comer insectos y animales pequeños. Cosmo manipula emocionalmente a Presley, quien le cuenta a Cosmo un sueño recurrente que tiene, en el que aparece un asesino en serie llamado "El Horco Disney".

Casi inmediatamente después de que Presley termina su historia, llega el compañero de Cosmo: una figura enorme, enmascarada y aparentemente muda llamada Pitchfork Cavalier. Su acto consiste simplemente en quitarse la máscara para revelar su rostro horriblemente deformado. Canta una canción sin palabras, baila con la inconsciente Haley y come chocolate. Cosmo convence a Presley para que acompañe a Pitchfork a las tiendas, prometiéndole amistad. Tan pronto como se van, Cosmo agrede sexualmente a Haley introduciéndole en la boca un dedo empapado en medicina. Presley regresa inesperadamente y, al darse cuenta de las verdaderas intenciones de Cosmo, le rompe el dedo con el que había agredido a Haley. Cosmo huye. Pitchfork regresa brevemente, aterroriza a Presley y luego se va. Haley despierta y tanto ella como Presley expresan su miedo.

Temas e interpretación

La obra es una pieza onírica con elementos surrealistas. Trata principalmente sobre el miedo, en particular los miedos infantiles. También se exploran los sueños y las historias, y de hecho, toda la obra puede interpretarse como un sueño.

Otro tema recurrente es el de las serpientes, descritas por Presley en dos monólogos. En el primero, describe cómo mata una en una sartén; y en el segundo, cómo ve una matar un ratón en el reptilario de un zoológico y, posteriormente, cómo regresa a casa y ve un programa de televisión sobre una secta cristiana que venera a las serpientes. El propio Cosmo puede interpretarse como una manifestación de una serpiente, ya que come insectos y pequeños animales, afirma haber nacido de un huevo y que obtuvo piel nueva al desprenderse de la piel que tenía de bebé. En un monólogo, Presley describe cómo una serpiente muda de piel para revelar una piel nueva de color rojo brillante. Esta descripción parece evocar a Cosmo, quien entra en la obra vistiendo un largo abrigo negro que se quita para revelar una chaqueta de lentejuelas rojas.

Respecto a las interpretaciones de The Pitchfork Disney, Ridley dijo en 2016 que «Cada vez que se repone, significa algo diferente. Actualmente hay una producción en Canadá que, en el clima actual, se interpreta como una obra sobre terrorismo: sobre el miedo a lo externo y el miedo al cambio. Hace unos años, trataba sobre el miedo al sexo, a la intimidad, a ser tocado... [mis obras son] como diapasones, vibran con lo que sea que esté sucediendo en la atmósfera en ese momento». [ 13 ]

Desarrollo

Ridley comenzó a escribir la obra mientras estudiaba en la Escuela de Arte St. Martin's . Como parte de sus estudios, había creado una serie de performances que Ridley presentaba en galerías de arte, consistentes en largos monólogos de ritmo rápido que representaban secuencias oníricas y personajes con identidades cambiantes. Algunos amigos de Ridley, que dejaban la escuela de arte para dedicarse a la actuación, le sugirieron que sus monólogos serían una buena base para una obra de teatro. [ 14 ] Comenzó a escribir The Pitchfork Disney basándose en dos de sus monólogos —uno sobre un personaje que le tenía miedo a todo y otro que no le tenía miedo a nada— imaginando qué pasaría si los personajes se encontraran. [ 15 ]

Algunos elementos de la obra podrían estar basados ​​en sucesos de la vida de Ridley. Al describir su experiencia de niño visitando el mercado de Brick Lane , Ridley dijo: «Una vez vi a un encantador de serpientes allí. Y podías sacarte una foto con monos que llevaban chaquetas rojas. Tengo una foto mía sosteniendo a las dos pobres criaturas. Los tres parecemos aterrorizados». [ 16 ] En la introducción, en prosa semiautobiográfica , a su primera colección de obras de teatro, Ridley describe cómo, cuando tenía 18 años, vio a un hombre en un pub con una chaqueta roja de lentejuelas comer diversos insectos en el escenario para entretener al público. [ 17 ]

