Barton Fink

En 1989, los cineastas Joel y Ethan Coen comenzaron a escribir el guion de una película que finalmente se estrenó como Miller's Crossing . Los múltiples hilos de la historia se complicaron y, después de cuatro meses, se encontraron perdidos en el proceso. ^{[ 4 ]} Aunque biógrafos y críticos posteriormente lo denominaron bloqueo del escritor , ^{[ 5 ] [ 6 ]} los hermanos Coen rechazaron esta descripción. «En realidad no sufríamos de bloqueo del escritor», dijo Joel en una entrevista de 1991, «pero nuestro ritmo de trabajo se había ralentizado y estábamos ansiosos por alejarnos un poco de Miller's Crossing ». ^{[ 7 ]} Se trasladaron de Los Ángeles a Nueva York y comenzaron a trabajar en un proyecto diferente. ^{[ 8 ]}

En tres semanas, los Coen escribieron un guion con un papel principal escrito específicamente para el actor John Turturro , con quien habían estado trabajando en Miller's Crossing . La nueva película, Barton Fink , estaba ambientada en un gran hotel aparentemente abandonado. ^{[ 7 ]} Este escenario, al que llamaron Hotel Earle , fue un elemento clave en la historia y el ambiente del nuevo proyecto. Mientras filmaban su película de 1984, Blood Simple, en Austin, Texas, los Coen habían visto un hotel que les causó una gran impresión: "Pensamos: '¡Guau, Motel Hell!'. Ya sabes, estar condenados a vivir en el hotel más extraño del mundo". ^{[ 10 ]}

El proceso de escritura de Barton Fink fue fluido, dijeron, sugiriendo que el alivio de estar lejos de Miller's Crossing pudo haber sido un catalizador. También se sintieron satisfechos con la estructura general de la historia, lo que les ayudó a avanzar rápidamente en la composición. "Algunas películas surgen completamente en la cabeza; Barton Fink simplemente surgió de forma espontánea ". ^{[ 11 ]} Mientras escribían, los Coen crearon un segundo papel principal pensando en otro actor: John Goodman, quien había aparecido en su comedia de 1987 Raising Arizona . Su nuevo personaje, Charlie, era el vecino de al lado de Barton en el cavernoso hotel. ^{[ 12 ]} Incluso antes de escribir, los Coen sabían cómo terminaría la historia y escribieron el discurso final de Charlie al comienzo del proceso de escritura. ^{[ 13 ]}

El guion cumplió su función de distracción, y los Coen lo dejaron de lado: « Barton Fink nos despejó la mente y pudimos volver y terminar Miller's Crossing ». ^{[ 14 ]} Una vez finalizada la producción de la primera película, los Coen comenzaron a reclutar personal para filmar Barton Fink . Turturro estaba deseando interpretar el papel principal y pasó un mes con los Coen en Los Ángeles para coordinar puntos de vista sobre el proyecto: «Sentí que podía aportar algo más humano a Barton. Joel y Ethan me permitieron cierta contribución. Intenté ir un poco más allá de lo que esperaban». ^{[ 15 ]}

Mientras trabajaban con J. Todd Anderson para crear storyboards detallados para Barton Fink , los Coen comenzaron a buscar un nuevo director de fotografía, ya que Barry Sonnenfeld —quien había filmado sus tres primeros largometrajes— estaba comprometido con su debut como director, La familia Addams . Los hermanos finalmente viajaron a Londres para entrevistar a posibles directores de fotografía. Roger Deakins había impresionado a los Coen con su trabajo, particularmente con las escenas de interiores de la película de 1988, Stormy Monday . Joel Coen llamó por teléfono a Roger Spottiswoode , el director más reciente en trabajar con Deakins ( Air America , 1990), para pedirle su opinión sobre el director de fotografía. Spottiswoode se había formado una opinión sumamente negativa del director de fotografía, diciéndole a Joel que Deakins insistía en operar la cámara él mismo, se negaba a filmar con más de una cámara, no le gustaban las unidades de filmación múltiples y buscaba obsesivamente configuraciones de iluminación naturalistas. Una vez que Joel informó de estas críticas a Ethan, y después de ver otras películas que Deakins había filmado (incluidas Sid y Nancy y La isla de Pascali ), los Coen enviaron el guion a Deakins y lo invitaron a unirse al proyecto. ^{[ 16 ]} Aunque su agente le aconsejó que no trabajara con los Coen, Deakins se reunió con ellos en un café en Notting Hill y su colaboración comenzó poco después. ^{[ 17 ] [ 18 ]}

El rodaje principal comenzó en junio de 1990 y duró ocho semanas (un tercio menos de tiempo que el requerido para Miller's Crossing ), y el presupuesto final estimado para la película fue de 9 millones de dólares estadounidenses. ^{[ 19 ]} Los Coen trabajaron bien con Deakins, y fácilmente plasmaron sus ideas para cada escena en la película. "Solo hubo un momento en que lo sorprendimos", recordó Joel Coen más tarde. Una escena extendida requería un plano secuencia desde el dormitorio hacia el desagüe de un lavabo en el baño contiguo como símbolo de la relación sexual. "El plano fue muy divertido y nos lo pasamos genial buscando la manera de hacerlo", dijo Joel. "Después de eso, cada vez que le pedíamos a Roger que hiciera algo difícil, levantaba una ceja y decía: 'No me pidan que busque ningún desagüe ahora ' " . ^{[ 20 ]}

Se pasaron tres semanas de rodaje en el Hotel Earle, un decorado creado por el director artístico Dennis Gassner . El clímax de la película requería un enorme incendio que se propagaba por el pasillo del hotel, que los Coen originalmente planearon añadir digitalmente en la postproducción. Sin embargo, cuando decidieron usar llamas reales, el equipo construyó un gran decorado alternativo en un hangar de aviones abandonado en Long Beach, California. Se instaló una serie de chorros de gas detrás del pasillo y se perforó el papel pintado para facilitar la penetración. Mientras Goodman corría por el pasillo, un hombre en una pasarela elevada abría cada chorro, dando la impresión de un fuego que avanzaba rápidamente delante de Charlie. Cada toma requería reconstruir el aparato, y un segundo pasillo (sin fuego) estaba listo cerca para filmar tomas adicionales entre tomas. ^{[ 19 ]} La escena final se rodó cerca de Zuma Beach , al igual que la imagen de una ola rompiendo contra una roca. ^{[ 12 ]}

