La sustancia

Después del éxito de crítica de Revenge (2017) en Estados Unidos, Fargeat estuvo en la contienda para dirigir películas de estudio, incluida la película del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) Black Widow (2021). ^{[ 20 ]} Sin embargo, la perspectiva de una película de estudio no le atraía, ya que no tendría el privilegio del montaje final . ^{[ 20 ]} Fargeat pasó varios meses en Los Ángeles después del estreno de Revenge , y comenzó a escribir las primeras escenas de The Substance , como un guion especulativo , en una cafetería en Silver Lake ; ^{[ 21 ]} se convirtió en productora para mantener el control creativo. ^{[ 22 ]} Eric Fellner, quien coprodujo la película, viajó a París varias veces para almorzar con Fargeat después de ver Revenge en 2017 para persuadirla de que eligiera Working Title para su siguiente proyecto. ^{[ 23 ]} El guion se desarrolló durante dos años, vagamente inspirado en su cortometraje Reality+ (2014). ^{[ 24 ]} El guion fue escrito tanto en inglés como en francés, con descripciones en francés, ^{[ 25 ]} pero pensando en el público angloparlante. ^{[ 15 ]}

Fargeat pretendía continuar los temas feministas desarrollados en Revenge , explorando las presiones y expectativas impuestas a las mujeres. ^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]} Durante el período en que comenzó a escribir la película, tenía cuarenta y tantos años y se enfrentaba a pensamientos negativos sobre su relevancia y apariencia. "Realmente empecé a pensar y [a tener] estas voces en mi cabeza como, 'Ahora tu vida se acabó. A nadie le importarás'". ^{[ 29 ]} Describió el proceso de hacer la película como una forma de confrontar y liberar esta violencia internalizada, ^{[ nota 3 ]} utilizando el género de terror corporal como un "arma de expresión". ^{[ 33 ] [ 34 ] [ 25 ] [ 35 ]}

Fargeat elaboró ​​el guion de 146 páginas ^{[ 36 ] [ 37 ]} con apenas 29 páginas dedicadas a diálogos. ^{[ 38 ] [ nota 4 ]} Ella ha descrito su estilo de escritura como el de escribir una novela. ^{[ 40 ] [ nota 5 ]} Escribió con gran detalle; ^{[ 41 ] [ 33 ]} cada experiencia sensorial que el público sentiría en la película final, incluyendo sonidos (con onomatopeyas como " splosh " y " aaagh ") ^{[ 42 ]} y a veces incluso primeros planos específicos estaban escritos en el guion. ^{[ 40 ]}

En lugar de historias de fondo de los personajes, se usaron colores, acciones y vestimenta para simbolizar rasgos de carácter: la chaqueta amarilla de Elisabeth Sparkle representaba una cualidad "similar a la de un superhéroe" antes de su transformación, y el leotardo rosa de Sue representaba su feminidad. ^{[ 33 ]} El personaje de Sue, descrita como rubia en un borrador del guion de 2020, ^{[ 44 ]} recibió su nombre para evocar subconscientemente a Lolita y Marilyn Monroe , la iconografía tipo "baby-doll" y los estándares de belleza perdurables. ^{[ 33 ]} Fargeat eligió el nombre Elisabeth por su "resonancia icónica" con las estrellas del viejo Hollywood , y Sparkle por su significado literal de "brillar y estar bajo la luz". ^{[ 45 ]}

Fargeat concibió la escena crucial del parto, en la que Sue emerge de la espalda de Elisabeth, mientras están en la ducha. ^{[ 46 ]} Fue la primera que escribió, ^{[ 47 ]} y en su opinión, "la escena más importante de la película". Recuerda: "Ni siquiera sabía quién sería mi personaje. Es el primero que realmente me vino a la mente, y contiene el ADN central de la película como una verdadera experiencia visceral sin palabras, que te hace sentir lo que los personajes van a sentir". ^{[ 41 ]} Fargeat decidió más tarde que el personaje principal debía ser una actriz para explorar las percepciones sociales de los cuerpos. ^{[ 48 ]} Eligió que Elisabeth Sparkle presentara una clase de aeróbicos, ^{[ 49 ]} inspirada en la transición de Jane Fonda de una actriz exitosa a su segunda carrera protagonizando cintas de ejercicios . ^{[ 50 ]}

Fargeat escuchó diversos tipos de música para inspirarse en el guion. Citó la banda sonora de Mica Levi para Under the Skin (2013), y otros compositores y música experimental que tenían "este tipo de latido o pulsación ... relacionado con el latido del nuevo ser humano o la forma en que puedes sentir con tu cuerpo". ^{[ 51 ]} Fargeat también escuchó música hipersexualizada para inspirarse en el programa Pump It Up, ambientado en la historia . ^{[ 51 ]} 

Demi Moore (izquierda) y Margaret Qualley (derecha) compartieron papeles protagonistas; ambas fueron nominadas a varios premios.

Tras la muerte de Ray Liotta (izquierda), su papel fue interpretado por Dennis Quaid (derecha).

Fargeat sabía que el casting sería un desafío, ya que la película presenta diálogos mínimos y depende en gran medida de los personajes. Elisabeth Sparkle debía ser elegida primero, dado que era el centro de la narrativa de la película. ^{[ 46 ]} Fargeat quería elegir a una actriz que hubiera estado en el corazón del sistema de estrellas , ^{[ 52 ]} un ícono de la vida real. ^{[ 46 ] [ 53 ]} Fargeat no incluyó a Demi Moore en la lista inicial de posibles actrices principales, afirmando 'Ella nunca lo hará'; ^{[ 22 ] [ nota 6 ]} varias actrices fueron consideradas pero rechazaron el papel antes que Moore. ^{[ 55 ]} Finalmente, sin nada que perder, se le envió el guion a Moore. ^{[ 56 ]}

Por insistencia de su agente, Moore leyó el guion antes de conocer detalles específicos, especulando más tarde que esto se debía al tema delicado del envejecimiento que trataba la película. ^{[ 57 ] [ 58 ] [ 59 ]} Le impresionó el guion y su temática, ^{[ 57 ] [ 60 ] [ 61 ]} aunque no estaba familiarizada con el género de terror corporal. ^{[ 22 ]} Moore sentía que la película podía "funcionar de verdad y ser parte de un cambio cultural" o "ser un desastre total". ^{[ 22 ]} No estaba segura de la reacción del público hasta el estreno, cuando supo que la película había funcionado. ^{[ 62 ]}

