Estética

Las propiedades estéticas son características de un objeto que determinan su atractivo o factores que influyen en las evaluaciones estéticas. Por ejemplo, cuando un crítico de arte describe una obra de arte como magnífica , vívida o divertida , expresa propiedades estéticas de dicha obra. Algunas propiedades estéticas se centran en el valor estético en general, como bello y feo ; otras se centran en formas de valor más específicas, como elegante y grácil . Las propiedades estéticas también pueden referirse a cualidades perceptivas de los objetos, como equilibrado y vívido ; a aspectos representacionales, como realista y distorsionado ; o a respuestas emocionales, como alegre y enojado . ^{[ 13 ]}

La distinción precisa entre propiedades estéticas y no estéticas es objeto de debate. Según una propuesta, las propiedades estéticas requieren una sensibilidad estética específica, además de la percepción sensorial de las propiedades no estéticas, que va más allá de los simples colores , formas y sonidos . Las propiedades estéticas se asocian con valoraciones, pero no todas son intrínsecamente buenas o malas. Por ejemplo, una representación realista puede ser estéticamente buena en algunos contextos artísticos y mala en otros. ^{[ 14 ]}

La escuela del realismo sostiene que las propiedades estéticas son características objetivas e independientes de la mente respecto a la realidad. Una propuesta relacionada afirma que son propiedades emergentes que dependen de propiedades no estéticas. Según esta perspectiva, la belleza de una pintura puede surgir de la combinación adecuada de colores y formas. Otra postura sostiene que las propiedades estéticas dependen de la respuesta; por ejemplo, que las características de los objetos solo se consideran propiedades estéticas si evocan experiencias estéticas en los observadores. ^{[ 16 ]} Los términos «propiedad estética» y «cualidad estética» se utilizan a menudo indistintamente. Algunos filósofos distinguen entre ambos, asociando las propiedades estéticas con características objetivas y las cualidades estéticas con experiencias subjetivas y respuestas emocionales. ^{[ 17 ]}

Un objeto estético es un objeto con propiedades estéticas. Una interpretación sugiere que los objetos estéticos son entidades materiales que evocan experiencias estéticas. Según esta perspectiva, si una persona admira una pintura al óleo , entonces el lienzo físico y la pintura constituyen el objeto estético. Otra interpretación, asociada a la escuela de la fenomenología , sostiene que los objetos estéticos no son materiales, sino intencionales . Los objetos intencionales forman parte del contenido de las experiencias, y su existencia depende del perceptor. Un objeto intencional puede reflejar con precisión un objeto material, como en el caso de las percepciones verídicas, pero también puede no hacerlo, lo que ocurre durante las ilusiones perceptivas . La perspectiva fenomenológica se centra en el objeto intencional dado en la experiencia, en lugar del objeto material considerado independientemente del perceptor. ^{[ 18 ]}

Una experiencia estética es la apreciación de la belleza o la percepción de otras características estéticas. En su forma más típica, es la percepción sensorial de un objeto natural o una obra de arte. También puede adoptar otras formas, como la imaginación estética ^{[ c ]} de objetos ficticios descritos en la literatura. ^{[ 26 ]} Las teorías internalistas , como la de Monroe Beardsley , explican la experiencia estética desde una perspectiva en primera persona, centrándose en aspectos internos a la experiencia, como el enfoque y la intensidad. Por el contrario, las teorías externalistas, como la de George Dickie , sostienen que el elemento clave de las experiencias estéticas proviene de los objetos externos percibidos y sus propiedades estéticas. ^{[ 27 ]}

Varias características se asocian con las experiencias estéticas, pero es controvertido si alguna de ellas es esencial. Las experiencias estéticas suelen apreciar un objeto por sí mismo debido a sus propiedades sensoriales, lo que resulta en placer estético derivado de una evaluación positiva del objeto. Se suele decir que este placer está desvinculado de las preocupaciones prácticas y puede implicar una absorción desinteresada, permitiendo la libertad imaginativa o el libre juego de las facultades mentales además de la percepción sensorial. Algunos teóricos asocian este libre juego con la ausencia de actividad conceptual. Las experiencias estéticas también pueden ser normativas , lo que significa que ciertas respuestas son apropiadas, como la apreciación positiva de la belleza, pero otras no lo son, como la apreciación positiva de la fealdad. ^{[ 28 ]}

Un aspecto central de la experiencia estética es la actitud estética : una forma especial de observar o interactuar con el arte y la naturaleza. Esta actitud implica una forma de apreciación pura de las cualidades perceptivas, desvinculada de los deseos personales y las preocupaciones prácticas. Es desinteresada en este sentido, ya que interactúa con un objeto por sí mismo, sin motivos ulteriores ni consecuencias prácticas. ^{[ d ]} Por ejemplo, la experiencia de una tormenta violenta a través de la actitud estética puede centrarse en sus intrincados patrones de relámpagos y truenos en lugar de prepararse para sus peligros inmediatos. Una caracterización entiende la actitud estética como una forma natural de aprensión que surge espontáneamente en ciertas situaciones. Otra perspectiva sostiene que la actitud estética es una postura voluntaria que las personas pueden elegir adoptar hacia cualquier objeto. ^{[ 30 ]} Existe un debate sobre el alcance y el tipo de compromiso emocional que requiere una postura desinteresada; por ejemplo, si el miedo durante una película de terror puede considerarse desinteresado. ^{[ 31 ] [ e ]}

La actitud estética se contrasta a veces con otras actitudes, como la práctica, que se interesa por la utilidad y busca utilizar o manipular objetos para alcanzar objetivos específicos. De igual modo, se diferencia de la actitud científica, que pretende explicar los fenómenos y adquirir conocimiento fáctico sobre el mundo. ^{[ 30 ]} Algunos filósofos, como Arthur Schopenhauer y Martin Heidegger , sugieren que la actitud estética puede revelar aspectos de la realidad que quedan ocultos en otras actitudes. ^{[ 33 ]}

La experiencia estética se asocia además con el placer estético , una forma de disfrute en respuesta a la belleza natural y artística. Se caracteriza típicamente como un placer desinteresado. Contrasta con el placer interesado que surge de la satisfacción de los deseos, como la alegría de lograr una meta personal o de disfrutar de un tipo particular de comida que se anhela . Otra diferencia es que el placer estético no depende de la existencia del objeto disfrutado, como disfrutar de la belleza de una puesta de sol en un sueño . La alegría de lograr una meta personal, por el contrario, se vería frustrada si uno descubriera que el logro fue simplemente un sueño. ^{[ 34 ]} Filósofos como Immanuel Kant argumentan que el placer estético es preconceptual, lo que significa que surge de una interacción libre entre la imaginación y el entendimiento, en lugar de juicios cognitivos o análisis conceptual. ^{[ 35 ]} Una perspectiva distingue los placeres estéticos refinados de los no refinados según si el placer es evocado por un gusto cultivado o una respuesta inmediata e instintiva. ^{[ 36 ]}

El placer estético es fundamental para la caracterización de muchos fenómenos estéticos que se dice que implican o evocan dicho placer. Sin embargo, la idea de que el placer estético sea la característica definitoria de todo el ámbito estético es controvertida. Presenta dificultades para explicar fenómenos como lo sublime, el drama , la tragedia y las formas de arte moderno , que pueden evocar diversas emociones no vinculadas principalmente al placer. ^{[ 36 ]}

