Pintura de retrato

El retrato es un género pictórico en el que la intención es representar a un sujeto humano específico. El término "retrato" también puede describir el retrato pintado en sí. Los retratistas pueden crear su obra por encargo, para personas públicas y privadas, o pueden estar inspirados por la admiración o el afecto por el sujeto. Los retratos suelen servir como importantes registros estatales y familiares, así como recuerdos.

Históricamente, los retratos han representado principalmente a los ricos y poderosos. Sin embargo, con el tiempo se hizo más común que los mecenas de clase media encargaran retratos de sus familias y colegas. Hoy en día, los retratos siguen siendo encargados por gobiernos, corporaciones, grupos, clubes e individuos. Además de la pintura, los retratos también se pueden hacer en otros medios, como impresiones (incluidos el aguafuerte y la litografía ), fotografía , video y medios digitales .

Hoy en día puede parecer obvio que el objetivo de un retrato pintado es conseguir un parecido con el retratado que sea reconocible para quienes lo hayan visto y, en el mejor de los casos, que sea un buen registro de su apariencia. De hecho, este concepto ha tardado en crecer y los artistas de diferentes tradiciones tardaron siglos en adquirir las habilidades específicas para pintar un buen parecido.

Se espera que un retrato bien ejecutado muestre la esencia interna del sujeto (desde el punto de vista del artista) o una representación favorecedora, no solo una semejanza literal. Como afirmó Aristóteles , "El objetivo del arte no es presentar la apariencia externa de las cosas, sino su significado interno; porque esto, no la forma externa y el detalle, constituye la verdadera realidad". ^[1] Los artistas pueden esforzarse por lograr un realismo fotográfico o una similitud impresionista al representar a su sujeto, pero esto difiere de una caricatura que intenta revelar el carácter mediante la exageración de los rasgos físicos. El artista generalmente intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones : "La única expresión permitida en los grandes retratos es la expresión del carácter y la calidad moral, no algo temporal, fugaz o accidental". ^[2]

En la mayoría de los casos, esto da como resultado una mirada seria con los labios cerrados, y cualquier cosa que vaya más allá de una leve sonrisa es bastante rara históricamente. O como dijo Charles Dickens , "solo hay dos estilos de pintura de retratos: el serio y el burlón". ^[3] Incluso con estas limitaciones, es posible una gama completa de emociones sutiles, desde una amenaza silenciosa hasta una satisfacción suave. Sin embargo, con la boca relativamente neutra, gran parte de la expresión facial debe crearse a través de los ojos y las cejas. Como afirma el autor y artista Gordon C. Aymar, "los ojos son el lugar donde uno busca la información más completa, confiable y pertinente" sobre el tema. Y las cejas pueden registrar, "casi por sí solas, asombro, compasión, miedo, dolor, cinismo, concentración, nostalgia, desagrado y expectativa, en infinitas variaciones y combinaciones". ^[4]

La pintura de retrato puede representar al sujeto "de cuerpo entero " (todo el cuerpo), "medio largo " (desde la cabeza hasta la cintura o las caderas ), "cabeza y hombros " ( busto ), o solo la cabeza. La cabeza del sujeto puede girar de "cara completa " (vista frontal) avista de perfil (vista lateral); una "La "vista de tres cuartos " ("vista de dos tercios") se encuentra en algún punto intermedio, desde casi frontal a casi de perfil (la fracción es la suma del perfil [la mitad de la cara] más el "cuarto de cara" del otro lado; ^[5] alternativamente, se cuantifica 2 ⁄ 3 , lo que también significa que esta vista parcial es más de la mitad de una cara). Ocasionalmente, los artistas han creado composiciones con vistas desde múltiples direcciones, como en eltriple retrato de Carlos I en tres posiciones de Anthony van Dyck . ^[6] Incluso hay algunos retratos en los que el frente del sujeto no es visible en absoluto. El mundo de Christina (1948) de Andrew Wyeth es un ejemplo famoso, donde la pose de la mujer discapacitada, de espaldas al espectador, se integra con el entorno en el que está colocada para transmitir la interpretación del artista. ^[7]

Entre otras variables posibles, el sujeto puede estar vestido o desnudo; en interiores o exteriores; de pie, sentado, reclinado; incluso montado a caballo. Los retratos pueden ser de individuos, parejas, padres e hijos, familias o grupos universitarios. Pueden crearse en diversos medios, incluidos óleos , acuarelas , pluma y tinta , lápiz , carboncillo , pastel y técnicas mixtas . Los artistas pueden emplear una amplia paleta de colores, como en Mme. Charpentier y sus hijos , 1878, de Pierre-Auguste Renoir , o limitarse principalmente al blanco o al negro, como en el Retrato de George Washington (1796) de Gilbert Stuart .

A veces, el tamaño total del retrato es un factor importante a tener en cuenta. Los enormes retratos de Chuck Close creados para exhibirlos en museos difieren mucho de la mayoría de los retratos diseñados para caber en el hogar o para que el cliente pueda viajar fácilmente con ellos. Con frecuencia, el artista tiene en cuenta dónde se colgará el retrato final y los colores y el estilo de la decoración circundante. ^[8]

La creación de un retrato puede llevar mucho tiempo y, por lo general, requiere varias sesiones. Cézanne, por un lado, insistía en más de 100 sesiones de su modelo. ^[9] Goya, por otro lado, prefería una sesión de un día entero. ^[10] La media es de unas cuatro. ^[11] Los retratistas a veces presentan a sus modelos una carpeta de dibujos o fotografías de las que el modelo seleccionaría una pose preferida, como hizo Sir Joshua Reynolds . Algunos, como Hans Holbein el Joven, hacen un dibujo del rostro y luego completan el resto de la pintura sin el modelo. ^[12] En el siglo XVIII, normalmente se tardaba alrededor de un año en entregar un retrato completo a un cliente. ^[13]

El manejo de las expectativas y el estado de ánimo del retratado es una preocupación seria para el retratista. En cuanto a la fidelidad del retrato a la apariencia del retratado, los retratistas suelen ser coherentes en su enfoque. Los clientes que acudieron a Sir Joshua Reynolds sabían que recibirían un resultado favorecedor, mientras que los retratados de Thomas Eakins sabían que podían esperar un retrato realista y sin escrúpulos. Algunos retratados expresan preferencias firmes, otros dejan que el artista decida por completo. Oliver Cromwell exigió famosamente que su retrato mostrara "todas estas asperezas, granos, verrugas y todo lo que me ves, de lo contrario nunca pagaré un centavo por él". ^[14]

Después de tranquilizar al modelo y alentarlo a adoptar una pose natural, el artista estudia a su modelo, buscando la expresión facial, entre muchas posibles, que satisfaga su concepto de la esencia del modelo. La postura del modelo también se considera cuidadosamente para revelar el estado emocional y físico del modelo, al igual que el vestuario. Para mantener al modelo comprometido y motivado, el hábil artista a menudo mantendrá una actitud y una conversación agradables. Élisabeth Vigée-Lebrun aconsejó a sus colegas artistas que halagaran a las mujeres y elogiaran su apariencia para ganar su cooperación en la sesión. ^[14]

Para que un retrato sea un éxito es fundamental dominar la anatomía humana . Los rostros humanos son asimétricos y los retratistas expertos los reproducen con sutiles diferencias entre la izquierda y la derecha. Los artistas deben conocer la estructura ósea y tisular subyacente para hacer un retrato convincente.