Uno de los tutores de Ridley en St Martins le aconsejó que enviara la obra a un agente teatral. Se la envió al agente Rod Hall , quien, según Ridley, lo llamó unos días después diciéndole: «Acabo de leer tu obra. No sé qué es. No sé qué pensar de ella. Pero lo único que sé es que nunca antes había leído nada parecido. Así que ven y la llevaremos a escena». [ 14 ]

Hall envió el guion al Teatro Hampstead , donde Matthew Lloyd era el director literario. Lloyd comentó sobre su primera lectura: «Me dejó alucinado. Fue impactante. No había visto nada igual, con esa energía febril… Estaba temblando de emoción». Sin embargo, el director artístico del teatro, si bien agradeció el entusiasmo de Lloyd, no quería que la obra se representara allí. Lloyd explicó que había «cautela respecto a su puesta en escena» porque era «una obra extraña. Era inusual. No encajaba en categorías convencionales. Rompía todo tipo de reglas y traspasaba los límites».

A pesar de esto, Lloyd insistió en que la obra se representara, así que concertó una reunión con Ridley. Lloyd comenta sobre su primer encuentro que Ridley "no solo disfrutaba de mis elogios y mi evidente entusiasmo, sino que también disfrutaba de los retos y de que se cuestionaran muchas de sus decisiones como escritor". Lloyd afirma que sentía que había "todo tipo de problemas con [el borrador inicial de] The Pitchfork Disney ", por lo que le dio a Ridley su opinión dramatúrgica. Lloyd explica que hizo esto con cada una de las obras de Ridley que dirigió, declarando: "He visto un borrador inicial, le he dado muchas notas [a Ridley], hemos tenido muchas conversaciones y hemos analizado el texto con mucha intensidad. Luego él ha escrito otro borrador. Y luego lo hemos repetido. Y luego ha escrito otro más. Así que, cuando llego al ensayo con los actores, siento que tengo una autoridad sólida sobre la historia, el porqué de la misma y cómo contarla". [ 7 ]

Lloyd dirigió The Pitchfork Disney él mismo al tomarse un año sabático sin sueldo de su puesto de director literario y volver a hipotecar su casa, diciendo que "Sentí que me estaba arriesgando. Lo había planeado todo de tal manera que pudiera volver a mi trabajo de director literario si todo esto resultaba ser un terrible error". [ 7 ]

La obra se estrenó en el Bush Theatre en enero de 1991. El director artístico del teatro, Dominic Dromgoole, escribió que «robó The Pitchfork Disney de una manera totalmente vergonzosa a otro teatro, The Old Red Lion . Era vital para mí que la produjéramos». [ 18 ] Sin embargo, Lloyd dijo que el Bush Theatre «no quería producir [la obra] ellos mismos. Les di la oportunidad de ser los productores, pero dijeron que simplemente no confiaban en ella. Así que me dieron un espacio para una compañía visitante. Así que, en cierto modo, la hice bajo mi propio patrocinio». [ 7 ]

Recepción y legado

Recepción inicial

La obra fue considerada escandalosa en su momento, con informes de espectadores que abandonaban la sala e incluso se desmayaban. Un desmayo ocurrió cuando Ridley estaba entre el público, lo que dio lugar a debates sobre si debería haber una enfermera presente en el teatro en cada función. [ 6 ]

Muchos críticos elogiaron la actuación y la dirección de la obra, pero criticaron el guion de Ridley. [ 5 ] Algunos consideraron que intentaba deliberadamente ser repulsivo. La crítica Maureen Paton lo describió como "ridículamente malo" y una "historia repugnante y tediosa... Las obsesiones del Sr. Ridley con los hermanos Grimm son de pésimo gusto", concluyendo que "Este sinsentido hace que Marat-Sade parezca un campamento de vacaciones de Pontins ". [ 19 ] Melanie McDonagh, del Evening Standard, escribió: "Philip Ridley es simplemente el niño gordo de Los papeles de Pickwick que se acerca sigilosamente a las ancianas y les susurra 'Quiero que se te ponga la piel de gallina'". [ 20 ] Para The Jewish Chronicle , David Nathan dijo: «Al teatro del absurdo , al teatro de la comedia y al quirófano , ahora se puede añadir el teatro del asco», y que «provocar asco es un objetivo dramático tan legítimo como provocar cualquier otra emoción fuerte, pero como fin en sí mismo parece inútil». [ 21 ]