Los juicios estéticos son valoraciones de las características y valores estéticos de los objetos, expresadas en afirmaciones como «esta música es bella». Pueden aplicarse tanto a objetos naturales como a obras de arte. Los juicios estéticos también incluyen valoraciones sobre cómo o por qué un objeto tiene valor estético sin determinar explícitamente su valor estético general, como en la afirmación «esta música es equilibrada». Muchos debates en estética se centran en la naturaleza de los juicios estéticos, en particular, si pueden ser tan objetivos y universales como los juicios empíricos realizados por los científicos naturales . Los subjetivistas argumentan que los juicios estéticos expresan sentimientos y aversiones personales sin validez universal. Esta visión es refutada por los objetivistas, quienes sostienen que los juicios estéticos describen características objetivas que son independientes de las preferencias particulares del individuo que juzga. Las visiones intermedias sugieren que los estándares del juicio estético se basan en disposiciones compartidas estables en lugar de preferencias individuales variables, lo que resulta en una forma de universalidad subjetiva. ^{[ 38 ]} Esta posición se refleja en la visión de Kant, que identifica cuatro características centrales de los juicios estéticos: son subjetivos, universales, desinteresados ​​e implican una interacción de sentidos, imaginación y comprensión. ^{[ 37 ]}

Filósofos como Francis Hutcheson y David Hume sostienen que existen principios estéticos generales o criterios universales que se aplican al realizar juicios estéticos. Los particularistas, por el contrario, afirman que la naturaleza única de cada objeto estético requiere una evaluación caso por caso que no puede subsumirse completamente bajo principios generales. ^{[ 39 ]} Un debate relacionado entre el racionalismo y la tesis de la inmediatez se refiere a si los juicios estéticos están mediados por la aplicación de conceptos y el razonamiento o si surgen directamente de la intuición sensorial . ^{[ 40 ]}

Los juicios estéticos se basan en el gusto, ^{[ f ]} que es una sensibilidad a las cualidades estéticas, una capacidad para sentir placer estético o una habilidad para discernir la belleza y otras cualidades estéticas. El gusto es un tipo de preferencia que se expresa en reacciones inmediatas y a veces se entiende como un sentido interno o una facultad cognitiva. Las diferencias de gusto se utilizan a menudo para explicar por qué las personas discrepan sobre los juicios estéticos y por qué los juicios de algunas personas, como los críticos de arte con amplia experiencia y un sentido refinado, tienen más peso que los de los observadores casuales. El gusto varía tanto entre culturas como entre individuos dentro de una cultura. ^{[ g ]} También existen algunos acuerdos interculturales. Varios filósofos sostienen que el gusto se puede aprender hasta cierto punto y que los juicios de los observadores experimentados siguen estándares similares, lo que sugiere la existencia de normas sociales de evaluaciones estéticas correctas e incorrectas. ^{[ 44 ]}

El término «universal estético» se refiere a aspectos del gusto y otros fenómenos estéticos que se comparten entre diferentes culturas y sociedades, lo que indica características comunes de la naturaleza humana subyacentes a la estética. Entre las tendencias generales sugeridas se incluyen la disposición a participar en expresiones artísticas o a obtener placer estético al apreciar estas expresiones. La existencia de tendencias compartidas más específicas es objeto de debate. Un ejemplo es la idea de que los humanos generalmente encuentran agradables los paisajes similares a la sabana, con llanuras abiertas cubiertas de hierba y árboles dispersos. ^{[ 45 ]}

Un debate central en la filosofía del arte se refiere a la definición de arte o cómo distinguirlo de lo que no es arte . ^{[ 47 ]} Existen muchas teorías, cada una de las cuales ofrece una perspectiva única sobre la naturaleza del arte. ^{[ 48 ]}

Los enfoques esencialistas sostienen que existe una esencia o un conjunto de características inherentes compartidas por todas las obras de arte y solo por ellas. ^{[ 48 ]} A menudo definen las obras de arte en términos de otros conceptos estéticos, como la representación , la belleza o la experiencia estética . Un enfoque temprano centrado en el objeto, propuesto por primera vez por Platón , caracteriza las obras de arte como representaciones que buscan reflejar o imitar ciertos aspectos de la realidad. ^{[ 50 ]} Otra definición sugiere que las obras de arte son objetos diseñados para evocar experiencias estéticas o placer. Un enfoque relacionado propone que todas las obras de arte tienen ciertas propiedades estéticas en común, como la belleza. ^{[ 51 ]} El formalismo estético sostiene que características formales específicas, como una " forma significativa ", son el sello distintivo del arte. ^{[ 52 ]} Los enfoques centrados en el artista ven la actividad artística como el aspecto esencial de las obras de arte. Una concepción entiende las obras de arte como vehículos especiales a través de los cuales los artistas expresan emociones y otros estados mentales . ^{[ 53 ]}

Las definiciones convencionalistas consideran el arte como una categoría socialmente construida . Esto significa que no depende principalmente de las propiedades inherentes de los objetos, por ejemplo, lo que representan o las formas que tienen. En cambio, el arte se define por acuerdos sociales y culturales, que están sujetos a cambios. Una motivación clave para este enfoque ha sido el surgimiento del arte moderno, que ha desafiado muchas concepciones anteriores. Las definiciones convencionalistas pueden explicar, por ejemplo, que incluso objetos cotidianos como un urinario se consideran arte si así lo dictan las convenciones. Las teorías institucionales argumentan que las convenciones las establecen las instituciones sociales del mundo del arte . Debido a esta dependencia social, un objeto considerado arte en una sociedad puede no serlo en otra. Las teorías históricas, otra forma de convencionalismo, afirman que la categoría de arte depende de tradiciones establecidas y contextos históricos. Sostienen que un objeto pasa a formar parte de esta categoría si guarda la relación adecuada con estas tradiciones, por ejemplo, al ser creado en un contexto artístico y asemejarse a otras obras de arte reconocidas. ^{[ 54 ]}

También existen teorías híbridas que combinan elementos de otras teorías. Por ejemplo, un enfoque sostiene que un objeto es una obra de arte si cumple con ciertos estándares estéticos o si se considera convencionalmente como arte. ^{[ 55 ]} La diversidad de definiciones propuestas ^{[ h ]} y las dificultades para conciliarlas han llevado a algunos filósofos a argumentar en contra de la existencia de criterios precisos. Algunos concluyen que una definición es estrictamente imposible. Otros proporcionan caracterizaciones vagas, sugiriendo que el ámbito del arte se caracteriza por similitudes superpuestas, conocidas como semejanza de familia . ^{[ 58 ]}

La ontología del arte busca discernir las categorías fundamentales del ser a las que pertenecen todas las obras de arte. ^{[ i ]} Un enfoque sostiene que las obras de arte son universales : entidades generales o repetibles que pueden tener varias instancias al mismo tiempo. Por ejemplo, una novela puede tener muchas copias, una película puede tener muchas proyecciones y una fotografía puede tener muchas copias. Una versión de esta perspectiva distingue las obras de arte como tipos de sus instancias, que se consideran ejemplos de este tipo. Otra perspectiva rechaza la idea de que las obras de arte sean universales, argumentando en cambio que son particulares o entidades concretas únicas. Para ellos, si hay varias instancias, entonces la obra de arte es la colección o suma de todas las instancias. Según esta perspectiva, la fotografía de Alfred Stieglitz , The Steerage, no es un tipo subyacente a sus copias, sino más bien la colección o suma de todas las copias juntas. ^{[ 60 ]}