En el caso de composiciones complejas, el artista puede hacer primero un boceto completo a lápiz, tinta, carboncillo o óleo, lo que resulta especialmente útil si el modelo dispone de poco tiempo. De lo contrario, se esboza la forma general y luego se dibuja una semejanza aproximada en el lienzo a lápiz, carboncillo o óleo fino. En muchos casos, primero se completa el rostro y después el resto. En los estudios de muchos de los grandes retratistas, el maestro solo hacía la cabeza y las manos, mientras que la ropa y el fondo eran completados por los aprendices principales. Incluso había especialistas externos que manejaban elementos específicos como los drapeados y la ropa, como Joseph van Aken ^[15]. Algunos artistas en tiempos pasados ​​utilizaban muñecos o muñecos para ayudar a establecer y ejecutar la pose y la ropa ^[16] . El uso de elementos simbólicos colocados alrededor del modelo (incluidos signos, objetos domésticos, animales y plantas) se utilizaba a menudo para codificar la pintura con el carácter moral o religioso del sujeto, o con símbolos que representaran la ocupación, los intereses o el estatus social del modelo. El fondo puede ser totalmente negro y sin contenido o una escena completa que sitúa al retratado en su entorno social o recreativo.

Los autorretratos suelen realizarse con la ayuda de un espejo y el resultado final es un retrato en espejo, una inversión de lo que ocurre en un retrato normal cuando el modelo y el artista están uno frente al otro. En un autorretrato, un artista diestro parecería sostener un pincel en la mano izquierda, a menos que el artista corrija deliberadamente la imagen o utilice un segundo espejo inverso mientras pinta.

En ocasiones, el cliente o su familia no están contentos con el retrato resultante y el artista se ve obligado a retocarlo o hacerlo de nuevo o retirarse del encargo sin cobrar, sufriendo la humillación del fracaso. El célebre Retrato de Madame Récamier de Jacques-Louis David , muy popular en las exposiciones, fue rechazado por la modelo, al igual que el famoso Retrato de Madame X de John Singer Sargent . El retrato de cuerpo entero de John Trumbull , El general George Washington en Trenton , fue rechazado por el comité que lo encargó. ^[17] El famoso y espinoso Gilbert Stuart respondió una vez a la insatisfacción de un cliente con el retrato de su esposa replicando: "¡Me trajiste una patata y esperabas un melocotón!" ^[18]

Sin embargo, un retrato logrado puede ganarse la gratitud de un cliente para toda la vida. El conde Balthazar estaba tan satisfecho con el retrato que Rafael había creado de su esposa que le dijo al artista: "Tu imagen... sólo puede aliviar mis preocupaciones. Esa imagen es mi deleite; dirijo mis sonrisas hacia ella, es mi alegría". ^[19]

Las raíces del retrato se encuentran probablemente en tiempos prehistóricos, aunque pocas de estas obras sobreviven hoy en día. En el arte de las antiguas civilizaciones del Creciente Fértil , especialmente en Egipto, abundan las representaciones de gobernantes y gobernantes como dioses. Sin embargo, la mayoría de estos se hicieron de una manera muy estilizada, y la mayoría de perfil, generalmente en piedra, metal, arcilla, yeso o cristal. El retrato egipcio puso relativamente poco énfasis en la semejanza, al menos hasta el período de Akenatón en el siglo XIV a. C. La pintura de retratos de notables en China probablemente se remonta a más de 1000 a. C., aunque ninguno sobrevive de esa época. Los retratos chinos existentes se remontan aproximadamente al año 1000 d. C., ^[20] pero no pusieron mucho énfasis en la semejanza hasta algún tiempo después.

Por las evidencias literarias sabemos que la pintura griega antigua incluía retratos, a menudo muy precisos si se cree en los elogios de los escritores, pero no quedan ejemplos pintados. Las cabezas esculpidas de gobernantes y personalidades famosas como Sócrates sobreviven en cierta cantidad, y al igual que los bustos individualizados de gobernantes helenísticos en las monedas, muestran que los retratos griegos podían lograr un buen parecido, y los temas, al menos de las figuras literarias, eran representados con relativamente poca adulación: los retratos de Sócrates muestran por qué tenía reputación de ser feo. Los sucesores de Alejandro Magno comenzaron la práctica de agregar su cabeza (como una figura deificada ) a sus monedas, y pronto usaron las suyas.

El retrato romano adoptó las tradiciones de los retratos tanto de los etruscos como de los griegos, y desarrolló una tradición muy fuerte, vinculada al uso religioso de los retratos de los antepasados, así como a la política romana. Una vez más, las pocas pinturas que sobreviven, en los retratos de Fayum , la Tumba de Aline y el Tondo Severo , todos del Egipto bajo el dominio romano, son claramente producciones provinciales que reflejan estilos griegos más que romanos, pero tenemos una gran cantidad de cabezas esculpidas, incluidos muchos retratos individualizados de tumbas de clase media, y miles de tipos de retratos de monedas.

El grupo más numeroso de retratos pintados son las pinturas funerarias que sobrevivieron en el clima seco del distrito egipcio de Fayum (véase la ilustración, a continuación), que datan del siglo II al IV d. C. Estas son casi las únicas pinturas del período romano que han sobrevivido, aparte de los frescos , aunque se sabe por los escritos de Plinio el Viejo que la pintura de retratos estaba bien establecida en la época griega y que la practicaban tanto hombres como mujeres artistas. ^[21] En su época, Plinio se quejó del estado de decadencia del arte del retrato romano: "La pintura de retratos que solía transmitir a través de los siglos las semejanzas precisas de las personas, ha desaparecido por completo... La indolencia ha destruido las artes". ^{[22] [23]} Estos retratos de rostro completo del Egipto romano son excepciones afortunadas. Presentan un sentido algo realista de la proporción y el detalle individual (aunque los ojos son generalmente de gran tamaño y la habilidad artística varía considerablemente de un artista a otro). Los retratos de Fayum se pintaban sobre madera o marfil con colores de cera y resina (encáustica) o con témpera , y se insertaban en el envoltorio de la momia, para permanecer con el cuerpo por toda la eternidad.

Mientras que la pintura de retratos exentos disminuyó en Roma, el arte del retrato floreció en las esculturas romanas, donde los modelos exigían realismo, aunque poco favorecedor. Durante el siglo IV, el retrato esculpido dominó, con un retroceso a favor de un símbolo idealizado de cómo era esa persona. (Compárense los retratos de los emperadores romanos Constantino I y Teodosio I ) En el período de la Antigüedad Tardía , el interés en una semejanza individual disminuyó considerablemente, y la mayoría de los retratos en las monedas romanas tardías y los dípticos consulares apenas están individualizados en absoluto, aunque al mismo tiempo el arte cristiano primitivo estaba desarrollando imágenes bastante estandarizadas para la representación de Jesús y las otras figuras principales del arte cristiano, como Juan el Bautista y San Pedro .

La mayoría de los retratos medievales tempranos eran retratos de donantes , inicialmente en su mayoría de papas en mosaicos romanos y manuscritos iluminados , un ejemplo es un autorretrato de la escritora, mística, científica, iluminadora y músico Hildegarda de Bingen (1152). ^[24] Al igual que con las monedas contemporáneas, hubo pocos intentos de semejanza. Los monumentos funerarios de piedra se extendieron en el período románico . Entre 1350 y 1400, las figuras seculares comenzaron a reaparecer en frescos y pinturas sobre tabla , como en Carlos IV recibiendo lealtad del maestro Teodorico , ^[25] y los retratos volvieron a ser claras semejanzas.

Hacia finales de siglo, aparecieron en Borgoña y Francia los primeros retratos al óleo de personajes contemporáneos, pintados sobre pequeños paneles de madera, primero como perfiles y luego en otras vistas. El Díptico de Wilton , de alrededor de 1400, es uno de los dos retratos sobre tabla que se conservan de Ricardo II de Inglaterra , el primer rey inglés del que tenemos ejemplos contemporáneos.

A finales de la Edad Media , en el siglo XV, la pintura flamenca temprana fue clave para el desarrollo del retrato individualizado. Entre sus maestros se encontraban Jan van Eyck , Robert Campin y Rogier van der Weyden , entre otros. Se encargaban retratos en tabla bastante pequeños , de menos de la mitad del tamaño natural, no solo de figuras de la corte, sino de lo que, por su vestimenta relativamente sencilla, parecían ser ciudadanos adinerados. Las miniaturas de los manuscritos iluminados también incluían retratos individualizados, normalmente del comitente. En las pinturas religiosas, los retratos de los donantes comenzaron a mostrarse como presentes o como participantes en las principales escenas sagradas mostradas, y en las imágenes de la corte más privadas, los sujetos incluso aparecían como figuras significativas, como la Virgen María .

