Barroco milanés

Federico Borromeo fue uno de los principales promotores de la cultura y el arte lombardos durante su cardenalato: su educación romana influyó enormemente en ello, durante la cual entró en contacto con los mejores artistas de la época, convirtiéndose en un apasionado amante y coleccionista de arte. ^{[ 20 ]} De su interés surgió la idea de crear un centro cultural para la ciudad que formara a artistas y hombres de letras según los cánones de la Contrarreforma , ^{[ 21 ]} a quienes se les proporcionarían pinturas y textos, así como profesores, con el fin de promover el arte y la cultura en la ciudad. ^{[ 22 ]}

La obra del complejo comenzó en 1603: tras la compra y demolición de un edificio residencial en la zona de Piazza San Sepolcro , los planos del Palazzo dell'Ambrosiana fueron asignados al arquitecto Lelio Buzzi, quien comenzó a trabajar ese mismo año; la obra, que se prolongó entre varias modificaciones hasta 1630, pasó a manos de Alessandro Tesauro y finalmente a las de Fabio Mangone . ^{[ 23 ] [ 24 ]} La fachada se completó en 1609: la entrada hacia el centro consta de un vestíbulo dividido por tres tramos de pilastras dóricas que terminan en el arquitrabe , en el que está grabada la inscripción BIBLIOTHECA AMBROGIANA ; el escudo de armas de los Borromeos está esculpido en un tímpano triangular que corona el vestíbulo. ^{[ 25 ]} Muchos de los contemporáneos de Borromeo comentaron positivamente la solución clásica de la estructura, que incluso fue definida como «un templo de las musas» por el teólogo Luigi Rossi, ^{[ 26 ]} elogiada por el «vestíbulo de estilo romano» y el «peristilo arquitrabado de estilo antiguo» por Ambrogio Mazenta ^{[ 27 ]} o comparada con la arquitectura de la Roma imperial por su «solidez y majestuosidad» por Girolamo Borsieri. ^{[ 28 ]}

La primera estructura fue la biblioteca en 1609; ^{[ 22 ]} en el momento de su apertura contaba con quince mil manuscritos y treinta mil obras impresas, ^{[ 29 ] [ 30 ]} muchas de las cuales habían pertenecido previamente a la vasta colección privada del Cardenal Borromeo, que incluía artículos de Europa y Asia: fue una de las primeras bibliotecas públicas de Europa, y la actividad bibliotecaria se complementó con una imprenta y una escuela para el estudio de lenguas clásicas y orientales; ^{[ 31 ]} este fue el primer paso hacia la creación del vasto centro cultural y museístico de la Ambrosiana. ^{[ 20 ]}

La segunda estructura que apareció fue el Museo Ambrosiano, precursor de la actual Pinacoteca Ambrosiana , en 1618, creado a partir de la colección privada del Cardenal Borromeo de pinturas, grabados, esculturas y dibujos de diversos tipos: ^{[ 32 ]} la colección inicial comprendía 172 obras, casi la mitad de las cuales tenían como tema historias de la tradición cristiana o temas devocionales. ^{[ 33 ]} Este hecho no debería sorprender, ya que estaba de acuerdo con la doctrina tridentina de Borromeo, que atribuía un papel fundamental al arte en la difusión de la religión católica. ^{[ 34 ]} Sin embargo, más curiosa fue la pasión del cardenal por las pinturas de carácter naturalista, como bodegones y paisajes, en su mayoría de artistas extranjeros, ^{[ 35 ]} en cuya categoría se podía incluir menos del 30% de las obras. ^{[ 33 ]} Actualmente propiedad de la galería de arte, la vasta colección de pintura lombarda del siglo XVII, que incluye lienzos de Giulio Cesare Procaccini , Giuseppe Vermiglio , il Morazzone y Carlo Francesco Nuvolone , ^{[ 36 ]} y la sección de pintura flamenca con obras de Paul Bril y Jan Brueghel el Viejo , son particularmente notables. ^{[ 8 ] [ 37 ]}

La tercera y última institución en aparecer fue la Accademia Ambrosiana en 1620, ^{[ 38 ]} una escuela de bellas artes para la formación de jóvenes artistas: aunque la última, fue la más importante de las tres, y de hecho la biblioteca y la galería de arte fueron hechas para ser de especial utilidad para sus estudiantes. El papel de la academia fue inmediatamente claro; Federico Borromeo escribió en su estatuto: «La presente Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura fue fundada con el único propósito de ayudar a los artistas a crear obras para el culto divino mejores que las que se están haciendo actualmente»: su objetivo era la creación de una escuela de arte sacro, especialmente de pintura, que instruyera a los fieles y promoviera las doctrinas de la Iglesia católica reformada , ^{[ 34 ]} particularmente descritas en el De pictura sacra de Borromeo .

La tardía fundación de la academia se debe a que, a principios del siglo XVII, la Accademia dell'Aurora del pintor Giovanni Battista Galliani ya estaba activa en Milán, pero cerró en 1611 debido a un escándalo que lo involucró; entonces el cardenal Borromeo, habiendo adquirido el espacio necesario para ampliar el edificio Ambrosiana, comenzó a dedicarse a la creación de la nueva academia, estudiando los reglamentos y programas de las mejores escuelas de bellas artes de la época, incluyendo la Accademia dei Carracci en Bolonia , la Accademia del Disegno en Florencia y la Academia Romana de San Luca . ^{[ 39 ]} Una vez fundada, el programa habitual de los estudiantes consistía en reproducir, bajo la supervisión de los maestros, partes de obras de diversos temas a partir de pinturas, dibujos y esculturas originales utilizando diferentes tipos de técnicas y materiales: las obras terminadas se discutían luego colectivamente y las mejores eran premiadas. ^{[ 40 ]} Si bien este método estaba extendido en la mayoría de las academias, la importancia que se le daba al estudio de las obras originales de la galería de la academia, puestas a disposición de los estudiantes en cantidades mucho mayores y, a menudo, de mejor calidad que en las escuelas contemporáneas, donde era costumbre utilizar copias, grabados u obras realizadas por los propios estudiantes, fue innovadora. ^{[ 41 ]} Entre los maestros de las tres disciplinas, los más destacados fueron Cerano para la pintura, Gian Andrea Biffi para la escultura y Fabio Mangone para la arquitectura, ^{[ 42 ]} mientras que hubo colaboraciones con Camillo Procaccini y Morazzone ; ^{[ 43 ]} entre los estudiantes vale la pena mencionar a Melchiorre Gherardini , Francesco Morone , Ercole Procaccini el Joven y Daniele Crespi , ^{[ 42 ]} probablemente los más talentosos de los estudiantes de la academia.

La vida de la academia fue corta, y a principios de la década de 1730 se podría decir que la institución llegó a su fin debido a la peste, que provocó la muerte de muchos alumnos y profesores, y sobre todo la del cardenal Borromeo, aunque la academia no cerró oficialmente. Los logros de la academia son controvertidos: si bien no cabe duda de que contribuyó a la formación de muchos jóvenes artistas, algunos de gran talla como Crespi, y sobre todo a la difusión de los cánones del arte de la Contrarreforma, muchos creen que su orientación abiertamente religiosa fue su principal limitación. ^{[ 44 ]} La academia disfrutó de un breve período de actividad en la segunda mitad del siglo XVII, para luego declinar nuevamente y cerrar finalmente sus puertas en 1776. ^{[ 43 ]}