Una discusión similar aborda si las obras de arte son objetos materiales , que existen independientemente de los observadores, u objetos intencionales , que existen en la experiencia de los observadores. ^{[ 61 ]} Los pluralistas argumentan que los diferentes tipos de obras de arte pertenecen a distintas categorías ontológicas. ^{[ j ]} Los contextualistas aceptan esta visión y proponen además que la categoría ontológica depende del contexto de la discusión. ^{[ 64 ]} El deflacionismo es escéptico sobre la existencia fundamental de las obras de arte en cualquier forma. Reconoce que el término arte puede ser prácticamente útil en el lenguaje cotidiano, pero rechaza que se refiera a alguna entidad fundamental de la realidad. ^{[ 65 ]}

Las obras de arte se clasifican de muchas maneras. Algunas distinciones se centran en el medio utilizado para expresar ideas artísticas. Por ejemplo, las pinturas suelen usar pintura , como óleo o acrílico , que se distribuye sobre una superficie, mientras que la danza implica movimientos corporales. De manera similar, la música se interpreta utilizando instrumentos y la voz para producir sonidos, y la literatura se basa en el lenguaje. Las formas híbridas como la ópera y el cine combinan varios de estos elementos. ^{[ 66 ]} Otra distinción es entre obras escénicas y obras de objetos. Las obras escénicas, como una canción interpretada en un escenario, se representan dinámicamente en el tiempo, mientras que las obras de objetos, como una pintura, tienen una naturaleza más estática. ^{[ 67 ]} Las obras de arte también se pueden clasificar por estilo histórico artístico , como el impresionismo y el surrealismo , y por su propósito, como el arte político y el religioso . ^{[ 68 ]}

El significado de una obra de arte es lo que implica comprenderla o entender lo que comunica, abarcando factores como la representación y la expresión. Ciertos aspectos del significado pueden ser directamente accesibles; otros requieren una interpretación profunda, por ejemplo, para captar elementos simbólicos o metafóricos . La comprensión influye en la experiencia estética, y para ciertas obras de arte, puede ser necesaria una comprensión integral para apreciarlas plenamente. ^{[ 69 ]} Un enfoque para el análisis del significado es la distinción entre forma y contenido . El contenido se refiere a lo que se presenta, como el tema representado, las ideas expresadas y los mensajes conceptuales. La forma se refiere a cómo se presenta el contenido, como el medio, la técnica, la composición y el estilo . La forma abarca los modos de presentación en diferentes formas de arte, como el color y la disposición espacial en la pintura, la armonía y el ritmo en la música, y la voz narrativa y la estructura de la trama en la literatura. ^{[ 70 ]}

Representación y expresión

La representación es la descripción de entidades reales o imaginarias. Por ejemplo, un retrato representa a una persona, y una novela fantástica representa una cadena imaginaria de eventos. La semejanza es un elemento crucial en muchas formas de representación artística, lo que significa que la obra de arte se asemeja a la entidad representada. La representación también puede darse a través de otros medios, como símbolos convencionales y códigos establecidos. Es particularmente frecuente en ciertas formas y estilos artísticos, como el arte clásico y el realismo . Desde la antigüedad , la representación ha sido un concepto clave en las teorías del arte , como la idea de Platón de definir el arte como imitación. Sin embargo, es controvertido si la representación desempeña un papel central en todas las formas de arte, incluyendo la música ^{[ k ]} y el arte abstracto moderno . ^{[ 73 ]}

La expresión es la transmisión de estados psicológicos, como emociones , estados de ánimo y actitudes. Por ejemplo, un pintor puede representar un paisaje árido con colores apagados para expresar tristeza , y un músico puede usar un ritmo rápido y una melodía alegre para transmitir entusiasmo. Los estados mentales expresados ​​suelen coincidir con la experiencia personal del artista. Sin embargo, esto no siempre es así, y los artistas pueden explorar estados psicológicos observados en otros o experiencias completamente ficticias. Una obra de arte puede expresar un estado mental como la tristeza evocándola en la experiencia del espectador. Alternativamente, la expresión también puede darse si los observadores reconocen la presencia de tristeza en la obra, incluso si no la sienten personalmente. Las teorías de la expresión consideran la expresión una característica fundamental de las obras de arte. Caracterizan las obras de arte como expresiones de la mente del artista, centrándose en la creatividad y la originalidad en la manifestación de experiencias estéticas. ^{[ 74 ]}

Interpretación y crítica

El proceso de interpretación es el intento de descubrir ^{el significado de una obra de arte} para comprender su importancia y valor. En el sentido más amplio, la interpretación abarca cualquier forma de asignar significado , incluyendo descripciones obvias de las entidades representadas y explicaciones de los significados literales de las palabras . En filosofía del arte, el término se usa típicamente en un sentido más restringido para asignaciones de significado que implican un análisis más profundo y pensamiento creativo, como el examen del lienzo y el espejo que se muestran en la pintura de Diego Velázquez de 1656, Las Meninas, para explorar la relación entre el pintor, el espectador y el tema representado. Las interpretaciones buscan descubrir aspectos subyacentes que son relevantes para la comprensión y apreciación de la obra de arte. ^{[ 75 ]} Los términos interpretación y crítica a veces se usan indistintamente. Sin embargo, la crítica generalmente se asocia con más componentes, como una descripción general de la obra de arte criticada y una clasificación de estilo y género . La crítica también explica el contexto histórico-artístico y evalúa las cualidades positivas y negativas. ^{[ 77 ]}

En ocasiones, los críticos proponen interpretaciones contradictorias de una misma obra de arte. Según el monismo crítico, solo existe una interpretación correcta y exhaustiva, lo que implica que dos interpretaciones contradictorias no pueden ser ambas correctas. El pluralismo crítico, por el contrario, afirma que puede haber interpretaciones diferentes pero igualmente válidas y que no siempre es posible determinar cuál de dos interpretaciones contradictorias es superior. Un debate similar aborda si las interpretaciones pueden ser verdaderas o falsas en un sentido objetivo. ^{[ 78 ]}

Se han propuesto varios marcos de interpretación. Según el intencionalismo , el significado de una obra de arte está determinado por la intención del autor : las razones y los motivos que llevaron a su creación. ^{[ m ]} Esto generalmente implica analizar las ideas que el artista pretendía expresar, pero también puede incluir un análisis biográfico para conocer las circunstancias psicológicas y sociales de su vida. ^{[ 80 ]}

El intencionalismo es una teoría controvertida, denominada falacia intencional por sus críticos. Algunas objeciones señalan casos en los que no se puede conocer la intención del autor, en los que no se puede identificar al autor o en los que no existe un autor tradicional, como en las obras de arte creadas por inteligencia artificial . En estos casos, el significado sería inaccesible o inexistente. ^{[ n ]} Otras objeciones afirman que un artista puede no expresar con precisión su intención o puede manifestar características estéticas no intencionadas, lo que sugiere que una obra de arte puede contener tanto menos como más de lo que el artista pretendía. ^{[ 82 ]}