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  Robert Campin (c. 1375 – 1444), Retrato de una mujer joven (en pareja con su marido), 1430–1435. El estilo de Van der Weyden se basó en el de Campin.
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  Retrato de Arnolfini , de Jan van Eyck , 1434
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  Jean Wauquelin presentando sus 'Chroniques de Hainaut' a Felipe el Bueno , miniatura de presentación de Rogier van der Weyden , 1448
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  Rogier van der Weyden , Retrato de una dama , c. 1460
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  Uno de los primeros autorretratos independientes , Jean Fouquet , c. 1450

Ginevra de' Benci ( c.  1474-8 ) de Leonardo es uno de los primeros retratos de tres cuartos conocidos en el arte italiano. ^[26]

En parte por el interés en el mundo natural y en parte por el interés en las culturas clásicas de la antigua Grecia y Roma, los retratos, tanto pintados como esculpidos, tuvieron un papel importante en la sociedad renacentista y fueron valorados como objetos y como representaciones del éxito y el estatus terrenales. La pintura en general alcanzó un nuevo nivel de equilibrio, armonía y perspicacia, y los más grandes artistas (Leonardo, Miguel Ángel y Rafael) fueron considerados "genios", elevándose muy por encima del estatus de comerciantes a valiosos servidores de la corte y la iglesia. ^[27]

Durante este período fértil se produjeron muchas innovaciones en las diversas formas del retrato. Comenzó la tradición del retrato en miniatura , que siguió siendo popular hasta la era de la fotografía, y se desarrolló a partir de las habilidades de los pintores de miniaturas en manuscritos iluminados .

Los retratos de perfil, inspirados en medallones antiguos, fueron particularmente populares en Italia entre 1450 y 1500. Las medallas, con sus imágenes de dos caras, también inspiraron una moda de corta duración de pinturas de dos caras a principios del Renacimiento. ^[28] La escultura clásica, como el Apolo de Belvedere , también influyó en la elección de poses utilizadas por los retratistas del Renacimiento, poses que han seguido utilizándose a lo largo de los siglos. ^[29]

Los artistas del norte de Europa fueron pioneros en los retratos realistas de sujetos seculares. El mayor realismo y detalle de los artistas del norte durante el siglo XV se debió en parte a las pinceladas más finas y los efectos posibles con los colores al óleo , mientras que los pintores italianos y españoles todavía usaban témpera . Entre los primeros pintores que desarrollaron la técnica del óleo se encontraba Jan van Eyck . Los colores al óleo pueden producir más textura y grados de espesor, y se pueden aplicar en capas de manera más efectiva, con la adición de capas cada vez más gruesas una sobre otra (lo que los pintores conocen como "graso sobre magro"). Además, los colores al óleo se secan más lentamente, lo que permite al artista hacer cambios fácilmente, como alterar los detalles faciales. Antonello da Messina fue uno de los primeros italianos en aprovechar el óleo. Formado en Bélgica, se instaló en Venecia alrededor de 1475 y ejerció una gran influencia sobre Giovanni Bellini y la escuela del norte de Italia. ^[30] Durante el siglo XVI, el óleo como medio se extendió en popularidad por toda Europa, lo que permitió representaciones más suntuosas de ropa y joyas. También afectó la calidad de las imágenes el cambio de la madera al lienzo , que comenzó en Italia a principios del siglo XVI y se extendió al norte de Europa durante el siglo siguiente. El lienzo resiste mejor las grietas que la madera, retiene mejor los pigmentos y necesita menos preparación, pero al principio era mucho más escaso que la madera.

Los europeos del norte abandonaron pronto el perfil y empezaron a realizar retratos de volumen y perspectiva realistas. En los Países Bajos, Jan van Eyck fue un retratista de primera línea. El matrimonio de los Arnolfini (1434, National Gallery , Londres) es un hito del arte occidental, un ejemplo temprano de un retrato de pareja de cuerpo entero, magníficamente pintado con colores intensos y detalles exquisitos. Pero, igualmente importante, muestra la técnica recién desarrollada de la pintura al óleo iniciada por van Eyck, que revolucionó el arte y se extendió por toda Europa. ^[31]

Entre los principales retratistas alemanes se encuentran Lucas Cranach , Alberto Durero y Hans Holbein el Joven , quienes dominaron la técnica de la pintura al óleo. Cranach fue uno de los primeros artistas en pintar encargos de tamaño natural de cuerpo entero, una tradición popular a partir de entonces. ^[32] En esa época, Inglaterra no tenía retratistas de primer nivel, y los mecenas ingleses demandaban artistas como Holbein. ^[33] Su pintura de Sir Thomas More (1527), su primer mecenas importante en Inglaterra, tiene casi el realismo de una fotografía. ^[34] Holbein alcanzó su gran éxito pintando a la familia real, incluido Enrique VIII . Durero fue un dibujante excepcional y uno de los primeros artistas importantes en hacer una secuencia de autorretratos, incluida una pintura de rostro completo. También colocó su figura de autorretrato (como espectador) en varias de sus pinturas religiosas. ^[35] Durero comenzó a hacer autorretratos a la edad de trece años. ^[36] Más tarde, Rembrandt ampliaría esa tradición.

En Italia, Masaccio fue el primero en modernizar el fresco adoptando una perspectiva más realista. Filippo Lippi abrió el camino al desarrollar contornos más nítidos y líneas sinuosas ^[37] y su alumno Rafael extendió el realismo en Italia a un nivel mucho más alto en las décadas siguientes con sus monumentales pinturas murales. ^[38] Durante esta época, se popularizó el retrato de compromiso, una especialidad particular de Lorenzo Lotto . ^[39] Durante el Renacimiento temprano, las pinturas de retratos eran generalmente pequeñas y a veces cubiertas con tapas protectoras, con bisagras o corredizas. ^[40]

Durante el Renacimiento, la nobleza florentina y milanesa, en particular, deseaba representaciones más realistas de sí mismos. El desafío de crear vistas convincentes de cuerpo entero y de tres cuartos estimuló la experimentación y la innovación. Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi y Leonardo da Vinci y otros artistas ampliaron su técnica en consecuencia, añadiendo el retrato a los temas religiosos y clásicos tradicionales. Leonardo y Pisanello estuvieron entre los primeros artistas italianos en añadir símbolos alegóricos a sus retratos seculares. ^[38]

Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es la pintura de Leonardo da Vinci titulada Mona Lisa , llamada así por Lisa del Giocondo , ^{[41] [42] [43]} miembro de la familia Gherardini de Florencia y Toscana y esposa del rico comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. La famosa "sonrisa de Mona Lisa" es un excelente ejemplo de la aplicación de una asimetría sutil a un rostro. En sus cuadernos, Leonardo aconseja sobre las cualidades de la luz en la pintura de retratos:

Un grado muy alto de gracia en la luz y la sombra se añade a los rostros de quienes se sientan en las puertas de las habitaciones que están oscuras, donde los ojos del observador ven la parte sombreada del rostro oscurecida por las sombras de la habitación, y ven la parte iluminada del rostro con el mayor brillo que le da el aire. Mediante este aumento de las sombras y las luces, el rostro adquiere un mayor relieve. ^[44]

Leonardo fue alumno de Verrocchio . Tras convertirse en miembro del Gremio de Pintores, comenzó a aceptar encargos independientes. Debido a sus amplios intereses y de acuerdo con su mentalidad científica, su producción de dibujos y estudios preliminares es inmensa, aunque su producción artística final es relativamente pequeña. Otros retratos memorables suyos incluyen los de las mujeres nobles Ginevra de' Benci y Cecilia Gallerani . ^[45]