Algunos críticos también consideraron que la obra era derivada de otras obras, en particular de las primeras obras de Harold Pinter y de la obra de Jean Cocteau . La crítica de City Limits , Lyn Gardner, escribió que el guion era "derivado de las peores obras de algunos dramaturgos (más famosos)". [ 22 ] Comparando la cualidad enigmática de la obra con la obra de Pinter, Maureen Paton escribió: "Mientras que la técnica irónica de Pinter, como un espejo bidireccional, puede dar una pátina intelectual a un misterio envuelto en un enigma, Ridley parece escabrosamente autocomplaciente... [Él] deja caer varias pistas ominosas que nunca se resuelven, dejando al público sumido en el fango de la especulación sin sentido". [ 23 ]

Otra crítica recurrente fue que el guion era artificial y carecía de explicaciones sobre su contenido. Lyn Gardner escribió que no tenía «lógica interna discernible, arrojando imágenes sin sentido de la nada… con largos monólogos divagantes que… no llevan a ninguna parte y parecen no tener impulso dramático… [Tiene] un aire de extrañeza artificial cuando lo que se necesita desesperadamente es un sentido de la realidad y algunas explicaciones concretas». [ 22 ] Benedict Nightingale, de The Times, escribió que «las oscuridades de la obra se vuelven irritantes», pero que «un dramaturgo no tiene la obligación de explicar el comportamiento de sus personajes. Quizás sea suficiente para Ridley llenar su obra con imágenes de culpa infantil, confusión, autodesprecio y temor, dejando al público… a la dramática mancha de Rorschach que emerge… Tal vez Ridley sea más específico en su próxima obra». [ 24 ]

A pesar de estas críticas, el guion recibió elogios de algunos críticos. Una reseña abrumadoramente positiva provino de What's On.Catherine Wearing: «Este es un estreno mundial que no se pueden perder… [Ridley] presenta un mundo audazmente dramático, sumamente contemporáneo y escalofriantemente aterrador. Por fin, una obra nueva para el teatro con visión y valentía en su narrativa… Hay una mente siniestra y original trabajando aquí, con mucho que decir… Oscura, poderosa y repleta de tácticas impactantes, esta obra es imprescindible para cualquiera que busque teatro dinámico y contemporáneo.» [ 25 ]

En respuesta a las críticas, Ian Herbert escribió en Theatre Record que existía "un conjunto de desacuerdos muy alentadores" entre los críticos respecto a The Pitchfork Disney . Defendió la obra, la calificó de "un debut muy importante", comparó favorablemente la escritura de Ridley con la de Harold Pinter y afirmó que Ridley era un escritor al que había que seguir de cerca: "Aún tiene que aprender un poco sobre la estructura dramática y todas las reglas aburridas, pero ya es capaz de crear personajes asombrosamente originales y darles diálogos que cautivan al público". [ 26 ]

Durante su temporada original, se ganó popularidad entre un público predominantemente joven. El director Matthew Lloyd dijo que durante sus últimas dos semanas y media, el teatro "estaba completamente lleno de jóvenes que se sentían atraídos como por un imán [...] De repente, la gente empezó a llegar al Bush Theatre [...] por el boca a boca. [...] No eran los típicos asistentes al teatro, pero había un gran revuelo". [ 7 ] Al final de su temporada, la obra había adquirido cierto estatus de culto, y según se cuenta, un grupo de actores la vio varias veces y asistió a la última función con camisetas que tenían frases de la obra impresas en negrita. Fue tan exitosa que, por primera vez en su historia, el Bush Theatre tuvo que programar una función matinal adicional para satisfacer la demanda del público. [ 6 ]

Por su interpretación de Presley, Rupert Graves ganó el premio Charrington Fringe al mejor actor. [ 27 ]