Sorprendida por la respuesta positiva de Moore, ^{[ 52 ]} Fargeat leyó su autobiografía y quedó impresionada por su resiliencia. ^{[ 63 ] [ 52 ]} "Leí su autobiografía y tuvo algunos años difíciles en su vida personal. [...] Se hizo a sí misma [...] en un lugar que era una industria totalmente dominada por hombres, adelantándose a su tiempo en muchos aspectos, como hacer esta foto desnuda de ella embarazada , tomando muchos riesgos y haciendo muchas declaraciones feministas, queriendo que le pagaran tanto como a sus coprotagonistas". ^{[ 25 ]} Fargeat había trabajado previamente como asistente de dirección en prácticas ^{[ nota 7 ]} en la película dirigida por Moore Passion of Mind (2000), realizando tareas como hacer fotocopias y llevarle el café por las mañanas. ^{[ 25 ]}

Antes de que le ofrecieran el papel, Moore habló de la película con Fargeat en seis reuniones. ^{[ 64 ] [ 65 ] [ 66 ]} Fargeat explicó la película en detalle: ^{[ 67 ]} el extenso trabajo de preparación de la película, las prótesis, los escasos recursos, la ubicación del rodaje y el nivel de desnudez, que ella consideraba fundamental para la historia. ^{[ 55 ]}

Moore comprendió la naturaleza meta ^{[ 16 ]} del papel, pero no se sentía identificada con el personaje, ya que Elisabeth no tenía familia. Como explicó más adelante: «Ha dedicado toda su vida a su carrera, y cuando se la quitan, ¿qué le queda?». Sin embargo, Moore simpatizó con el dolor del personaje. ^{[ 68 ]} Reconoció que los personajes eran profundamente importantes para Fargeat y los vio como sustitutos de la propia directora: Elisabeth representa a Fargeat, mientras que Sue, interpretada por Qualley, es la chica de los 90 con la que Fargeat siempre se sintió enfrentada. ^{[ 69 ]} Más tarde, Moore reflexionaría positivamente sobre su papel, diciendo: «Lo que me encanta es que fue un papel rico, complejo y exigente que me dio la oportunidad de salir de mi zona de confort y, al final, sentir que exploré y crecí no solo como actriz, sino también como persona». ^{[ 70 ]}

Mientras hablaba con Moore, Fargeat pensó en posibles parejas; más tarde, cuando conoció a Margaret Qualley , sintió que tenían una energía común. A Fargeat le gustó que Qualley tuviera experiencia como bailarina. ^{[ 46 ]} Moore tenía vínculos indirectos previos con Qualley y trabajó con la madre de Qualley, Andie MacDowell, en St. Elmo's Fire (1985), mientras que Qualley conocía a las hijas de Moore. ^{[ 71 ]}

Qualley estaba en Panamá, rodando Stars at Noon (2022) de Claire Denis , cuando leyó el guion y se sintió atraída por la idea de interpretar a un personaje que parecía "muy alejado de [ella]" y tuvo la sensación de que iba a ser "especial". ^{[ 57 ]} Durante la preproducción, Fargeat enfatizó la fisicalidad de los papeles (los cuerpos de ambos actores serían fundamentales para sus interpretaciones). Para Qualley, esto significó levantar pesas durante meses para lograr la figura de símbolo sexual de Sue . ^{[ 16 ] [ 63 ]} Qualley pasó mucho tiempo caminando por su apartamento practicando su personaje, "asustando a mi marido". ^{[ 72 ]}

Ray Liotta fue elegido originalmente para el papel de Harvey, ^{[ 73 ]} pero falleció en mayo de 2022. Tres meses después de comenzar el rodaje, Liotta fue reemplazado por Dennis Quaid . ^{[ 74 ]}

En el set, Fargeat leyó el diálogo de la Voz de la Sustancia para proporcionar una pista provisional . Tras un largo proceso de selección, eligió al actor estadounidense Yann Bean, que vivía en París, para que le pusiera voz. Fargeat quería una voz con cualidades diabólicas, tentadoras y poderosas. ^{[ 75 ]}

La fotografía principal se realizó íntegramente en Francia, con un equipo de filmación completamente francés , excepto el director de fotografía Benjamin Kračun y el compositor Raffertie (ambos del Reino Unido). ^{[ 13 ]} Las escenas de estudio se filmaron en los estudios Epinay en Seine-Saint-Denis , Île-de-France cerca de París, el estudio histórico donde Jean Cocteau filmó La Bella y la Bestia (1946). Las escenas exteriores que simulaban Los Ángeles se filmaron en la Costa Azul , ^{[ 13 ]} incluyendo locaciones en Antibes como el Teatro Anthéa, que se utilizó como hospital, y el estacionamiento de Marineland . ^{[ 76 ]} Las palmeras se filmaron en Cannes ^{[ 77 ]} con escenas adicionales filmadas en Niza , ^{[ 78 ]} Carros y Saint-Laurent-du-Var. ^{[ 76 ]} Francia fue seleccionada para acomodar el extenso calendario de rodaje de la película debido al trabajo de efectos prácticos , y el reembolso de impuestos del 40% para producciones internacionales (TRIP) del país proporcionó un incentivo adicional. ^{[ 13 ]}

Fargeat seleccionó a Kračun como director de fotografía tras quedar impresionado por su trabajo en Promising Young Woman (2020). ^{[ 79 ]} Rodó la película principalmente con la Alexa LF , por su captura precisa de los tonos de piel, ^{[ 39 ]} y utilizó lentes Canon K35 esféricas vintage para acomodar la gran cantidad de primeros planos en la película. ^{[ 80 ]} Otras lentes incluyeron zooms Angénieux Optimo, Leitz Thalia, macros de Cooke Optics y Arri y un Leitz M 0.8 para el trabajo con la cámara corporal. ^{[ 39 ]} También se utilizaron Red V-Raptor y Komodo : la primera para efectos visuales , con su sensor 8K de alta resolución , y la segunda para el cuerpo, que requería un sistema de casco . ^{[ 39 ]}