Una alternativa al intencionalismo sostiene que el significado está determinado por convenciones artísticas, estilísticas, lingüísticas y otras convenciones culturales . Por ejemplo, las convenciones lingüísticas determinan los significados literales de las palabras y, por lo tanto, influyen en el significado general de un poema. Otro marco teórico sostiene que el significado está moldeado por cómo el público, en lugar del autor, interpreta o interpretaría la intención subyacente a la obra. ^{[ 83 ]} El formalismo artístico propone un enfoque diferente al centrar la interpretación exclusivamente en las características formales o perceptivas de las obras de arte. ^{[ 84 ]}

El esteticismo y el instrumentalismo son teorías sobre el valor del arte. El esteticismo afirma que el valor primordial del arte reside en sus méritos estéticos intrínsecos, independientemente de cualquier propósito externo. Esta idea de la autonomía del arte se expresa en el lema « el arte por el arte ». Las formas más radicales de esteticismo no solo desestiman los propósitos externos, sino que los consideran influencias perjudiciales que socavan la integridad artística. El instrumentalismo, por el contrario, explica el valor del arte por los efectos que tiene en otros ámbitos. Entiende el arte como un medio para lograr cosas como la educación moral , el crecimiento espiritual , los beneficios terapéuticos y la cohesión social . ^{[ 85 ]}

Las artes individuales son prácticas o disciplinas dentro del ámbito del arte. Abarcan una amplia gama de campos, incluyendo formas tradicionalmente establecidas como la pintura, la música y la literatura, así como tipos más recientes como los videojuegos . ^{[ 86 ]} Una clasificación las divide en artes visuales , artes literarias y artes escénicas . Los límites entre estas categorías no siempre son claros, y se han propuesto clasificaciones alternativas. ^{[ 87 ]}

La pintura es un arte visual en el que un pintor aplica colores a una superficie. Permite una amplia gama de motivos y estilos, y a menudo se considera una forma paradigmática de arte. ^{[ 89 ]} La representación de entidades reales desempeña un papel central en muchas formas de pintura, desde paisajes y personas hasta eventos históricos. Este proceso implica elecciones artísticas que van más allá de la simple replicación, como guiar la atención del espectador hacia aspectos específicos o resaltar características importantes pero fácilmente pasadas por alto. ^{[ 90 ]} La cuestión de la representación también es crucial en la fotografía , un arte visual moldeado por los avances tecnológicos en el diseño de cámaras y los procesos de edición . Un tema clave en la filosofía de la fotografía se refiere a su manera mecánica de representar auténticamente objetos reales, estableciendo frecuentemente paralelismos y distinciones con la pintura. El estatus de las fotografías como verdaderas obras de arte es objeto de debate, y los críticos argumentan que la naturaleza mecánica de la captura de imágenes carece de la creatividad artística necesaria. ^{[ 91 ]}

La música es un arte escénico en el que los sonidos se combinan para crear patrones estéticos, basándose en aspectos como la melodía y el ritmo. A diferencia de la pintura y la fotografía, suele estar menos asociada con la representación objetiva y más estrechamente vinculada a la expresión de emociones. ^{[ o ]} Un debate clave en la filosofía de la música se refiere a la definición de música o los criterios bajo los cuales una combinación de sonidos se considera música. Las propuestas van desde criterios objetivos, como los patrones de cómo se organizan los sonidos, hasta criterios subjetivos, centrados en la experiencia e interpretación del público. ^{[ 94 ]} La danza es otro arte escénico en el que los bailarines crean patrones estéticos a través de una serie de movimientos corporales, a menudo siguiendo una coreografía . Suele ir acompañada de música y comparte con ella un énfasis en los rasgos expresivos. ^{[ 88 ]}

La arquitectura es el arte o la artesanía de diseñar y construir, abarcando una amplia gama de estructuras, desde monumentos y catedrales hasta rascacielos y viviendas residenciales. Generalmente combina objetivos estéticos y funcionales, buscando crear edificios que sean a la vez visualmente atractivos y prácticamente útiles. Esta naturaleza dual es un tema central de la filosofía de la arquitectura , y una teoría sugiere que los edificios comunes se distinguen de la arquitectura artística por la presencia de elementos decorativos . ^{[ 95 ]} La escultura es otra forma de arte que, al igual que la arquitectura, implica la creación de obras tridimensionales. Las esculturas suelen ser objetos estáticos hechos de materiales robustos como piedra, metal y madera, pero también pueden incluir elementos dinámicos, como es el caso de las esculturas cinéticas . Los debates clave en la filosofía de la escultura abordan la definición, los aspectos representacionales y las características estéticas de las esculturas, así como la influencia del material elegido. ^{[ 96 ]}

La literatura tiene el lenguaje como su principal medio. En su sentido más amplio, la literatura abarca cualquier documento escrito. Sin embargo, el término se usa generalmente en un sentido más restringido en estética para referirse a formas de escritura que pertenecen a las altas artes , como poemas , novelas y teatro . La literatura como arte se caracteriza a menudo por su uso deliberado, elaborado y organizado del lenguaje, pero no existe una demarcación universalmente aceptada entre la literatura artística y otras formas de escritura. ^{[ 97 ]} La poesía es una forma distinta de literatura, a menudo escrita en versos compuestos por varias líneas que pueden seguir patrones específicos, como la métrica y la rima . Muchos poemas se caracterizan por un uso económico del lenguaje que busca evocar experiencias específicas, a la vez que resultan difíciles de parafrasear . ^{[ 98 ]}

El teatro es un arte escénico que combina elementos de otras formas artísticas. Generalmente incluye un escenario cuidadosamente preparado donde los actores actúan, incorporando habitualmente narración y diseño de sonido para crear experiencias inmersivas. El teatro se representa ante un público en vivo, lo que puede generar una sensación de inmediatez menos frecuente en otras formas artísticas afines, como el cine. ^{[ 99 ]} El cine también integra aspectos de diversas disciplinas artísticas, pero depende en mayor medida de los medios tecnológicos de grabación y edición. Las películas pueden contar con actores, pero también pueden incluir personajes animados o documentar eventos de la vida real. Suelen ser el resultado de la colaboración de muchas personas, lo que dificulta la identificación de un autor singular en el sentido tradicional. ^{[ 100 ]}

Los videojuegos son una forma de arte más reciente. Al igual que el teatro y el cine, suelen combinar elementos visuales, auditivos y narrativos. Se distinguen por su énfasis en la interacción del jugador, lo que permite la exploración activa y la participación en el mundo del juego . ^{[ 101 ]} El estatus de las películas y los videojuegos como formas serias de arte es objeto de debate. Sus defensores tienden a enfatizar sus cualidades estéticas; los críticos suelen señalar su asociación con la producción en masa y la cultura popular como argumentos en contra. ^{[ 102 ]} En el caso de los videojuegos, un debate relacionado se centra en los elementos de competencia y victoria, cuestionando si estos elementos son contrarios al espíritu del arte. ^{[ 101 ]}

La ética es la rama de la filosofía que estudia los fenómenos morales en general y el comportamiento correcto en particular. Las obras de arte pueden tener consecuencias éticas al influir en cómo las personas sienten, perciben y evalúan sus circunstancias. Por ejemplo, las obras de arte pueden glorificar la violencia y reforzar prejuicios, así como inspirar empatía y desafiar las normas sociales. En consecuencia, el arte también es relevante para el ámbito político, ya que puede orientar el sentimiento político para legitimar la autoridad o movilizar la resistencia, influyendo así en las actitudes de los votantes. Las obras de arte también pueden explorar temas moralmente relevantes sin expresar una evaluación positiva o negativa clara, como una novela que examina un dilema ético sin favorecer una solución sobre las demás. ^{[ 105 ]}