La iglesia de San José es considerada como uno de los edificios más representativos del barroco lombardo temprano, así como una de las obras maestras de Richini : ^{[ 45 ]} la iglesia representa el punto de separación de la arquitectura manierista, y también sirvió como prototipo para las iglesias barrocas en el uso de la planta longitudinal, especialmente en el norte de Italia y a veces en Europa central. ^{[ 46 ]} El proyecto fue confiado después de varias transiciones a Richini en 1607, ^{[ 47 ]} quien por primera vez se presentó como el único diseñador de un edificio importante: la razón de la innovación del proyecto es el uso del espacio, es decir, una evolución de la solución utilizada en la iglesia de Sant'Alessandro in Zebedia ^{[ 46 ]} por Lorenzo Binago , su maestro. La planta, longitudinal, está formada por la fusión de dos espacios con una planta central: el primero es de forma octogonal, obtenido como un cuadrado con esquinas redondeadas, ^{[ 48 ]} sobre el cual hay dos columnas de orden gigante que sostienen pequeños balcones; El segundo espacio, que alberga la casa parroquial , es ligeramente más pequeño y de forma cuadrada, flanqueado por dos capillas laterales; ambos espacios están unidos por un arco que espacialmente pertenece a ambos, creando una especie de unión entre ellos. ^{[ 46 ]} Para la solución de las columnas gigantes en las esquinas, Richini se inspiró en la iglesia de San Fedele de Pellegrino Tibaldi : la evolución consiste en el uso de una cúpula en lugar de una bóveda de crucería, con la que se alineó con las nuevas tendencias del barroco romano, a la vez que mantenía la continuidad con la tradición lombarda, para la cual el arquitecto optó por un tiburium octogonal. ^{[ 49 ]}

La fachada se divide en dos órdenes, ambos marcados por lesenes y columnas; el orden inferior se centra en el único portal de la iglesia, mientras que a los lados hay dos nichos que contienen estatuas; el orden superior se conecta a la base mediante dos volutas y termina en la parte superior con un frontón obtenido por superposición de una solución triangular y una curva, mientras que el orden superior se centra en un gran ventanal con elaboradas decoraciones. ^{[ 45 ]} Nuevamente, la fachada, claramente inspirada en la iglesia de Santa Susana de Carlo Maderno en las Termas de Diocleciano , está en consonancia con las tendencias emergentes del barroco romano. ^{[ 49 ]} Aunque la fachada en ese momento era solo un preludio del edificio y, por lo tanto, no fue objeto de los mismos estudios que el interior, constituyó uno de los modelos más utilizados para las fachadas de iglesias barrocas en los años siguientes. ^{[ 46 ]} En el interior, los dos espacios principales no asumen proporciones y formas preponderantes entre sí, porque Richini no solo los diseñó de tamaño similar, sino que también se preocupó por proporcionar una iluminación igual; también anticipó el dinamismo del arte barroco, nuevamente con estudios precisos sobre la luz y con el piso en el espacio octogonal con losas de mármol blanco y negro dispuestas concéntricamente. ^{[ 49 ]} Los cuatro altares de la iglesia datan de después de la inauguración del edificio en 1616, el primero en orden cronológico está dedicado a la Muerte de San José (1625) y presenta un retablo del episodio pintado por Giulio Cesare Procaccini , mientras que el retablo del Matrimonio de la Virgen de Cerano data de 1630, ^{[ 50 ] [ 51 ]} mientras que los frescos de San José de Giuseppe Vermiglio , frecuentemente mencionados en guías del siglo XVIII, se han perdido. ^{[ 52 ]}

Los otros dos altares, junto al presbiterio, datan de la segunda mitad del siglo XVII en Milán y presentan el retablo de la Predicación del Bautista, atribuido por la mayoría de los críticos a Giovanni Stefano Danedi , conocido como Montalto, mientras que el último retablo de Andrea Lanzani data de 1675 y representa el Misterio de la Huida a Egipto; en estos dos retablos, comparados con el resto de la iglesia, se puede apreciar un estilo ya marcadamente barroco, si no de principios del siglo XVIII. ^{[ 53 ]} También se registraron a finales del siglo XVII los trabajos de ebanistería de Giuseppe Garavaglia, hijo del más famoso Carlo, que, sin embargo, se perdieron en gran parte con el paso de los años, de los cuales solo se conservan el presbiterio y la fachada del órgano. ^{[ 54 ]}

Una de las primeras iglesias milanesas de estilo barroco fue la iglesia de Sant'Alessandro in Zebedia , cuyos planos de Lorenzo Binago fueron aprobados en 1601: ^{[ 55 ]} los sitios de construcción fueron finalmente concluidos en 1710 con la construcción del campanario izquierdo. ^{[ 56 ]} A pesar de la larga prolongación de las obras, se cree que en 1611 las obras debían estar en una etapa avanzada, y de hecho en ese año se celebró en el edificio la fiesta de San Carlos: una de las razones de los retrasos en la construcción fueron los signos de hundimiento de la cúpula cuando las obras se completaron en 1627, que luego fue demolida y reconstruida. ^{[ 55 ]} La iglesia tiene una planta combinada central y longitudinal, es decir, el cuerpo principal asume una forma rectangular, mientras que el interior tiene una estructura de cruz griega , con los espacios restantes organizados en cuatro capillas que están coronadas por otras tantas pequeñas cúpulas y la cúpula principal colocada sobre el centro de la planta de cruz griega; ^{[ 47 ]} La regularidad de la planta rectangular se rompe por el ábside situado en la parte posterior de la iglesia. ^{[ 56 ]} La fachada se construyó en dos períodos diferentes: el orden inferior se completó en 1623 y se organizó en tres portales intercalados con pilastras, el principal en el centro del cual está precedido por dos columnas corintias que sostienen un falso arco, en el que hay un relieve de San Alejandro que señala el diseño de la iglesia de Stefano Sampietri; también en el orden inferior se encuentran los nichos que contienen las estatuas de San Pedro y San Pablo, también de Sampietri. El orden superior se completó en el siglo XVIII según un diseño de Marcello Zucca, y consiste en un frontón mixtilino, sobre el cual se disponen estatuas de putti . ^{[ 56 ]}

El interior de la iglesia, definida como un “museo de las artes figurativas de la Lombardía del siglo XVII”, presenta una nave completamente decorada con frescos de diferentes artistas según el tema de algunos episodios bíblicos; el fresco de la cúpula representa la Gloria de Todos los Santos (1696) y fue creado por Filippo Abbiati y Federico Bianchi , al igual que el ábside y el presbiterio, que están decorados con frescos sobre el tema de Episodios de la vida de San Alejandro. ^{[ 56 ]} Las cuatro capillas están ricamente decoradas con frescos, incluyendo la pintura de la Asunción de María y el retablo de la Navità de Camillo Procaccini , y los frescos de Ángeles de Fiammenghini, la Adoración de los Magos de Moncalvo , ^{[ 57 ]} y finalmente la Decapitación de Juan el Bautista sobre lienzo de Daniele Crespi. ^{[ 58 ]} Cabe destacar, en el tema de las artes aplicadas , los confesionarios y el púlpito hechos de madera o mármol con incrustaciones . ^{[ 56 ]}

También en el centro histórico, aunque la iglesia de Sant'Antonio Abate sufrió una remodelación completa de la fachada en el período neoclásico, el interior sigue estando entre los mejores ejemplos decorativos del barroco lombardo. ^{[ 59 ]} La construcción de la iglesia se determinó en 1582 y se confió a Dionigi Campazzo, la planta tiene forma de cruz latina , y la nave y la contrafachada están frescas con el ciclo de Historias de la Vera Cruz de Giovanni Carlone , completado posteriormente por su hermano Giovanni Battista tras la muerte de Giovanni por la peste. ^{[ 60 ]} A los lados de la nave se encuentran las capillas: la capilla de San Andrés Avellino alberga el retablo del Desmayo del Beato Andrés Avellino de Francesco Cairo y está fresca por Ercole Procaccini el Joven y Filippo Abbiati; ^{[ 61 ]} También a la derecha, la capilla de la Virgen del Sufragio, obra de Carlo Buzzi, alberga el grupo escultórico del Cristo Muerto de Giuseppe Rusnati . ^{[ 62 ]} En el transepto se pueden ver lienzos de Morazzone, Annibale y Ludovico Carracci , mientras que la bóveda está decorada con frescos de Tanzio da Varallo . ^{[ 63 ]} En el lado izquierdo, la tercera capilla está adornada con tres lienzos de Giulio Cesare Procaccini , mientras que la segunda, diseñada por Gerolamo Quadrio, contiene otro ciclo escultórico de Rusnati y el Éxtasis de San Gaetano sobre lienzo de Cerano . ^{[ 62 ]}