Legado

Matthew Lloyd, director de la primera producción de The Pitchfork Disney, ha citado la obra como un punto de inflexión en su carrera como director. Atribuye a la respuesta del público joven que vio la producción el haberle dado la confianza necesaria para dejar su trabajo como director literario del Hampstead Theatre y concentrarse en su carrera como director: «No creo que sería director ahora, o creo que me habría costado mucho más tiempo afianzarme sin Philip Ridley y esa obra en particular». [ 7 ]

Años después de su estreno, The Pitchfork Disney creció en reputación, logrando reconocimiento como una obra importante y muy influyente en el desarrollo del teatro in-yer-face , [ 6 ] que es una forma de drama que caracterizó gran parte de la nueva escritura en el teatro británico durante la década de 1990. [ 28 ]

El director artístico del Bush Theatre, Dominic Dromgoole, escribió en 2000 que la obra "tomó las expectativas de una noche normal en el teatro, las hizo girar un poco, las animó, les hizo cosquillas en la barriga y luego, salvajemente, las jodió por el culo... Representada a principios de 1990, esta fue una de las primeras obras en señalar una nueva dirección para la nueva dramaturgia. Nada de política, nada de naturalismo, nada de periodismo, nada de problemas. En su lugar, personajes, imaginación, ingenio, sexualidad, piel y alma". [ 18 ]

El dramaturgo y académico teatral Dan Rebellato afirma haber visto la obra al menos cuatro veces durante su estreno en 1991 y ha descrito la experiencia de verla como "una conmoción emocionante y estimulante", ya que "transformó mis ideas sobre el teatro británico". [ 29 ] En su análisis de The Pitchfork Disney , Rebellato ha declarado que "La obra fue sorprendente en su primer estreno por su inmensa confianza teatral y su falta de una voz autoral explícitamente moral, dos cualidades que parecían, cuando se estrenó el 2 de enero de 1991, contradictorias. [...] The Pitchfork Disney , más que ninguna otra obra, marca la transición de las convenciones políticas del teatro de los años 80 a las profundas ambigüedades de los años 90". [ 30 ]

El crítico y destacado experto en teatro In-yer-face, Aleks Sierz , ha citado la obra como una obra pionera. En su introducción a la edición Methuen Classics del texto de la obra, Sierz escribió: « The Pitchfork Disney no es solo una obra clave de los 90; es la obra clave de esa década... Su leyenda creció y creció hasta convertirse en la influencia fundamental para la generación de dramaturgos que le siguió. Es un texto fundamental; separa el pasado del presente». Sierz reconoce que la obra introdujo «una sensibilidad totalmente nueva en el teatro británico [que] marcó una nueva dirección para la dramaturgia contemporánea: una que rehuía el naturalismo realista, la ideología política y el comentario social, y convertía los auditorios en crisoles de sensaciones», añadiendo que la obra fue «una obra que marcó un hito: la era del teatro experimental comenzó aquí». [ 6 ]

A pesar de que se le atribuye a la obra el haber impulsado el teatro provocador, Ridley ha hablado sobre cómo siente que The Pitchfork Disney (junto con sus otras obras de la llamada "Trilogía Gótica del East End") se produjeron antes de que surgiera el teatro provocador: "Había hecho mis tres primeras obras... para 1994 y ese es el año en que la mayoría de la gente dice que empezó lo del 'teatro provocador'. Todas esas semillas se sembraron antes, pero no sentía que yo estuviera haciendo eso y nadie dijo que lo estuviera haciendo hasta muchos años después del evento". [ 10 ] "Cuando el teatro provocador estaba en auge, yo escribía obras para jóvenes". [ 31 ]

Entre las obras de teatro más importantes que, según la crítica, han sido influenciadas por la obra o le rinden homenaje, se incluyen:

Los monólogos de la obra también se han convertido en piezas populares para las audiciones, especialmente el discurso de Presley sobre matar una serpiente en una sartén [ 35 ] y el discurso de Hayley sobre ser perseguida hasta una iglesia por perros salvajes. [ 36 ]

Producciones destacadas

Estreno mundial (Londres, 1991)

2 de enero de 1991 en el Teatro Bush de Londres. Dirigida por Matthew Lloyd.