Los Coen editaron la película ellos mismos, como es su costumbre. «Preferimos un enfoque práctico», explicó Joel en 1996, «en lugar de sentarnos al lado de alguien y decirle qué cortar». ^{[ 21 ]} Debido a las reglas para ser miembro de los gremios de producción cinematográfica, están obligados a usar un seudónimo; «Roderick Jaynes» aparece acreditado como editor de Barton Fink . ^{[ 22 ]} Solo se eliminaron algunas escenas filmadas del montaje final, incluyendo una escena de transición para mostrar el traslado de Barton de Nueva York a Hollywood. (En la película, esto se muestra enigmáticamente con una ola rompiendo contra una roca). Varias escenas que representaban el trabajo en los estudios de Hollywood también fueron filmadas, pero se eliminaron porque eran «demasiado convencionales». ^{[ 23 ]}

Existe un marcado contraste entre la vivienda de Fink y el entorno pulido e impoluto de Hollywood, especialmente la casa de Jack Lipnick. La sensación inquietante e inexplicablemente vacía del Hotel Earle fue fundamental en la concepción de la película por parte de los Coen. «Queríamos una estilización art déco », explicó Joel en una entrevista de 1991, «y un lugar que se estuviera desmoronando tras haber conocido tiempos mejores». ^{[ 24 ]} La habitación de Barton está escasamente amueblada y cuenta con dos grandes ventanas que dan a otro edificio. Los Coen describieron posteriormente el hotel como un «barco fantasma a la deriva, donde se perciben indicios de la presencia de otros pasajeros, sin llegar a verlos». En la película, los zapatos de los residentes son un indicio de esta presencia invisible; otro raro indicio de otros habitantes es el sonido proveniente de las habitaciones contiguas. ^{[ 25 ] [ 26 ]} Joel dijo: «Puedes imaginarlo poblado por viajeros de comercio fracasados, con vidas sexuales patéticas, que lloran solos en sus habitaciones». ^{[ 24 ]}

El calor y la humedad son otros elementos importantes del entorno. El papel pintado de la habitación de Barton se despega y se cae; Charlie experimenta el mismo problema y supone que el calor es la causa. Los Coen utilizaron profusamente los colores verde y amarillo en el diseño del hotel "para sugerir un aura de putrefacción". ^{[ 24 ]}

La atmósfera del hotel pretendía conectar con el personaje de Charlie. Como explicó Joel: «Nuestra intención, además, era que el hotel funcionara como una exteriorización del personaje interpretado por John Goodman. El sudor le gotea de la frente como el papel pintado se despega de las paredes. Al final, cuando Goodman dice que es prisionero de su propio estado mental, que esto es como una especie de infierno, era necesario que el hotel ya sugiriera algo infernal». ^{[ 24 ]} El papel pintado despegado y la pasta que se filtra a través de él también reflejan la infección crónica de oído de Charlie y el pus resultante. ^{[ 27 ]}

Cuando Barton llega por primera vez al Hotel Earle, el amable botones, Chet ( Steve Buscemi ), le pregunta si es "un transeúnte o un  residente". Barton explica que no está seguro, pero que se quedará "indefinidamente". ^{[ 28 ]} La dicotomía entre residentes permanentes y huéspedes reaparece varias veces, especialmente en el lema del hotel, "Un día o toda una vida", que Barton ve en el papel timbrado de la habitación. Esta idea regresa al final de la película, cuando Charlie describe a Barton como "un turista con una máquina de escribir". Su capacidad para abandonar el Earle (mientras Charlie permanece allí) es presentada por la crítica Erica Rowell como prueba de que la historia de Barton representa el proceso de escritura en sí mismo. Barton, dice, representa a un autor que puede dejar una historia, mientras que personajes como Charlie no pueden. ^{[ 27 ]}

En contraste, las oficinas de Capitol Pictures y la casa de Lipnick son impecables, lujosamente decoradas y sumamente cómodas. Las habitaciones de la compañía están bañadas por la luz del sol y la oficina de Ben Geisler da a una exuberante vegetación. Barton se encuentra con Lipnick en una escena junto a una enorme e inmaculada piscina. Esto refleja su posición como jefe de estudio, como explica: «...no siempre se puede ser honesto, no con los tiburones que nadan por esta ciudad  ... si hubiera sido totalmente honesto, no estaría a menos de una milla de esta piscina  , a menos que la estuviera limpiando». ^{[ 29 ]} En su oficina, Lipnick exhibe otro trofeo de su poder: estatuas de Atlas , el titán de la mitología griega que declaró la guerra a los dioses del Monte Olimpo y fue severamente castigado. ^{[ 30 ]}

Barton ve tomas diarias de otra película de lucha libre que está siendo producida por Capitol Pictures; la fecha en la claqueta es 9 de diciembre, dos días después del ataque a Pearl Harbor . Más tarde, cuando Barton celebra la finalización del guion bailando en un espectáculo de la USO , está rodeado de marineros y soldados. ^{[ 31 ]} En la siguiente aparición de Lipnick, lleva un uniforme de coronel, que en realidad es un disfraz de su compañía. Lipnick no se ha alistado en el ejército, pero se declara listo para luchar contra los "pequeños bastardos amarillos". ^{[ 32 ]} Originalmente, este momento histórico justo después de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial iba a tener un impacto significativo en el Hotel Earle. Como explicaron los Coen: "[Pensábamos] en un hotel donde los huéspedes fueran ancianos, enfermos mentales, discapacitados físicos, porque todos los demás se habían ido a la guerra. Cuanto más se desarrollaba el guion, más se dejaba de lado este tema, pero al principio nos había llevado a decidirnos por ese período". ^{[ 33 ]}

Imagen

La fotografía de una mujer en la playa que Barton guarda en su habitación es un elemento central tanto para el personaje como para la cámara. La examina con frecuencia mientras está en su escritorio y, tras encontrar el cadáver de Audrey en su cama, se acerca a ella. La imagen se repite al final de la película, cuando se encuentra con una mujer idéntica en una playa idéntica, que adopta la misma pose. Tras halagar su belleza, le pregunta: "¿Sales en alguna película?". Ella se sonroja y responde: "No seas tonto". ^{[ 36 ]}

Los Coen decidieron al principio del proceso de escritura incluir el cuadro como un elemento clave en la habitación. «Nuestra intención», explicó Joel más tarde, «era que la habitación tuviera muy poca decoración, que las paredes estuvieran desnudas y que las ventanas no ofrecieran ninguna vista de particular interés. De hecho, queríamos que la única abertura al mundo exterior fuera este cuadro. Nos parecía importante crear una sensación de aislamiento». ^{[ 37 ]}