En Via della Moscova se encuentra la iglesia de Sant'Angelo , construida a finales del período manierista y terminada en 1630. La fachada está dividida en dos órdenes, el inferior marcado por cuatro columnas coronadas por otras tantas estatuas, y el superior decorado por tres grandes ventanales y coronado por un tímpano; sin embargo, las intervenciones barrocas más significativas se pueden apreciar en el interior. En las capillas laterales se encuentran las pinturas del Éxtasis de San Carlos Borromeo de Morazzone , el Matrimonio de la Virgen de Camillo Procaccini, y los frescos que representan las Historias de Sansón en la primera capilla de la izquierda, completamente decorada por Panfilo Nuvolone , padre de Carlo Francesco . En las paredes del presbiterio y el coro están pintadas las cuatro Historias de la Virgen de Simone Barabino y la Asunción de Camillo Procaccini; Finalmente, la sacristía es de considerable interés, ya que contiene la luneta de Giulio Cesare Procaccini del Cristo muerto llorado por ángeles, considerada una de sus mejores obras. ^{[ 64 ]}

También de principios del siglo XVII son la iglesia de Santa Maria Podone diseñada por Fabio Mangone y la iglesia de San Sisto. En aquel entonces fuera de las murallas de la ciudad, ahora en las afueras, se encuentra la Cartuja de Garegnano : ^{[ 65 ]} aunque parte de la iglesia fue construida en el período manierista, gran parte del interior, construido a principios del siglo XVII, representa uno de los ejemplos más exitosos del barroco milanés. ^{[ 66 ]} La fachada se completó en 1608; en el interior, la bóveda de la nave fue decorada con frescos por Daniele Crespi con el Sacrificio de Abraham, Magdalena en éxtasis, inspirada en los frescos de Giovanni Lanfranco del Camerino degli Eremiti en el Palazzo Farnese , San Juan Bautista, más acorde con los modelos clasicistas de Emilia, y Cristo en gloria, representado según los cánones de la Contrarreforma , ^{[ 67 ]} a los que se añaden varias figuras de monjes cartujos; La contrafachada está pintada con las Historias de San Bruno ^{[ 66 ] [ 68 ]} también de Crespi: estas representaciones se consideran entre las mejores obras del artista. ^{[ 69 ]} También en la iglesia se encuentran los retablos de la Aparición de Cristo a Santa Catalina de Siena de Camillo Procaccini, y San Bruno entre San Hugo de Grenoble y San Carlos Borromeo de Genovesino . ^{[ 70 ]}

Los protagonistas de la pintura barroca milanesa temprana son, como ya se ha especificado, Cerano , Giulio Cesare Procaccini y Morazzone . ^{[ 4 ]} Estas tres figuras fueron los principales autores de los Quadroni de San Carlos , uno de los ciclos de pinturas más importantes del barroco milanés temprano.

Los Quadroni de San Carlos consisten en dos ciclos pictóricos que narran episodios de la vida de San Carlos Borromeo , una de las figuras principales del Concilio de Trento y la Contrarreforma : estos ciclos fueron encargados en estrecha relación con la propuesta de canonización del Cardenal Borromeo: ^{[ 71 ]} estaban destinados a mostrar a través de un camino iconográfico la ejemplaridad de la vida de Carlos Borromeo. El primer ciclo, realizado entre 1602 y 1604, incluía veinte lienzos, a los que se añadieron algunos posteriormente, que abarcan desde descripciones de las actividades públicas del cardenal, como la difusión de las doctrinas de la Contrarreforma y las visitas a las víctimas de la peste, hasta la vida privada, como episodios de caridad y penitencia; Las pinturas presentan el trabajo de los mencionados Cerano y Morazzone, a quienes se unieron Paolo Camillo Landriani , conocido como el Duchino, Giovanni Battista della Rovere, conocido como el Fiammenghino, y otros artistas menores como Carlo Antonio Procaccini , primo del más famoso Giulio Cesare, y Domenico Pellegrini . ^{[ 72 ]} El segundo ciclo de los Quadroni data de 1610, después de que se hubiera realizado la canonización, y tiene como tema los milagros del santo: consta de veinticuatro pinturas al temple; Cerano, Giulio Cesare Procaccini y Duchino hicieron seis cada uno, mientras que los demás fueron hechos por maestros menores, como Giorgio Noyes y Carlo Buzzi: ^{[ 73 ]} algunos lienzos adicionales serían encargados hacia finales del siglo XVII.

Aunque los Quadroni de St. Charles en su conjunto constituyen uno de los ciclos pictóricos más representativos del arte barroco milanés temprano, los críticos suelen estar divididos en cuanto a la uniformidad de la calidad de las ejecuciones: mientras que las obras de Cerano son elogiadas por la crítica por su excelente resultado, ^{[ 71 ]} Duchino y Fiammenghino no logran el mismo consenso, y las obras de Carlo Antonio Procaccini y Domenico Pellegrini rara vez se consideran de la misma calidad que las de los artistas anteriores. ^{[ 72 ]}

Por otro lado, una obra maestra de la pintura lombarda del siglo XVII es el cuadro El martirio de las santas Rufina y Secunda, más conocido como el Cuadro de las tres manos, ya que fue producido en colaboración entre Cerano, Giulio Cesare Procaccini y Morazzone, ^{[ 4 ]} es decir, los principales pintores de la época. El cuadro representa el martirio de dos jóvenes hermanas en la época de la Roma imperial y puede dividirse idealmente en las tres partes en las que trabajaron los pintores: en el centro, el verdugo sosteniendo una espada ancha, sus ayudantes y el ángel con la palma del martirio es obra de Morazzone; Procaccini se encargó de la derecha de Santa Rufina y el ángel que la consuela; a Cerano se le atribuye la parte izquierda que muestra al jinete, a Santa Secunda ya decapitada y al ángel que sostiene un perro a punto de saltar sobre la cabeza de la santa. ^{[ 74 ]} Analizando las trayectorias y estilos de los artistas, el mecenas, Scipione Toso, confió cada una de las partes del cuadro según los temas y estilos más adecuados para los pintores: mientras que Cerano era particularmente hábil para dar un tono dramático a la obra, Procaccini supo representar adecuadamente la esperanza cristiana, mientras que Morazzone se distinguió por un carácter más enérgico y dinámico de su representación. ^{[ 75 ]}

Finalmente, los artistas mencionados anteriormente participaron en la limitada tendencia del retrato: la colección más famosa del período es la de los benefactores del Ospedale Maggiore , en la que destacan Daniele Crespi y Tanzio da Varallo con sus retratos de Pozzobonelli y Francesco Pagano. ^{[ 76 ]}

A principios del siglo XVII, las comisiones religiosas superaban con creces en número a las civiles: aunque en menor cantidad que los edificios religiosos y el arte sacro, también se construyeron palacios civiles, a menudo todavía vinculados a comisiones religiosas.