La película se rodó en continuidad siempre que fue posible, adoptando lo que el equipo denominó un enfoque de "rodaje de laboratorio" en su último mes. El "rodaje de laboratorio" se utilizó para capturar tomas de inserción , ^{[ 81 ]} normalmente asignadas a una segunda unidad ^{[ 82 ]} con un equipo reducido. ^{[ 41 ]} Las tomas de prótesis que consumieron más tiempo se filmaron durante este período, ^{[ 83 ]} incluyendo primeros planos de inyecciones y una espalda que se abre. ^{[ 84 ]} Fargeat realizó un storyboard de todas las secciones de prótesis y parto antes de que comenzara la producción, centrándose primero en la escena del parto durante la preproducción. ^{[ 85 ]} Esto ayudó a estimar los costos financieros de los maniquíes de prótesis, cuántos construir y el alcance de los detalles de sus cuerpos. ^{[ 86 ]} La secuencia del parto tardó 15 días en filmarse. ^{[ 87 ]} Fargeat incluso llegó a realizar una inyección real del activador en su propio brazo, doblando a Demi Moore en la toma. ^{[ 84 ]} El tamaño de los equipos fluctuó significativamente a lo largo de la producción, desde solo 6 miembros para el rodaje en el laboratorio, ^{[ 84 ]} 8 para las escenas exteriores y más de 200 para las secuencias de efectos prácticos complejos en el estudio. ^{[ 13 ]}

Kračun consideró inicialmente usar un cable de seguridad para dejar caer una cámara más allá de una serie de luces para la secuencia del túnel infinito. ^{[ 39 ]} Finalmente, ideó una solución más simple: dos neumáticos de bicicleta horizontales rodeados de luces LED tubulares , girando juntos a la misma velocidad alrededor de una cámara fija para crear un efecto de túnel infinito. ^{[ 39 ] [ 84 ]} Decidió filmar el fuego con forma de dragón en el suelo del estudio de forma práctica, capturándolo desde arriba. El metraje se integró luego en la escena donde se ve a Sue por la ventana. ^{[ 88 ]}

Para su escena de almuerzo con Demi Moore, Quaid consumió aproximadamente 2 kilogramos (4,4 lb) de camarones . ^{[ nota 8 ]} 

Margaret Qualley describió con humor el aprendizaje de la coreografía de The Substance como una "pesadilla" y se sintió abrumada al actuar con bailarines profesionales que ya habían memorizado los movimientos, que para ella eran nuevos. Aunque se formó como bailarina de ballet, ^{[ 91 ]} explicó que "ese tipo específico de sexualidad no se presta a [mí]" ^{[ 92 ]} y que "nunca [lo] volvería a hacer". ^{[ 93 ]} Qualley comenzó el ensayo con Fargeat presente, pero abandonó el set para ir al baño y llorar. Fargeat decidió abandonar también el ensayo; Qualley optó por aprender los movimientos en una clase privada, lo que le permitió practicar en su habitación de hotel y ganar confianza, ya que se sentía profundamente avergonzada por toda la serie de eventos. ^{[ 92 ]} No obstante, el día del rodaje, su ansiedad la llevó a " emborracharse a primera hora de la mañana" fumando cannabis y bebiendo tequila . ^{[ 92 ]} En una sesión de preguntas y respuestas en vivo después del estreno de la película, Qualley expresó su alegría por poder interpretar el baile, ya que muchas escenas anteriores habían sido de ritmo lento y requerían un movimiento o expresión mínimos, por lo que la secuencia de baile fue un cambio bienvenido. ^{[ 94 ]}

Moore encontró a Fargeat como un "director muy visual" con un enfoque en el simbolismo . ^{[ 95 ]} Mientras que Moore estaba acostumbrada a comenzar las escenas con planos generales para establecer el espacio de la escena, Fargeat en cambio comenzó con primeros planos. Moore encontró que "la parte del actor no es tan  ... importante" para Fargeat: "no es necesariamente donde ella está tan enfocada". Moore describió esto como "ni bueno ni malo, simplemente diferente". ^{[ 96 ]} Fargeat elogió el lenguaje corporal de Moore en la película; ^{[ 63 ]} Moore optó por expresar a Elisabeth a través de sutilezas, como sus ojos y otras expresiones simples. ^{[ 97 ]} Trabajó con un entrenador de movimiento por Zoom para las escenas posteriores de su personaje, donde se ve obligada a moverse rápidamente mientras está encorvada debido a una desfiguración física. ^{[ 98 ]}

Durante un descanso de una semana en el que solo Qualley estaba trabajando, Moore contrajo herpes zóster y perdió 20 libras (9,1 kg) durante la producción. ^{[ 16 ]} 

Inicialmente, se planearon dos días de rodaje en exteriores en Los Ángeles. Sin embargo, después de que Kračun filmara tomas de prueba de palmeras al principio del rodaje, Fargeat se dio cuenta de que podía usar esas tomas como cuadros y eliminar las tomas exteriores extensas. Finalmente, la única parte de la película que se filmó realmente en Los Ángeles fue el fondo estático (fotografiado por Rosco Digital) en los Cañones . ^{[ 99 ]}

El rodaje de las escenas del teatro duró casi tres semanas. ^{[ 100 ]} El equipo de efectos especiales utilizó alrededor de 21 000 litros (5500 galones estadounidenses ) ^{[ nota 9 ]} de sangre falsa y una manguera de bomberos . ^{[ 105 ]} Las tomas del público siendo rociado con sangre en el clímax se lograron en una sola toma. ^{[ 104 ]} Kračun se sorprendió por la cantidad de sangre y comentó: «Coralie dijo en un momento: "Quiero que haya camiones de bomberos llenos de sangre rociando al público", y pensé: "Oh, tal vez esa sea solo una forma francesa de decir que va a haber mucha sangre", pero no, ella realmente quería una manguera llena de sangre en el público, en el teatro, ¡e iba a ser muchísima sangre!». ^{[ 39 ]} Se convirtió en un desafío técnico significativo cómo controlar la propagación, la presión y la cantidad de sangre, cómo impermeabilizar el equipo de filmación, ^{[ 100 ] [ 39 ]} y cómo mantener a todos a salvo. Se instalaron duchas fuera del set del teatro para los extras. ^{[ 108 ]} Durante el rodaje, Kračun se escondió entre el público y filmó mientras Fargeat operaba otra cámara y controlaba la manguera. Una vez que Fargeat y Kračun estuvieron en el set cubiertos de sangre, se abrazaron y dijeron: "Lo logramos". ^{[ 88 ]}  