Más adelante en la película, Barton coloca en el encuadre una pequeña fotografía de Charlie, vestido con un elegante traje y sosteniendo un maletín. La yuxtaposición de su vecino con el uniforme de un vendedor de seguros y la imagen escapista de la mujer en la playa provoca una confusión entre realidad y fantasía en Barton. El crítico Michael Dunne señala: «Los espectadores solo pueden preguntarse cuán "real" es Charlie  ... En la toma final de la película  ... los espectadores deben preguntarse cuán "real" es [la mujer]. La pregunta lleva a otras: ¿Cuán reales son Fink? ¿Lipnick? ¿Audrey? ¿Mayhew? ¿Cuán reales son las películas, después de todo?» ^{[ 38 ]}

El significado de la fotografía ha sido objeto de amplia especulación. El crítico del Washington Post, Desson Howe, afirmó que, a pesar de su impacto emocional, la escena final «parece más un remate gratuito, una coda artificial». ^{[ 39 ]} En su extenso análisis de las películas de los hermanos Coen, Rowell sugiere que la fijación de Barton en la fotografía resulta irónica, considerando su estatus de baja cultura y sus propias pretensiones de alta cultura (a pesar de sus discursos en sentido contrario). Además, señala que la cámara se centra tanto en Barton como en la fotografía mientras él la contempla. En un momento dado, la cámara se desplaza más allá de Barton para llenar el encuadre con la mujer en la playa. Esta tensión entre los puntos de vista objetivo y subjetivo reaparece al final de la película, cuando Barton se encuentra  —en cierto modo—  dentro de la fotografía. ^{[ 40 ]}

El crítico M. Keith Booker califica la escena final como un «enigmático comentario sobre la representación y la relación entre el arte y la realidad». Sugiere que las imágenes idénticas apuntan al absurdo del arte que refleja la vida directamente. La película traslada a la mujer directamente del arte a la realidad, provocando confusión en el espectador; Booker afirma que tal representación literal conduce inevitablemente a la incertidumbre. ^{[ 41 ]}

Mucho se ha escrito sobre los significados simbólicos de Barton Fink . Rowell propone que es "una explosión figurativa de ideas que todas conducen al artista". ^{[ 58 ]} La proximidad de la escena sexual al asesinato de Audrey lleva a Lyons a insistir: "El sexo en Barton Fink es la muerte". ^{[ 59 ]} Otros han sugerido que la segunda mitad de la película es una secuencia onírica extendida . ^{[ 34 ]}

Los Coen, sin embargo, han negado cualquier intención de crear una unidad sistemática a partir de los símbolos de la película. "Nunca, jamás, abordamos nuestras películas con algo así en mente", dijo Joel en una entrevista de 1998. "Nunca hay nada que se acerque a ese tipo de análisis intelectual específico. Siempre se trata de un conjunto de cosas instintivas que se sienten bien, por la razón que sea". ^{[ 60 ]} Los Coen han señalado su comodidad con la ambigüedad sin resolver. Ethan dijo en 1991: " Barton Fink termina por decirte lo que está pasando en la medida en que es importante saberlo  ... Lo que no está del todo claro no pretende llegar a estarlo, y está bien dejarlo así". ^{[ 61 ]} Con respecto a las fantasías y las secuencias oníricas, dijo:

Es cierto que queríamos que el espectador compartiera la vida interior de Barton Fink, así como su punto de vista. Pero no era necesario ir demasiado lejos. Por ejemplo, habría sido incongruente que Barton Fink despertara al final de la película y que, con ello, sugiriéramos que habitaba una realidad mayor que la que se muestra en ella. En cualquier caso, siempre es artificial hablar de «realidad» en relación con un personaje de ficción. ^{[ 34 ]}

La relación de Barton con Charlie tiene connotaciones homoeróticas . Un detective exige saber si tuvieron "algún tipo de encuentro sexual perverso" y el primer acercamiento amistoso de Charlie a su vecino es una frase de ligue típica : "Me sentiría mejor con esta maldita molestia si me dejaras invitarte a una copa". ^{[ 62 ]} La escena de lucha libre entre Barton y Charlie también es homoerótica. "Consideramos que es una escena sexual", dijo Joel Coen en 2001. ^{[ 63 ]}

Muchos de los efectos de sonido en Barton Fink están cargados de significado. Por ejemplo, Barton es llamado por una campana mientras cena en la ciudad de Nueva York; su sonido es ligero y agradable. Por el contrario, la inquietante campana sostenida del Hotel Earle resuena sin cesar en el vestíbulo, hasta que Chet la silencia. ^{[ 64 ]} Las habitaciones cercanas del hotel emiten un coro constante de gritos guturales, gemidos y diversos ruidos no identificables. Estos sonidos coinciden con el estado mental confuso de Barton y acentúan la afirmación de Charlie de que "escucho todo lo que pasa en este tugurio". ^{[ 51 ]} Los aplausos en la primera escena presagian la tensión del traslado de Barton al oeste, mezclados como están con el sonido de una ola rompiendo  , una imagen que se muestra en pantalla poco después. ^{[ 65 ]}

Otro sonido simbólico es el zumbido de un mosquito . Aunque el productor de Fink insiste en que estos parásitos no viven en Los Ángeles (ya que "los mosquitos se reproducen en pantanos; esto es un desierto" ^{[ 67 ]} ), su sonido característico se escucha claramente cuando Barton observa a un insecto revolotear sobre su habitación de hotel. Más tarde, llega a las reuniones con picaduras de mosquito en la cara. El insecto también juega un papel importante en la revelación de la muerte de Audrey; Barton abofetea a un mosquito que se alimenta de su cadáver y de repente se da cuenta de que ha sido asesinada. El tono agudo del zumbido del mosquito se refleja en las cuerdas agudas utilizadas para la banda sonora de la película. ^{[ 68 ]} Durante el rodaje, los Coen fueron contactados por un grupo de defensa de los derechos de los animales que expresó su preocupación por el trato que se daría a los mosquitos. ^{[ 66 ]}

La banda sonora fue compuesta por Carter Burwell , quien ha trabajado con los Coen desde su primera película. Sin embargo, a diferencia de proyectos anteriores  —la melodía folclórica irlandesa utilizada para Miller's Crossing y una canción folclórica estadounidense como base para Raising Arizona—  , Burwell compuso la música de Barton Fink sin una inspiración específica. ^{[ 69 ]} La banda sonora se lanzó en 1996 en un disco compacto, junto con la banda sonora de la película Fargo de los Coen . ^{[ 70 ]}

