modernismo australiano

El modernismo llegó a Australia mucho más tarde que a Europa y América. La escena artística australiana de alto nivel a finales del siglo XIX y principios del XX incluía predominantemente pinturas pastorales, que se refieren al arte que representa los paisajes y las granjas de Australia. ^{[ 2 ]} No fue hasta principios del siglo XX, cuando hubo una afluencia de artistas femeninas que se unieron a sus colegas masculinos para estudiar arte en París , que las ideologías modernistas comenzaron a llegar a Australia. ^{[ 5 ]} En 1913, la artista de Sídney Norah Simpson regresó de Europa, donde había estado estudiando arte en París y Londres en la Escuela de Arte de Westminster ^{[ 6 ]} trajo reproducciones de obras de destacados artistas modernistas como Henri Matisse , Vincent Van Gogh , Paul Cézanne , etc. ^{[ 7 ]} Mostró estas obras a su profesor de arte Antonio Dattilo-Rubbo, así como a sus compañeros de su escuela de arte, entre los que se encontraban notablemente modernistas australianos como Grace Cossington-Smith . ^{[ 7 ]}

Antonio Dattilo-Rubbo fue un artista y profesor nacido en Italia. En 1906 también estudió arte en Europa, incluyendo Inglaterra, Francia e Italia, observando exposiciones y escuelas de arte que desarrollaron su pasión por el arte moderno. ^{[ 8 ]} La pasión de Dattilo-Rubbo por el arte moderno y las reproducciones traídas por Simpson contribuyeron significativamente al desarrollo del modernismo en Australia. ^{[ 1 ]} Cabe destacar que la primera pintura modernista australiana, The Sock Knitter, de 1914, fue creada en la escuela de arte de Dattilo-Rubbo por Grace Cossington-Smith, compañera de Norah Simpson. ^{[ 7 ]}

En Melbourne, y opuestos tanto al impresionismo como al modernismo, se encontraban los tonalistas, identificados y ridiculizados por la corriente principal como «modernos brumosos», liderados por Max Meldrum desde 1916, quien propugnó un método «científico». Una de sus discípulas , Clarice Beckett , abandonó sus restricciones para dar prominencia al color en la forma, y ​​durante las décadas de 1920 y principios de 1930, practicó de forma independiente un reduccionismo que rozaba la abstracción, reconocido hoy como uno de los primeros ejemplos del modernismo en Victoria. ^{[ 9 ] [ 10 ]}

Tras la introducción inicial del modernismo en Australia en 1914, el movimiento creció de forma constante en popularidad, y cada vez más artistas adoptaron las habilidades y técnicas del modernismo. En las décadas de 1920 y 1930, más artistas como Norah Simpson viajaron al extranjero, concretamente a París, para estudiar. Estos artistas tuvieron la oportunidad de conocer a diversos profesores de arte que les enseñaron varios estilos artísticos nuevos. Entre los artistas que viajaron a Europa en esa época se encontraban Grace Cossington-Smith, Anne Dangar y Dorrit Black , quienes aprendieron las teorías y métodos cubistas de su maestro André Lhote. ^{[ 11 ]} Estas mujeres modernistas aprendieron sobre el cubismo en Francia y trajeron consigo estas técnicas, aplicándolas al contexto australiano. Por ejemplo, el grabado en linóleo de Dorrit Black de 1932, Noctornal , representa la calle Wynyard de Sídney con formas simples que son indicativas del cubismo. Muchos más estilos y movimientos artísticos surgieron en las décadas de 1920 y 1930. El modernismo se expresó y se aceptó de manera diferente en las distintas capitales de Australia. En Sídney residía y trabajaba una mayor proporción de artistas modernistas , como Margaret Preston y Grace Crowley , lo que la convirtió en un centro neurálgico del arte moderno. Sin embargo, el estilo y elemento artístico clave era el diseño. En Melbourne, el arte era significativamente más conceptual y se centraba en el pánico moral. El ambiente en Melbourne en ese momento era menos receptivo al arte moderno. Adelaida , en cambio, abordó el modernismo de una manera completamente distinta. El surrealismo fue un elemento clave del arte surgido en Adelaida. ^{[ 4 ]}

En la década de 1930, en todo el mundo, incluida Australia, aumentó la incertidumbre política y económica debido al fin de la Primera Guerra Mundial y a las crecientes tensiones que, a la postre, desembocarían en la Segunda Guerra Mundial. Esta incertidumbre social hizo que el creciente movimiento modernista resultara cada vez más atractivo para los artistas, lo que contribuyó a su popularidad. A medida que la popularidad del modernismo se consolidaba, surgieron tensiones entre las corrientes de pensamiento conservadoras y modernas. Sin embargo, el naturalismo (también conocido como realismo) siguió siendo la corriente dominante de la alta cultura artística en Australia. ^{[ 2 ]}

El fin de las Guerras Mundiales contribuyó a una mayor aceptación de este movimiento. Entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, hubo mucha incertidumbre y agitación social y política, lo que impulsó a muchos artistas modernistas. El arte naturalista prosperó como imagen nacional hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, cuando la agitación social y política era aún mayor. ^{[ 2 ]}