La construcción de The Substance requirió un período de tres meses para construir los decorados , incluyendo el apartamento de Elisabeth con espacios distintos como el baño y la habitación secreta, así como el teatro de Nochevieja y un pasillo de estudio de televisión. ^{[ 39 ]} La característica central del decorado del apartamento era el gran ventanal panorámico, que simbolizaba el pasado de Elisabeth y, más tarde, el renacimiento y el futuro de Sue. Fargeat imaginó el apartamento con una "cualidad atemporal, anticuada pero también futurista", lo que le permitía trascender épocas específicas y enriquecer la historia con simbolismo. ^{[ 33 ]} Inicialmente, Fargeat y Kračun consideraron la tecnología de pantallas LED de Darkmatters ^{[ 110 ]} para el paisaje urbano de Los Ángeles en el ventanal, pero Kračun determinó que era costoso y técnicamente difícil, requiriendo nueve técnicos para su operación. Además, consideró que los LED no podían lograr la visión de Fargeat de luz solar intensa para Los Ángeles. ^{[ 111 ]} En cambio, optaron por un telón de fondo Rosco SoftDrop de 115  pies x 42 pies , ^{[ 112 ]} que evocaba una cualidad romántica, hitchcockiana ; ^{[ 113 ]} Kračun describió el aspecto general de la película como "noir rosa". ^{[ 114 ]} Fargeat expresó gran satisfacción al ver el set práctico por primera vez, ya que había anticipado filmarlo con pantalla verde . ^{[ 88 ]} 

Fargeat quería que el decorado del baño funcionara como un "capullo" metafórico y lo imaginó como un espacio mental abstracto, estilizado y vacío. Se opuso al diseñador de producción , que buscaba un aspecto más realista y le preguntó: "¿Estás segura de que no quieres ningún mueble en el baño?". ^{[ 33 ]} Kračun quería apliques para modificar la iluminación, pero Fargeat finalmente rechazó la idea y la iluminación se mantuvo dura. ^{[ 115 ]}

Durante la toma en primera persona de la escena del parto , se construyeron dos decorados de baño idénticos para simular un espejo: Qualley actuó en uno, mientras que Kračun (con una cámara montada en la cabeza) y una doble de cuerpo imitaron sus movimientos en el otro. ^{[ 39 ] [ 84 ]} Los movimientos de la mano en el espejo se volvieron a filmar en la postproducción frente a una pantalla verde debido a las dificultades para sincronizar los movimientos. ^{[ 116 ]} Para algunas tomas, se colocó un espejo real entre los dos baños para capturar el reflejo de Qualley. ^{[ 117 ]} La escena en la que Moore está tumbada en el suelo y se golpea la cabeza, mientras la cámara se eleva , se filmó completamente en cámara y se logró construyendo una ducha tres veces más alta que la altura estándar. ^{[ 118 ]}

Después de que la producción terminó de filmar en el set del apartamento, este fue destruido para construir el teatro en el mismo espacio, siendo "básicamente [...] construido sobre las cenizas del apartamento", según Fargeat. ^{[ 88 ]} Inicialmente, había planes para filmar en un teatro real que iba a ser completamente renovado, ^{[ 119 ]} pero el equipo descubrió que el lugar, aunque inicialmente acogió con agrado la idea de filmar una pequeña salpicadura de sangre, se mostró aprensivo al darse cuenta de la magnitud de los efectos de sangre. Como comentó un productor: "Está bien, no quiero terminar en la cárcel. No podemos filmar en un teatro real, porque no hay manera de protegerlo para que no sea destruido". ^{[ 88 ]}

La diseñadora de vestuario Emmanuelle Youchnovski fue contratada para la película después de leer el guion y crear un tablero de Pinterest para mostrárselo a Fargeat. ^{[ 120 ]} Se inspiró en fotografías de moda y en el póster de la película La reina Margot , en particular para el final de Monstro. ^{[ 120 ]}

Youchnovski desarrolló estilos contrastantes para Elisabeth y Sue. ^{[ 120 ]} El diseño de Elisabeth enfatizaba la masculinidad, usando trajes con mínima exposición de piel, telas brillantes y colores primarios como azul, rojo y negro. ^{[ 120 ]} Para el abrigo amarillo de Elisabeth, Youchnovski compró 20 opciones; no contenta con su ajuste y color, encontrándolos demasiado mostaza o demasiado verde, esbozó un diseño y ella y su equipo hicieron el abrigo usando tela obtenida de Londres en un mes. ^{[ 120 ]} El abrigo amarillo combinaba con los tonos soleados y huevo que se encuentran en la película, y envolvía a Elisabeth "como una armadura" con sus hombros anchos y grandes bolsillos. ^{[ 120 ]} Durante la preproducción, Moore inicialmente cuestionó la elección exagerada, señalando que nadie en Los Ángeles usaría un abrigo grueso en verano, ^{[ 121 ]} pero Fargeat dijo que era esencial para su personaje. ^{[ 121 ]} Después de que terminó la producción, Moore se llevó la chaqueta amarilla como recuerdo. ^{[ 122 ]}

El vestuario de Sue enfatizaba la feminidad, exponiendo su cuerpo, centrándose en clichés asociados con la mirada masculina , incluyendo colores metálicos rosas, botas Louboutin negras y una falda de tenis. ^{[ 120 ]} Su leotardo rosa se inspiró en Beyoncé en el video musical de " Blow " y en un atuendo usado por Dua Lipa durante sus conciertos. ^{[ 120 ] [ 123 ]} La ropa de Sue se vuelve más oscura a medida que avanza la película ^{[ 124 ]} y fue diseñada temáticamente para representar peligro ^{[ 88 ]} y cualidades de serpiente. ^{[ 120 ]} Su chaqueta bomber hecha a medida presenta la letra "S" en la espalda de "Sue" y de "Serpiente" ^{[ 120 ]} y su catsuit como una segunda piel. ^{[ 125 ]} Youchnovski tuvo que rehacer el patrón de piel de serpiente en el catsuit ya que el intento inicial no era lo suficientemente brillante. ^{[ 120 ]} La túnica de dragón de Sue, que representa el renacimiento y la dominación, ^{[ 88 ]} requirió la mayor parte del trabajo, con 10 000 lentejuelas colocadas a mano durante 2 meses. ^{[ 120 ]}