Dado que tanto la ética como la estética se ocupan de los valores , los filósofos buscan esclarecer la relación entre los valores morales y estéticos, proponiendo diversas teorías sobre su interacción. ^{[ 106 ]} El eticismo afirma que el valor moral de una obra de arte puede aumentar su valor estético, mientras que los defectos éticos pueden menoscabar su mérito artístico . Esta visión se contrapone al inmoralismo, que sugiere que, en algunos casos, las fallas morales realzan la experiencia estética. El autonomismo rechaza ambas posturas, argumentando que estos ámbitos de evaluación son independientes. ^{[ 107 ]}

Los enfoques científicos basados ​​en la psicología y campos afines emplean métodos empíricos para realizar investigaciones y justificar hipótesis. ^{[ 108 ]} La psicología de la estética examina los procesos mentales involucrados en la percepción y apreciación de la belleza y el arte, utilizando métodos como la experimentación , la observación y las encuestas . ^{[ 109 ]}

La estética experimental es un enfoque temprano e influyente, impulsado por Gustav Fechner . Sigue una metodología ascendente que parte de la sensación humana , investigando las preferencias por estímulos físicos simples, como colores y formas básicas. ^{[ 110 ]} La psicología de la Gestalt se basa en una perspectiva más holística, examinando cómo la composición y la disposición de los objetos influyen en la experiencia estética, como la relación entre la organización equilibrada y la sensación de calma. Algunos trabajos, como el enfoque de Daniel Berlyne , desplazan el foco de la percepción a la emoción, sugiriendo que características como la novedad y la complejidad provocan excitación y que la cantidad adecuada de excitación es placentera. ^{[ 111 ]}

El análisis psicológico también examina la estructura temporal de las experiencias estéticas del arte. Una perspectiva identifica dos fases: una impresión inicial en la que el observador se forma una idea general aproximada del tema, la estructura y el significado de la obra de arte, seguida de un análisis focal de características más específicas. ^{[ 112 ]} La investigación explora además cómo las circunstancias influyen en la experiencia estética, como el contraste entre encontrarse con una pintura en un museo o en un centro comercial. Junto con las circunstancias físicas, los factores sociales y personales también influyen en la experiencia estética, como la dinámica de grupo , el conocimiento previo y la motivación para buscar la experiencia. ^{[ 113 ]}

La psicología evolutiva analiza los fenómenos mentales como productos de la selección natural . Afirma que las variaciones genéticas responsables de nuevas capacidades se transmiten a las generaciones futuras si mejoran la supervivencia y la reproducción . Adoptando este enfoque, la estética evolutiva interpreta la belleza y otras experiencias estéticas como rasgos adaptativos que guían las preferencias relevantes para la aptitud. ^{[ 115 ]} Ejemplos de ello son las preferencias estéticas por entornos propicios para la supervivencia, como paisajes que se asemejan a la sabana africana , y la selección sexual mediante la identificación de parejas genéticamente aptas. ^{[ 116 ]} Al centrarse en la naturaleza biológica relativamente permanente de los humanos, la psicología evolutiva considera los valores estéticos como patrones universales o transculturales de gusto y apreciación, en contraste con las teorías subjetivistas que entienden los valores estéticos como constructos culturales. ^{[ 114 ]}

La neuroestética aplica conocimientos y métodos neurocientíficos para estudiar la relación entre la actividad cerebral y la experiencia estética. Las experiencias estéticas surgen de procesos cerebrales responsables de organizar los estímulos sensoriales, formar interpretaciones cognitivas y generar respuestas emocionales. La neuroestética examina estos procesos mediante métodos empíricos, incluyendo técnicas de neuroimagen como la resonancia magnética funcional (fMRI) . En un tipo de experimento, los participantes observan obras de arte, algunas consideradas bellas y otras feas, y los investigadores observan que el área cerebral conocida como corteza orbitofrontal se activa más al observar pinturas bellas. ^{[ 117 ]}

La ciencia cognitiva , otro campo, emplea un enfoque interdisciplinario para estudiar los fenómenos mentales examinando cómo acceden a la información y la transforman . Una teoría influyente, propuesta por Ernst Gombrich , analiza la experiencia estética a través de la interacción de procesos de información de bajo y alto nivel: los procesos sensoriales proporcionan información de bajo nivel, que se organiza e interpreta utilizando conocimientos conceptuales de alto nivel. ^{[ 118 ]} Otro enfoque analiza la representación estética a través de la modularidad de la mente : la hipótesis de que la mente está compuesta por módulos mentales que funcionan de forma independiente. Sostiene que las pinturas representan objetos reales al activar los mismos módulos mentales responsables del reconocimiento de dichos objetos . ^{[ 119 ]}

La estética comparada examina diversas tradiciones estéticas, analizando las similitudes y diferencias en sus estándares de belleza y enfoques teóricos. ^{[ 120 ]} Por ejemplo, el énfasis de la estética occidental en el arte elevado y su separación de los asuntos cotidianos no es común en la mayoría de las demás tradiciones, para las cuales el arte suele estar estrechamente integrado con funciones prácticas de la vida cotidiana, incluyendo la religión y la educación moral . ^{[ 121 ]} Las diferencias artísticas entre distintas tradiciones también abarcan los medios dominantes, los estilos comunes y los motivos elegidos. ^{[ 122 ]}

La comparación de productos culturales de diferentes tradiciones plantea desafíos conceptuales asociados con conceptos estéticos y criterios de evaluación propios de cada tradición. La aplicación acrítica de criterios de una tradición para evaluar las obras de otra puede derivar en imperialismo cultural . ^{[ 123 ]} Al mismo tiempo, estas diferencias ofrecen oportunidades a artistas y filósofos para incorporar nuevos elementos y explorar perspectivas novedosas. ^{[ 122 ]}

La estética india establece una estrecha conexión entre la actividad artística y la práctica religiosa. Sostiene que la expresión artística es una empresa espiritual que debe estar informada por el conocimiento de uno mismo y de la realidad , expresar devoción a lo divino y evitar el apego a los frutos de la actividad . ^{[ 124 ]} La estética tradicional india analiza el arte en términos de emociones básicas de la vida, llamadas rasas , como el deleite, el humor, la tristeza y la ira. Considera el arte como una representación que imita la realidad al transmitir experiencias de los rasas. Se centra en las expresiones universales de la vida emocional humana, más que en los sentimientos específicos de cada persona. Esta corriente de pensamiento identifica la creatividad artística como la capacidad de aprovechar todo el potencial del medio, como los colores, los sonidos y las palabras, para transmitir universales experienciales. Para el público, recomienda una actitud estética caracterizada por una distancia psíquica de las preocupaciones privadas para trascender el yo personal y volverse receptivo a los elementos universales. ^{[ 125 ]}

La estética china enfatiza la naturaleza espontánea de la creatividad artística y su conexión con los ámbitos moral y espiritual. Sostiene que el arte debe fomentar la armonía en la sociedad y alinearse con el orden natural del universo . En este sentido, el arte es tanto autoexpresión como autocultivo , con el objetivo de promover el bienestar social. ^{[ 127 ]} El enfoque principal de la estética china se centra en la poesía, la pintura y la caligrafía , conocidas como las tres perfecciones . ^{[ 128 ]} Esta tradición influyó en la estética japonesa , caracterizada por su interés en la naturaleza. Los diferentes estilos artísticos de esta tradición están moldeados por perspectivas religiosas, en particular el sintoísmo y el budismo . Las teorías japonesas del arte destacan la interrelación entre la experiencia del artista y la respuesta del público. ^{[ 129 ]}

