Película de collage

El collage cinematográfico es un estilo de cine creado mediante la yuxtaposición de material encontrado de diversas fuentes ( material de archivo , fragmentos de otras películas, noticiarios , películas caseras , etc.). El término también se ha aplicado al collage físico de materiales sobre película . ^{[ 1 ]}

El movimiento surrealista desempeñó un papel fundamental en la creación del collage cinematográfico. ^{[ 2 ] [ 3 ]} En 1936, el artista estadounidense Joseph Cornell produjo uno de los primeros collages cinematográficos con su reensamblaje de Al este de Borneo (1931), combinado con fragmentos de otras películas, en una nueva obra que tituló Rose Hobart en honor a la actriz principal. ^{[ 4 ]} Cuando Salvador Dalí vio la película, se enfureció, pues creía que Cornell le había robado la idea. ^{[ 5 ]} Entre los precedentes se encuentran Cruzando la Sagrada Familia (1924) de Adrian Brunel ^{[ 6 ]} y La historia del soldado desconocido ( Histoire du soldat inconnu ) (1932) de Henri Storck . ^{[ 7 ]}

La idea de combinar películas de diversas fuentes también atrajo a otro artista surrealista, André Breton . En la ciudad de Nantes, él y su amigo Jacques Vaché viajaban de un cine a otro, sin quedarse nunca a ver una película completa. ^{[ 8 ]}

Tras el estreno de A Movie (1958) de Bruce Conner , surgió un renacimiento del género de metraje encontrado . La película combina fragmentos de películas efímeras en un montaje dialéctico. Una secuencia célebre, compuesta por clips dispares, muestra a un capitán de submarino que parece ver a una mujer con poca ropa a través de su periscopio y responde disparando un torpedo que produce una explosión nuclear seguida de enormes olas surfeadas por surfistas. ^{[ 9 ]} Conner continuó produciendo varias otras películas de metraje encontrado, entre ellas Report y Crossroads .

Trabajando en la Junta Nacional de Cine de Canadá (NFB) en la década de 1960, Arthur Lipsett creó películas de collage como Very Nice, Very Nice (1961) y 21-87 (1963), compuestas enteramente de metraje encontrado descartado durante la edición de otras películas (la primera obtuvo una nominación al Premio de la Academia). ^{[ 10 ]} El cineasta francés Edouard de Laurot también realizó documentales de collage con una fuerte carga política, como Black Liberation (1967) y Listen, America (1968), durante este mismo período. ^{[ 11 ]}

En 1968, el joven Joe Dante realizó The Movie Orgy con el productor Jon Davidson , que incluía tomas descartadas, tráileres y comerciales de varios programas y películas. ^{[ 12 ] [ 13 ] [ 14 ]}

Otros usuarios notables de esta técnica son Chuck Workman ^{[ 15 ]} con su película Precious Images , ganadora del Oscar en 1986 , ^{[ 16 ]} Rick Prelinger, conocido por su uso de películas caseras y películas efímeras en proyectos meditativos como Panorama Ephemera de 2004 , ^{[ 17 ] [ 18 ]} Wheeler Winston Dixon, conocido por su examen de la publicidad televisiva Serial Metaphysics de 1972 , ^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]} Craig Baldwin en sus películas Spectres of the Spectrum , Tribulation 99 y O No Coronado y Bill Morrison, quien utilizó metraje encontrado perdido y descuidado en archivos cinematográficos en su obra Decasia de 2002 ^{[ 22 ] [ 23 ]} (que junto con la sátira de la Guerra Fría de Kevin Rafferty de 1982 , The Atomic Cafe , fueron incorporados al Registro Nacional de Cine ). Un ejemplo similar dentro del género del metraje encontrado es Lyrical Nitrate (1991) de Peter Delpeut.

La técnica se empleó en el largometraje de 2008 The Memories of Angels , una oda visual a Montreal compuesta por imágenes de archivo de más de 120 películas de la NFB de las décadas de 1950 y 1960. ^{[ 24 ]} Terence Davies utilizó una técnica similar para crear Of Time and the City , rememorando su vida creciendo en Liverpool en las décadas de 1950 y 1960, utilizando imágenes de noticieros y documentales complementadas con su propia voz en off y bandas sonoras de música contemporánea y clásica . ^{[ 25 ]}

La obra de Christian Marclay , The Clock , una compilación de 24 horas de escenas relacionadas con el tiempo de películas, debutó en la galería White Cube de Londres en 2010. ^{[ 26 ]} Marclay hizo varias incursiones en el videoarte que influyeron en The Clock con su película Telephones de 1995 , formando una narrativa a partir de clips de películas de Hollywood donde los personajes usan un teléfono, ^{[ 27 ]} y su película Up and Out de 1998 que combina video de Blowup de Michelangelo Antonioni con audio de Blow Out de Brian De Palma . Esta última fue un experimento temprano en el efecto de la sincronización, donde los espectadores naturalmente intentaban encontrar intersecciones entre las dos obras, y desarrolló el estilo de edición que Marclay emplea para The Clock . ^{[ 27 ] [ 28 ]} Una instalación artística similar del artista escocés Douglas Gordon , 24 Hour Psycho (1993) ^{[ 29 ]} consiste enteramente en una apropiación de la película de suspense psicológico de Alfred Hitchcock de 1960, Psicosis , ralentizada a aproximadamente dos fotogramas por segundo de sus 24 originales. Como resultado, la película dura exactamente 24 horas, en lugar de la duración original de 109 minutos (1 hora, 49 minutos). ^{[ 30 ]} Un siglo después, el artista neoyorquino Chris Bors respondió modificando la película como 24 Second Psycho , adaptándola a la corta capacidad de atención de la sociedad de la era de la información. ^{[ 31 ] [ 32 ]}

