Pintura de acuarela

Varios factores contribuyeron a la difusión de la pintura a la acuarela durante el siglo XVIII, particularmente en Inglaterra. ^{[ 20 ]} Entre las clases élite y aristocráticas, la pintura a la acuarela era uno de los adornos incidentales de una buena educación; cartógrafos, oficiales militares e ingenieros la valoraban por su utilidad para representar propiedades, terrenos, ^{[ 21 ]} fortificaciones, geología de campo y para ilustrar obras públicas o proyectos por encargo. Los acuarelistas solían participar en expediciones geológicas o arqueológicas, financiadas por la Sociedad de Dilettanti (fundada en 1733), para documentar descubrimientos en el Mediterráneo, Asia y el Nuevo Mundo. Estas expediciones estimularon la demanda de pintores topográficos, quienes producían pinturas de recuerdo de sitios (y lugares de interés) famosos a lo largo del Grand Tour a Italia que realizaba todo joven elegante de la época. ^{[ 22 ]}

A finales del siglo XVIII, el clérigo inglés William Gilpin escribió una serie de libros enormemente populares que describían sus pintorescos viajes por la Inglaterra rural, y los ilustró con acuarelas monocromáticas sentimentalizadas hechas por él mismo de valles fluviales, castillos antiguos e iglesias abandonadas. ^{[ 23 ]} Este ejemplo popularizó las acuarelas como una forma de diario turístico personal. La confluencia de estos intereses culturales, de ingeniería, científicos, turísticos y de aficionados culminó en la celebración y promoción de la acuarela como un "arte nacional" distintivamente inglés. William Blake publicó varios libros de poesía grabada y coloreada a mano, proporcionó ilustraciones para el Infierno de Dante y también experimentó con grandes obras monotipo en acuarela. ^{[ 24 ]} Entre los muchos otros acuarelistas importantes de este período se encontraban Thomas Gainsborough , ^{[ 25 ]} John Robert Cozens , Francis Towne , ^{[ 26 ]} Michael Angelo Rooker , William Pars , ^{[ 27 ]} Thomas Hearne , ^{[ 28 ]} y John Warwick Smith . ^{[ 29 ]}

Desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XIX, el mercado de libros impresos y arte doméstico contribuyó sustancialmente al crecimiento de este medio. ^{[ 30 ]} Las acuarelas se utilizaron como documento básico a partir del cual se desarrollaron grabados de paisajes o turísticos coleccionables, y los originales pintados a mano en acuarela o las copias de pinturas famosas contribuyeron a muchas colecciones de arte de la clase alta. Los pliegos satíricos de Thomas Rowlandson , muchos de ellos publicados por Rudolph Ackermann , también fueron extremadamente populares.

Los tres artistas ingleses a quienes se les atribuye el establecimiento de la acuarela como un medio pictórico independiente y maduro son Paul Sandby (1730–1809), a menudo llamado el "padre de la acuarela inglesa"; Thomas Girtin (1775–1802), quien fue pionero en su uso para la pintura de paisajes románticos o pintorescos de gran formato; y Joseph Mallord William Turner (1775–1851), ^{[ 31 ]} quien llevó la pintura de acuarela al más alto nivel de poder y refinamiento, ^{[ 32 ]} y creó cientos de magníficas pinturas de acuarela históricas, topográficas, arquitectónicas y mitológicas. Su método de desarrollar la pintura de acuarela por etapas, comenzando con grandes áreas de color vagas establecidas sobre papel húmedo, luego refinando la imagen a través de una secuencia de lavados y veladuras, ^{[ 33 ]} le permitió producir una gran cantidad de pinturas con "eficiencia de taller" ^{[ 34 ]} y lo convirtió en multimillonario, en parte por las ventas de su galería de arte personal, la primera de su tipo. Entre los contemporáneos importantes y de gran talento de Turner y Girtin se encontraban John Varley , John Sell Cotman , ^{[ 35 ]} Anthony Copley Fielding , Samuel Palmer , ^{[ 36 ]} William Havell , ^{[ 37 ]} y Samuel Prout . El pintor suizo Abraham-Louis-Rodolphe Ducros también fue ampliamente conocido por sus pinturas románticas de gran formato en acuarela.