Los filósofos islámicos consideran el arte como un medio para comunicar verdades filosóficas y religiosas, haciéndolas accesibles al público en general sin requerir un pensamiento teórico abstracto. Pensadores como Al-Farabi y Avicena argumentaron que la imaginación, más que el razonamiento, subyace a la creación y apreciación artística. Según esta perspectiva, el arte imita la realidad y evoca emociones para transmitir verdades subyacentes e influir positivamente en el comportamiento. ^{[ 130 ]} Las enseñanzas religiosas desempeñan un papel central en la estética islámica. Por ejemplo, la creencia de que Alá es trascendente e ilimitado ha dado como resultado la evitación de representaciones figurativas y el énfasis en las formas de arte abstractas . ^{[ 131 ] [ q ]}

La estética africana enfatiza la naturaleza intuitiva y emocional del arte, destacando su función comunitaria en la vida social. Los primeros estudios sobre esta tradición se realizaron generalmente desde una perspectiva etnocéntrica , utilizando estándares estéticos occidentales para interpretar y evaluar el arte africano. Esto solía resultar en la representación de las obras de arte africanas como curiosidades exóticas que carecían de la sofisticación del arte culto. El surgimiento de la erudición indígena en el siglo XX buscó corregir esta interpretación, argumentando que el énfasis en los aspectos morales, emocionales e intuitivos refleja estándares artísticos diferentes, en lugar de una deficiencia. Esta corriente de pensamiento, a menudo asociada con el concepto de Negritud , se centra en la importancia de los sentimientos en contraste con la abstracción y el análisis intelectual. ^{[ 132 ]}

La estética ambiental se ocupa de la apreciación de la naturaleza, incluyendo elementos como bosques, cordilleras, ríos y flores. ^{[ 133 ]} Abarca tanto apariencias transitorias, como la belleza fugaz de un paisaje al atardecer, como aspectos perdurables, como la majestuosidad de un árbol centenario. ^{[ 134 ]} Este campo se centra en las cualidades sensoriales y formales asociadas con la belleza y las cualidades estéticas relacionadas. En este sentido, contrasta con la filosofía del arte, que generalmente enfatiza la interpretación de los significados subyacentes asociados con la expresión y la representación. ^{[ 135 ]} Algunos enfoques de la estética ambiental también consideran el impacto del conocimiento previo en la experiencia estética de la naturaleza. Por ejemplo, la conciencia ecológica de las intrincadas relaciones dentro de un ecosistema puede moldear la apreciación de un entorno boscoso al comprenderlo como un hábitat de diversas especies. ^{[ 136 ]}

En su sentido más amplio, la estética ambiental abarca la apreciación de cualquier entorno, incluidos aquellos creados por los humanos. ^{[ 138 ]} Esta investigación está estrechamente relacionada con la estética cotidiana , que examina los fenómenos estéticos que se encuentran en la vida diaria. La estética cotidiana abarca tanto entornos públicos como privados, desde ciudades modernas y sitios industriales hasta hogares privados y patios traseros, así como adornos personales y productos de consumo, como ropa, peinados, diseño industrial y diseño web . ^{[ 139 ]} La estética del arte popular , una disciplina relacionada, investiga las cualidades estéticas en la cultura popular y compara los estándares de evaluación del arte popular con los del arte culto o las bellas artes . Por ejemplo, estudia el contraste entre el arte comercial de masas y la vanguardia experimental y explora tipos específicos de arte popular, como el kitsch . ^{[ 140 ]}

El arte desempeña un papel central en el ámbito de la religión y se manifiesta de diversas formas , como la pintura, la escultura, la arquitectura , la música , la danza y la literatura. Su característica principal radica en su función religiosa, como la transmisión de enseñanzas teológicas y morales, la representación de verdades simbólicas, la inspiración de experiencias religiosas y el apoyo a las prácticas devocionales. ^{[ r ]} El arte religioso forma parte de todas las religiones principales y fue la forma de arte dominante durante la antigüedad y la Edad Media . Su influencia comenzó a menguar en la época moderna debido a la secularización . Este cambio también se refleja en los desarrollos de la filosofía del arte, que introdujeron un enfoque en el desinterés y la autonomía de la experiencia estética respecto de propósitos externos, incluidos los objetivos religiosos. ^{[ 137 ]}

Varias teorías de la estética se asocian con escuelas filosóficas específicas. La estética marxista examina la relación entre el arte, la estructura de clases y la ideología social , explorando cómo el arte puede reforzar o desafiar las jerarquías de poder establecidas. ^{[ 142 ]} La estética feminista critica los sesgos masculinos en la teoría estética y la práctica artística, a la vez que plantea alternativas. Investiga las instituciones sociales injustas y los estándares estéticos que perjudican a las mujeres y las excluyen del mundo del arte. Un ejemplo es la mirada masculina , un fenómeno cultural que trata a las mujeres como objetos de la mirada masculina en lugar de como creadoras artísticas. ^{[ 143 ]} La estética posmoderna es un movimiento diverso que desafía los conceptos y teorías establecidos en el campo de la estética. Generalmente rechaza el enfoque en el placer desinteresado, la autonomía del arte respecto de otros ámbitos y la distinción entre arte culto y popular. Tiende a promover un pluralismo que abraza la diversidad, la espontaneidad y la ironía . ^{[ 144 ]}

El término belleza matemática se refiere a las cualidades estéticas de los conceptos y teorías matemáticas abstractas. Por ejemplo, una demostración matemática puede considerarse bella si demuestra una comprensión profunda de manera eficaz o revela una unidad subyacente de ideas matemáticas aparentemente dispares. ^{[ 146 ]} La estética de la ciencia examina los juicios estéticos sobre las teorías y prácticas científicas, incluyendo el papel de la belleza y la creatividad en la construcción de modelos. ^{[ 147 ]}

El arte digital implica el uso de computadoras en la creación de obras de arte. ^{[ s ]} Puede adoptar muchas formas, desde pequeñas mejoras digitales de obras de arte existentes hasta creaciones completamente nuevas generadas mediante algoritmos complejos . Su naturaleza abstracta, basada en la representación simbólica y la manipulación de señales electrónicas, distingue el arte digital de las formas de arte tradicionales, que se basan en medios más tangibles. Este medio ofrece nuevas posibilidades artísticas, como la realidad virtual y la interactividad . ^{[ 149 ]} Los rápidos avances en inteligencia artificial en el siglo XXI han impactado significativamente el arte digital. Estos incluyen la aparición de modelos generativos : sistemas que se entrenan utilizando medios existentes para crear nuevos textos, imágenes, música o videos en respuesta a descripciones verbales del resultado deseado . Algunos ejemplos son ChatGPT , Stable Diffusion , MuseNet y RunwayML . ^{[ 150 ]}