El documental experimental de 2016, Fraud (de Dean Fleischer Camp , posteriormente conocido por Marcel the Shell with Shoes On, nominado al Óscar ), se basó en más de cien horas de grabaciones caseras subidas a YouTube por una familia desconocida en Estados Unidos. El material se combinó con clips adicionales tomados de otros usuarios de YouTube y se transformó en una película de crimen de 53 minutos sobre una familia obsesionada con el consumo material que llega a extremos para salir de una deuda personal insostenible . ^{[ 33 ]}

El poeta escocés Ross Sutherland hizo su debut cinematográfico en 2015 con Stand By for Tape Back-Up , que consiste en grabaciones de una vieja cinta VHS que dejó su difunto abuelo. ^{[ 34 ] [ 35 ]}

El primer largometraje del cineasta experimental canadiense Stephen Broomer fue Potamkin (2017). La película trata sobre el difunto crítico de cine pionero Harry Alan Potamkin (1900-1933), quien fue uno de los primeros en proclamar el cine como una forma de arte. Potamkin está compuesta por fragmentos de las numerosas películas que reseñó para periódicos y revistas durante las décadas de 1920 y 1930 (por ejemplo , El acorazado Potemkin , La pasión de Juana de Arco y Metrópolis ). ^{[ 36 ] [ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]} Otros cineastas canadienses que realizan collages en una línea similar son Christina Battle , ^{[ 40 ]} David Rimmer ^{[ 41 ]} y Richard Kerr . ^{[ 42 ]}

Otros ejemplos aclamados del cine de collage del siglo XXI incluyen I Am Not Your Negro (2016) de Raoul Peck , ^{[ 43 ]} Moonage Daydream (2022) de Brett Morgen , ganadora del premio Grammy, ^{[ 44 ]} y las obras del cineasta húngaro Péter Lichter. ^{[ 45 ] [ 46 ] [ 47 ] [ 48 ]}

Algunas de las primeras obras de collage surrealistas eran humorísticas. Esta tradición de usar el collage cinematográfico con fines cómicos se puede ver más tarde en películas comerciales como la primera película de Woody Allen , ¿Qué pasa, Tiger Lily?, en la que Allen tomó La llave de las llaves , una película de espías japonesa de Senkichi Taniguchi , reeditó partes de ella y escribió una nueva banda sonora compuesta por sus propios diálogos con fines cómicos, y la comedia de Carl Reiner de 1982 , Los muertos no visten a cuadros, que incorporó metraje de aproximadamente dos docenas de películas clásicas de cine negro junto con secuencias originales con Steve Martin .

El videoartista canadiense Todd Graham es conocido por su película de culto de 1987 , Apocalypse Pooh , una extraña y cómica mezcla de Winnie the Pooh de Disney y la épica película de Francis Ford Coppola de 1979 sobre la guerra de Vietnam, Apocalypse Now . ^{[ 59 ] [ 60 ] [ 61 ]}

Algunos cineastas han adoptado un enfoque más literal del collage cinematográfico. Stan Brakhage creó películas mediante la técnica del collage con objetos encontrados entre láminas de película transparente , para luego pasar los resultados por una impresora óptica , como en Mothlight y The Garden of Earthly Delights .

Otro collage notable que también utilizó esta técnica es Fruit Flies (2010) de la artista canadiense Christine Lucy Latimer, similar a Mothlight . ^{[ 62 ]}

Ejemplos de películas de collage animado (que utilizan recortes de periódicos, cómics y revistas junto con otros objetos inanimados):

• La película de Frank Mouris ganadora del Premio de la Academia (1973) ^{[ 63 ]}
• Animato de Mike Jittlov (1977)
• Nuestra Señora de la Esfera (1969) ^{[ 64 ]}
• Fast Film (2003) ^{[ 65 ]}
• Las películas de Lewis Klahr ^{[ 66 ]} y Janie Geiser ^{[ 66 ]}
• La cápsula del tiempo americana de Charles Braverman (1968) ^{[ 63 ]}
• Magia del cielo y la tierra (1962)
• Las obras de Stan Vanderbeek , ^{[ 66 ]} Terry Gilliam ^{[ 66 ]} y Robert Breer ^{[ 67 ]}
• Las ya mencionadas Mothlight (1963) y El jardín de las delicias terrenales (1981)
• Erodium Thunk (2018) ^{[ 68 ] [ 69 ] [ 70 ]}
• Los guardianes del tiempo de la eternidad (2021) ^{[ 71 ] [ 72 ]}

• Lista de reproducción de Founf Footage and Collage Filmmaking a través del mencionado Stephen Broomer en Art & Trash en YouTube.