Los retratos por encargo de Rafael que se conservan son mucho más numerosos que los de Leonardo, y muestran una mayor variedad de poses, iluminación y técnica. En lugar de producir innovaciones revolucionarias, el gran logro de Rafael fue fortalecer y refinar las corrientes en evolución del arte renacentista. ^[46] Era particularmente experto en el retrato de grupo. Su obra maestra, La escuela de Atenas , es uno de los frescos de grupo más importantes, que contiene imágenes de Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y el propio Rafael, disfrazados de filósofos antiguos. ^[47] No fue el primer retrato de grupo de artistas. Décadas antes, Paolo Uccello había pintado un retrato de grupo que incluía a Giotto , Donatello , Antonio Manetti y Brunelleschi . ^[35] A medida que ascendía en prominencia, Rafael se convirtió en el retratista favorito de los papas. Aunque muchos artistas del Renacimiento aceptaron con entusiasmo encargos de retratos, unos pocos los rechazaron, sobre todo el rival de Rafael, Miguel Ángel , quien en su lugar emprendió los enormes encargos de la Capilla Sixtina . ^[38]

En Venecia, alrededor de 1500, Gentile Bellini y Giovanni Bellini dominaron la pintura de retratos. Recibieron los encargos más altos de los principales funcionarios del estado. El retrato de Bellini del dux Loredan se considera uno de los mejores retratos del Renacimiento y demuestra hábilmente el dominio del artista de las recién llegadas técnicas de pintura al óleo. ^[48] Bellini también es uno de los primeros artistas en Europa en firmar su trabajo, aunque rara vez los fechó. ^[49] Más tarde, en el siglo XVI, Tiziano asumió el mismo papel, en particular al expandir la variedad de poses y asientos de sus sujetos reales. Tiziano fue quizás el primer gran retratista de niños. ^[50] Después de Tiziano, Tintoretto y Veronés se convirtieron en los principales artistas venecianos, ayudando a la transición al manierismo italiano . Los manieristas contribuyeron con muchos retratos excepcionales que enfatizaban la riqueza material y poses elegantemente complejas, como en las obras de Agnolo Bronzino y Jacopo da Pontormo . Bronzino se hizo famoso retratando a la familia Medici . Su atrevido retrato de Cosimo I de' Medici , muestra al austero gobernante con armadura y una mirada cautelosa dirigida hacia su extrema derecha, en marcado contraste con la mayoría de las pinturas reales que muestran a sus modelos como soberanos benignos. ^[51] El Greco , que se formó en Venecia durante doce años, fue en una dirección más extrema después de su llegada a España, enfatizando su "visión interior" del modelo hasta el punto de disminuir la realidad de la apariencia física. ^[52] Una de las mejores retratistas de la Italia del siglo XVI fue Sofonisba Anguissola de Cremona, que infundió a sus retratos individuales y grupales nuevos niveles de complejidad.

Los retratos cortesanos en Francia comenzaron cuando el artista flamenco Jean Clouet pintó su opulento retrato de Francisco I de Francia alrededor de 1525. ^[53] El rey Francisco fue un gran mecenas de artistas y un avaro coleccionista de arte que invitó a Leonardo da Vinci a vivir en Francia durante sus últimos años. La Mona Lisa permaneció en Francia después de que Leonardo muriera allí. ^[53]

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  Pisanello , quizás Ginevra d'Este , c. 1440
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  Joven , de Sandro Botticelli , c. 1483. Una de las primeras poses italianas de rostro completo.
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  Posiblemente Rafael , c. 1518, Isabel de Requesens. El estilo y el formato del Alto Renacimiento tuvieron una enorme influencia en los grandes retratos posteriores.
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  Christiane von Eulenau por Lucas Cranach el Viejo , 1534
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  Lucrecia Panciatichi, de Agnolo Bronzino , 1540
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  El Papa Pablo III y sus nietos , Tiziano , 1546
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  Maarten van Heemskerck (1498-1574), Familia de Pieter Jan Foppesz , antes de c.1532, considerado el primer retrato familiar del retrato holandés. ^[54]
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  Carlos V por Tiziano , 1548, un retrato ecuestre fundamental .
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  Retrato de la Armada de Isabel I de Inglaterra , c. 1588. El retrato estilizado de Isabel I de Inglaterra fue único en Europa.
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  Retrato de un cardenal , probablemente Fernando Niño de Guevara , El Greco , c. 1600

Durante los períodos barroco y rococó (siglos XVII y XVIII, respectivamente), los retratos se convirtieron en un registro aún más importante del estatus y la posición social. En una sociedad dominada cada vez más por líderes seculares en cortes poderosas, las imágenes de figuras opulentamente vestidas eran un medio para afirmar la autoridad de individuos importantes. Los pintores flamencos Sir Anthony van Dyck y Peter Paul Rubens sobresalieron en este tipo de retratos, mientras que Jan Vermeer produjo retratos principalmente de la clase media, trabajando y jugando en interiores. El retrato que Rubens hizo de él mismo y su primera esposa (1609) con su atuendo nupcial es un ejemplo virtuoso del retrato de pareja. ^[55]

La fama de Rubens se extendió más allá de su arte: fue un cortesano, diplomático, coleccionista de arte y exitoso hombre de negocios. Su estudio era uno de los más grandes de su época, y empleaba especialistas en naturalezas muertas, paisajes, escenas de animales y género, además de retratos. Van Dyck se formó allí durante dos años. ^[56] Carlos I de Inglaterra empleó primero a Rubens, y luego importó a Van Dyck como pintor de su corte, lo nombró caballero y le otorgó estatus cortesano. Van Dyck no sólo adoptó los métodos de producción y las habilidades comerciales de Rubens, sino también sus elegantes modales y apariencia. Como se registró, "siempre iba magníficamente vestido, tenía un numeroso y galante carruaje y mantenía una mesa tan noble en su apartamento, que pocos príncipes no eran más visitados o mejor servidos". ^[57] En Francia, Hyacinthe Rigaud dominó de la misma manera, como notable cronista de la realeza, pintando los retratos de cinco reyes franceses. ^[58]

Una de las innovaciones del arte renacentista fue la mejora de la representación de las expresiones faciales para acompañar diferentes emociones. En particular, el pintor holandés Rembrandt exploró las múltiples expresiones del rostro humano, especialmente como uno de los principales autorretratistas (de los cuales pintó más de 60 en vida). ^[59] Este interés en el rostro humano también fomentó la creación de las primeras caricaturas, atribuidas a la Accademia degli Incamminati , dirigida por pintores de la familia Carracci a fines del siglo XVI en Bolonia, Italia.

Durante el período barroco, sobre todo en los Países Bajos, se produjeron en gran número retratos de grupo. A diferencia del resto de Europa, los artistas holandeses no recibieron encargos de la Iglesia calvinista, que había prohibido este tipo de imágenes, ni de la aristocracia, que era prácticamente inexistente. En cambio, los encargos procedían de asociaciones cívicas y empresariales. El pintor holandés Frans Hals utilizó pinceladas fluidas de colores vivos para animar sus retratos de grupo, incluidos los de la guardia civil, a la que pertenecía. Rembrandt se benefició enormemente de estos encargos y de la apreciación general del arte por parte de los clientes burgueses, que apoyaban tanto el retrato como la pintura de naturalezas muertas y paisajes. Además, en esa época florecieron en Holanda los primeros mercados importantes de arte y de marchantes. ^[60]

En medio de una gran demanda, Rembrandt pudo experimentar con composiciones y técnicas poco convencionales, como el claroscuro . Demostró estas innovaciones, iniciadas por maestros italianos como Caravaggio , sobre todo en su famosa Ronda de noche (1642). ^[61] La lección de anatomía del doctor Tulp (1632) es otro buen ejemplo de la maestría de Rembrandt en la pintura grupal, en la que baña el cadáver con una luz brillante para atraer la atención hacia el centro de la pintura mientras la ropa y el fondo se funden en negro, haciendo que los rostros del cirujano y los estudiantes destaquen. También es la primera pintura que Rembrandt firmó con su nombre completo. ^[62]

En España, Diego Velázquez pintó Las Meninas (1656), uno de los retratos de grupo más famosos y enigmáticos de todos los tiempos. Conmemora al artista y a los hijos de la familia real española, y aparentemente los retratados son la pareja real que solo se ve reflejada en un espejo. ^[63] Velázquez comenzó siendo principalmente un pintor de género, pero rápidamente saltó a la fama como pintor de la corte de Felipe IV , sobresaliendo en el arte del retrato, particularmente en la ampliación de la complejidad de los retratos de grupo. ^[64]

Los artistas rococó, que estaban particularmente interesados ​​en la ornamentación rica e intrincada, fueron maestros del retrato refinado. Su atención a los detalles del vestido y la textura aumentó la eficacia de los retratos como testimonio de la riqueza mundana, como lo demuestran los famosos retratos de Madame de Pompadour ataviada con vaporosos vestidos de seda realizados por François Boucher .