La metaestética examina los supuestos y conceptos fundamentales que subyacen a la estética. Se pregunta sobre la existencia de hechos estéticos, el significado de las afirmaciones estéticas y las formas de adquirir conocimiento estético. Un debate metaestético central entre el realismo y el antirrealismo aborda la cuestión de si existen hechos estéticos independientes de la mente. Una discusión relacionada entre el cognitivismo y el no cognitivismo considera si las afirmaciones estéticas pueden ser objetivamente verdaderas o expresar principalmente emociones personales . ^{[ 151 ]}

La estética tiene sus raíces en el pensamiento antiguo , que típicamente interpretaba la belleza como un fenómeno metafísico asociado con el orden del cosmos . ^{[ 153 ]} En la filosofía griega antigua , las primeras exploraciones de la naturaleza de la belleza se encuentran en la filosofía pitagórica de los siglos V y IV a. C. Esta tradición proponía que la belleza surge de la proporción y la armonía entre diferentes elementos. ^{[ 154 ] [ t ]} En obras como el Filebo y el Banquete , Platón (427-347 a. C.) analizó la belleza pura como una forma inmutable que existe independientemente de la materia. Sostenía que las entidades materiales son bellas si participan de la forma de la belleza. Platón entendía el arte como un oficio que busca imitar y representar entidades materiales. Reconocía que el arte tiene cierto valor didáctico , pero en general lo criticaba, afirmando que su naturaleza derivada, basada en la imitación de rasgos sensibles, no puede conducir al verdadero conocimiento. ^{[ 152 ]}

Aristóteles (384-322 a. C.) examinó la estética a través de la poesía, ofreciendo un análisis detallado en su obra Poética . Coincidió con Platón en que el arte es una forma de imitación, pero adoptó una perspectiva más positiva, sugiriendo que puede revelar verdades universales. Aristóteles indicó que la imitación artística exitosa es placentera y puede tener efectos terapéuticos o catárticos . Al vincular este placer con la belleza, intentó explicar por qué la imitación de fenómenos desagradables, como las historias trágicas , puede resultar placentera. ^{[ 156 ]} También influenciado por Platón, Plotino (204-270 d. C.) argumentó que la belleza no se basa en simetrías sensoriales ni en proporciones simples, sino que encarna un orden, una armonía y una unidad subyacentes, asociados con la fuente última de la creación . ^{[ 157 ]}

En la antigua India , el Natya Shastra , tradicionalmente atribuido a Bharata ( c. 200 a. C. – c. 200 d. C. ), formuló la teoría del rasa en el arte . Esta teoría postula que el objetivo del arte es transmitir emociones fundamentales de la vida como universales experienciales de la existencia humana. ^{[ 158 ]} En la antigua China , la filosofía del arte estuvo marcada por el confucianismo . Este enfatizaba el autoperfeccionamiento y la relación entre la naturaleza y la cultura humana. ^{[ 159 ]} 

Durante la Edad Media , el auge del cristianismo llevó a los pensadores estéticos occidentales a fusionar el pensamiento griego antiguo con las enseñanzas religiosas, a menudo en forma de teología filosófica . ^{[ 160 ]} Influenciado por Platón y Plotino, Agustín de Hipona (354-430 d. C.) exploró la distinción entre la creación artística, que transforma la materia, y la creación divina, que da origen a la existencia de la nada . Pensaba que toda belleza se origina en Dios y la analizó en términos de unidad, igualdad, número, proporción y orden. ^{[ 161 ]} Tomás de Aquino definió la belleza como aquello que produce placer en la percepción. Para él, la mente desempeña un papel central en este proceso, ya que la belleza reside en la forma inmaterial del objeto percibido que la mente reconoce en los datos sensoriales. Aquino veía la belleza como una categoría básica del ser y la identificaba con la proporción, el resplandor y la integridad. ^{[ 162 ]}

También se produjo una integración de la filosofía griega y el pensamiento religioso en el mundo islámico . Al-Farabi ( c. 878 – c. 950 d. C. ) asoció la belleza con el placer y la entendió como un grado de perfección y un atributo divino de Alá . Avicena ( c. 980 – 1037 d. C.) distinguió la belleza sensible de la inteligible y exploró los procesos psicológicos subyacentes a los juicios estéticos, como el papel de la imaginación. ^{[ 163 ]} 

Mientras tanto, en la India, la teoría del rasa aplicada al arte se expandió para abarcar también prácticas devocionales , incluyendo esfuerzos por representar o evocar profundas experiencias religiosas de unión con lo divino. ^{[ 164 ]} Por ejemplo, Abhinavagupta ( c. 950 – c. 1025 d. C. ) elaboró ​​la dimensión espiritual de la teoría del rasa, estableciendo una clara distinción entre las emociones mundanas ordinarias y los rasas como emociones estéticas trascendentes. ^{[ 165 ]} 

En el pensamiento chino, Xie He ( siglos V-VI d. C. ) combinó ideas taoístas y confucianas, sugiriendo que los artistas se alinean con el orden natural del universo y expresan espontáneamente el movimiento de la vida en sus obras. También propuso un conjunto de principios básicos de la pintura. ^{[ 166 ]} Guo Xi ( c. 1020 -c. 1090 d. C. ) argumentó que las obras de arte reflejan el carácter moral y la perspectiva espiritual del artista, lo que consideraba un factor central del valor estético de la obra. ^{[ 167 ]} Durante este período, la creciente influencia del budismo en el pensamiento estético chino condujo a un cambio artístico de la realidad objetiva a las experiencias subjetivas como resultado de las enseñanzas budistas sobre la naturaleza ilusoria de la realidad. ^{[ 168 ]} 

El período medieval en Occidente llegó a su fin con el surgimiento del Renacimiento a partir del siglo XV. Este cambio propició el resurgimiento de los ideales estéticos clásicos, mientras que la secularización allanó el camino para las investigaciones racionalistas sobre las leyes generales de la belleza y los análisis empiristas de las experiencias sensoriales y emocionales en la posterior Ilustración . ^{[ 169 ]}

La estética moderna surgió en el siglo XVIII, cuando los filósofos abordaron el tema de manera más sistemática. ^{[ 171 ]} Un paso clave en este proceso se dio a través de la filosofía de Alexander Baumgarten (1714-1762), quien concibió por primera vez la estética como un campo de investigación distinto: la ciencia de las cogniciones sensoriales o el estudio de lo que se siente e imagina. ^{[ 172 ]} En la filosofía británica, Francis Hutcheson (1694-1746) siguió las ideas del tercer conde de Shaftesbury (1671-1713) y proporcionó una teoría temprana del gusto, conceptualizándolo como un sentido interno ^{[ u ]} responsable de la aprehensión estética. ^{[ 174 ]} Esta perspectiva inspiró a David Hume (1711-1776) a desarrollar una teoría subjetiva de la belleza, entendiéndola como un sentimiento placentero causado por las percepciones. Combinó esta perspectiva con la idea de que la belleza sigue estándares intersubjetivos como principios compartidos del gusto que rigen qué objetos se experimentan como bellos. ^{[ 170 ]}

Immanuel Kant (1724-1804) amplió la idea de Hume de que los juicios estéticos son a la vez subjetivos y universales, argumentando que el placer subyacente debe ser desinteresado para ajustarse a estándares universales. Según Kant, este tipo de placer proviene de un juego libre en el que las facultades mentales de la imaginación y el entendimiento interactúan armoniosamente. ^{[ 175 ]} En respuesta a teorías anteriores de Edmund Burke (1729-1797), Kant también examinó lo sublime como una cualidad estética distinta. ^{[ 176 ]}

