Chaim Koppelman

Chaim Koppelman (17 de noviembre de 1920 - 6 de diciembre de 2009) fue un artista, educador artístico y consultor del Realismo Estético estadounidense. Conocido principalmente como grabador , también realizó esculturas, pinturas y dibujos. Miembro de la Academia Nacional de Diseño desde 1978, fue presidente de la Sociedad de Artistas Gráficos Estadounidenses (SAGA), que le otorgó un Premio a la Trayectoria en 2004. ^{[ 1 ]} Fundó el Departamento de Grabado de la Escuela de Artes Visuales en 1959 y enseñó allí hasta 2007. ^{[ 2 ]}

Koppelman fue uno de los primeros discípulos del Realismo Estético, la filosofía fundada en 1941 por Eli Siegel , que se basa en el principio de que «toda belleza es la unión de opuestos, y esa unión es lo que buscamos en nosotros mismos». ^{[ 3 ]} Este principio influyó en el arte, la enseñanza y el trabajo de Koppelman como consultor de Realismo Estético. Sobre la importancia de este principio para el arte y la vida, Koppelman afirmó: «Cuando Eli Siegel demostró que lo que hace bella una obra de arte —la unidad de los opuestos— es lo mismo que desea cada individuo, fue uno de los logros más poderosos y bondadosos de la mente humana». ^{[ 4 ] [ 5 ]}

El arte de Koppelman se distingue por su originalidad, técnica magistral, humor y fuerza. ^{[ 1 ]} Está representado en la mayoría de las principales colecciones de grabados, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York , el Museo Guggenheim , el Museo Whitney , el Museo Metropolitano , la Biblioteca Pública de Nueva York , el Museo de Brooklyn , el Museo de Arte de Filadelfia , la Galería Nacional , la Institución Smithsoniana y el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en Washington, D.C., y el Museo Victoria y Alberto en Londres. ^{[ 1 ]} Una exposición retrospectiva en el Museo Napoleonico de Roma (2011-2012 ) dio a conocer su obra a un público internacional. ^{[ 6 ]}

Chaim Koppelman nació en Brooklyn , Nueva York, hijo de Sam y Sadie Koppelman, cuyas imágenes aparecen en varias de sus obras. A los 9 años, dibujó un perfil de Napoleón en un libro de geografía, y las imágenes del Emperador reaparecerían a lo largo de su extensa carrera. ^{[ 7 ]} Comenzó sus estudios de arte en las clases de la Works Progress Administration (WPA) en el Museo de Brooklyn en 1936, y continuó en el Brooklyn College , la Educational Alliance y la American Artists School . Estudió escultura con William Koss, pintura abstracta con Carl Holty y litografía con Eugene Morley. En la Art Students League, estudió escultura con Jose de Creeft y grabado con Martin Lewis y Will Barnet . ^{[ 8 ]}

A principios de la década de 1940, Koppelman trabajó en el Museo de Pintura No Objetiva en la calle 54 de Manhattan (que más tarde se convertiría en el Museo Guggenheim) con, entre otros, Jackson Pollock , Robert De Niro, Sr. , Rolph Scarlett, Lucia Autorino y Ward Jackson. Dos de sus primeros dibujos abstractos a pluma y tinta se encuentran en la colección Guggenheim. ^{[ 9 ]} La primera exposición documentada de la obra de Koppelman tuvo lugar en la Lounge Gallery del Eighth Street Playhouse en 1942 e incluyó dibujos, pinturas y esculturas. ^{[ 10 ]} Al año siguiente, realizó una exposición individual en la Outlines Gallery de Pittsburgh. ^{[ 11 ]}

En 1940, Koppelman comenzó a asistir a clases de poesía con Eli Siegel, ^{[ 12 ]} el poeta y crítico estadounidense que alcanzó notoriedad nacional en 1925, cuando su poema "Hot Afternoons Have Been in Montana" ganó el prestigioso premio de poesía de The Nation . ^{[ 13 ]} Este poema, según declaró Siegel posteriormente, surgió de una forma de ver que en 1941 se convirtió en el Realismo Estético, ^{[ 14 ]} la filosofía que sostiene que la realidad es estética y que "La resolución del conflicto en el yo es como la unión de opuestos en el arte". ^{[ 15 ]} En opinión de Koppelman, Siegel fue "el filósofo más importante del siglo XX , quizás de todos los tiempos". ^{[ 5 ]}

En las clases y lecciones de Realismo Estético, Koppelman aprendió que los problemas éticos también son problemas artísticos. Sentía que su obra sufría una lucha entre rigidez y flexibilidad. Aprendió que podía buscar la precisión en el estudio como penitencia por su descuido en otros momentos, por su deseo de evadirse de las cosas. A medida que la libertad y el orden, la verdad y la imaginación se integraban más en su vida, su arte se volvía más imaginativo. «Siempre había tenido una inclinación clásica en mi trabajo», escribió. «Pero también había en mí una rebeldía que no se había manifestado en mi obra de forma suficiente ni con gracia». Como resultado de su estudio, Koppelman observó: «La rigidez y el abandono, lo clásico y lo salvaje, incluso lo conservador y lo rebelde parecían funcionar mejor juntos», dando como resultado un arte «más imaginativo, más libre en su concepto». ^{[ 16 ]} La audacia de la imaginación y un sentido infalible del detalle fueron dos cualidades por las que la obra de Koppelman se hizo famosa. ^{[ 8 ]}