Los primeros grandes retratistas nativos de la escuela británica fueron los pintores ingleses Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds , quienes también se especializaron en vestir a sus sujetos de manera llamativa. El Niño Azul de Gainsborough es uno de los retratos más famosos y reconocidos de todos los tiempos, pintado con pinceles muy largos y pintura al óleo fina para lograr el efecto brillante del traje azul. ^[66] Gainsborough también se destacó por sus elaborados escenarios de fondo para sus sujetos.

Los dos artistas británicos tenían opiniones opuestas sobre el uso de asistentes. Reynolds los empleaba con regularidad (a veces haciendo solo el 20 por ciento de la pintura él mismo) mientras que Gainsborough rara vez lo hacía. ^[67] A veces un cliente le sacaba una garantía al artista, como hizo Sir Richard Newdegate al retratista Peter Lely (el sucesor de van Dyck en Inglaterra), quien prometió que el retrato sería "de principio a fin dibujado con mis propias manos". ^[68] A diferencia de la exactitud empleada por los maestros flamencos, Reynolds resumió su enfoque del retrato al afirmar que "la gracia y, podemos agregar, la semejanza, consiste más en tomar el aire general que en observar la similitud exacta de cada rasgo". ^[69] También fue prominente en Inglaterra William Hogarth , quien se atrevió a desafiar los métodos convencionales al introducir toques de humor en sus retratos. Su "Autorretrato con Pug" es claramente más una interpretación humorística de su mascota que una pintura autoindulgente. ^[70]

En el siglo XVIII, las pintoras cobraron nueva importancia, en particular en el campo del retrato. Entre las artistas femeninas más destacadas se encuentran la pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun , la pastelista italiana Rosalba Carriera y la artista suiza Angelica Kauffman . También durante ese siglo, antes de la invención de la fotografía, los retratos en miniatura, pintados con increíble precisión y a menudo envueltos en medallones de oro o esmalte, eran muy valorados.

En los Estados Unidos, John Singleton Copley , educado en el refinado estilo británico, se convirtió en el principal pintor de retratos de tamaño natural y en miniatura, con sus imágenes hiperrealistas de Samuel Adams y Paul Revere especialmente bien consideradas. Copley también es notable por sus esfuerzos por fusionar el retrato con el arte académicamente más reverenciado de la pintura histórica , lo que intentó con sus retratos grupales de militares famosos. ^[71] Igualmente famoso fue Gilbert Stuart , quien pintó más de 1000 retratos y fue especialmente conocido por sus retratos presidenciales. Stuart pintó más de 100 réplicas solo de George Washington . ^[72] Stuart trabajaba rápidamente y empleaba pinceladas más suaves y menos detalladas que Copley para capturar la esencia de sus sujetos. A veces hacía varias versiones para un cliente, lo que permitía al modelo elegir su favorita. ^[73] Famoso por sus mejillas sonrosadas, Stuart escribió: "la carne no se parece a ninguna otra sustancia bajo el cielo. Tiene toda la alegría de la tienda de sedas sin su brillo llamativo, y toda la suavidad de la caoba vieja, sin su tristeza". ^[74] Otros retratistas estadounidenses destacados de la era colonial fueron John Smibert , Thomas Sully , Ralph Earl , John Trumbull , Benjamin West , Robert Feke , James Peale , Charles Willson Peale y Rembrandt Peale .

• 
  Felipe IV en marrón y plata , Diego Velázquez , 1632
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  Sir Kenelm Digby de Anthony van Dyck , c. 1640
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  Rembrandt van Rijn , Retrato de Jan Six , 1654
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  Gerrit Sichterman, de Cornelis Troost , 1725
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  Pastel de Madame de Pompadour , Maurice Quentin de La Tour , mediados del siglo XVIII
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  Thomas Kerrich (1748-1828), por Pompeo Batoni
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  John Durand, Los niños de Rapalje , 1768, Sociedad Histórica de Nueva York , Ciudad de Nueva York
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  John Singleton Copley y Paul Revere , 1770

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas neoclásicos continuaron la tradición de representar a los personajes con la última moda, lo que para las mujeres de entonces significaba vestidos diáfanos derivados de los estilos de vestimenta de la antigua Grecia y Roma. Los artistas utilizaban la luz dirigida para definir la textura y la redondez simple de los rostros y las extremidades. Los pintores franceses Jacques-Louis David y Jean-Auguste-Dominique Ingres demostraron virtuosismo en esta técnica de dibujante, así como un ojo agudo para los personajes. Ingres, alumno de David, es notable por sus retratos en los que se pinta un espejo detrás del personaje para simular una vista trasera del mismo. ^[75] Su retrato de Napoleón en su trono imperial es un tour de force del retrato real. (ver la galería a continuación)

Los artistas románticos que trabajaron durante la primera mitad del siglo XIX pintaron retratos de líderes inspiradores, mujeres hermosas y sujetos agitados, utilizando pinceladas vivaces e iluminación dramática, a veces melancólica. Los artistas franceses Eugène Delacroix y Théodore Géricault pintaron retratos particularmente buenos de este tipo, especialmente jinetes apuestos. ^[76] Un ejemplo notable de artista del período romántico en Polonia , que practicó el retrato de jinetes fue Piotr Michałowski (1800-1855). También es notable la serie de retratos de pacientes mentales de Géricault (1822-1824). El pintor español Francisco de Goya pintó algunas de las imágenes más inquisitivas y provocativas del período, incluida La maja desnuda (c. 1797-1800), así como famosos retratos de la corte de Carlos IV .

Los artistas realistas del siglo XIX, como Gustave Courbet , crearon retratos objetivos que representaban a personas de clase media y baja. Demostrando su romanticismo, Courbet pintó varios autorretratos que se mostraban a sí mismo en diferentes estados de ánimo y expresiones. ^[77] Otros realistas franceses incluyen a Honoré Daumier , quien produjo muchas caricaturas de sus contemporáneos. Henri de Toulouse-Lautrec hizo una crónica de algunos de los famosos artistas del teatro, incluida Jane Avril, capturándolos en movimiento. ^[78] El pintor francés Édouard Manet , fue un importante artista de transición cuyo trabajo oscila entre el realismo y el impresionismo . Fue un retratista de perspicacia y técnica excepcionales, siendo su pintura de Stéphane Mallarmé un buen ejemplo de su estilo de transición. Su contemporáneo Edgar Degas era principalmente realista y su pintura Retrato de la familia Bellelli es una representación perspicaz de una familia infeliz y uno de sus mejores retratos. ^[79]

En Estados Unidos, Thomas Eakins reinó como el principal retratista, llevando el realismo a un nuevo nivel de franqueza, especialmente con sus dos retratos de cirujanos en acción, así como los de atletas y músicos en acción. En muchos retratos, como "Retrato de la señora Edith Mahon", Eakins transmite con audacia las emociones poco favorecedoras de la tristeza y la melancolía. ^[80]

Los realistas dieron paso en su mayoría a los impresionistas en la década de 1870. En parte debido a sus escasos ingresos, muchos de los impresionistas dependían de familiares y amigos para que los modelaran, y pintaron grupos íntimos y figuras individuales, ya sea al aire libre o en interiores llenos de luz. Conocidos por sus superficies brillantes y ricas pinceladas de pintura, los retratos impresionistas suelen ser desarmantemente íntimos y atractivos. Los pintores franceses Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir crearon algunas de las imágenes más populares de modelos individuales y grupos. La artista estadounidense Mary Cassatt , que se formó y trabajó en Francia, es popular incluso hoy en día por sus atractivas pinturas de madres e hijos, al igual que Renoir. ^[81] Paul Gauguin y Vincent van Gogh , ambos postimpresionistas , pintaron retratos reveladores de personas que conocían, arremolinados en color pero no necesariamente favorecedores. Son igualmente, si no más, celebrados por sus poderosos autorretratos.