El mayor ejemplo de arquitectura civil de la época es el Palazzo del Senato , encargado en 1608 por Federico Borromeo para albergar el Collegio Elvetico : ^{[ 77 ]} el proyecto fue asignado originalmente a Fabio Mangone y retomado veinte años después por Richini . ^{[ 78 ]} Una característica particular del palacio es la parte central de la fachada cóncava, diseñada por Richini, que se aparta del estilo milanés más sobrio, acercándose a un barroco romano más ornamentado. ^{[ 79 ]} En el interior hay dos patios con formas clásicas de Mangone, definidos por un doble orden de logias con arquitrabes . ^{[ 78 ] [ 80 ]}

Iniciada por orden de Francesco Sforza , la obra del Ospedale Maggiore de Filarete , que había estado paralizada durante muchos años, se reabrió en 1624 gracias a un generoso legado de un particular: los proyectos de renovación se confiaron nuevamente a Richini y Fabio Mangone, quienes fueron responsables de la parte central de la fachada y del gran portal barroco ^{[ 81 ]} con tímpano , flanqueado por nichos con estatuas, y de la remodelación del patio principal con un doble orden de logias arqueadas con decoraciones de mármol y terracota; ^{[ 82 ]} artistas como Camillo Procaccini y Cerano también participaron en la obra y en los diseños para las obras. ^{[ 76 ]}

Finalmente, cabe mencionar el Palacio del Capitán de Justicia, cuya construcción se inició en el siglo XVI y que sufrió numerosas remodelaciones y ampliaciones a lo largo de los años: de las intervenciones del siglo XVII, se conservan la fachada, con su elaborado portal, y el patio de la logia de sillería. ^{[ 83 ]}

En comparación con principios del siglo XVII, las obras de construcción religiosa ya no tenían la misma vitalidad que en la época de Federico Borromeo , aunque seguían representando los encargos más importantes del período; sin embargo, se favorecía más la decoración de interiores de iglesias existentes que la construcción de nuevos edificios.

La construcción de la iglesia de Santa Maria della Passione ^{[ 84 ]} comenzó en el siglo XVI, disminuyendo su intensidad con el paso de los años, para luego recuperar su vitalidad en el siglo XVII, ^{[ 85 ]} por lo que la iglesia presenta una mezcla de arte barroco y renacentista lombardo. La fachada de la iglesia, que data de 1692 y fue diseñada por Giuseppe Rusnati , ^{[ 86 ]} está marcada por cuatro pilastras: ^{[ 87 ]} en los extremos hay dos nichos típicamente barrocos, mientras que los otros tres espacios marcados por las pilastras están decorados con altorrelieves que representan la Flagelación, la Coronación de Espinas y el Descendimiento; ^{[ 86 ]} es particularmente notable la similitud con la iglesia de Sant'Alessandro in Zebedia por los putti colocados en los laterales de la fachada. ^{[ 88 ]} Las decoraciones interiores datan en su mayoría de principios del siglo XVII. En la nave en la base de la cúpula está el ciclo de las Historias de la Pasión de Daniele Crespi ; en el pasillo derecho, la tercera capilla alberga el lienzo de Giulio Cesare Procaccini que representa a Cristo en el Pilar, mientras que la quinta capilla tiene los lienzos de Ester y Asuero y Nuestra Señora del Rosario entre Santo Domingo y Santa Catalina de Siena de Giuseppe Nuvolone . ^{[ 86 ]} El pasillo izquierdo alberga los lienzos de Camillo Procaccini, fechados en 1610, de San Francisco recibiendo los estigmas y Cristo en el Huerto de los Olivos, así como el Funeral de Thomas Becket, obra de Giuseppe Vermiglio , también en lienzo (1625); la cuarta capilla presenta la Virgen y los Santos de Duchino , y la Flagelación y Cristo en el Huerto de los Olivos de Enea Salmeggia conocido como Talpino; ^{[ 89 ]} Finalmente, en la primera capilla se encuentra la famosa pintura del Ayuno de San Carlos de Daniele Crespi, que, respetando cuidadosamente los dictados artísticos indicados por Carlos Borromeo , pretende representar en su esencia la excelsa moral y religiosa del santo. ^{[ 90 ]}

El otro gran logro del período fue la iglesia de Santa Maria alla Porta , completamente reconstruida sobre la antigua iglesia que data del siglo XII: el proyecto fue inicialmente elaborado por Francesco Maria Richini a partir de 1652, y luego pasó a la muerte del arquitecto en 1658 a Francesco Borromini , quien terminó el proyecto, siendo en particular responsable del portal principal. ^{[ 91 ]} La fachada bastante esbelta está dividida en dos órdenes, jónico y corintio respectivamente, unidos por volutas y terminando con un tímpano en el que hay estatuas de la Virgen y dos ángeles; en la fachada en los lados hay nichos, mientras que la parte central está más decorada, con el portal principal arquitrabado ^{[ 92 ]} coronado por un relieve de Carlo Simonetta de la Coronación de la Virgen de 1670; el orden superior está luego decorado con una gran ventana barroca tardía. ^{[ 93 ]} El interior consta de una sola nave con capillas laterales introducidas por ventanas serlianas , que termina en el presbiterio que contiene una cúpula con linterna ^{[ 92 ]} atribuida a Gerolamo Quadrio; en el tambor hay nichos con esculturas de ángeles de Giuseppe Vismara y Carlo Simonetta que datan de 1662. Destaca entre las cuatro capillas la primera del lado derecho, diseñada por Giuseppe Quadrio, con las obras Gloria y Ángeles también de Simonetta: constituye uno de los mejores ejemplos de escultura del segundo siglo XVII lombardo. ^{[ 93 ]}

También de este período es la iglesia de San Nicolao , reconstruida a partir de 1660 tras la demolición de una iglesia preexistente por Gerolamo Quadrio y Giovan Battista Paggi . La iglesia es bastante sobria tanto por dentro como por fuera, pero contiene uno de los pocos ejemplos de pintura napolitana en la ciudad, concretamente un lienzo de San Nicolás de Massimo Stanzione , donado en el momento de la consagración de la iglesia por el consejero del rey de España, Matteo Rosales. ^{[ 93 ]} El exterior de la iglesia de Santa Maria della Vittoria ha sido completamente remodelado, especialmente la fachada del siglo XX; el interior, sin embargo, destaca por el lienzo de San Pedro liberado de prisión de Giovanni Ghisolfi y los ángeles de mármol de Antonio Raggi ^{[ 94 ]} ambos situados cerca del altar derecho, mientras que en el altar izquierdo se encuentran el lienzo de San Carlos comunicándose con las víctimas de la peste de Giacinto Brandi y otros dos ángeles de mármol de Dionigi Bussola . ^{[ 95 ]}

De particular importancia es la remodelación del interior de la iglesia de San Marcos , modificada a partir de 1690, en la que se construyeron los pilares actuales, la bóveda de cañón anterior de la nave fue reemplazada por un techo de cerchas y se construyó la cúpula: ^{[ 96 ]} la planta tiene forma de cruz latina y está dividida en tres naves, a cuyos lados se encuentran las numerosas capillas que datan de varios períodos. En el transepto derecho se encuentra el fresco Alejandro V instituye la orden de los agustinos de Fiammenghini, ^{[ 97 ]} mientras que en la capilla de San Agustín hay lienzos de Federico Bianchi y Paolo Pagani ; en las paredes laterales del presbiterio hay lienzos de historias de San Agustín de Cerano y Camillo Procaccini , así como frescos de Genovesino y el retablo de San Agustín de Ercole Procaccini el Viejo . En el transepto izquierdo se encuentran obras de autores posteriores: en la Capilla de la Piedad, a ambos lados de la cual hay lienzos de Antonio Busca y Ercole Procaccini el Joven, quien también es responsable de los frescos de la Historia de la Pasión en el arco de entrada; en el interior hay estucos y frescos de Montalto, mientras que en la pared opuesta a la capilla se encuentran frescos de la Adoración de la Sagrada Banda y San Agustín lavando los pies de Cristo vestido de peregrino, de Legnanino. En la nave lateral izquierda se encuentra Cristo apareciéndose a San Jerónimo traduciendo las Sagradas Escrituras, de Legnanino, la Virgen y los santos Pedro y Antonio, de Camillo Procaccini, y una Transfiguración, de Giulio Cesare Procaccini . ^{[ 98 ]}

Finalmente, cabe destacar algunas restauraciones realizadas por Gerolamo Quadrio en la iglesia de Santa Maria del Carmine entre 1673 y 1676 ^{[ 99 ]} y el coro de nogal de Carlo Garavaglia de 1645 que representa episodios de la vida de San Bernardo en la abadía de Chiaravalle . ^{[ 69 ]}

Si bien en la segunda mitad del siglo XVII en Milán se observó un creciente interés por la arquitectura civil en comparación con la primera mitad del siglo, el predominio del arte religioso no disminuyó, especialmente si se tiene en cuenta que muchos palacios contaban con un encargo religioso.