Para el vestido de Monstro, Youchnovski primero diseñó la versión para Monstro, luego la adaptó para Qualley, invirtiendo su proceso habitual ya que no tenía acceso a Qualley en la prótesis. ^{[ 120 ]} Inspeccionó la prótesis en Londres y ajustó el traje a una maqueta de Monstro, teniendo dificultades con el diseño de la parte superior debido a la cantidad de senos de Monstro. ^{[ 120 ]}

Youchnovski vistió a Harvey con coloridos trajes de Etro y Dolce & Gabbana . ^{[ 120 ]} Explicó: "Quería que su estilo fuera muy extraño. Como lo que usan los ricos". ^{[ 120 ]}

Youchnovski enfatizó el motivo de la columna vertebral en los vestuarios. ^{[ 120 ] [ 88 ]} Elisabeth aparece al principio de la película, antes de tomar la sustancia, con un vestido con la espalda descubierta. ^{[ 120 ]} Después de tomar la sustancia, aparece con un vestido rojo de Balmain con cremallera, mientras que Sue imita esta elección de diseño al ponerse un catsuit, que también tiene cremallera. ^{[ 120 ] [ 88 ]} Moore y Qualley tuvieron aproximadamente tres pruebas cada una, y Youchnovski se centró en asegurar que el leotardo fuera cómodo y que la silueta del personaje estuviera claramente definida. ^{[ 120 ]} Luego, ella dibujaba el look, ajustando el color u otros detalles según fuera necesario. ^{[ 120 ]}

Fargeat describió la posproducción como el período más desafiante de la producción, ^{[ 126 ]} que duró un año y medio. ^{[ 127 ] [ 24 ]} Con más de 300 horas de tomas diarias , ^{[ 128 ]} uno de los principales desafíos fue encontrar el ritmo adecuado para las escenas con poco diálogo. ^{[ 129 ]} Las escenas se cambiaron con frecuencia en función de la interacción de la música, los efectos visuales y el diseño de sonido, ^{[ 130 ]} y la posproducción terminó solo tres días antes del estreno. ^{[ 24 ]} Los efectos visuales de NOID Studio tardaron un año en completarse. ^{[ 131 ]}

La película fue editada por Jérôme Eltabet, ^{[ 132 ]} Fargeat y Valentin Feron. Eltabet había colaborado previamente con Fargeat en Revenge y le enseñó edición mientras trabajaba en su programa infantil Les Fées Cloches ^{[ 133 ] [ 134 ] [ 135 ]} Comenzó a editar a mitad del rodaje, aproximadamente tres meses después ^{[ 136 ]} y creó de forma independiente el montaje inicial de 3,5 horas de la película , ^{[ 136 ]} que no incluía muchos de los insertos o primeros planos. ^{[ 137 ]} Después de terminar el rodaje, Eltabet y Fargeat colaboraron durante seis meses ^{[ 138 ]} llevando la duración a 4,5 horas. ^{[ 139 ]} Eltabet y Fargeat colaboraron editando secuencias separadas en diferentes salas usando Adobe Premiere Pro , ^{[ 140 ]} luego intercambiando las secuencias entre sí para un mayor refinamiento. ^{[ 141 ]} Debido a las numerosas iteraciones de la película, con algunas secuencias que tenían entre 150 y 200 versiones diferentes, ^{[ 142 ] [ 143 ]} Feron fue posteriormente contratado para dar una nueva perspectiva externa a la película. ^{[ 144 ]} Varias escenas con el agente de Elisabeth fueron filmadas pero finalmente no se incluyeron porque no se consideraron convincentes según Eltabet. ^{[ 145 ]} Encontró que el clímax del teatro fue el más difícil de editar, ya que tuvo que editar alrededor de prótesis que no siempre parecían convincentes. ^{[ 146 ] [ 147 ]}

Para el diseño de sonido, Fargeat colocó efectos de sonido y notas en la línea de tiempo del software de edición para los diseñadores y editores de sonido Valérie Deloof y Victor Fleurant. ^{[ 148 ]} El equipo tuvo la tarea de encontrar las texturas, los efectos y el tono adecuados para cada escena, utilizando sonidos exagerados o realistas para explorar significados más profundos. ^{[ 148 ]} Por ejemplo, se utilizó una motosierra para la batidora eléctrica en la escena de cocina de Elisabeth Sparkle, y se utilizaron sonidos de manejo de pistola para el disparo de la cápsula durante las inyecciones. ^{[ 148 ]}

Para las tomas en primera persona de la secuencia del parto, Fargeat quería que los movimientos de Sue sonaran como si estuvieran sumergidos en líquido amniótico . Para lograrlo, el equipo de sonido colocó cápsulas de micrófono en los oídos de los actores para capturar la respiración mediante resonancia craneal. ^{[ 149 ] [ 148 ]} Simultáneamente, un micrófono de pértiga y un micrófono de alta frecuencia capturaron el audio para permitir ediciones posteriores o cambiar a un punto de vista externo. ^{[ 148 ]}

Para las escenas con Harvey, el equipo quería enfatizar su carácter extravagante. ^{[ 148 ]} Antes de entrar en una escena como el baño o el restaurante, los sonidos se mezclaban de forma realista. ^{[ 148 ]} Una vez en pantalla, se intensificaban; por ejemplo, para el restaurante, los sonidos se superponían enfatizando su forma de comer y la jugosidad de los camarones. ^{[ 148 ]} Los sonidos ambientales y la música en el restaurante se silenciaban en este punto. ^{[ 148 ]} Cuando Harvey entra en su oficina, el equipo de sonido enfatizó la "ostentosa pesadez" de sus botas. ^{[ 148 ]}

El equipo creó paisajes sonoros para realzar las imágenes y los temas de la película. ^{[ 148 ]} Cuando Elisabeth sale a recuperar la sustancia, el diseño de sonido cambia de una calle ruidosa a suburbios desiertos con perros, sirenas de policía y cuervos que presagian peligro. ^{[ 148 ]} Dentro del almacén, los sonidos se moldearon musicalmente con materiales metálicos y notas sostenidas para dar una sensación de incomodidad, y luego se redujeron a una tenue y aséptica luz de neón. ^{[ 148 ]}