También aprendió que el arte no surge del sufrimiento ni de la depresión, sino de la esperanza de respetar y apreciar honestamente el mundo al ver los opuestos como uno solo. Este, según el realismo estético, es el deseo más profundo de toda persona, pero se contrapone al deseo de desprecio: la falsa idea de que uno se enriquece a sí mismo disminuyendo el valor de los demás. El arte de Koppelman está impregnado de su comprensión de este conflicto. Sus obras suelen ser alegorías que señalan la discrepancia entre opuestos como el orgullo y la humildad, la generosidad y el egoísmo, el idealismo y el cinismo, y la necesidad de integrarlos. «Que el arte pudiera ser un vehículo para comprender el comportamiento individual parece haber inspirado siempre el proceso creativo de Koppelman», escribió John B. Ravenal del Museo de Bellas Artes de Virginia, señalando que sus obras «ofrecen una representación íntima de detalles minuciosamente observados, mediante los cuales, paradójicamente, evocan verdades universales». ^{[ 17 ]}

En noviembre de 1942, Koppelman fue reclutado por el Ejército de los Estados Unidos y en 1943 se casó con la pintora Dorothy Myers. Trabajó como meteorólogo radiofónico durante la Segunda Guerra Mundial, guiando barcos a través de las turbulentas aguas del Canal de la Mancha , un punto crucial de la invasión de Normandía . Manejó una ametralladora antiaérea en el desembarco del Día D en la playa de Omaha y, posteriormente, como sargento de estado mayor, recibió la Estrella de Bronce . ^{[ 19 ]} Antes de la invasión, había estudiado en el Colegio de Arte del Oeste de Inglaterra en Bristol y, más tarde, en la Escuela de Bellas Artes de Reims. Durante un permiso, visitó el estudio de Picasso en París, y fueron Picasso y Louis Aragon quienes le comunicaron a Koppelman que la guerra en Europa había terminado. Cartas que describen su experiencia bélica se encuentran en los documentos de Chaim y Dorothy Koppelman en los Archivos Smithsonianos de Arte Americano. ^{[ 20 ]}

Al regresar a Nueva York, Koppelman continuó sus estudios de Realismo Estético y, gracias a la Ley de Reajuste para Veteranos (GI Bill) , estudió en la Escuela Amédée Ozenfant y se convirtió en su asistente. ^{[ 2 ]} Si bien continuó exhibiendo esculturas y dibujos, ^{[ 21 ]} también comenzó a realizar grabados, una técnica que, según él, combina la calidad del tallado de la escultura con las sutilezas de la luz y la sombra del dibujo y la pintura. ^{[ 22 ]}

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  Combate (1958) Aguatinta
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  Homenaje a Degas (1960) Grabado/Aguatinta
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  Suavidad (1962) Grabado/Aguatinta
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  Ángel en huecograbado (1966) Aguatinta

A principios de la década de 1950, Koppelman formó parte del Stanley William Hayter Atelier 17 en Nueva York. Posteriormente, trabajó en el Printmaking Workshop fundado por Robert Blackburn y Will Barnet. ^{[ 25 ]} Blackburn reconoció que Koppelman salvó el taller cuando este atravesaba dificultades financieras en 1956, al transformarlo en una cooperativa de artistas de siete miembros con cuotas anuales para mantenerlo abierto. ^{[ 26 ]}

Blackburn, Chaim y Dorothy Koppelman, ^{[ 27 ]} y Leo Katz —director del Atelier 17 después de Hayter— estuvieron entre los artistas que asistieron a las Conferencias de Belleza y las Consultas Artísticas dirigidas por Eli Siegel, clases en las que discutía el trabajo actual de artistas contemporáneos con los artistas presentes y participantes. «La profundidad de las discusiones que tuvieron lugar», escribió Koppelman más tarde, «animó a los artistas a comprender más profundamente de qué trataba su obra y cuál era su intención». ^{[ 16 ]}

En 1955, la Terrain Gallery abrió sus puertas con Dorothy Koppelman como directora fundadora. ^{[ 20 ]} Ella y Chaim Koppelman, como curador de grabados, fueron responsables de importantes exposiciones de grabados que incluyeron la obra de Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Alex Katz , Ad Reinhardt , Fay Lansner, John von Wicht, Leonard Baskin , Robert Conover, Will Barnet, Harold Krisel, Vincent Longo y otros. ^{[ 28 ]} El lema de la Terrain era la declaración de Siegel: "En realidad, los opuestos son uno; el arte lo demuestra". La galería organizó exposiciones de arte contemporáneo, con obras frecuentemente acompañadas de los comentarios de los artistas sobre las quince preguntas de Siegel, ¿ Es la belleza la unión de los opuestos?, publicadas por la Terrain y reimpresas en The Journal of Aesthetics and Art Criticism . ^{[ 29 ]} Después de exposiciones individuales en el Terrain, tanto Chaim como Dorothy Koppelman tuvieron obras incluidas en la exposición de 1962 "Recent Painting USA: The Figure" en el Museo de Arte Moderno. ^{[ 20 ] [ 30 ]}