Entre los encargos religiosos se encuentra el Seminario Arzobispal , en particular la entrada, un ejemplo perfecto de portal barroco , ^{[ 100 ]} que fue diseñado por Richini en 1652: ^{[ 86 ]} compuesto de sillería lisa y coronado por un arquitrabe trapezoidal, tiene dos cariátides que representan la Esperanza y la Caridad en sus lados. ^{[ 101 ]} Por otro lado, para el uso de las escuelas de los Barnabitas , se construyó el Collegio di Sant'Alessandro, basado en un diseño de Lorenzo Binago ^{[ 102 ]} y construido entre 1663 y 1684; ^{[ 103 ]} La fachada de estilo barroco tardío, a veces atribuida a Borromini , se divide en dos órdenes: en la planta baja, el portal con arquitrabe curvilíneo decorado en los laterales con dos cartelas curvas ^{[ 58 ]} tiene un impacto inmediato, mientras que en la planta superior las ventanas tienen medallones que representan alegorías relacionadas con la cultura en los frontones mixtilineales. ^{[ 103 ]} Andrea Biffi realizó cambios menores en el Palacio Arzobispal, y finalizó sus modificaciones en el patio interior en 1680. ^{[ 83 ]}

A pocos minutos a pie del Palacio Arzobispal se encuentra el Palazzo Durini: encargado en 1645 por el comerciante y banquero Giovan Battista Durini, el proyecto fue asignado a Richini ; ^{[ 104 ]} el palacio es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura del siglo XVII en la ciudad. ^{[ 85 ]} La fachada, como era una tradición establecida en la ciudad, es bastante sobria y lineal en comparación con los estilos barrocos de otras ciudades de Italia ^{[ 105 ] [ 106 ]} y está centrada en un monumental portal de entrada de sillería que sostiene un balcón igualmente monumental en el piano nobile , donde grandes ventanas decoradas con tímpanos triangulares y curvilíneos alternados están decoradas con soportes en la base en forma de mascarón , un patrón que se repite en la cornisa . ^{[ 85 ]} Los interiores también son dignos de mención: desde la gran escalera de mármol rojo que conduce a la planta principal, se accede a la antecámara decorada con trampantojo y, tras pasar por una serie de salas decoradas con medallones pintados, se llega al Salón de Honor, decorado con frescos del Triunfo de Eros de la escuela lombarda; también en la planta principal, se pueden admirar los techos de madera tallada del demolido Palacio Arnaboldi. ^{[ 107 ]}

Completado en la cuarta década del siglo XVII, el Palazzo Annoni ^{[ 108 ]} fue reconstruido una vez más según un diseño de Filippo Maria Richini; la fachada, adornada en la planta baja con un zócalo de sillería, se centra en la puerta de entrada insertada entre dos columnas salientes de orden jónico que sostienen el balcón en el piano nobile ; en el piso superior, grandes ventanas con frontones triangulares o curvilíneos alternados presentan balaustradas ; ^{[ 109 ]} finalmente, la fachada está bordeada por lesenes de sillería . ^{[ 62 ]} Se accede al patio interior, construido repitiendo la decoración exterior, a través de la puerta original de hierro forjado. ^{[ 109 ]} En el siglo XVIII, el palacio albergaba una rica biblioteca y la galería de arte privada de los Annoni, que incluía, entre otras cosas, pinturas de Rubens , Gaudenzio Ferrari y Antoon van Dyck , confiscadas por los austriacos en 1848. ^{[ 110 ]}

Frente al Palazzo Annoni se encuentra el Palazzo Acerbi , que data de principios del siglo XVII, aunque fue profundamente renovado durante los años de la gran peste: la fachada, bastante modesta en comparación con la de enfrente, fue embellecida en el siglo XVIII con pequeños balcones curvilíneos y máscaras ornamentales con figuras de leones cerca del portal de entrada, mientras que en el interior, tras el primer patio sobrio con arquitrabes, destaca el segundo patio de estilo rococó . ^{[ 111 ]} Precisamente debido a la posición opuesta de los dos palacios, hacia la segunda mitad del siglo XVII se produjo una batalla de «suntuosidad» entre las familias Annoni y Acerbi: la primera quedó impresionada por la riqueza de las renovaciones de los Acerbi y no quiso quedarse atrás; así comenzó un largo duelo de renovaciones y obras en los palacios destinado a definir cuál de las dos familias era más rica y poderosa. ^{[ 112 ] [ 113 ]}

El palacio de las Scuole Palatine estaba destinado al uso público y se construyó sobre el terreno de un palacio que se había incendiado: ^{[ 114 ]} las obras comenzaron en 1644 según un diseño de Carlo Buzzi , quien para la fachada tomó la estructura del Palazzo dei Giureconsulti . ^{[ 115 ]} De la construcción original solo se conserva la fachada, dispuesta en varios órdenes: en la planta baja hay una logia dividida por columnas pareadas, mientras que en la planta superior hay ventanas decoradas con un nicho en el centro que contiene una estatua de San Agustín de Giovan Pietro Lasagna, y más a la derecha, en el frontón que conduce a un pasaje cubierto, hay una estatua de Ausonio , también del mismo autor. ^{[ 95 ]}

Tras la muerte de los exponentes más importantes de los pintores lombardos de la "peste" de principios del siglo XVII, ^{[ 116 ]} la segunda mitad del siglo XVII vio la consolidación de su legado y la ruptura definitiva con los vínculos manieristas que se encuentran en algunas de las obras de los artistas federicianos: la mayoría de los artistas de este período fueron, de hecho, alumnos de la Academia Ambrosiana o se habían formado en los talleres de los maestros lombardos de principios del siglo XVII.

Fue Carlo Francesco Nuvolone , el mayor de los dos hermanos y discípulo de Cerano, quien marcó el punto de inflexión, mostrando en su estilo el dinamismo típico del arte barroco, ^{[ 117 ]} cuyos frescos en la iglesia de Sant'Angelo en Milán son recordados; mientras que Francesco Cairo mostró una constante evolución de estilo, ^{[ 118 ]} que se vio influenciada por sus numerosos viajes entre Turín y Roma donde también tuvo la oportunidad de compararse con exponentes de las escuelas emiliana y genovesa. Estos dos pintores, junto con Giuseppe Nuvolone , mantuvieron un intercambio constante, fruto de numerosas colaboraciones en diversos lugares, sobre todo en los Montes Sagrados Lombardos, ^{[ 119 ]} que conducirían a una evolución de la pintura sacra de principios del siglo XVII, abandonando su lenguaje exclusivamente dramático en favor de una mayor variedad narrativa. ^{[ 120 ]} La evolución de la pintura milanesa fue completada por Giovan Battista Discepoli , discípulo de Camillo Procaccini , cuya pintura estuvo más influenciada por Morazzone : también mostró una fuerte evolución estilística; entre sus obras se encuentran los lienzos de la iglesia de San Vittore al Corpo y la Adoración de los Magos, que alguna vez estuvo en la iglesia demolida de San Marcellino. ^{[ 118 ]}