Para la toma en contrapicado de "Gollum" golpeando la puerta del baño, se utilizaron efectos visuales para combinar las prótesis de Moore con las prótesis del doble de cuerpo más delgado. ^{[ 150 ]}

Cuando se proyectó para Kračun, la película parecía demasiado nítida, así que se redujo a 2K y luego se escaló a 4K para conservar la suavidad que encontró en el set. Cuando Sue aparece en el programa de televisión, el metraje se mantuvo en el 4K original preprocesado para una apariencia más nítida. ^{[ 39 ]}

Al principio de la producción, sin moldes de los cuerpos ni escaneos de las actrices, ^{[ 42 ]} Persin creó y filmó una maqueta de 30  cm ^{[ 168 ]} de la abertura trasera para enviársela a Fargeat para su aprobación. ^{[ 42 ]} Esto le permitió comenzar a trabajar en la escena. ^{[ 42 ]}

Persin inicialmente creyó que los diseños protésicos en el baño se verían realzados visualmente por una iluminación tenue, similar a la de Aullidos ^{[ 169 ]} o las películas de Dario Argento . ^{[ 158 ]} Sin embargo, descubriría que no era así, como explicó: "Al principio, le pregunté a Coralie, le dije, en el baño, porque pasan muchas cosas en el baño, si íbamos a tener algo bonito, un poco oscuro y con sombras para disimular un poco la silicona y todo eso. Y ella dijo: sí, sí, sí, sí. Corte a los azulejos blancos [brillantes]". ^{[ 170 ]}

Para la escena del parto, Persin utilizó una combinación de prótesis en dobles de cuerpo ^{[ 161 ]} y marionetas , ^{[ 22 ]} que se basaron en dos maniquíes de silicona hiperrealistas sin rostro, ^{[ 171 ]} cuya construcción tardó entre uno y un mes y medio. ^{[ 172 ]} Toda la secuencia se filmó con efectos prácticos, con la excepción del primer plano de la división del ojo. ^{[ 84 ]} Las tomas de la división de la espalda se lograron con los maniquíes en un set elevado, operados por 5 a 6 titiriteros debajo mientras Fargeat dirigía desde debajo del set o cerca. ^{[ 42 ]} Para la costura de la espalda, Persin alternó entre un maniquí y una prótesis aplicada directamente a la piel de las actrices. ^{[ 173 ]} Se prestó especial atención al realismo de la piel: los poros y la celulitis se elaboraron meticulosamente, mientras que capas de varios colores —rojos, amarillos, verdes, azules y ocres— se aplicaron con un método puntillista , ya que ningún color de pintura por sí solo puede replicar un tono de piel natural, según Persin. ^{[ 174 ]} Un desafío fue evitar que la piel pareciera "demasiado gomosa o demasiado elástica", por lo que el equipo diseñó una prótesis con material suave, pero con bordes de herida más rígidos para que la aguja que se abría paso a través de la piel pareciera más realista. ^{[ 173 ]} La cicatriz de la columna y otras prótesis se aplicaron a Moore, a dos dobles de acción y a dos dobles de cuerpo. ^{[ 173 ]}

El primer proyecto de Persin comenzó con la prótesis de dedo. Sin embargo, la primera prueba parecía extremadamente falsa, reminiscente de " Mickey Mouse ". ^{[ 173 ]} Corregirla tomó un mes ^{[ 173 ]} y detuvo temporalmente el desarrollo de otras prótesis hasta que el dedo cumplió con el estándar deseado por Persin de una apariencia equilibrada, asegurando que no se viera más voluminoso que los naturales. ^{[ 162 ]} Lograr esto requirió crear prótesis extremadamente delgadas y, en total, todas las prótesis fueron rediseñadas dos veces. ^{[ 162 ]} Se utilizó un brazo protésico para la escena donde Moore intenta lavarse el dedo en el lavabo. ^{[ 112 ] [ 175 ]}

Persin elogió el profesionalismo de Moore durante la aplicación de prótesis de cinco a seis horas para la etapa de "Requiem", comparándola con "ir al dentista durante seis horas". ^{[ 157 ]} El equipo quedó especialmente impresionado cuando Moore decidió posponer la filmación de una de sus escenas hasta el día siguiente tras notar que sus prótesis se habían deteriorado durante varias horas de tomas anteriores, ya que consideró que sería una gran falta de respeto a su arduo trabajo. ^{[ 157 ]}

Debido a que Moore nació con ambliopía en un ojo ^{[ 176 ]} , solicitó al equipo de maquillaje que evitara trabajar demasiado cerca del ojo. ^{[ 158 ]} Persin asumió que los efectos de maquillaje se modificarían digitalmente, pero luego descubrió que no era así. ^{[ 158 ]} La mayor parte de la secuencia del Réquiem se basó en prótesis aplicadas adheridas directamente a la piel, mientras que algunas tomas, como la pierna de Elisabeth en la ducha, eran partes del cuerpo falsas. ^{[ 42 ]} Para la escena con la rótula atascada de Elisabeth, se utilizó una silla modificada para ocultar las piernas reales de Moore y revelar las prótesis mecánicas hechas de silicona. ^{[ 177 ]} Para lograr la apariencia de piel translúcida, el equipo utilizó prótesis delgadas que permitían que se vieran las venas y los huesos. ^{[ 42 ]}

La transformación de Moore en "Gollum" fue más extensa, con capas de prótesis de silicona pegadas directamente a su cuerpo. Se incrustó lana roja y azul en la silicona para imitar la apariencia de venas bajo la piel. ^{[ 42 ] [ 178 ]} Persin usó silicona porque se veía más natural y no se arrugaba fácilmente durante la filmación de las escenas de acción. ^{[ 179 ]} Cuando Elisabeth corre por el pasillo, Moore fue reemplazada por una doble de cuerpo más delgada para que coincidiera con la idea de que Gollum tuviera una fisicalidad "araña". ^{[ 42 ] [ 180 ]}