Glasgow Revival (1993) [ 37 ]

Teatro Ciudadano de Glasgow . Dirigida por Malcolm Sutherland.

Estreno estadounidense (Washington DC, 1995) [ 38 ]

5 de febrero de 1995 en la compañía teatral Woolly Mammoth , Washington D.C. Dirigida por Rob Bundy.

  • Presly Stray - Wallace Acton
  • Haley Stray - María Teresa Fortuna
  • Cosmo Disney - Michael Russotto
  • Caballero de la Horca - Bill Delaney

Ganador de 'Mejor obra residente' y 'Mejor actor principal, obra residente' para Wallace Acton en los Premios Helen Hayes , [ 39 ] con nominaciones también para 'Mejor actriz de reparto, obra residente' para Mary Teresa Fortuna, 'Mejor director, obra residente' para Rob Bundy, 'Mejor diseño de escenografía, obra residente o musical' para James Kronzer y 'Mejor diseño de sonido, obra residente o musical' para Daniel Schrader. [ 40 ]

Bolton Revival (1997) [ 41 ] [ 42 ]

16 de enero de 1997 [ 43 ] en el Teatro Octagon , Bolton . Dirigida por Lawrence Till.

  • Presley - Matthew Vaughan
  • Hayley - Andrea Ellis
  • Cosmo - Gideon Turner
  • Horca – David Hollett

Estreno en Nueva York (1999) [ 44 ]

8 de abril de 1999 en la compañía teatral Blue Light Theater Company , Nueva York. Dirigida por Rob Bundy.

  • Presly Stray - Alex Drape
  • Haley Stray - Lynn Hawley
  • Cosmo Disney - Alex Kilgore
  • Caballero de la Horca - Brandt Johnson

Reposición en Londres 2012 (Producción del 21.º aniversario) [ 45 ]

Del 25 de enero al 17 de marzo de 2012 en el Teatro Arcola de Londres. Dirigida por Edward Dick.

Renacimiento de Londres 2017 [ 46 ]

Del 27 de enero al 18 de marzo de 2017 en el Ayuntamiento de Shoreditch , Londres. Dirigido por Jamie Lloyd .

Ganador de los premios Off West End 2018 a «Mejor actor de reparto en una obra de teatro», otorgado a Tom Rhys Harries. [ 47 ] También fueron nominados George Blagden a «Mejor actor en una obra de teatro» (preseleccionado) y Jamie Lloyd a «Mejor director» (preseleccionado). [ 48 ]

Lecturas adicionales

  • Herbert, Ian, ed. (enero de 1991). "The Pitchfork Disney". Theatre Record . Vol.  XI, n.º  1. Inglaterra: Ian Herbert. págs. 11–14 . ISSN 0261-5282 .  
  • Urban, Ken (2007). Fantasmas de un lugar imperfecto: Nostalgia de Philip Ridley .
  • Rebellato, Dan (17 de octubre de 2011). «Capítulo 22: Philip Ridley por Dan Rebellato» . En Middeke, Martin; Paul Schnierer, Peter; Sierz, Aleks (eds.). The Methuen Drama Guide to Contemporary British Playwrights . Guides to Contemporary Drama. Londres, Gran Bretaña: Methuen Drama. pp. 427–430 . ISBN  9781408122785.
  • Sierz, Aleks (24 de mayo de 2012). Dramaturgia británica moderna: la década de 1990: voces, documentos, nuevas interpretaciones . Décadas de dramaturgia británica moderna. Gran Bretaña: Methuen Drama. págs. 91–98 . ISBN  9781408181331.