John Singer Sargent también abarcó el cambio de siglo, pero rechazó el impresionismo y el postimpresionismo manifiestos. Fue el retratista más exitoso de su época, utilizando una técnica mayoritariamente realista a menudo impregnada de un brillante uso del color. Era igualmente apto para retratos individuales y grupales, particularmente de familias de clase alta. Sargent nació en Florencia, Italia, de padres estadounidenses. Estudió en Italia y Alemania, y en París. Sargent es considerado el último gran exponente de la tradición del retrato británico que comenzó con van Dyck. ^[81] Otro retratista estadounidense destacado que se formó en el extranjero fue William Merritt Chase . La pintora de la sociedad estadounidense Cecilia Beaux , llamada la "Sargent femenina", nació de padre francés, estudió en el extranjero y obtuvo éxito en su país, apegándose a los métodos tradicionales. Otro retratista comparado con Sargent por su exuberante técnica fue el artista parisino nacido en Italia Giovanni Boldini , amigo de Degas y Whistler .

El internacionalista nacido en Estados Unidos James Abbott McNeill Whistler tenía buenas relaciones con artistas europeos y también pintó algunos retratos excepcionales, el más famoso de los cuales es su Arreglo en gris y negro, La madre del artista (1871), también conocido como La madre de Whistler . ^[82] Incluso con sus retratos, como con sus paisajes tonales, Whistler quería que sus espectadores se centraran en la disposición armónica de la forma y el color en sus pinturas. Whistler utilizó una paleta tenue para crear los efectos deseados, enfatizando el equilibrio del color y los tonos suaves. Como afirmó, "así como la música es la poesía del sonido, la pintura es la poesía de la vista, y el tema no tiene nada que ver con la armonía del sonido o del color". ^[83] La forma y el color también fueron fundamentales en los retratos de Cézanne , mientras que el color aún más extremo y la técnica de pincelada dominan los retratos de André Derain y Henri Matisse . ^[84]

El desarrollo de la fotografía en el siglo XIX tuvo un efecto significativo en el retrato, suplantando a la anterior cámara oscura que también se había utilizado anteriormente como ayuda en la pintura. Muchos modernistas acudieron en masa a los estudios de fotografía para hacerse sus retratos, incluido Baudelaire , quien, aunque proclamó que la fotografía era un "enemigo del arte", se sintió atraído por la franqueza y el poder de la fotografía. ^[85] Al proporcionar una alternativa barata, la fotografía suplantó gran parte del nivel más bajo de la pintura de retratos. Algunos artistas realistas, como Thomas Eakins y Edgar Degas , estaban entusiasmados con la fotografía con cámara y la encontraron una ayuda útil para la composición. Desde los impresionistas en adelante, los pintores de retratos encontraron una miríada de formas de reinterpretar el retrato para competir eficazmente con la fotografía. ^[86] Sargent y Whistler estuvieron entre los estimulados a expandir su técnica para crear efectos que la cámara no podía capturar.

• 
  Francisco de Goya , Carlos IV de España y su familia , 1800-1801
• 
  Jean Auguste Dominique Ingres , retrato de Napoleón en su trono imperial , 1806, Musée de l'Armée , París
• 
  Jacques-Louis David , El emperador Napoleón en su estudio en las Tullerías (1812), Galería Nacional de Arte , Washington, DC
• 
  Gustave Courbet , Retrato de Charles Baudelaire , 1848
• 
  Pierre-Auguste Renoir , Retrato de Alfred Sisley , 1868
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  Pedro Américo , El discurso del trono . Retrato de Pedro II de Brasil en la apertura de la Asamblea General, 1872, Museo Imperial de Brasil , Petrópolis
• 
  Edgar Degas , Retrato de la señorita Cassatt , sentada, sosteniendo cartas , 1876-1878
• 
  John Singer Sargent , retrato de Robert Louis Stevenson , 1887
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  Paul Gauguin , El pintor de girasoles , Retrato de Vincent van Gogh , 1888
• 
  Vincent van Gogh , Retrato del doctor Gachet (primera versión), 1890

Other early 20th-century artists also expanded the repertoire of portraiture in new directions. Fauvist artist Henri Matisse produced powerful portraits using non-naturalistic, even garish, colors for skin tones. Cézanne's relied on highly simplified forms in his portraits, avoiding detail while emphasizing color juxtapositions.^[88] Austrian Gustav Klimt's unique style applied Byzantine motifs and gold paint to his memorable portraits. His pupil Oskar Kokoschka was an important portraitist of the Viennese upper class. Prolific Spanish artist Pablo Picasso painted many portraits, including several cubist renderings of his mistresses, in which the likeness of the subject is grossly distorted to achieve an emotional statement well beyond the bounds of normal caricature.^[89] An outstanding female portrait painter of the turn of the 20th century, associated with the French impressionism, was Olga Boznańska (1865–1940). Expressionist painters provided some of the most haunting and compelling psychological studies ever produced. German artists such as Otto Dix and Max Beckmann produced notable examples of expressionist portraiture. Beckmann was a prolific self-portraitist, producing at least twenty-seven.^[90] Amedeo Modigliani painted many portraits in his elongated style which depreciated the "inner person" in favor of strict studies of form and color. To help achieve this, he de-emphasized the normally expressive eyes and eyebrows to the point of blackened slits and simple arches.^[91]

British art was represented by the Vorticists, who painted some notable portraits in the early part of the 20th century. The Dada painter Francis Picabia executed numerous portraits in his unique fashion. Additionally, Tamara de Lempicka's portraits successfully captured the Art Deco era with her streamlined curves, rich colors and sharp angles. In America, Robert Henri and George Bellows were fine portraitists of the 1920s and 1930s of the American realist school. Max Ernst produced an example of a modern collegial portrait with his 1922 painting All Friends Together.^[92]

A significant contribution to the development of portrait painting of 1930–2000 was made by Russian artists, mainly working in the traditions of realist and figurative painting. Among them should be called Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov and others.^[93]

Portrait production in Europe (excluding Russia) and the Americas generally declined in the 1940s and 1950s, a result of the increasing interest in abstraction and nonfigurative art. One exception, however, was Andrew Wyeth who developed into the leading American realist portrait painter. With Wyeth, realism, though overt, is secondary to the tonal qualities and mood of his paintings. This is aptly demonstrated by his landmark series of paintings known as the "Helga" pictures, the largest group of portraits of a single person by any major artist (247 studies of his neighbor Helga Testorf, clothed and nude, in varying surroundings, painted during the period 1971–1985).^[94]

By the 1960s and 1970s, there was a revival of portraiture. English artists such as Lucian Freud (grandson of Sigmund Freud) and Francis Bacon have produced powerful paintings. Bacon's portraits are notable for their nightmarish quality. In May 2008, Freud's 1995 portrait Benefits Supervisor Sleeping was sold by auction by Christie's in New York City for $33.6 million, setting a world record for sale value of a painting by a living artist.^[95]

Many contemporary American artists, such as Andy Warhol, Alex Katz and Chuck Close, have made the human face a focal point of their work.