Se creó una sofisticada cabeza falsa, capaz de simular un sangrado realista, para la escena en la que se rompe el espejo. ^{[ 173 ]} Qualley golpeó la cabeza falsa contra el espejo y Moore simuló la acción más tarde con su cabeza real; el equipo de efectos visuales combinó a la perfección las dos tomas para representar el impacto de la cabeza contra el espejo y la reacción de Moore. ^{[ 173 ]}

A pesar de los desacuerdos sobre transformaciones anteriores, para "Monstro", Persin y Fargeat estaban en sintonía. ^{[ 173 ]} Debido a las limitaciones de tiempo (ya que el diseño de Monstro no se había finalizado hasta después de que comenzara el rodaje ^{[ 181 ]} ), Persin subcontrató la construcción de Monstro a Dave y Lou Elsey de Igor Studios, con sede en el Reino Unido. ^{[ 42 ] [ 182 ] [ 183 ]} El diseño final se creó utilizando cinco cabezas protésicas (incluida una cabeza especial con una cavidad que se abre para dar a luz un pecho unido a un cordón umbilical ), dos trajes de cuerpo completo, dos trajes de cuerpo parcial y un molde de la cabeza de Moore. ^{[ 104 ]} El traje era completamente práctico, con la excepción del rostro gritando de Moore, que se logró utilizando efectos digitales, ^{[ 105 ]} utilizando un escaneo fotogramétrico del rostro de Moore ^{[ 158 ]} por Clear Angle Studios. ^{[ 184 ]}

Persin se inspiró en Niki de Saint Phalle , una escultora francesa conocida por sus figuras vibrantes y curvilíneas (especialmente sus representaciones de bailarinas); ^{[ 157 ]} el artista Fernando Botero , cuyas esculturas a menudo presentan mujeres con proporciones exageradas; ^{[ 104 ]} y la película de David Cronenberg de 1986, La Mosca . ^{[ 161 ]}

Durante la preproducción , Persin expresó su preocupación por el plan de que Qualley usara el traje completo, señalando que solo se vería el ojo de Qualley. ^{[ 162 ]} Finalmente, Fargeat hizo que Qualley hiciera primeros planos de Monstro, reconociendo la importancia de su actuación. Persin reconoció más tarde que esta decisión fue esencial para que las escenas de Monstro tuvieran un impacto visual en la película final. ^{[ 157 ]}

Qualley describiría más tarde el uso de las prótesis como una "tortura", y agregó: "Tuve un equipo increíble de artistas protésicos que me las pusieron y me las quitaron y me ayudaron a pasar el día, haciéndome reír un par de veces cuando estaba al borde del pánico". ^{[ 106 ]} "Mi problema era que tenía que llorar mientras llevaba puesto el disfraz de monstruo. En cierto punto, estás nadando: hay como una capa de lágrimas y mocos dentro de tus prótesis, y están tratando de volver a pegarlas". ^{[ 185 ]} La aplicación de las prótesis para Qualley requirió seis horas ^{[ 104 ]} y se filmó a lo largo de ocho días. ^{[ 16 ]} Según Qualley, las prótesis le causaron un brote de acné en la cara , que tardó más de un año en curarse ^{[ 186 ] [ 187 ]} y afectó la filmación de su papel posterior en Kinds of Kindness . ^{[ 188 ]} Las tomas de Sue caminando por la calle bordeada de palmeras fueron filmadas deliberadamente desde ángulos bajos para ocultar las imperfecciones. ^{[ 189 ]} Para evitar el sobrecalentamiento, el traje incorporaba un chaleco refrigerante similar al que usan los pilotos de carreras . ^{[ 155 ]}

Fargeat se puso personalmente el traje de Monstro para las tomas que mostraban la sangre salpicando desde el punto de vista de Monstro. Ella misma sostuvo la cámara, sin el casco, mientras llevaba puesto el traje, ya que su brazo estaba dentro del dispositivo de sangre. ^{[ 162 ]} Persin también se puso el traje para operar una marioneta de pecho, lo que requirió al menos 10 a 15 tomas y le dejó el brazo entumecido por sostenerla por encima de la cabeza durante largos períodos. ^{[ 42 ]} El constante rociado de sangre hizo que el látex se volviera rosa al saturarse rápidamente. El traje requería ser repintado, vuelto a coser y secado después de cada día. Por motivos de seguridad, el equipo rociaba vodka dentro del traje todas las noches para matar las bacterias y eliminar la humedad. ^{[ 161 ]}

Cerca del final de la película, el doble de acción tuvo que ser trasladado en una plataforma rodante debido a la limitada movilidad del traje. Cuando se probó por primera vez el sistema de sangre, el doble resbaló y rodó hacia atrás por el largo pasillo ensangrentado que aparece cerca del final de la película. ^{[ 105 ]}

Al finalizar la película con "The Blob", que mostraba el rostro de Moore, Fargeat buscaba una imagen clara que permitiera expresiones faciales completas. Persin y su equipo construyeron y manipularon manualmente una marioneta con forma de gota para la escena, que se superpuso al rostro de Moore con efectos visuales . ^{[ 162 ]} En el cronograma de rodaje se la conocía como "Gremlin", ^{[ 157 ]} en alusión a Stripe derritiéndose al final de la película Gremlins de 1984. ^{[ 190 ]}

The Substance se estrenó en la plataforma de streaming y VOD de MUBI en mercados seleccionados el 31 de octubre de 2024. ^{[ 211 ] [ 212 ]} La película se estrenó en DVD y Blu-ray el 31 de marzo de 2025 en el Reino Unido, ^{[ 213 ] [ 214 ]} y se estrenó en 4K, DVD y Blu-ray el 21 de enero de 2025 en Estados Unidos. ^{[ 215 ]}

La banda sonora fue lanzada digitalmente a través de Waxwork Records el 20 de septiembre de 2024, ^{[ 216 ]} y como un LP de vinilo en "Activator Fluorescent Green" para preordenar en esa fecha. ^{[ 217 ] [ 151 ]}

La película The Substance recaudó 17,6 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, y 59,7 millones de dólares en otros territorios, para un total mundial que se estima entre 77,3 ^{[ 218 ] [ 219 ]} y 82 millones de dólares. ^{[ 220 ] [ nota 13 ]}