Varias canciones utilizadas en la película están cargadas de significado. En un momento dado, Mayhew se aleja tambaleándose de Barton y Audrey, borracho. Mientras vaga, grita la canción folclórica " Old Black Joe ". Compuesta por Stephen Foster , cuenta la historia de un anciano esclavo que se prepara para reunirse con sus amigos en "una tierra mejor". La interpretación de Mayhew de la canción coincide con su condición de empleado oprimido de Capitol Pictures y presagia la situación de Barton al final de la película. ^{[ 71 ]}

Cuando termina de escribir su guion, Barton lo celebra bailando en un espectáculo de la USO ( Organización de Servicios Unidos ). La canción que suena en esta escena es una versión de "Down South Camp Meeting", una melodía swing . Su letra (que no se escucha en la película) dice: "Prepárense (Canten) / ¡Aquí vienen! El coro está listo". Estas líneas hacen eco del título de la obra de Barton, Bare Ruined Choirs (Coros Desnudos y Arruinados ). A medida que la celebración se convierte en un tumulto, la intensidad de la música aumenta y la cámara se acerca al hueco cavernoso de una trompeta. Esta secuencia refleja el acercamiento de la cámara a un desagüe justo antes de que Audrey sea asesinada al principio de la película. ^{[ 31 ]}

El personaje de Barton Fink está vagamente basado en Clifford Odets , un dramaturgo neoyorquino que en la década de 1930 se unió al Group Theatre , un grupo de dramaturgos que incluía a Harold Clurman , Cheryl Crawford y Lee Strasberg . Su obra hacía hincapié en cuestiones sociales y empleaba el sistema de actuación de Stanislavski para recrear la experiencia humana con la mayor veracidad posible. Varias obras de Odets se representaron con éxito en Broadway, entre ellas ¡ Despierta y canta! y Esperando a Lefty (ambas en 1935). Cuando el público se alejó del teatro con compromiso político y se inclinó hacia el realismo familiar de Eugene O'Neill , Odets tuvo dificultades para producir obras exitosas, por lo que se mudó a Hollywood y pasó 20 años escribiendo guiones cinematográficos. ^{[ 79 ]}

Los Coen escribieron pensando en Odets; imaginaron a Barton Fink como "un dramaturgo serio, honesto, comprometido políticamente y bastante ingenuo". ^{[ 81 ]} Como dijo Ethan en 1991: "Parecía natural que viniera del Group Theater y de la década de los treinta". ^{[ 81 ]} Al igual que Odets, Barton cree que el teatro debe celebrar las pruebas y los triunfos de la gente común; al igual que Barton, Odets era muy egocéntrico. ^{[ 82 ]} En la película, una reseña de la obra de Barton, Bare Ruined Choirs, indica que sus personajes se enfrentan a una "brutal lucha por la existencia  ... en los rincones más sórdidos". Esta formulación es similar al comentario del biógrafo Gerald Weales de que los personajes de Odets "luchan por la vida en medio de condiciones insignificantes". ^{[ 83 ]} Líneas de diálogo de la obra de Barton recuerdan a la obra de Odets, Awake and Sing !. Por ejemplo, un personaje declara: "Estoy despierto ahora, despierto por primera vez". Otro dice: "Toma ese coro arruinado. Haz que cante". ^{[ 46 ]}

Sin embargo, existen muchas diferencias importantes entre los dos hombres. Joel Coen dijo: «Ambos escritores escribieron el mismo tipo de obras con héroes proletarios, pero sus personalidades eran bastante diferentes. Odets era mucho más extrovertido; de hecho, era bastante sociable incluso en Hollywood, ¡y este no es el caso de Barton Fink!» ^{[ 81 ]} Aunque estaba frustrado por su popularidad decreciente en Nueva York, Odets tuvo éxito durante su tiempo en Hollywood. Varias de sus obras posteriores fueron adaptadas  —por él y por otros—  al cine. Una de ellas, The Big Knife (1955), se asemeja mucho más a la vida de Barton que a la de Odets. En ella, un actor se ve abrumado por la codicia de un estudio cinematográfico que lo contrata y finalmente se suicida. ^{[ 84 ]} Otra similitud con la obra de Odets es la muerte de Audrey, que refleja una escena de Deadline at Dawn ( 1946), una película de cine negro escrita por Odets. En esa película, un personaje despierta y descubre que la mujer con la que se acostó la noche anterior ha sido asesinada inexplicablemente. ^{[ 85 ]}

Odets narró su difícil transición de Broadway a Hollywood en su diario, publicado como The Time Is Ripe: The 1940 Journal of Clifford Odets (1988). El diario exploraba las deliberaciones filosóficas de Odets sobre la escritura y el romance. A menudo invitaba a mujeres a su apartamento y describe muchos de sus romances en el diario. Estas experiencias, al igual que los extensos discursos sobre la escritura, se reflejan en Barton Fink cuando Audrey visita y seduce a Barton en el Hotel Earle. ^{[ 86 ]} Turturro fue el único miembro de la producción que leyó el diario de Odets, y los hermanos Coen instan al público a "tener en cuenta la diferencia entre el personaje y el hombre". ^{[ 81 ]}

Los hermanos Coen han declarado que, si bien el personaje de Fink está basado en Odets, la apariencia del personaje con "pelo erizado y gafas" está basada en la de George S. Kaufman . ^{[ 87 ]}

Existen algunas similitudes entre el personaje de WP Mayhew y el novelista William Faulkner . Al igual que Mayhew, Faulkner se hizo conocido como un escritor preeminente de la literatura sureña y más tarde trabajó en la industria cinematográfica. Al igual que Faulkner, Mayhew es un bebedor empedernido y habla con desdén de Hollywood. ^{[ 81 ]} El nombre de Faulkner apareció en el libro de historia de Hollywood de la década de 1940, City of Nets, que los Coen leyeron mientras creaban a Barton Fink. Ethan explicó en 1998: "Leí esta historia de pasada que a Faulkner le asignaron escribir una película de lucha libre... Eso fue parte de lo que nos impulsó a comenzar con todo el asunto de Barton Fink ". ^{[ 88 ]} Faulkner trabajó en una película de lucha libre llamada Flesh (1932) , que protagonizó Wallace Beery , el actor para quien Barton está escribiendo. ^{[ 89 ] [ 53 ]} El enfoque en la lucha libre fue fortuito para los Coen, ya que participaron en ese deporte en la escuela secundaria. ^{[ 88 ]}