Warhol was one of the most prolific portrait painters of the 20th century. Warhol's painting Orange Shot Marilyn of Marilyn Monroe is an iconic early example of his work from the 1960s, and Orange Prince (1984) of the pop singer Prince is later example, both exhibiting Warhol's unique graphic style of portraiture.^{[96][97][98][99]}

Close's specialty was huge, hyper-realistic wall-sized "head" portraits based on photographic images. Jamie Wyeth continues in the realist tradition of his father Andrew, producing famous portraits whose subjects range from presidents to pigs.

• 
  Henri Matisse, The Green Stripe, Portrait of Madame Matisse, 1905
• 
  Olga Boznańska, Self-portrait, 1906, National Museum in Warsaw
• 
  Umberto Boccioni, Self-portrait, 1906
• 
  Gustav Klimt, Portrait of Adele Bloch-Bauer I, 1907
• 
  Pablo Picasso, Portrait of Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago
• 
  Juan Gris, Portrait of Pablo Picasso, 1912
• 
  Amedeo Modigliani, Portrait of Chaïm Soutine, 1916
• 
  Boris Grigoriev, Portrait of Vsevolod Meyerhold, 1916
• 
  Boris Kustodiev, Kapitsa and Semyonov, 1921

The Persian miniature tradition avoided giving figures individualized facial features for a long time, partly for religious reasons, to avoid any hint of idolatry. Rulers in the Islamic world never put their images on their coins, and their appearance did not form part of their public relations effort in the way that it did in the West. Even where it is clear that a scene shows the court of the prince commissioning the work, the features of the chief figure have the same rather Chinese-looking features as all the rest. This long-lasting convention seems to derive from the start of the miniature tradition under the Mongol Ilkhanids, but long outlived them.

When the Persian tradition developed as the Mughal miniature in India, things rapidly changed. Unlike their Persian predecessors, Mughal patrons placed great emphasis on detailed naturalistic likenesses of all the unfamiliar natural forms of their new empire, such as animals, birds and plants. They had the same attitude to human portraiture, and individual portraits, normally in profile, became an important feature of the tradition. This received a particular emphasis under Emperor Akbar the Great, who seems to have been dyslexic, and could barely read or write himself. He had a large album (muraqqa) made with portraits of all the leading members of his huge court, and used this when considering appointments around the empire with his advisors.^[100]

Later emperors, especially Jahangir and Shah Jahan, made great use of idealized miniature portraits of themselves as a form of propaganda, distributing them to significant allies. These often featured halos larger than those given to any religious figures. Such images spread the idea of the portrait of the ruler to smaller courts, so that by the 18th century many small rajahs maintained court artists to portray them enjoying princely activities in rather stylized images that combine senses of informality and majesty.

Ottoman miniatures generally had figures with faces even less individualized than its Persian equivalents, but a genre of small portraits of males from the Imperial family developed. These had highly individual, and rather exaggerated, features, some verging on caricatures; they were probably seen only by a very restricted circle.

The Persian Qajar dynasty, from 1781, took to large royal portraits in oils, as well as miniatures and textile hangings. These tend to be dominated by the magnificent costumes and long beards of the shahs.

• 
  Ottoman Sultan Selim II, c. 1570
• 
  Lady by Nainsukh, a court painter in the small Rajput state of Jasrota, 1750s. Pahari painting.
• 
  Shah Fath Ali Shah, by Mihr 'Ali, c. 1813

Chinese portrait painting was slow to desire or achieve an actual likeness. Many "portraits" were of famous figures from the past, and showed an idea of what that person should look like. Buddhist clergy, especially in sculpture, were something of an exception to this. Portraits of the emperor were long never seen in public, partly for fear that mistreatment of them might dishonour the emperor or even cause bad luck. The most senior ministers were allowed once a year to pay homage to the images in the imperial gallery of ancestor portraits, as a special honour.

During the Han dynasty, the rise of Confucianism, which regarded human as the center of the universe and society, led to a focus on psychological study. In the meantime, Taoist scholars started the study of physiognomy. The combined interests in human psychological and physical features caused a growth in biography and portraiture. Portrait paintings created during the Han dynasty were considered prototypes of the earliest Chinese portrait paintings, most of which were found on the walls of palace halls, tomb chambers, and offering shrines. For instance, the engraved figure of a man found in a tomb tile from western Henan dating back to the third century B.C. indicates the painter's observation and desire to create lively figures. However, the subjects of most wall portraits are anonymous figures engaging in conversation. Despite the vivid depiction of physical features and facial expression, due to the lack of identity and the close bound to narrative context, many scholars categorize these Han dynasty wall paintings as "character figures in action" instead of actual likenesses of specific individuals.^[101]

The Jin dynasty was one of the most turbulent periods in ancient Chinese history. After the decades of wars between the three states of Wei, Shu, and Wu from 184 to 280 AD, Sima Yan eventually founded the Western Jin dynasty in 266 AD. The unstable socio-political environment and the declining imperial authority resulted in a transition from Confucianism to Neo-Daoism. As the attitude of breaking social hierarchy and decorum flourished, self-expression and individualism started to grow among the intelligentsia.

The Seven Sages of the Bamboo Grove and Rong Qiqi is a thread-relief painting on tile found in a Jin dynasty brick-chambered tomb in Nanjing. The relief is 96 inches in length and 35 inches in width, with more than 300 bricks. It is one of the most well-preserved thread-relief paintings from the Jin dynasty which reflect high-quality craftsmanship. There are two parts of the relief and each contains four figure portraits. According to the names inscribed next to the figures, from the top to the bottom, and from the left to the right, the eight figures are Rong Qiqi, Ruan Xian, Liu Ling, Xiang Xiu, Ji Kang, Ruan Ji, Shan Tao, and Wang Rong. Other than Rong Qiqi, the other seven people were famous Neo-Daoist scholars of the Jin dynasty and were known as the "Seven Sages of the Bamboo Grove". They were eminent intelligentsias accomplished at literature, music, or philosophy. The relief depicts a narrative scene of the eight cultivated gentlemen sitting on the ground in the grove performing various activities. The figures were portrayed in a relaxed and self-absorbed posture wearing loose garments with bare feet.

The historically recorded name inscriptions next to the figures cause the relief painting functions as "portraiture represents specific people".^[102] In addition, the iconographic details of each figure based on biography renders an extent of individualization. For instance, the biography of Liu Ling in the Book of Jin records his obsession with alcohol. In the relief painting, the figure of Liu Ling sits in a casual posture with a curving knee and holds an erbei, a vessel for alcohol, while dipping the other hand into the cup to have a taste of the drink. The portrait reflects the essence of Liu Ling's characteristics and temperament. The figure of Ruan Xian who was famous for musical talents according to the Book of Jin plays a flute in the portrait.

Gu Kaizhi, one of the most famous artists of the Eastern Jin dynasty, instructed how to reflect the sitter's characteristics through accurate portray of the physical features in his book On Painting. He also stressed the capture of the sitter's spirit through vivid depiction of eyes.^[101]

During the Tang dynasty, there was an increase of humanization and personalization in portrait painting. Due to the influx of Buddhism, the painting portrait adopted a more realistic likeness, especially for the portraits of the monks. The belief in "temporal incorruptibility" of the immortal body in Mahayana Buddhism linked the presence in an image with the presence in reality. Portrait was regarded as the visual embodiment and substitute of a real person. Thus, the true likeness was highly valued in the paintings and statues of the monks.^[101] The Tang dynasty mural portrait painting values the spiritual quality—the "animation through spirit consonance" (qi yun shen tong).^[103]