Con la muerte de Carlo Francesco Nuvolone de El Cairo, y gracias a la influencia del recién elegido Papa Clemente IX y sus relaciones con el Arzobispo Alfonso Litta , el arte lombardo experimentó un acercamiento con el arte romano hacia un estilo más marcadamente barroco; esto contribuyó a que artistas romanos como Salvator Rosa y Pier Francesco Mola llegaran a Milán, mientras que los viajes de jóvenes artistas a Roma, incluidos los de Giovanni Ghisolfi y Antonio Busca , volvieron a ser favorecidos, lo que condujo a una nueva modernización del ambiente artístico milanés; no es casualidad que Antonio Busca fuera nombrado posteriormente director de la Accademia Ambrosiana. ^{[ 121 ]} Con esta última, se establecieron dos corrientes que persistirían también en el siglo XVIII: una corriente más clasicista, característica de Busca, contrastada con un estilo más exuberante e imaginativo de la madurez de Giuseppe Nuvolone, trasladando a la ciudad ambrosiana la misma controversia entre los dos estilos del ambiente romano. ^{[ 121 ]}

Muchos años después de los pintores de la peste, se produjo un pequeño resurgimiento de la tradición pictórica borromea; en particular, las obras de Giorgio Bonola y Andrea Lanzani , que favorecían una orientación más clasicista, y Filippo Abbiati , cuyo estilo era abiertamente barroco, se sumaron a la ya vasta obra de los Quadroni de San Carlos , y más tarde a las obras de Giacomo Parravicini : Abbiati y Lanzani continuarían esta dualidad entre clasicismo y barroco a principios del siglo XVIII. Muchos de estos artistas ya estaban en contacto para el encargo del ciclo de la vida de San Roque para la iglesia de San Rocco en Miasino , donde trabajaron Bonola, Abbiati, Lanzani y Giuseppe Nuvolone. ^{[ 122 ]} En los últimos años del siglo XVII, destaca la obra temprana de Stefano Legnani , conocido como Legnanino, y Sebastiano Ricci : ^{[ 123 ]} la obra de estos, sin embargo, se hace coincidir y se pone en continuidad con el siglo XVIII lombardo.

Como en la primera mitad del siglo, la galería de arte de los benefactores del Ospedale Maggiore reúne los mejores ejemplos del retrato milanés de la segunda mitad del siglo XVII; a través de estas pinturas se puede observar la evolución hacia un estilo barroco más maduro: los mejores ejemplos se atribuyen a Giuseppe Nuvolone. ^{[ 76 ]}

El Palazzo Litta representa, junto con el Palazzo Clerici, el mejor ejemplo de arquitectura barroca del siglo XVIII en la ciudad. Construido en el siglo XVII, el proyecto fue confiado una vez más a Richini , pero no se completó hasta 1752, cuando Bartolomeo Bolli fue responsable del diseño de su imponente fachada. ^{[ 124 ]} El palacio consta de tres cuerpos: el cuerpo principal en el centro se asienta en tres pisos, marcado por seis pilastras de orden corintio , es más decorado y ligeramente más saliente que los otros dos cuerpos laterales simétricos, que tienen solo dos pisos de altura. ^{[ 125 ]} En la planta baja, el portal central toma formas monumentales, bordeado por dos cariátides gigantes ^{[ 126 ]} que sostienen un balcón convexo: ^{[ 127 ]} esta forma se repite en los balcones laterales del segundo piso. ^{[ 124 ]} Cada piso tiene ventanas ricamente decoradas con tímpanos curvilíneos, con diferentes decoraciones: en el piso principal, se pueden ver marcos decorados con volutas dobles que contienen cabezas de león; las ventanas del piso superior tienen parapetos de hierro forjado. El cuerpo central está coronado por un gran ático mixtillineal , con el escudo de armas de la familia Litta esculpido en el interior, sostenido por dos moros: ^{[ 125 ]} la construcción de este ático se atribuye a veces a los entonces desempleados trabajadores de la Fabbrica del Duomo Elia Vincenzo Buzzi, Carlo Domenico Pozzo y Giuseppe Perego.

Al cruzar la entrada, se llega al patio principal de estilo decimonónico, atribuido a Richini; tiene una planta cuadrada cerrada en sus cuatro lados por pórticos de bóveda de cañón , sostenidos por columnas de granito con arquitrabes decorados con capiteles con guirnaldas ; ^{[ 128 ]} continuando a la izquierda, se accede a la monumental escalera doble, construida por Carlo Giuseppe Merlo en 1750 en granito rosa de Baveno con un parapeto de mármol rojo de Arzo y mármol negro de Varenna . ^{[ 125 ]} Los interiores se encuentran entre los más lujosos de la escena milanesa, con suelos incrustados, estuco y decoraciones de mármol, así como frescos. ^{[ 124 ]} Entre las salas más notables se encuentra el salón central, o Salón de los Espejos, adornado con espejos dorados de estilo rococó y fresco con la Apoteosis de una Litta de Giovanni Antonio Cucchi ; El Salón Rojo, amueblado con damascos rojo púrpura, frescos en trampantojo y con suelos de mosaico; el Salón Amarillo, que toma su nombre de los colores de las telas con las que está amueblado; y la Habitación de la Duquesa, que aún conserva el mobiliario original de la época barroca; finalmente, se encuentra el cuadro «El matrimonio de Plutón y Proserpina», obra de Martin Knoller, en un salón menor. ^{[ 129 ]}

Por último, cabe destacar el patio del reloj, que recibe su nombre del característico reloj que allí se encuentra, y la antigua capilla privada de la familia Litta, situada en la planta baja del palacio y posteriormente transformada en el teatro que aún se utiliza.

El Palazzo Clerici fue una de las residencias más prestigiosas y opulentas del Milán del siglo XVIII, tanto que en 1772 se convirtió en la residencia temporal oficial del archiduque Fernando , hijo de María Teresa de Austria. ^{[ 130 ]} Diseñado por un arquitecto desconocido, ^{[ 131 ]} la fachada se asienta en tres plantas, con la parte central retranqueada del resto del cuerpo; ^{[ 132 ]} el portal central es bastante sobrio y está decorado, además del arco, por una máscara con volutas, las ventanas están decoradas con frontones curvilíneos; al cruzar una verja de hierro forjado se accede al patio con pórticos de columnas jónicas pareadas de granito rosa. ^{[ 133 ]}

Sin embargo, los críticos suelen señalar la discrepancia del exterior poco destacable, que no revela nada del lujoso interior. ^{[ 131 ]} A la derecha del patio se encuentra la gran escalera de tres tramos, en cuya balaustrada hay un desfile de estatuas colocadas en los herrajes de los tramos, mientras que la bóveda está decorada con un fresco de Mattia Bortoloni . ^{[ 134 ]} El interior alcanza su cenit en la Galería de Tapices, cuya bóveda está decorada con frescos de Giambattista Tiepolo ^{[ 133 ]} con el ciclo de frescos de la Carrera del Carro del Sol, las Alegorías de los Cuatro Continentes y las Alegorías de las Artes, consideradas entre las mayores obras del pintor veneciano; Las paredes están decoradas con tapices flamencos que datan del siglo XVII que representan Historias de Moisés ^{[ 134 ] [ 135 ]} y espejos tallados en madera por Giuseppe Cavanna, que representan escenas de Jerusalén liberada.

La galería, que no era lo suficientemente grande para el pintor, probablemente fue excavada en una estructura preexistente: este encargo probablemente sirvió para completar el ascenso social que la familia había estado haciendo desde el siglo XVII: en la Carrera de Carros del Sol, según el historiador de arte Michael Levey , se celebra "la salida del sol austriaco para iluminar el mundo", o el mecenazgo de la familia, dado el papel de Apolo y Mercurio como protectores de las ciencias. ^{[ 136 ]} En la Sala del Mariscal hay decoraciones de estuco de Giuseppe Cavanna con los Trabajos de Hércules y Historias Mitológicas; también en la sala del llamado Tocador de María Teresa hay decoraciones hechas por el tallador.