Sin embargo, los Coen niegan una conexión significativa entre Faulkner y Mayhew, calificando las similitudes de "superficiales" ^{[ 81 ]} . "En lo que respecta a los detalles del personaje", dijo Ethan en 1991, "Mayhew es muy diferente de Faulkner, cuyas experiencias en Hollywood no fueron las mismas en absoluto" ^{[ 81 ]} . A diferencia de la incapacidad de Mayhew para escribir debido a la bebida y problemas personales, Faulkner continuó escribiendo novelas después de trabajar en la industria cinematográfica, ganando varios premios por ficción completada durante y después de su tiempo en Hollywood ^{[ 90 ] .}

El estudio de personaje de Jack Lipnick, magnate de los estudios cinematográficos y nominado al Premio de la Academia por Lerner, es una combinación de varios productores de Hollywood, incluidos Harry Cohn , Louis B. Mayer y Jack L. Warner  , tres de los hombres más poderosos de la industria cinematográfica en la época en que se ambienta Barton Fink . ^{[ 91 ] [ 5 ]} Al igual que Mayer, Lipnick es originario de Minsk, la capital de Bielorrusia . Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, Warner presionó para obtener un puesto en el ejército y ordenó a su departamento de vestuario que le creara un uniforme militar; Lipnick hace lo mismo en su escena final. Warner se refirió una vez a los escritores como "idiotas con Underwoods", lo que llevó a que Barton utilizara una máquina de escribir Underwood en la película . ^{[ 92 ] [ 89 ]}

Al mismo tiempo, los Coen recalcan que el laberinto de engaños y dificultades que sufre Barton no se basa en su propia experiencia. Aunque Joel ha dicho que los artistas tienden a «encontrarse con filisteos », añadió: « Barton Fink está bastante alejado de nuestra propia experiencia. Nuestra vida profesional en Hollywood ha sido especialmente fácil, y esto es sin duda extraordinario e injusto». ^{[ 24 ]} Ethan ha sugerido que Lipnick  —al igual que los hombres en los que se basa—  es en cierto modo un producto de su tiempo. «No sé si ese tipo de personaje existe ya. Hollywood es ahora un poco más insípido y corporativo». ^{[ 93 ]}

Los Coen han reconocido varias inspiraciones cinematográficas para Barton Fink. Entre ellas destacan tres películas del cineasta polaco-francés Roman Polanski : Repulsión (1965) , Cul-de-Sac (1966) y El inquilino (1976). Estas películas emplean una atmósfera de incertidumbre psicológica junto con entornos inquietantes que agravan la inestabilidad mental de los personajes. El aislamiento de Barton en su habitación del Hotel Earle se compara frecuentemente con el de Trelkovsky en su apartamento en El inquilino. ^{[ 44 ] [ 94 ]} Ethan dijo sobre el género de Barton Fink : "[E]s una especie de película de Polanski. Está más cerca de eso que de cualquier otra cosa." ^{[ 65 ]} Por coincidencia, Polanski fue el presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes en 1991, donde se estrenó Barton Fink . Esto creó una situación incómoda. «Obviamente», dijo Joel Coen más tarde, «nos hemos visto influenciados por sus películas, pero en ese momento éramos muy reacios a hablar con él al respecto porque no queríamos dar la impresión de que le estábamos haciendo la pelota». ^{[ 3 ]}

Otras obras citadas como influencias para Barton Fink incluyen El resplandor (1980), producida y dirigida por Stanley Kubrick , y la comedia Los viajes de Sullivan (1941), escrita y dirigida por Preston Sturges . ^{[ 75 ] [ 95 ]} Ambientada en un hotel vacío, la película de Kubrick trata sobre un escritor incapaz de continuar con su último trabajo. Aunque los Coen aprueban las comparaciones con El resplandor, Joel sugiere que la película de Kubrick "pertenece en un sentido más global al género del cine de terror". ^{[ 3 ]} Los viajes de Sullivan, estrenada el año en que se ambienta Barton Fink , sigue al exitoso director John Sullivan, quien decide crear una película de profunda importancia social  , no muy diferente del deseo de Barton de crear entretenimiento para "el hombre común". Sullivan finalmente decide que el entretenimiento cómico es un papel clave para los cineastas, similar a la afirmación de Jack Lipnick al final de Barton Fink de que "el público quiere ver acción, aventura" y no una "película cursi sobre el sufrimiento". ^{[ 96 ]}

En Barton Fink abundan las alusiones adicionales a películas e historia del cine . En un momento dado, un personaje habla de "Victor Soderberg"; el nombre es una referencia a Victor Sjöström , un director sueco que trabajó en Hollywood bajo el nombre de Seastrom. ^{[ 89 ]} La frase de Charlie sobre cómo sus problemas "no valen nada" es un probable homenaje a Casablanca (1942). El inquietante vacío del Hotel Earle también se ha comparado con los espacios habitables de Cayo Largo (1948) y El ocaso de mi infancia (1950). ^{[ 65 ]} Vincent Canby señaló que Barton "se parece al héroe de Eraserhead " (1977) de David Lynch . ^{[ 97 ]} La última escena de Barton Fink evoca el final de La Dolce Vita (1960), donde la última línea de diálogo de una joven queda ahogada por el sonido del mar. ^{[ 98 ]}

Aunque Barton habla frecuentemente de su deseo de ayudar a crear "un nuevo teatro vivo, del, sobre y para el hombre común", no reconoce que tal teatro ya ha sido creado: el cine. De hecho, desdeña esta forma auténticamente popular. ^{[ 100 ]} Por otro lado, el mundo del teatro de Broadway en Barton Fink es un lugar de alta cultura , donde el creador (Barton incluido) cree más plenamente que su obra encarna sus propios valores. Aunque finge desdeñar su propio éxito, Barton cree haber logrado una gran victoria con Bare Ruined Choirs. Busca elogios; cuando su agente Garland le pregunta si ha visto la brillante crítica en el Herald, Barton dice "No", aunque su productor se la acababa de leer. Barton se siente cercano al teatro, confiado en que puede ayudarlo a crear una obra que honre al "hombre común". Los hombres y mujeres que financiaron la producción  —"esa gente", como los llama Barton—  demuestran que Broadway está tan preocupado por las ganancias como Hollywood; pero su intimidad y menor escala permiten al autor sentir que su obra tiene un valor real. ^{[ 45 ] [ 46 ]}