La confluencia de la actividad amateur, los mercados editoriales, el coleccionismo de arte de la clase media y la técnica del siglo XIX condujo a la formación de sociedades inglesas de pintura a la acuarela: la Society of Painters in Water Colours (1804, ahora conocida como la Royal Watercolour Society ) y la New Water Colour Society (1832, ahora conocida como el Royal Institute of Painters in Water Colours ). (Una Scottish Society of Painters in Water Colour se fundó en 1878, ahora conocida como la Royal Scottish Society of Painters in Watercolour ). ^{[ 38 ]} Estas sociedades proporcionaron exposiciones anuales y referencias de compradores para muchos artistas. También se involucraron en pequeñas rivalidades de estatus y debates estéticos, particularmente entre los defensores de la acuarela tradicional ("transparente") y los primeros en adoptar el color más denso posible con el color de goma o el gouache ("acuarela opaca"). Los últimos períodos georgiano y victoriano produjeron el cenit de la acuarela británica, entre las obras sobre papel más impresionantes del siglo XIX, ^{[ 39 ]} gracias a artistas como Turner, Varley, Cotman, ^{[ 40 ]} David Cox , Peter de Wint, ^{[ 41 ]} William Henry Hunt , John Frederick Lewis , ^{[ 42 ]} Myles Birket Foster , ^{[ 43 ]} Frederick Walker , ^{[ 44 ]} Thomas Collier , Arthur Melville y muchos otros. En particular, las gráciles, lapidarias y atmosféricas acuarelas ("pinturas de género") de Richard Parkes Bonington ^{[ 45 ]} crearon una moda internacional por la pintura a la acuarela, especialmente en Inglaterra y Francia en la década de 1820. En la segunda mitad del siglo XIX, el retratista Frederick Havill se convirtió en una figura clave en el establecimiento de la acuarela en Inglaterra. El crítico de arte Huntly Carter describió a Havill como un "fundador de la escuela de la acuarela". ^{[ 46 ]}

La popularidad de las acuarelas impulsó muchas innovaciones, incluyendo papeles verjurados más gruesos y de mayor tamaño , y pinceles (llamados "lápices") fabricados expresamente para acuarela. Los primeros tutoriales de acuarela fueron publicados en este período por Varley, Cox y otros, estableciendo las instrucciones de pintura paso a paso que aún caracterizan el género hoy en día; The Elements of Drawing , un tutorial de acuarela del crítico de arte inglés John Ruskin , solo ha estado agotado una vez desde su primera publicación en 1857. Se comercializaron marcas de acuarela y las pinturas se envasaban en tubos de metal o como pastillas secas que podían "disolverse" en porcelana de estudio o usarse en cajas de pintura metálicas portátiles en exteriores. Los avances en química hicieron posible la disponibilidad de muchos pigmentos nuevos, incluyendo azul ultramar sintético , azul cobalto , verde viridiano , violeta cobalto , amarillo cadmio , aureolina ( cobaltinitrito de potasio ), blanco de zinc y una amplia gama de lacas de carmín y rubia . Estos pigmentos, a su vez, estimularon un mayor uso del color en todas las técnicas pictóricas, pero sobre todo en las acuarelas inglesas, especialmente por parte de la Hermandad Prerrafaelita .

Estados Unidos

La pintura a la acuarela también se popularizó en los Estados Unidos durante el siglo XIX; entre los primeros practicantes destacados se encontraban John James Audubon , así como pintores de la Escuela del Río Hudson como William H. Bartlett y George Harvey . A mediados de siglo, la influencia de John Ruskin condujo a un creciente interés por las acuarelas, en particular el uso de un estilo detallado "ruskiniano" por parte de artistas como John W. Hill Henry, William Trost Richards , Roderick Newman y Fidelia Bridges . La Sociedad Americana de Pintores en Acuarela (ahora la Sociedad Americana de Acuarela ) se fundó en 1866. Entre los exponentes estadounidenses de la técnica de finales del siglo XIX se encontraban Thomas Moran , Thomas Eakins , John LaFarge , John Singer Sargent , ^{[ 47 ]} Childe Hassam y, preeminentemente, Winslow Homer .

La acuarela era menos popular en Europa continental. En el siglo XVIII, el gouache fue un medio importante para los artistas italianos Marco Ricci y Francesco Zuccarelli , cuyos paisajes fueron ampliamente coleccionados. ^{[ 48 ]} El gouache también fue utilizado por varios artistas en Francia. En el siglo XIX, la influencia de la escuela inglesa ayudó a popularizar la acuarela "transparente" en Francia, y se convirtió en un medio importante para Eugène Delacroix , François Marius Granet , Henri-Joseph Harpignies y el satírico Honoré Daumier . Otros pintores europeos que trabajaron frecuentemente con acuarela fueron Adolph Menzel en Alemania y Stanisław Masłowski en Polonia.