Entre las décadas de 1830 y 1840 se encuentran frescos en otras salas del palacio, obra de Giovanni Angelo Borroni , con una escena olímpica del rapto de Ganímedes y la apoteosis de Hércules, ^{[ 135 ]} y de Mattia Bortoloni , a quien se le atribuyen el medallón de la bóveda de la gran escalera, los frescos de la Alegoría de los Vientos y otra escena de la apoteosis en los aposentos privados del mecenas, en la que, en un desfile de dioses olímpicos, se vislumbra un Júpiter con los rasgos de Antonio Giorgio Clerici; también de Bortoloni es el fresco de la Galería de Pinturas, que celebra el buen gobierno austriaco y a María Teresa de Austria. ^{[ 137 ]}

Además del Palazzo Clerici, Tiepolo trabajó en muchas otras construcciones milanesas de la época. Otra obra significativa del artista fue el Palazzo Dugnani ; el palacio tiene dos fachadas: la exterior se presenta como más simple y sin decoración, mientras que la fachada interior, con vistas a los jardines de Porta Venezia , es decididamente más variada y articulada. ^{[ 138 ]} El palacio, dividido en tres partes, presenta el cuerpo central retranqueado de las dos partes laterales, en cuya planta baja hay un pórtico y la planta superior consta de una logia , coronada por un cimacio de piedra ; esta estructura se repite luego en los dos cuerpos laterales. ^{[ 139 ]} En el salón de honor, se pueden ver ciclos de frescos de la Vida de Escipión en las paredes, mientras que la bóveda representa la Apoteosis de Escipión, en la que se puede apreciar la intención autocelebratoria de Giuseppe Casati, entonces propietario del palacio y mecenas. ^{[ 140 ]}

Se diferencia del estilo de las típicas mansiones milanesas como el Palazzo Cusani : la razón se encuentra en el diseño de Giovanni Ruggeri, un arquitecto de Roma que importó el barroco romano más animado a su obra, ya reconocible en el zócalo de piedra toscamente imitada en la planta baja. ^{[ 141 ]} El palacio se distribuye en tres plantas, puntuadas por lesenes corintias , y cuenta con dos portales de entrada idénticos; las ventanas de la planta baja y principal están ricamente decoradas con frontones y tímpanos curvilíneos, triangulares y mixtos, y a menudo están decoradas además con conchas y elementos vegetales; las puertas francesas llevan el escudo de la familia Cusani. ^{[ 142 ]} En la planta superior las ventanas son de menor escala y tienen frontones mixtos; todo termina en una rica balaustrada .

El Palazzo Sormani , que data del siglo XVII pero fue remodelado en gran medida en la primera mitad del siglo XVIII , alberga la biblioteca municipal central de Milán. ^{[ 143 ]} El palacio tiene dos fachadas decoradas diferentes; la fachada que da al Corso di Porta Vittoria es obra de Francesco Croce : la fachada tiene un portal arqueado en el centro rematado por un balcón mixtilino, las ventanas de la planta baja están coronadas por ventanas de marco ovalado y en el piano nobile por frontones con motivos triangulares y curvilíneos alternados. ^{[ 144 ]} El piano nobile también alberga dos terrazas laterales y está rematado por un tímpano curvilíneo; la fachada que da al jardín es de fecha posterior y tiene una apariencia más sobria, precursora del neoclasicismo. ^{[ 143 ]} El interior aún conserva la monumental escalera de piedra y alberga la serie de pinturas que representan a Orfeo encantando animales de la colección de la familia Verri, tradicionalmente atribuidas a Giovanni Benedetto Castiglione , ^{[ 145 ]} conocido como Il Grechetto.

El Palazzo Visconti di Modrone fue encargado en 1715 por el conde español Giuseppe Bolagnos. La fachada tiene tres plantas y está marcada verticalmente por cuatro lesenes, y se centra en el portal rectangular delimitado por dos columnas de granito que sostienen un balcón de piedra. ^{[ 146 ]} Como es típico en otras arquitecturas de la época, las distintas plantas tienen decoraciones de ventanas diferentes para cada una, y destacan especialmente las del piano nobile coronadas con volutas dobles, ^{[ 147 ]} mientras que en la planta superior algunas ventanas tienen pequeños balcones. El patio interior, además de la clásica solución de patio rectangular con pórticos de columnas pareadas, tiene un balcón que recorre toda la segunda planta: una disposición extremadamente rara en la construcción lombarda de la época. ^{[ 146 ]} El salón de baile con frescos trampantojo que representan escenas mitológicas de Nicola Bertuzzi aún se conserva. ^{[ 104 ]}

Otros palacios barrocos de la época, aunque menos llamativos en el exterior que los mencionados anteriormente, son el Palazzo Trivulzio, que destaca por el área cercana al portal de entrada en contraste con la sobriedad del resto del palacio ^{[ 148 ]} y el Palazzo Olivazzi, cuyo portal de entrada consiste en una especie de nicho gigante, construido para facilitar la entrada de carruajes, y por el trampantojo en el patio. ^{[ 149 ]}

A pesar del resurgimiento y el predominio de las residencias urbanas privadas, la arquitectura sacra de principios del siglo XVIII seguía muy presente en la ciudad.

La iglesia de San Francisco de Paula data de 1728, y aunque la fachada no se completó hasta un siglo después, se construyó respetando el estilo barroco original. La fachada es curva y está dividida en dos órdenes separadas por una cornisa bastante saliente; el segundo piso tiene tres portales rematados por frontones o ventanas elípticas, y está salpicado por ocho lesenes corintias . El orden superior tiene a sus lados dos terrazas con balaustradas que sostienen dos estatuas de la Fe y la Esperanza; en el centro hay una vidriera ricamente decorada, coronada por un escudo de armas con el lema « CHARITAS » de la santa patrona de la iglesia. ^{[ 142 ]}

El interior consta de una sola nave: destacan el órgano barroco de la contrafachada, los frescos de la bóveda de Carlo Maria Giudici que representan la Gloria de San Francisco de Paula, y los óvalos de mármol de Giuseppe Perego. El altar mayor, de formas monumentales, obra del arquitecto Giuseppe Buzzi de Viggiù y realizado en mármol policromado, data de 1753. ^{[ 150 ]}

Más famosa por su singularidad que por su valor artístico, la iglesia de San Bernardino alle Ossa se terminó en 1750 según un diseño del arquitecto Carlo Giuseppe Merlo , quien concibió una estructura con planta central coronada por una cúpula octogonal: ^{[ 151 ]} la iglesia tiene una sola nave y cuenta con dos capillas dedicadas a Santa María Magdalena y Santa Rosalía , ambas decoradas con altares de mármol. La fachada es lo que queda de la antigua iglesia que fue destruida en un incendio, obra de Carlo Buzzi , y se asemeja más a un palacio que a una iglesia: dividida en tres órdenes, el primero en la planta baja tiene portales y ventanas adornados con frontones en espiral, mientras que los órdenes superiores tienen frontones de hastial partido. ^{[ 152 ]}

Dentro de la iglesia, a la derecha, se encuentra la parte más peculiar del complejo, el osario: además del suntuoso altar de mármol de Gerolamo Cattaneo y los frescos de la bóveda de Sebastiano Ricci que representan el Triunfo de las Almas entre los Ángeles (1695), se pueden ver las paredes casi completamente cubiertas de cráneos y huesos humanos, que en ocasiones forman auténticos motivos y decoraciones. ^{[ 151 ] [ 153 ]}