Tras la Segunda Guerra Mundial, aumentó la preocupación pública por la modernidad y la industrialización, lo que propició una mayor asociación con las ideas modernistas. Asimismo, se produjo un incremento en la migración e inmigración a Australia debido a la muerte y la destrucción causadas por las guerras en Europa. En comparación con Europa, Australia no sufrió daños en infraestructuras, viviendas ni ciudades, lo que transformó la dinámica del estilo de vida australiano. Esta migración propició una mayor diversidad de personas y experiencias vitales, lo que a su vez modificó la idea de nacionalismo y la imagen de identidad, incluyendo la imagen del arte nacional. Por consiguiente, el modernismo se volvió más atractivo y ampliamente aceptado en la década de 1940. Estos inmigrantes internacionales cambiaron la dinámica del mundo artístico australiano mediante la introducción de diferentes estilos de arte moderno, como el surrealismo, el realismo social y el expresionismo. ^{[ 12 ]}

Las mujeres modernistas australianas emplearon técnicas y habilidades vanguardistas en su arte; sin embargo, gran parte de la temática era bastante tradicional y no provocativa como la de sus contrapartes europeas. ^{[ 13 ]} Esta temática tradicionalista incluía bodegones e interiores que a menudo presentaban objetos encontrados en sus propios hogares y jardines. Si bien este tipo de temática era algo repetitiva y, por consiguiente, limitada, también era bastante fluida y libre para estas mujeres. La sociedad australiana imponía muchas restricciones a las mujeres como resultado de intensos estereotipos patriarcales; estas pinturas de interiores y bodegones les brindaron un espacio para expresar su propia experiencia, a la que se le daba menos prioridad en la sociedad. La obra de Grace Cossington-Smith de 1956, La ventana, es un ejemplo de este tipo de pinturas de interiores modernistas. Además, se sugiere que los hombres homosexuales de esta época valoraban los bodegones e interiores modernistas, ya que las pinturas pastorales nacionales también excluían a los hombres no heterosexuales. ^{[ 7 ]}

La modernización de las tecnologías del siglo XX contribuyó al desarrollo de nuevas formas de producir y crear arte mediante el uso de tecnologías avanzadas como el grabado y la impresión. ^{[ 14 ]} Los modernistas australianos crearon diversas formas de grabado. Estas incluían grabados en color y en blanco y negro, impresión en linóleo y pintura en relieve. La artista Dorrit Black creó estas impresiones en linóleo, tanto en color como en blanco y negro, que empleaban imágenes cubistas de su entorno.

Entre los cubistas clave y pioneros de Australia se encuentran Dorrit Black, Anne Dangar y Grace Crowley, todas ellas alumnas del profesor francés André Lhote , un cubista de salón. ^{[ 15 ]} Grace Crowley comenzó a impartir clases en Sídney y transmitió sus ideas sobre el arte cubista geométrico a las generaciones posteriores, convirtiéndose en una figura importante del estilo modernista y, en particular, del cubismo. ^{[ 16 ]}

El surrealismo se desarrolló por primera vez en Francia en la década de 1920, y este estilo no llegó a Australia hasta la década de 1930. La exposición surrealista internacional celebrada en las Galerías Burlington de Londres en 1936 parece ser la causa de su llegada a Australia. El artista Peter Purves Smith residía en Londres en ese momento y asistió a dicha exposición. La influencia de esta muestra en su práctica artística es evidente a través de la «extraña distorsión figurativa» ^{[ 17 ]} que impregna sus obras, incluyendo Nueva York 1936.

En 1939 se presentó la primera gran exposición que exhibió obras y artistas surrealistas. Esta exposición fue organizada por la Contemporary Art Society en la National Gallery of Victoria ese mismo año . El público recibió bien estas obras debido al temor al estallido de la guerra, y las imágenes de estas pinturas resonaron con la audiencia. ^{[ 17 ]}

Albert Namatjira fue un artista indígena nacido en Hermannsburg , en el centro de Australia, que pintaba paisajes en acuarela. Es uno de los artistas indígenas modernistas más reconocidos en el sentido occidental del término. ^{[ 3 ]} Su estilo estuvo fuertemente influenciado por los artistas Rex Battarbee y John Gardner. Su primera exposición en Melbourne en 1938 fue un éxito rotundo, y su obra se hizo muy popular. Continuó su legado compartiendo sus habilidades con otros hombres de su entorno, inspirando a toda una nueva generación de artistas.

El movimiento artístico indígena del desierto occidental con acrílico comenzó aproximadamente en 1971 ^{[ 22 ]} en Papunya , en el interior de Australia. Esta localidad alberga a diversos grupos de aborígenes australianos que hablan diferentes lenguas, como pintupi , luritja , warlpiri , arrerrnte y anmatyerre , conformando el bloque cultural del desierto occidental . Esta localidad se creó como resultado de un intento de asimilación por parte del gobierno en la década de 1960; los pueblos no tenían ninguna conexión cultural con esta tierra, ya que fueron trasladados allí por la fuerza. Geoffrey Bardon , un maestro enviado a la localidad, contribuyó a mitigar la disonancia cultural existente. Inicialmente, enseñó a los niños a pintar temas relacionados con su mundo y luego animó a los ancianos a pintar murales con acrílico sobre sus historias del Tiempo del Sueño , en lugar de hacerlo sobre la arena del desierto. ^{[ 23 ]}

Este estilo artístico fue utilizado por el pueblo Papunya para movilizar a las comunidades indígenas y protestar por sus derechos. Esperaban que su arte mostrara a la sociedad en general su cultura, su conexión con la tierra y su reivindicación territorial. Su arte atrajo mucha atención, se compró, se encargó y se exhibió en exposiciones. Este reconocimiento significó que la cultura indígena se situara en primer plano dentro de la sociedad dominante más que nunca. ^{[ 22 ]}