Durante el siglo XIX, la acuarela se utilizó para crear réplicas detalladas de pinturas al óleo de gran formato. Un ejemplo es la versión en acuarela de El corazón de los Andes de Frederic Edwin Church , que los estudiosos han identificado como una copia y no como la obra original. El análisis de los materiales y las alteraciones de la obra demuestra la importancia de la acuarela durante este período. ^{[ 49 ]}

La adopción de tintes de anilina de colores brillantes derivados del petróleo (y pigmentos compuestos a partir de ellos), que se desvanecen rápidamente al exponerse a la luz, y los esfuerzos por conservar adecuadamente las veinte mil pinturas de JMW Turner heredadas por el Museo Británico en 1857, llevaron a una reevaluación negativa de la permanencia de los pigmentos en la acuarela. ^{[ 50 ]} Esto causó una fuerte disminución en su estatus y valor de mercado. Sin embargo, algunos artistas aislados continuaron prefiriendo y desarrollando el medio hasta bien entrado el siglo XX. Paul Signac creó acuarelas de paisajes y marinas, y Paul Cézanne desarrolló un estilo de pintura a la acuarela que consistía enteramente en pequeñas veladuras superpuestas de color puro.

Entre los muchos artistas del siglo XX que produjeron obras importantes en acuarela se encontraban Wassily Kandinsky , Emil Nolde , Paul Klee , Egon Schiele y Raoul Dufy . En Estados Unidos, los principales exponentes fueron Charles Burchfield , Edward Hopper , Georgia O'Keeffe , Charles Demuth y John Marin (el 80% de su obra total es acuarela). En este período, la pintura estadounidense en acuarela a menudo emulaba el impresionismo y el postimpresionismo europeos, ^{[ 51 ]} pero un individualismo significativo floreció en estilos "regionales" ^{[ 52 ]} de pintura en acuarela desde la década de 1920 hasta la de 1940. En particular, la " Escuela de Cleveland " o "Escuela de Ohio" de pintores se centró en torno al Museo de Arte de Cleveland , y los pintores de la Escena de California ^{[ 53 ]} a menudo se asociaron con los estudios de animación de Hollywood o el Instituto de Arte Chouinard (ahora Instituto de las Artes de California ). Los pintores californianos explotaron la variada geografía de su estado, el clima mediterráneo y la " automovilidad " para revitalizar la tradición de la pintura al aire libre o "plein air". Los más influyentes entre ellos fueron Phil Dike , Millard Sheets , Rex Brandt , Dong Kingman y Milford Zornes . La California Water Color Society, fundada en 1921 y posteriormente rebautizada como National Watercolor Society, patrocinó importantes exposiciones de su obra. La acuarela más grande del mundo en la actualidad (con 3 m de alto y 5 m de ancho) es Building 6 Portrait: Interior. ^{[ 54 ]} Realizada por la artista estadounidense Barbara Prey por encargo del MASS MoCA , ^{[ 55 ]} la obra puede verse en el Robert W. Wilson Building del MASS MoCA. ^{[ 56 ]}   

En Francia existen varios festivales dedicados a la acuarela, como la Bienal de Acuarela de Brioude, ^{[ 57 ]} que se celebra en julio y que reúne cada dos años a acuarelistas de diversas nacionalidades. En el pueblo de Brioude se organizan demostraciones y conferencias.

En Estados Unidos, aunque el auge del expresionismo abstracto y la influencia trivializadora de los pintores aficionados y los estilos de pintura influenciados por la publicidad o los talleres, llevaron a un declive temporal en la popularidad de la pintura a la acuarela después de c. 1950 , ^{[ 58 ]} las acuarelas continúan siendo utilizadas por artistas como Martha Burchfield , Joseph Raffael , Andrew Wyeth , Philip Pearlstein , ^{[ 59 ]} Eric Fischl , Gerhard Richter , Anselm Kiefer y Francesco Clemente . En España, Ceferí Olivé creó un estilo innovador seguido por sus alumnos, como Rafael Alonso López-Montero y Francesc Torné Gavaldà . En México , los principales exponentes son Ignacio Barrios , Edgardo Coghlan , Ángel Mauro , Vicente Mendiola y Pastor Velázquez . En las Islas Canarias , donde esta técnica pictórica tiene muchos seguidores, hay artistas notables como José Comas Quesada .