En Estados Unidos y Canadá, The Substance se estrenó junto con Transformers One y Never Let Go , y se proyectó que recaudaría alrededor de $3 millones en 1949 salas de cine en su fin de semana de estreno. ^{[ 221 ]} La película recaudó $1.3 millones en su primer día, incluyendo $512,000 de los preestrenos de las noches del miércoles y jueves. ^{[ 18 ]} Debutó con $3.2 millones, terminando sexto en la taquilla. ^{[ 222 ] [ 223 ]} La película cayó solo un 39% el fin de semana siguiente, recaudando $1.8 millones. ^{[ 224 ]} La película se ha convertido en la película más taquillera de Mubi, superando los $10 millones recaudados por Priscilla (2023). ^{[ 224 ] [ 225 ]} Además, en su primera semana de lanzamiento en PVOD , se posicionó en el puesto #3 en iTunes y en el puesto #6 en Fandango at Home . ^{[ 226 ]}

En el sitio web agregador de reseñas Rotten Tomatoes , el 89% de las 378 reseñas de críticos son positivas, con una calificación promedio de 8.1/10. El consenso del sitio web dice: "Audazmente grotesca, ingeniosa y posiblemente la mejor actuación de Demi Moore, The Substance es una hazaña que deja sin aliento, de la guionista y directora Coralie Fargeat". ^{[ 227 ]}

Metacritic , que utiliza un promedio ponderado , asignó a la película una puntuación de 78 sobre 100, basada en 57 críticos, lo que indica críticas "generalmente favorables". ^{[ 228 ]} En AlloCiné , la película recibió una calificación promedio de 3,6 sobre 5, basada en 39 críticas, de críticos franceses. ^{[ 229 ]} El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación promedio de "B" en una escala de A+ a F, mientras que los encuestados por PostTrak le dieron una puntuación general positiva del 80% (incluido un promedio de 4 de 5 estrellas), con un 75% que dijo que definitivamente la recomendaría. ^{[ 18 ]}

La reseña de cuatro estrellas (de cinco) de Peter Bradshaw en The Guardian la calificó como "una pieza de comedia de terror corporal gonzo alegremente tonta y escandalosamente indulgente". ^{[ 230 ]} David Ehrlich de IndieWire calificó la película con una A, calificándola como "una obra maestra épica y audaz del terror corporal  ... un clásico instantáneo. La experiencia cinematográfica más enfermizamente entretenida del año". ^{[ 231 ]} Nicholas Barber de la BBC otorgó a la película cuatro estrellas de cinco, destacando la actuación de Moore, escribiendo: "Destrozando su mejor papel en la gran pantalla en décadas, Demi Moore no tiene miedo de parodiar su imagen pública". ^{[ 232 ]} La reseña de cinco estrellas (de cinco) de Phil de Semlyen en Time Out dijo que es "Moore quien lo une todo, convirtiéndose en una Isabelle Adjani en Posesión en una actuación sin vanidad llena de ego herido, horror naciente y vulnerabilidad". ^{[ 233 ]}

Owen Gleiberman de Variety elogió a la directora de la película, escribiendo: "Coralie Fargeat trabaja con el estilo de un Kubrick de cine de explotación en una fusión extrañamente divertida y catárticamente grotesca de Dr. Jekyll y Mr. Hyde y Showgirls ". ^{[ 234 ]} Radhika Seth de Vogue la llamó una "pieza cinematográfica audaz  ... el estreno más emocionante que ha debutado en la Croisette hasta ahora" y que era su "opción actual para ganar la Palma de Oro". ^{[ 235 ]} Damon Wise de Deadline dijo que es "un thriller de terror desenfrenado y onírico que termina en una sinfonía delirante de sangre, vísceras y otras entrañas indefinibles". ^{[ 236 ]} Javier Ocaña de El País escribió que la película "no es tan buena", en parte "porque la sutileza no es la mayor virtud de Fargeat", pero "sobre todo porque los primeros 45 minutos parecen una remake encubierta" de la [superior] Seconds de John Frankenheimer . ^{[ 237 ]}

Los cineastas Ana Lily Amirpour , Edward Berger , Davy Chou , Kelly Fremon Craig , Robert Eggers , Adam Elliot , Hannah Fidell , Michael Gracey , Kitty Green , Laurel Parmet , Rich Peppiatt y Juel Taylor la citaron como una de sus películas favoritas de 2024. ^{[ 238 ] [ 239 ]}

En junio de 2025, IndieWire clasificó la película en el puesto número 91 de su lista de "Las 100 mejores películas de la década de 2020 (hasta ahora)". ^{[ 240 ]} En julio de 2025, fue una de las películas votadas para la edición "Elección de los lectores" de la lista de The New York Times de "Las 100 mejores películas del siglo XXI", terminando en el puesto número 126. ^{[ 241 ]}

La película The Substance ha ganado varios premios. En el 77.º Festival de Cine de Cannes , Fargeat ganó el premio al Mejor Guion . ^{[ 242 ] [ 243 ] [ 244 ]} Compitió por la Palma de Oro , perdiendo ante Anora . ^{[ 244 ]} En el 32.º Festival Internacional de Cine del Arte de la Cinematografía Camerimage , en la Competencia de Óperas Primas, Benjamin Kračun fue nominado a mejor fotografía. ^{[ 245 ]} Sin embargo, Fargeat retiró la película de la competencia debido a los comentarios negativos sobre las mujeres en el cine del director del festival, Marek Zydowicz. ^{[ 246 ]}

En la 82.ª edición de los Globos de Oro , la película recibió cinco nominaciones: Mejor película musical o de comedia , Mejor director para Fargeat, Mejor actriz en una película musical o de comedia para Moore, Mejor actriz de reparto en una película para Qualley y Mejor guion para Fargeat; ^{[ 247 ] [ 248 ] [ 249 ]} Moore ganó en su categoría. ^{[ 250 ]} Además, ganó el premio a la Mejor interpretación femenina en un papel principal en una película en la 31.ª edición de los Premios del Sindicato de Actores . ^{[ 251 ]}

En la 97.ª edición de los Premios Óscar , The Substance fue nominada a cinco premios y ganó el de Mejor Maquillaje y Peluquería . También fue nominada a Mejor Película , Mejor Guion Original y Mejor Director para Fargeat, y Mejor Actriz para Moore. Fargeat se convirtió en la primera mujer nominada a guion y dirección de una película de terror, y la novena mujer nominada a mejor dirección en la historia de los Premios Óscar. ^{[ nota 14 ]}