Referencias

  1. ↑ Ridley, Philip (1991). The Pitchfork Disney . Methuen Drama. ISBN 9781472510471.
  2. ↑ Sierz, Aleks (24 de mayo de 2012). Dramaturgia británica moderna: la década de 1990: voces, documentos, nuevas interpretaciones . Gran Bretaña: Methuen Drama. pág. 89. ISBN  9781408181331.
  3. ↑ Currículum del director Matthew Lloyd
  4. ↑ Crítica de Ian Shuttleworth sobre la producción original de la obra de Ridley de 2000, Vincent River, dirigida por Matthew Lloyd.
  5. 1 2 "The Pitchfork Disney". Theatre Record . Vol. XI, n.º 1. Inglaterra: Ian Herbert. Enero de 1991. págs. 11–14 . ISSN 0261-5282 .    
  6. 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 Sierz, Aleks (21 de octubre de 2015). Introducción. The Pitchfork Disney . Por Ridley, Philip. Clásicos modernos (edición reimpresa ). Gran Bretaña: Methuen Drama. págs. 1–24 . ISBN   978-1-4725-1400-4.
  7. 1 2 3 4 5 6 Charlie MacGechan (23 de febrero de 2021). "Trabajando con Philip Ridley / Con el multipremiado director Mathew Lloyd" . Run At It Shouting (Podcast) . Recuperado el 5 de marzo de 2021 .
  8. ↑ Gardner, Lyn (6 de febrero de 2012). "The Pitchfork Disney – reseña" . The Guardian . Londres.
  9. ↑ Grabación de audio de la conferencia impartida por Aleks Sierz titulada 'Destrozados y después: Nueva escritura en el teatro británico actual' en una reunión de la Sociedad para la Investigación Teatral, en el Art Workers Guild, Londres, el 16 de febrero de 2010.
  10. 1 2 "Philip Ridley sobre... Revisitando The Pitchfork Disney " . WhatsOnStage.com . Londres. 30 de enero de 2012. Consultado el 6 de abril de 2016 .
  11. ↑ Rebellato, Dan (17 de octubre de 2011). «Capítulo 22: Philip Ridley por Dan Rebellato» . En Middeke, Martin; Paul Schnierer, Peter; Sierz, Aleks (eds.). The Methuen Drama Guide to Contemporary British Playwrights . Londres, Gran Bretaña: Methuen Drama. pág. 426. ISBN  9781408122785.
  12. ↑ Edición de Clásicos Modernos de The Pitchfork Disney listada en el sitio web de Bloomsbury Publishing.
  13. ↑ Faber, Tom (24 de mayo de 2016). "El teatro te enseña a ser humano: una entrevista con Philip Ridley" . londoncalling.com . London Calling Arts Ltd. Consultado el 15 de octubre de 2016 .
  14. 1 2 Ridley, Philip (15 de octubre de 2015). "Mercury Fur - Philip Ridley Talkback" (Entrevista: Audio). Entrevistado por Paul Smith. Hull . Recuperado el 25 de julio de 2016 .
  15. ↑ Rebellato, Dan (17 de octubre de 2011). «Capítulo 22: Philip Ridley por Dan Rebellato» . En Middeke, Martin; Paul Schnierer, Peter; Sierz, Aleks (eds.). The Methuen Drama Guide to Contemporary British Playwrights . Londres, Gran Bretaña: Methuen Drama. pág. 425. ISBN  9781408122785.
  16. ↑ Allfree, Claire (12 de septiembre de 2014). "Mi Londres: el dramaturgo Philip Ridley" . Metro . pág. 52. 
  17. ↑ Ridley, Philip (2012). «Introducción: Capítulo LIII» . Philip Ridley Plays 1: Pitchfork Disney; Fastest Clock in the Universe; Ghost from a Perfect Place . Gran Bretaña: Bloomsbury Methuen Drama. págs. lvii– lviii. ISBN  978-1-4081-4231-8.
  18. 1 2 Dromgoole, Dominic (2000). The Full Room: An AZ of Contemporary Playwriting (1.ª ed.). Londres: Methuen Publishing. ISBN  0413772306.
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  27. ↑ Fotografía de un recorte de periódico
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  • Philip Ridley fue entrevistado por Aleks Sierz para TheatreVoice sobre The Pitchfork Disney y su reposición en 2012.
  • Philip Ridley fue entrevistado por Chelsey Burdon para A Younger Theatre sobre The Pitchfork Disney y su reposición en 2012.
  • Philip Ridley fue entrevistado por Theo Bosanquet para WhatsOnStage sobre The Pitchfork Disney y su reposición en 2012.