Barton no cree que Hollywood ofrezca la misma oportunidad que en la película; Los Ángeles es un mundo de fachadas falsas y gente hipócrita. Esto se evidencia en una línea temprana del guion (filmada, pero no incluida en el estreno en cines ^{[ 101 ]} ); mientras le informa a Barton sobre la oferta de Capitol Pictures, su agente le dice: "Solo pido que tu decisión esté informada por un poco de realismo  , si puedo usar esa palabra y Hollywood en la misma frase". ^{[ 45 ]} Más tarde, cuando Barton intenta explicar por qué se queda en el Earle, el jefe del estudio, Jack Lipnick, termina su frase, reconociendo que Barton quiere un lugar "menos Hollywood". Se asume que Hollywood es falso y el Earle es auténtico. El productor Ben Geisler lleva a Barton a almorzar a un restaurante que tiene un mural del "New York Cafe", una señal del esfuerzo de Hollywood por replicar la autenticidad de la Costa Este de los Estados Unidos . ^{[ 31 ]} La exuberancia inicial y abrumadora de Lipnick también es una fachada. Aunque comienza diciéndole a Barton: "Aquí en Capitol Pictures, el guionista es el rey", en la penúltima escena insiste: "Si tu opinión importara, supongo que renunciaría y te dejaría dirigir el estudio. No importa, y no lo harás, y los locos no van a dirigir este manicomio en particular". ^{[ 102 ]}

El engaño en Barton Fink es emblemático del enfoque de Hollywood en la cultura popular , su implacable deseo de producir eficientemente entretenimiento formulado con el único propósito de obtener ganancias económicas. Capitol Pictures le asigna a Barton escribir una película de lucha libre con la superestrella Wallace Beery en el papel principal . Aunque Lipnick declara lo contrario, Geisler le asegura a Barton que "es solo una película de serie B ". Audrey intenta ayudar al escritor en apuros diciéndole: "Mira, en realidad es solo una fórmula. No tienes que poner tu alma en ella". ^{[ 103 ]} Esta fórmula queda clara cuando Lipnick le pregunta a Barton en su primer encuentro si el personaje principal debería tener un interés amoroso o cuidar de un niño huérfano. Barton muestra su iconoclasia al responder: "¿Ambas, tal vez?". ^{[ 104 ]} Al final, su incapacidad para adaptarse a las normas del estudio destruye a Barton.

Una representación similar de Hollywood aparece en la novela de Nathanael West , El día de la langosta (1939), que muchos críticos consideran un importante precursor de Barton Fink. ^{[ 105 ] [ 106 ] [ 91 ]} Ambientada en un complejo de apartamentos en ruinas, la novela describe a un pintor reducido a decorar platós de cine. Retrata a Hollywood como grosero y explotador, devorando a individuos talentosos en su búsqueda incesante de ganancias. Tanto en la novela de West como en Barton Fink, los protagonistas sufren bajo la opresiva maquinaria industrial del estudio cinematográfico. ^{[ 107 ]}

La película contiene más material autorreferencial, como una película sobre un escritor que tiene dificultades para escribir (escrita por los hermanos Coen mientras tenían dificultades para escribir Miller's Crossing ). Barton está atrapado entre su propio deseo de crear arte significativo y la necesidad de Capitol Pictures de usar sus convenciones estándar para obtener ganancias. ^{[ 104 ]} El consejo de Audrey sobre seguir la fórmula habría salvado a Barton, pero él no lo escucha. Sin embargo, cuando pone el misterioso paquete (que podría haber contenido su cabeza) en su escritorio, ella podría haberlo estado ayudando póstumamente, de otras maneras. ^{[ 108 ]} La película en sí juega con fórmulas estándar de guion. Al igual que con los guiones de Mayhew, Barton Fink contiene un "buen luchador" (Barton, aparentemente) y un "mal luchador" (Charlie) que se "confrontan" entre sí al final. Pero, al más puro estilo de los Coen, las líneas entre el bien y el mal se desdibujan, y el supuesto héroe, de hecho, se revela sordo a las súplicas de su vecino, un «hombre común». Al difuminar los límites entre la realidad y la experiencia surrealista, la película subvierte los «sencillos cuentos morales» y las «hojas de ruta» que se le ofrecieron a Barton como caminos fáciles a seguir para el escritor. ^{[ 109 ]}

Sin embargo, los cineastas señalan que Barton Fink no pretende representar a los hermanos Coen. «Nuestra vida en Hollywood ha sido particularmente fácil», dijeron en una ocasión. «La película no es un comentario personal». ^{[ 15 ]} Aun así, a lo largo del filme se exploran temas universales del proceso creativo. Durante la escena del picnic, por ejemplo, Mayhew le pregunta a Barton: «¿No es la escritura paz?». Barton hace una pausa y luego responde: «No, siempre he encontrado que la escritura surge de un gran dolor interior». ^{[ 110 ]} Estos intercambios llevaron al crítico William Rodney Allen a calificar a Barton Fink como «una autobiografía de la vida de las mentes de los Coen, no de hechos literales». El comentario de Allen es en sí mismo una referencia a la frase «vida de la mente», utilizada repetidamente en la película en contextos muy diferentes. ^{[ 75 ]}

Varios elementos de la película, incluyendo la ambientación al comienzo de la Segunda Guerra Mundial , han llevado a algunos críticos a destacar paralelismos con el auge del fascismo en aquella época. Por ejemplo, los detectives que visitan a Barton en el Hotel Earle se llaman "Mastrionatti" y "Deutsch" ^{[ 111 ]}  , nombres italianos y alemanes que evocan los regímenes de Benito Mussolini y Adolf Hitler . Su desprecio por Barton es evidente: "Fink. Ese es un nombre judío, ¿no?  ... No pensé que este tugurio estuviera restringido". ^{[ 112 ]} Más tarde, justo antes de matar a su última víctima, Charlie dice: " Heil Hitler ". ^{[ 113 ]} Jack Lipnick es originario de Minsk , la capital de Bielorrusia , que fue ocupada desde el verano de 1941 por la Alemania nazi , tras la Operación Barbarroja . ^{[ 114 ]}

«No es forzar la situación sugerir que el Holocausto planea sobre Barton Fink », escribe el biógrafo Ronald Bergan . ^{[ 52 ]} Otros ven un mensaje más específico en la película, en particular la indiferencia de Barton ante las tendencias homicidas de Charlie. El crítico Roger Ebert escribió en su reseña de 1991 que los Coen pretendían crear una alegoría del ascenso del nazismo . «Pintan a Fink como un intelectual de izquierdas ineficaz e impotente, que se vende mientras se convence a sí mismo de que está haciendo lo correcto, que cree entender al "hombre común" pero no comprende que, para muchos hombres comunes, el fascismo tenía un atractivo seductor». Sin embargo, continúa diciendo: «Sería un error insistir demasiado en este aspecto de la película...» ^{[ 115 ]}