El pensamiento de Kant inspiró diversos desarrollos en la filosofía alemana . Friedrich Schiller (1759-1805) vio el arte como un fenómeno unificador que sintetiza diferentes impulsos humanos básicos en una especie de juego. ^{[ 177 ]} FWJ von Schelling (1775-1854) compartió una perspectiva similar, argumentando que el arte reconcilia los opuestos y revela la unidad subyacente del yo y la naturaleza. ^{[ 177 ]} GWF Hegel (1770-1831) estudió la estética a través de su sistema filosófico del idealismo absoluto , viendo la belleza artística como la manifestación sensorial de la verdad. ^{[ 178 ] [ v ]}

Combinando la filosofía kantiana e india, Arthur Schopenhauer (1788-1860) entendió la experiencia estética desinteresada como una suspensión de la voluntad, que resultaba en una paz mental temporal al interrumpir el ciclo de esfuerzo y sufrimiento. ^{[ 179 ]} Inspiró al filósofo chino Wang Guowei (1877-1927), quien integró las ideas de Schopenhauer con el pensamiento budista. Wang consideraba que el objetivo del arte era la creación de mundos dentro del mundo, abiertos a la reflexión desinteresada. ^{[ 180 ]} Friedrich Nietzsche (1844-1900) rechazó el desinterés de la experiencia estética y la autonomía del arte respecto de otros ámbitos. En cambio, consideró el arte como una expresión de la lucha entre fuerzas vitales opuestas , viéndolo como un vehículo de transformación y afirmación de la vida . ^{[ 181 ]}

Siguiendo el pensamiento de Karl Marx (1818-1883), filósofos estéticos marxistas como León Trotsky (1879-1940) y Georg Lukács (1885-1971) examinaron cómo el arte refleja y moldea las ideologías sociales y las jerarquías de poder. ^{[ 182 ]} Partiendo de ideas marxistas, Theodor Adorno (1903-1969) criticó la mercantilización del arte y exploró su capacidad para expresar la alienación y desafiar las normas sociales. ^{[ 183 ]} También adoptando una perspectiva marxista, Walter Benjamin (1892-1940) estudió cómo los avances en la reproducibilidad tecnológica transforman el arte. ^{[ 184 ] [ w ]}

El pensamiento romántico enfatizó la originalidad artística, la creatividad y la expresión de sentimientos profundos, tal como se formularon en las obras de JW von Goethe (1749–1832), William Wordsworth (1770–1850) y Samuel Taylor Coleridge (1772–1834). Consideraba las obras de arte como productos del genio humano que desafían la comprensión basada en reglas. ^{[ 187 ]} Esta escuela de pensamiento inspiró la teoría del expresionismo, que afirma que la función principal del arte es comunicar emociones y otros estados mentales. Fue examinada por pensadores como León Tolstói (1828–1910), Benedetto Croce (1866–1952) y R. G. Collingwood (1889–1943). ^{[ 188 ]} El intencionalismo, una posición estrechamente relacionada, se centra en la intención del autor como fuente de significado de las obras de arte. Monroe Beardsley (1915–1985) se opuso a esta visión, argumentando que el significado no está determinado por intenciones privadas. ^{[ 189 ]} Sigmund Freud (1856–1939) y Carl Jung (1875–1961) interpretaron el arte desde una perspectiva psicoanalítica como expresiones del inconsciente , un enfoque que también exploró posteriormente Richard Wollheim (1923–2005). ^{[ 190 ]}

A finales del siglo XIX y principios del XX, el esteticismo se convirtió en una perspectiva prominente en la filosofía de habla inglesa. Por ejemplo, Walter Pater (1839-1894) y Oscar Wilde (1854-1900) propusieron que el arte es un fin en sí mismo sin un propósito ulterior. ^{[ 191 ]} Los pragmatistas rechazaron esta perspectiva y la idea de que la experiencia estética es desinteresada. Por ejemplo, John Dewey (1859-1952) propuso en su libro de 1934, El arte como experiencia , que el valor del arte reside en las experiencias únicas que proporciona, las cuales pueden conducir a mejoras individuales y sociales. ^{[ 192 ]} El formalismo se convirtió en otra teoría influyente del arte a principios del siglo XX. Rechaza el enfoque en los aspectos expresivos y representacionales y argumenta, en cambio, que las obras de arte se definen por características formales, como la disposición de las cualidades perceptivas. Clive Bell (1881-1964), uno de los principales defensores de esta perspectiva, denominó a esta disposición " forma significativa ". ^{[ 193 ]}

El surgimiento del dadaísmo y el arte conceptual desafió las definiciones tradicionales de arte basadas en características intrínsecas de las obras de arte. ^{[ 194 ]} Como resultado, el anti-esencialismo, que entiende el arte como una categoría fijada por convenciones sociales o interpretativas sin una esencia inherente , ganó prominencia en la segunda mitad del siglo XX en la filosofía analítica , ejemplificada en las teorías de Nelson Goodman (1906–1998), Morris Weitz (1916–1981) y Frank Sibley (1923–1996). ^{[ 195 ]} Estos desarrollos inspiraron a Arthur C. Danto (1924–2013) y George Dickie (1926–2020) a proponer definiciones institucionales, argumentando que las convenciones sociales establecidas por el mundo del arte determinan qué objetos son obras de arte. ^{[ 196 ]} Mary Mothersill (1923–2008) desafió estos desarrollos. Su objetivo era restaurar las concepciones anteriores de la belleza asociadas con Aquino, Hume y Kant, centrándose en la aprehensión de las cualidades estéticas. ^{[ 197 ]}

En la filosofía continental , la escuela de la fenomenología estudió la experiencia inmediata del arte. Por ejemplo, examinó cómo las obras de arte pueden representar objetos irreales, cómo interviene la imaginación en el proceso y cómo el arte puede revelar aspectos de la realidad. ^{[ 198 ]} Esta tradición está estrechamente relacionada con la estética existencialista , que considera las obras de arte como expresiones de la libertad humana que pueden retratar auténticamente aspectos centrales de la condición humana . ^{[ 199 ]} La filosofía de Martin Heidegger (1889-1976) influyó en ambas tradiciones. Criticó el énfasis en el placer desinteresado que se encuentra en la filosofía moderna del arte, argumentando que las obras de arte pueden revelar verdades sobre la existencia humana y proporcionar nuevas perspectivas de comprensión. ^{[ 186 ]} El alumno de Heidegger, Hans-Georg Gadamer (1900-2002), investigó más a fondo la relación entre arte y verdad, examinando la experiencia estética y las teorías tradicionales a través del análisis fenomenológico y la interpretación hermenéutica . ^{[ 200 ]}

Pensadores posmodernos , como Roland Barthes (1915-1980) y Jacques Derrida (1930-2004), cuestionaron la separación del arte de la vida cotidiana y la idea de que las obras de arte tienen un significado estable o un valor universal. Sugirieron, en cambio, que el mérito artístico depende de los contextos históricos y culturales. ^{[ 201 ]} A partir de la década de 1970, las perspectivas feministas desafiaron las teorías y prácticas centradas en el hombre dentro de la filosofía estética y el mundo del arte. Por ejemplo, Simone de Beauvoir (1908-1986) y Luce Irigaray (nacida en 1930) exploraron cómo las perspectivas femeninas son marginadas por los estándares masculinos. ^{[ 202 ]}