La iglesia de Santa Maria della Sanità , que quedó inacabada, se comenzó a construir a finales del siglo XVII, pero fue rediseñada y completada por Carlo Federico Pietrasanta a principios del siglo XVIII: su carácter inacabado es inmediatamente visible en la fachada de ladrillo y sin decoraciones, ^{[ 154 ]} sin embargo, se reconoce fácilmente por la alternancia de concavidad y convexidad y la peculiar forma de «violonchelo», así como por el frontón en forma de «sombrero de tres picos de mariscal» . El interior cuenta con una sola nave de planta elíptica y cinco capillas, ^{[ 155 ]} entre las que destaca la dedicada a San Camilo de Lellis, con un altar de mármol con incrustaciones de bronce y una pintura de la Asunción en el coro, además de un fresco de la Asunción de la Virgen (1717) en la bóveda, obra de Pietro Maggi. ^{[ 146 ]}

La iglesia de San Pedro Celestino, diseñada por Mario Bianchi en 1735, se erigió sobre un antiguo monasterio del siglo XIV. La fachada es curva, con una disposición bastante similar a la de San Francisco de Paula; construida en arenisca, fue necesaria una restauración a principios del siglo XX, que consistió en la reconstrucción de la fachada en hormigón decorativo. ^{[ 156 ]} La fachada se diferencia de la iglesia de San Francisco de Paula por las columnas ornamentadas del portal, coronadas por una escultura del santo titular de la iglesia, y el cimacio ricamente decorado con volutas. El interior consta de una sola nave con lesenes, con cinco capillas laterales; sobre el altar mayor del siglo XVIII se encuentra un conjunto de esculturas de ángeles en mármol de Carrara ^{[ 138 ]} y una pintura de finales del siglo XVI de Giovanni Battista Trotti que representa a Jesucristo y María Magdalena. ^{[ 156 ]}

En cambio, para uso del Ospedale Maggiore , se erigió la iglesia de San Michele ai Nuovi Sepolcri junto con el complejo Rotonda della Besana , que durante unos ochenta años sirvió como lugar de enterramiento del complejo hospitalario milanés. ^{[ 157 ] [ 158 ]} En el exterior, los muros de ladrillo siguen una forma cuadrilobulada, ^{[ 159 ]} de ahí el nombre de rotonda , en cuyo centro se encuentra la iglesia del cementerio de planta de cruz griega , con una cúpula oculta por el tiburium octogonal , diseñado por Francesco Croce : la iglesia se construyó a partir de 1696 y el perímetro a partir de 1713. ^{[ 160 ]}

La pintura milanesa del siglo XVIII, a principios de siglo, muestra fuertes signos de continuidad con la tradición artística de finales del siglo XVII, y los protagonistas de los primeros años, de hecho, dieron sus primeros pasos a finales del siglo XVII para concluir su actividad en la primera década del siglo XVIII. ^{[ 12 ]}

Entre los nombres más importantes a principios de los dos siglos, Andrea Lanzani , que de hecho fue muy activo en toda Lombardía occidental y en Viena , puede citarse como el protagonista más ilustre de la corriente clasicista milanesa y lombarda junto con Legnanino , quien, sin embargo, estaría más influenciado por la escuela barroca genovesa, mientras que se contrastan con un trasfondo barroco más marcadamente tardío por Filippo Abbiati y Paolo Pagani con una pintura influenciada por las escuelas veneciana y lombarda. ^{[ 161 ]} La experiencia laboral milanesa de Sebastiano Ricci , donde pudo conocer y compararse con Alessandro Magnasco , debe considerarse por derecho propio: se recuerda particularmente La gloria de las almas del purgatorio en San Bernardino alle Ossa de Ricci, en la que se puede observar la influencia del correggismo de Baciccio . Una síntesis de los principales intérpretes del período antes mencionado podría haber sido el Palazzo Pagani, ahora destruido, en el que las numerosas pinturas se complementaban con los frescos de Legnanino en la Sala Grande. ^{[ 162 ]} Por otro lado, de influencias más marcadamente lombardas fue Carlo Donelli , conocido como Vimercati, discípulo de Ercole Procaccini el Joven , quien estuvo particularmente influenciado por el estilo de Daniele Crespi y Morazzone . ^{[ 163 ]}

Más tarde, después del período entre los dos siglos, las figuras de Giovan Battista Sassi , Pietro Antonio Magatti y Giovanni Angelo Borroni ^{[ 164 ]} pueden mencionarse en la pintura mitológica y alegórica, siendo particularmente notable el fresco de este último Escena Olímpica con el Rapto de Ganímedes en el Palazzo Clerici.

A partir de la tercera década del siglo XVIII, hubo un cambio en el gusto de los mecenas milaneses, que hasta entonces habían preferido a los artistas lombardos, en favor de la escuela veneciana, en la que destacan Giambattista Pittoni y Tiepolo ; del primero, que también fue muy activo fuera de la ciudad, es notable la obra de la Gloria de San Francisco de Sales en el monasterio, mientras que para Tiepolo las estancias fueron múltiples ^{[ 165 ]} y a la prerrogativa de las residencias nobiliarias de la ciudad. Su primer encargo milanés fue en el Palazzo Archinto, donde en cinco salas pintó un ciclo para celebrar la boda del mecenas, explícitamente representada en el fresco del Triunfo de las Artes y las Ciencias, que fue destruido por los bombardeos en la Segunda Guerra Mundial . El pintor fue llamado unos años más tarde al Palazzo Dugnani, donde pintó al fresco los ciclos de las Historias de Escipión y la Apoteosis de Escipión, pasando también por un breve encargo religioso de la Gloria de San Bernardo en una capilla de la iglesia de Sant'Ambrogio, ^{[ 166 ]} concluyendo su estancia en Milán con la obra maestra del Palazzo Clerici, el fresco de la Carrera de Carros del Sol con temática mitológica, del que más tarde se inspiraría para el encargo del salón imperial en la Residencia de Würzburg , también contado entre las obras maestras del Rococó . ^{[ 140 ]} La presencia de Tiepolo fue tan significativa que estableció una «tendencia tiepolesca», cuyo máximo exponente fue Biagio Bellotti , con sus ciclos pictóricos en el Palazzo Perego y el Palazzo Sormani . ^{[ 167 ]}

Al mismo nivel que la pintura histórica, mitológica y alegórica, se estableció un movimiento de pintura de género en Milán y en Lombardía. ^{[ 168 ]} Entre los principales exponentes se encuentra Alessandro Magnasco , nacido en Génova pero formado en Milán; se especializó en ciertas figuras características, como lavanderas, frailes, mendigos y soldados, utilizando un estilo definido como “pintura táctil”: además, fue admitido en la Academia de San Lucas de Milán. ^{[ 169 ]} Otro gran exponente del movimiento fue Vittore Ghislandi, conocido como Fra Galgario , cuya formación tuvo lugar entre el ambiente veneciano y milanés, a través del cual llegó a un estilo de pintura más naturalista, muy alejado de la pintura festiva: de sus estancias en Milán se pueden mencionar entre los mejores resultados el Ritratto di giovinetto (Retrato de un joven) y Gentiluomo col tricorno (Caballero con tricornio), este último considerado una obra maestra a pesar de haber sido pintado a una edad tardía “[...] con la mano algo temblorosa”, ambos conservados en los Poldi Pezzoli. ^{[ 170 ]} Completando el panorama de la pintura de género está Giacomo Ceruti , conocido como il Pitocchetto, que se dedicó principalmente a escenas sencillas, inspirado en la pintura de la realidad francesa del siglo XVII típica, por ejemplo, de Georges de La Tour : de la experiencia de Ceruti, Francesco Londonio , ^{[ 171 ]} que puede definirse como el último gran pintor del período barroco tardío en Milán, tomaría lecciones.

Por último, cabe mencionar la tradición de la galería de los benefactores del Ospedale Maggiore de Milán , que, tras haber acompañado todo el nacimiento del barroco milanés, también acompañó su conclusión, alcanzando probablemente su apogeo en los primeros veinte años del siglo XVIII con las obras de Filippo Abbiati y Andrea Porta. ^{[ 76 ]}