Otros críticos son más exigentes. M. Keith Booker escribe:

La negativa de Fink a "escuchar" parece pretender decirnos que muchos intelectuales de izquierda como él estaban demasiado ocupados persiguiendo sus propios intereses egoístas como para oponerse eficazmente al auge del fascismo, un punto que es históricamente totalmente inexacto  ... Que los Coen opten por acusar de irresponsabilidad al único grupo en Estados Unidos que buscó activamente oponerse al auge del fascismo es en sí mismo sumamente irresponsable y demuestra una completa ignorancia (o quizás falta de interés) en la realidad histórica. Tal ignorancia y apatía, por supuesto, son típicas del cine posmoderno... ^{[ 48 ]}

Por su parte, los Coen niegan cualquier intención de presentar un mensaje alegórico . Eligieron los nombres de los detectives deliberadamente, pero «solo queríamos que fueran representativos de las potencias mundiales del Eje en ese momento. Simplemente parecía algo divertido. Es una provocación. Todo eso de Charlie  —lo del "¡Heil Hitler!"  — sí, está todo ahí, pero es una especie de provocación». ^{[ 60 ]} En 2001, Joel respondió a una pregunta sobre los críticos que ofrecen análisis extensos y exhaustivos: «Así es como han sido entrenados para ver películas. En Barton Fink, puede que lo hayamos fomentado  , como cuando se provoca a los animales en el zoológico. La película es intencionalmente ambigua de maneras a las que quizás no estén acostumbrados a ver». ^{[ 116 ]}

Aunque sutil en diálogos e imágenes, el tema de la esclavitud aparece varias veces en la película. La interpretación de Mayhew de la canción de salón "Old Black Joe" lo muestra como un esclavo del estudio cinematográfico, similar al narrador de la canción que añora a "mis amigos de los campos de algodón lejanos". ^{[ 117 ]} Una breve toma de la puerta del espacio de trabajo de Mayhew muestra el título de la película que supuestamente está escribiendo: Slave Ship (Barco de esclavos). Esta es una referencia a una película de 1937 escrita por la inspiración de Mayhew, William Faulkner, y protagonizada por Wallace Beery, para quien Barton está componiendo un guion en la película. ^{[ 117 ]}

El símbolo del barco de esclavos se ve reforzado por diseños de escenarios específicos, incluyendo la ventana redonda en la oficina de Ben Geisler que se asemeja a un ojo de buey , así como la pasarela que conduce al bungalow de Mayhew, que se asemeja a la rampa de embarque de una embarcación. ^{[ 117 ]} Varias líneas de diálogo dejan claro al final de la película que Barton se ha convertido en un esclavo del estudio: "[E]l contenido de tu cabeza", le dice el asistente de Lipnick, "es propiedad de Capitol Pictures". ^{[ 118 ]} Después de que Barton entrega su guion, Lipnick le impone un castigo aún más brutal: "Todo lo que escribas será propiedad de Capitol Pictures. Y Capitol Pictures no producirá nada de lo que escribas". ^{[ 119 ]} Este desprecio y control es representativo de las opiniones expresadas por muchos escritores en Hollywood en ese momento. ^{[ 117 ] [ 120 ]} Como dijo Arthur Miller en su reseña de Barton Fink : "De lo único que estoy seguro sobre Hollywood es de que su masticación de escritores nunca puede ser demasiado exagerada". ^{[ 121 ]}

Durante el primer tercio de la película, Barton habla constantemente de su deseo de escribir obras que se centren en el "hombre común" y apelen a él. En un discurso declara: "Las esperanzas y los sueños del hombre común son tan nobles como los de cualquier rey. Es la materia de la vida  , ¿por qué no debería ser la materia del teatro? Maldita sea, ¿por qué debería ser tan difícil de tragar? No lo llames teatro nuevo , Charlie; llámalo teatro real . Llámalo nuestro teatro." ^{[ 122 ]} Sin embargo, a pesar de su retórica, Barton es totalmente incapaz (o no está dispuesto) a apreciar la humanidad del "hombre común" que vive al lado. ^{[ 122 ]} Más adelante en la película, Charlie explica que le ha causado varios horrores porque "¡ no escuchas! " ^{[ 123 ]} En su primera conversación con Charlie, Barton interrumpe constantemente a Charlie justo cuando está diciendo "Podría contarte algunas historias", demostrando que a pesar de sus bellas palabras realmente no está interesado en las experiencias de Charlie; En otra escena, Barton demuestra simbólicamente su sordera al mundo tapándose los oídos con algodón para bloquear el sonido de su teléfono. ^{[ 124 ]}

La posición de Barton como guionista es de particular importancia para su relación con el «hombre común». Al negarse a escuchar a su vecino, Barton no puede validar la existencia de Charlie en su escritura  , con resultados desastrosos. Charlie no solo está atrapado en un trabajo que lo degrada, sino que tampoco puede (al menos en el caso de Barton) ver contada su historia. ^{[ 125 ]} Más fundamentalmente, la película traza la evolución de la comprensión que Barton tiene del «hombre común»: al principio es una abstracción a la que se elogia desde una vaga distancia. Luego se convierte en un individuo complejo con miedos y deseos. Finalmente, se muestra como un individuo poderoso por derecho propio, capaz de formas extremas de destrucción y, por lo tanto, temido y/o respetado. ^{[ 126 ]}

La complejidad del "hombre común" también se explora a través de la tan mencionada "vida intelectual". Mientras diserta sobre su deber como escritor, Barton dice monótonamente: "Tengo que decirles, la vida intelectual  ... No hay un mapa para ese territorio  ... y explorarlo puede ser doloroso. El tipo de dolor que la mayoría de la gente desconoce". ^{[ 127 ]} Barton asume que él tiene acceso a reflexiones creativas profundas, mientras que Charlie no. Este engaño comparte el clímax de la película, cuando Charlie corre por el pasillo del Earle, disparando a los detectives con una escopeta y gritando: "¡ Mírenme! ¡Les mostraré la vida intelectual! ". ^{[ 128 ]} La "vida intelectual" de Charlie no es menos compleja que la de Barton; de hecho, algunos críticos la consideran más compleja. ^{[ 129 ] [ 130 ]}