Antes del cambio de siglo XVIII, los acuarelistas tenían que elaborar sus propias pinturas utilizando pigmentos comprados a un boticario o a un "colorista" especializado, y mezclándolos con goma arábiga u otro aglutinante. Las primeras pinturas comerciales eran pequeños bloques resinosos que debían humedecerse y frotarse laboriosamente en agua para obtener una intensidad de color utilizable. William Reeves comenzó su negocio como colorista alrededor de 1766. En 1781, él y su hermano, Thomas Reeves, recibieron la Paleta de Plata de la Sociedad de las Artes por la invención de la pastilla de acuarela húmeda , una práctica herramienta que ahorraba tiempo y que se introdujo en la "época dorada" de la acuarela inglesa. La pastilla se disolvía inmediatamente al contacto con un pincel húmedo. ^{[ 69 ]}

Las acuarelas comerciales modernas están disponibles en tubos, pastillas y líquidos. ^{[ 70 ]} La mayoría de las pinturas que se venden hoy en día vienen en pequeños tubos metálicos plegables de tamaños estándar y tienen una consistencia similar a la de la pasta de dientes, ya que vienen mezcladas con un componente de agua. Para su uso, esta pasta debe diluirse aún más con agua. Las pinturas en pastillas (pequeñas pastillas o barras de pintura seca en un recipiente de plástico abierto) suelen venderse en dos tamaños: pastillas completas y medias pastillas.

Gracias a la química orgánica industrial moderna , la variedad, saturación y permanencia de los colores artísticos disponibles hoy en día han mejorado enormemente. Ahora se dispone de colores primarios correctos y no tóxicos gracias a la introducción del amarillo hansa , el azul ftalo y la quinacridona . A partir de este conjunto de tres colores, en principio se pueden mezclar todos los demás, ya que en la técnica clásica no se utiliza blanco. El desarrollo moderno de los pigmentos no fue impulsado por la demanda artística. La industria de materiales artísticos es demasiado pequeña para ejercer influencia en la fabricación mundial de tintes o pigmentos. Con raras excepciones como la aureolina, todas las acuarelas modernas utilizan pigmentos de uso industrial más amplio. Los fabricantes de pintura compran cantidades muy pequeñas de estos pigmentos, los muelen con el vehículo, el disolvente y los aditivos, y los envasan. El proceso de molienda con pigmentos inorgánicos, en las marcas más caras, reduce el tamaño de las partículas para mejorar la fluidez del color cuando la pintura se aplica con agua.

En los debates partidistas del mundo artístico inglés del siglo XIX, el gouache se contrastaba enfáticamente con las acuarelas tradicionales y se denigraba por su alto poder cubriente o falta de "transparencia"; las acuarelas "transparentes" eran exaltadas. La aversión a la pintura opaca tenía su origen en el hecho de que, hasta bien entrado el siglo XIX, se utilizaba blanco de plomo para aumentar la capacidad cubriente. Este pigmento tendía a decolorarse rápidamente, volviéndose negro bajo la influencia de la contaminación atmosférica sulfurosa, arruinando por completo la obra de arte. ^{[ 71 ]} La afirmación tradicional de que las acuarelas "transparentes" ganan "luminosidad" porque funcionan como un vitral sobre papel —el color se intensifica porque la luz atraviesa el pigmento, se refleja en el papel y vuelve a atravesarlo antes de llegar al espectador— es falsa. Las acuarelas no suelen formar una capa de pintura cohesiva, como las pinturas acrílicas o al óleo , sino que simplemente dispersan partículas de pigmento al azar sobre la superficie del papel ; la transparencia se debe a que el papel es visible entre las partículas. ^{[ 72 ]} Las acuarelas pueden parecer más vívidas que los acrílicos o los óleos porque los pigmentos se depositan en una forma más pura, con pocos o ningún aglutinante (como el caolín) que oculte los colores del pigmento. Normalmente, la mayor parte o la totalidad del aglutinante de goma será absorbida por el papel, impidiendo que el aglutinante cambie la visibilidad del pigmento. ^{[ 72 ]} La absorción de la goma no disminuye, sino que aumenta la adhesión del pigmento al papel, ya que sus partículas penetrarán entonces las fibras con mayor facilidad. De hecho, una función importante de la goma es facilitar el "levantamiento" (eliminación) del color, si el artista desea crear una zona más clara en un área pintada. ^{[ 72 ]} Además, la goma evita la floculación de las partículas de pigmento. ^{[ 72 ]}

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