In terms of the imperial portrait, Emperor Taizong, the second emperor of the Tang dynasty, used portraits to legitimize succession and reinforce power. He commissioned the Portrait of Succession Emperors, which contains the portraits of 13 emperors in the previous dynasties in chronological order. The commonness among the selected emperors was that they were the sons of the founders of the dynasties. Since Emperor Taizong's father, Emperor Gaozu, was the founder of the Tang dynasty, Emperor Taizong's selection of the previous emperors in the similar position of himself served as a political allusion. His succession was under doubt and criticism since he murdered two of his brothers and forced his father to pass the throne to him. Through commissioning the collective portraits of the previous emperors, he aimed at legitimize the transmission of the reign. In addition, the difference in the costumes of the portrayed emperors implied Emperor Taizong's opinion on them. The emperors portrayed in informal costumes were regarded as the bad examples of a ruler such as being weak or violent, while the ones in formal dresses were thought to accomplish either civil or military achievements. The commission was an indirect method by Emperor Taizong to proclaim his achievements had surpassed the precedent emperors. Emperor Taizong also commissioned a series of portrait paintings of famous scholars and intellectuals before he became the emperor. He attempted to befriend with the intellectuals by putting the portraits on the wall of Pingyan Pavilion as a signal of respect. The portraits also served as evidence that he had gained political support from the portrayed famous scholars to frighten his opponents. During his reign, Emperor Taizong commissioned portraits of himself receiving offerings from the ambassadors of the conquered foreign countries to celebrate and advertise his military achievements.^[104]

During the Song dynasty, Emperor Gaozong commissioned Portraits of Confucius and Seventy-two Disciples (sheng xian tu) on blank ground with his handwritten inscription. The figures were portrayed in vivid lines, animated gestures, and the facial expressions were rendered a narrative quality. The portrait of the saints and his disciples was found on a stone tablet on the wall of Imperial University as a moral code to educate the students. However, scholars argued that Emperor Gaozong's true purpose of the commission was to announce that his policies were supported by Confucianism as well as his control over the Confucian heritage.^[105]

The Yuan dynasty was a watershed moment in Chinese history. After the Mongol Empire conquered the Chinese mainland and ended the Song dynasty, the traditional Chinese intelligentsia were left in a dilemma situation of choosing between reclusion from the foreign government or pursuing new political careers. Portrait paintings of "men of culture" (wen ren hua) at that period reflects this dilemma. For instance, the Portrait of Yang Qian depicted him standing in a bamboo forest. While the bamboo symbolizes his moral rightness, the half-enclosed and half-opened space in the background alludes to his potential of choosing between reclusion and serve in the Mongol government.^[106]

In terms of imperial portrait, the Portrait of Kublai and the Portrait of Chabi by Mongol imperial painter Araniko in 1294 reflect the fusion of the traditional Chinese imperial portrait techniques and the Himalayan-Mongol aesthetic value. Kublai Khan was portrayed as an elder man while Empress Chabi was depicted in youth, both wearing traditional Mongolian imperial costumes. Araniko adopted the Chinese portrait technique such as outlining the shape with ink and reinforcing the shape with color, whereas the highlights on Chabi's jewelry with the same hue but lighter value proved to be a continuation of the Himalayan style. The full frontal orientation of the sitters and their centered pupil add a confrontational impact to the viewer, which reflect the Nepali aesthetics and style. The highly symmetrical composition and the rigid depiction of hair and clothes differed from the previous Song dynasty painting style. There is little implication on the moral merit of the sitters or their personality, indicating a detachment of the painter from the sitter, which contradicts with the Song dynasty's emphasis on the capture of the spirit.^[107]

During the Qing dynasty, the eighteenth century European masquerade court portraiture which portrayed the aristocrats engaging in various activities in different costumes was imported to China. The Yongzheng Emperor and his son, the Qianlong Emperor, commissioned a number of masquerade portrait paintings with various political implications. In most of the Yongzheng Emperor's masquerade portrait, he wears exotic costumes such as the suit of the European gentleman. The lack of inscription on the portrait painting leaves his intention unclear, but some scholars believe the exotic costume reflects his interest in foreign culture and desire to rule the world. Compared with the Yongzheng Emperor's ambiguous attitude, the Qianlong Emperor wrote inscriptions on his masquerade portraits to announce his philosophy of the "Way of Ruling" which was to conceal and to deceive so that his subordinates and enemies cannot trace his strategies. Compared with the Yongzheng Emperor's enthusiasm in exotic costume, the Qianlong Emperor showed more interest in Chinese traditional costume such as dressing as a Confucian scholar, Taoist priest, and Buddhist monk, which manifests his desire in conquer the traditional Chinese heritage.

The Qianlong Emperor commissioned the Spring's Peaceful Message after he inherited the throne from his father, which is a double portrait painting of him and his father dressed in Confucian scholar garments instead of traditional Manchu robes standing side by side next to bamboos. Scholars believe that the commission aimed to legitimize his succession of the throne by emphasizing the physical similarity between him and his father such as facial structure, identical costume and hairstyle. The bamboo forest in the background indicate their moral righteousness proposed by traditional Confucianism. The portrait depicts the Yongzheng Emperor, who is in a larger scale, handing a flowering branch to the Qianlong Emperor as a political metaphor of the imperial authority to reign. The Qianlong Emperor also advertised his filial piety proposed by Confucianism by posing in a modest gesture.^[108]

The Jesuit painter Giuseppe Castiglione spent 50 years at the imperial court before his death in 1766, and was a court painter to three emperors. In his portraits, as with other genres, he combined aspects of Chinese traditional style with contemporary Western painting.

Portrait painting of women in ancient China from the Han dynasty to the Qing dynasty (206 BC – 1912) developed under great impact of the Confucian patriarchal cosmology, however, the subject and the style varied according to the culture of each dynasty.

In the Han dynasty (206 BC – 220 AD), women in the portrait painting were mainly a type rather than specific individual. The major subject was idealized exemplary women (lie nü) with virtues prompted by Confucianism such as chastity, three-fold obedience (san cong) to father, husband, son. Gu Kaizhi’s handscroll Exemplary Women (lie nü tu) which was created shortly after the Han dynasty represents this genre.

In the Tang dynasty (618–906), palace women (shi nü) performing daily chores or entertainment became a popular subject. The feminine beauty and charm of the palace ladies were valued, but the subject remained nonspecific under the painting name "Palace Ladies". Characteristics encouraged by the Confucianism including submissive and agreeable were encompassed as standards of beauty and emphasized in the portrait. Painters pursued correctness and likeness of the sitter and aimed to reveal the purity of the soul.

In the Song dynasty (960–1279), portrait paintings of women were created based on love poems written by court poets. Although depicted as living in luxurious fashion and comfortable housing, women in the painting were usually portrayed as lonely and melancholic because they feel deserted or trapped in the domestic chores while their husbands stayed outside and pursued their careers. Common settings include empty garden path and empty platform couch which hint the absence of male figures. Common background include flowering trees which were associated with beauty and banana trees which symbolized vulnerability of women.

In the Ming dynasty(1368–1644), literati painting (wenren hua) which combined painting, calligraphy, and poetry became a popular trend among the elites. Most women in the literati painting were abstract figures serving as visual metaphor and remained nonentity. In the Qing dynasty (1644–1912), the literati painting gained more variety of brushstroke and use of bright color.^[109]

• 
  Portrait of Ho Bun (何斌), a late Ming dynasty Scholar-bureaucrat, late 16th century to early 17th century, Chinese
• 
  Three Beauties of the Present Day by Utamaro, 1793

• Hierarchy of genres
• The Portrait Now
• Royal Society of Portrait Painters

References

Notas

• La columna "Art Notes" de la revista New Age del 28 de febrero de 1918 es un análisis minuciosamente razonado de la lógica y la estética del retrato realizado por BH Dias (seudónimo de Ezra Pound ), un marco de referencia perspicaz para ver cualquier retrato, antiguo o moderno.

• Woodall, Joanna . El retrato: frente al sujeto . Manchester University Press , Manchester, 1997.
• West S. Portraiture (Historia del arte de Oxford) , Oxford: Oxford University Press , 2004
• Brilliant, R. Retrato (Ensayos sobre arte y cultura) , Cambridge: Harvard University Press , 1991
• Christiansen, K. y Weppelmann, S., eds. El retrato renacentista: de Donatello a Bellini , The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, distribuido por Yale University Press, 2011.

• Joanna Woodall da una conferencia sobre identidades comerciales y la imagen del comerciante en Gresham College.