La comprensión del mundo por parte de Charlie se representa como omnisciente, como cuando le pregunta a Barton sobre "los dos tortolitos de al lado", a pesar de que viven a varias puertas de distancia. Cuando Barton le pregunta cómo sabe de ellos, Charlie responde: "Parece que oigo todo lo que pasa en este tugurio. Tuberías o algo así". ^{[ 131 ]} Su conocimiento total de los sucesos en el Earle demuestra el tipo de comprensión necesaria para mostrar verdadera empatía, como describe Audrey. Este tema reaparece cuando Charlie explica en su escena final: "La mayoría de los hombres me dan lástima. Sí. Me destroza pensar en lo que están pasando. En lo atrapados que están. Lo entiendo. Me compadezco de ellos. Así que intento ayudarlos". ^{[ 130 ] [ 132 ]}

En Barton Fink, los temas de la salvación religiosa y las alusiones a la Biblia aparecen brevemente , pero su presencia impregna toda la historia. En su momento más desesperado de confusión y angustia, Barton abre el cajón de su escritorio y encuentra una Biblia de Gedeón . La abre al azar en Daniel 2 y lee: «Y el rey Nabucodonosor respondió a los caldeos: No recuerdo mi sueño; si no me hacéis saber mi sueño y su interpretación, seréis descuartizados, y vuestras tiendas serán convertidas en un muladar». ^{[ 133 ]} Este pasaje refleja la incapacidad de Barton para comprender sus propias experiencias (en las que Audrey ha sido «descuartizada»), así como las esperanzas y los sueños del «hombre común». ^{[ 73 ]} Nabucodonosor es también el título de una novela que Mayhew le da a Barton como un "pequeño entretenimiento" para "distraerlo en su estancia entre los filisteos". ^{[ 134 ]}

Mayhew alude a "la historia de la niñera de Salomón", una referencia a Betsabé , quien dio a luz a Salomón después de que su amante David mandara matar a su esposo Urías . Aunque Audrey interrumpe a Mayhew elogiando su libro (que ella misma podría haber escrito), la referencia presagia el triángulo amoroso que se desarrolla entre los tres personajes de Barton Fink. Rowell señala que Mayhew es asesinado (presumiblemente por Charlie) poco después de que Barton y Audrey tengan relaciones sexuales. ^{[ 135 ]} Otra referencia bíblica aparece cuando Barton abre la Biblia en el cajón de su escritorio y ve sus propias palabras transpuestas al Libro del Génesis . Esto se interpreta como una representación de su arrogancia como un autoproclamado amo omnipotente de la creación, o bien, como una yuxtaposición lúdica que demuestra el estado mental alucinatorio de Barton. ^{[ 135 ]}

La película se estrenó en Estados Unidos en once salas el 23 de agosto de 1991 y recaudó 268.561 dólares durante su primer fin de semana. Durante su estreno en cines, Barton Fink recaudó 6.153.939 dólares en Estados Unidos. ^{[ 136 ]} Que la película no lograra recuperar los gastos de producción divirtió al productor de cine Joel Silver , con quien los Coen trabajarían más tarde en El gran salto (1994): «No creo que haya recaudado 5 millones de dólares, y costó 9 millones de dólares hacerla. [Los hermanos Coen tienen] fama de ser raros, excéntricos e inaccesibles. ^{[ 137 ]}

En Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación de aprobación del 90% basada en 67 reseñas, con una calificación promedio de 7.9/10. El consenso de la crítica del sitio dice: "Intrigante y perturbadora, la sátira de los hermanos Coen sobre un dramaturgo de la década de 1940 que lucha contra el bloqueo del escritor está repleta de su característico sentido del humor y magníficas actuaciones de su elenco". ^{[ 138 ]} En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 69 sobre 100, basada en 19 críticos, lo que indica "críticas generalmente favorables". ^{[ 139 ]} El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación promedio de "B" en una escala de A+ a F. ^{[ 140 ]}

La crítica del Washington Post, Rita Kempley, describió Barton Fink como "sin duda una de las mejores y más intrigantes películas del año". ^{[ 6 ]} El crítico del New York Times, Vincent Canby, la calificó como "una ganadora indiscutible" y "una excelente comedia negra de estilo extravagante y una técnica inmensa, aunque aparentemente sin esfuerzo". ^{[ 97 ]} El crítico Jim Emerson calificó a Barton Fink como "la película más deliciosamente provocativamente indescriptible de los hermanos Coen hasta la fecha". ^{[ 141 ]}

Algunos críticos desaprobaron la trama enigmática y el final ambiguo. Jonathan Rosenbaum, crítico del Chicago Reader, advirtió sobre la «insulsividad adolescente y el cinismo propio de los cómics» de los Coen, y describió Barton Fink como «una película grotesca de medianoche disfrazada de cine de autor de domingo por la tarde». ^{[ 142 ]} John Simon, de The National Review, describió Barton Fink como «absurda e insoportable». ^{[ 143 ]}

En una entrevista de 1994, Joel desestimó las críticas sobre los elementos poco claros de sus películas: «La gente tiene problemas para aceptar que nuestras películas no son lineales. Preferirían que la segunda mitad de Barton Fink tratara simplemente sobre los problemas de bloqueo creativo de un guionista y cómo se resuelven en el mundo real». ^{[ 144 ]} El presentador de programas de entrevistas Larry King expresó su aprobación de la película, a pesar de su final incierto. Escribió en USA Today : «El final es algo en lo que todavía estoy pensando y, si lo lograron, supongo que funcionó». ^{[ 5 ]} En una entrevista de 2016, el guionista Charlie Kaufman dijo, al preguntársele qué película querría tener consigo en una isla desierta: «Una película que realmente me encanta es Barton Fink. No sé si es la película que me llevaría a una isla desierta, pero siento que tiene tanto que podrías verla una y otra vez. Eso es importante para mí, especialmente si fuera la única película que tuviera conmigo por el resto de mi vida». ^{[ 145 ]}

Greg Cwik de IndieWire clasificó a Barton Fink como la quinta mejor película de los Coen. ^{[ 146 ]} Fue votada como la undécima mejor película de la década de 1990 en una encuesta de los colaboradores de The AV Club , y fue descrita como "una de las obras más profundas y dolorosas de [los Coen]". ^{[ 147 ]}

Ganar tres premios importantes en el Festival de Cine de Cannes era extremadamente raro, y algunos críticos consideraron que el jurado fue demasiado generoso, excluyendo otras obras meritorias. ^{[ 5 ] [ 148 ]} Preocupado de que la triple victoria pudiera sentar un precedente que devaluara otras películas, Cannes decidió después del festival de 1991 limitar cada película a un máximo de dos premios. ^{[ 5 ] [ 148 ]}