Koppelman abrió su propio estudio y taller gráfico en 1964 en el número 498 de Broome Street, siendo pionero de la comunidad de artistas de SoHo. ^{[ 22 ]} El Broome Street Workshop permaneció abierto durante más de cuarenta años y fue utilizado y cuidado por varios artistas, entre ellos Michael DiCerbo, Sally Brody, Carl Shishido, Reynolds Tenezias y otros. ^{[ 28 ]}

Se cita a Chaim Koppelman y su obra está incluida en The Indignant Eye: The Artist as Social Critic in Prints and Drawings from the Fifteenth Century to Picasso , de Ralph E. Shikes. ^{[ 31 ]} Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo Whitney de Arte Estadounidense y del Museo de Brooklyn.

Koppelman recibió el encargo de entrevistar a Roy Lichtenstein, Richard Anuszkiewicz y Clayton Pond sobre la relevancia de la Teoría de los Opuestos de Siegel para su obra. Las grabaciones de estas entrevistas forman parte de los Archivos Smithsonianos de Arte Estadounidense. ^{[ 20 ]} Al año siguiente, aparecieron ensayos de Dorothy y Chaim Koppelman en el libro Realismo estético: Hemos estado allí : Seis artistas sobre la Teoría de los Opuestos de Siegel (Nueva York: Definition Press, 1969).

Los grabados de Koppelman fueron comparados con los de William Blake y Francisco Goya . ^{[ 33 ]} ARTnews escribió sobre su "uso soberbio de la alegoría". ^{[ 34 ]} Los críticos elogiaron su trabajo en la Terrain Gallery, ^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ]} la Kennedy Gallery, ^{[ 38 ]} la RoKo Gallery, ^{[ 39 ] [ 40 ]} el Brooklyn Museum, ^{[ 41 ]} la National Academy of Design, ^{[ 42 ]} y la National Gallery en Washington, DC ^{[ 43 ]} "La preocupación de Koppelman es el hombre, el bien y el mal  ... Es un técnico soberbio cuyo trabajo tiene grandeza e impacto emocional", escribió Bennett Schiff. ^{[ 44 ]} "Chaim Koppelman aporta un concepto y una técnica totalmente nuevos al campo del arte gráfico", escribió el crítico y director de galería Sylvan Cole, Jr. "La Teoría de los Opuestos de Siegel ha tenido un efecto profundo en su trabajo". ^{[ 8 ]} Una Johnson , curadora emérita de grabados y dibujos del Museo de Brooklyn, dijo: «Ha canalizado su talento y su imagen implacable hacia los problemas complejos y a menudo controvertidos de nuestra época». El también artista Will Barnet dijo: «Era brillante, tanto en el grabado como en la pintura. Su obra posee un sentido de la oscuridad y la luz único  ... Había en él una profunda humanidad, desarrollada a través del realismo estético». ^{[ 1 ]}

Koppelman recibió el Premio SAGA Markel en 1956, ^{[ 45 ]} y las Becas Tiffany en 1967 y 1969. Representó a los Estados Unidos en la exposición Documenta II, Kassel, Alemania Occidental en 1969. En la exposición anual de SAGA de 1967, el grabado de Koppelman "Éxodo" fue galardonado con el Premio Vera List. Al año siguiente, su obra fue mostrada y comentada en el Canal 31, WNYC-TV. En 1976, ganó una Beca CAPS (Creative Artists Public Service) del Estado de Nueva York por una serie de litografías titulada Closeness and Clash in Couples and Domestic Life . ^{[ 2 ]} En 1998, su dibujo a carboncillo "The Dark Angels" ganó el Premio Gladys Emerson Cook a la excelencia general de la Academia Nacional. ^{[ 46 ]} En 1992, Koppelman, Blackburn y Barnet recibieron un premio New York Artists Equity Award por su dedicada labor en la comunidad del grabado. Legends of the Printmaking Workshop , una exposición de 2011 en el Museo LaGrange en Georgia, presentó grabados de los tres artistas y de Tom Laidman, seleccionados por Wesley Cochran y que ahora forman parte de su colección., ^{[ 47 ]}

En 1959, Koppelman fundó el Departamento de Grabado en la Escuela de Artes Visuales, donde impartió clases hasta 2007. También enseñó en la Academia Nacional, la Universidad de Nueva York , SUNY New Paltz , la Escuela Preparatoria Rhodes y el 92nd Street Y. [ ^{1 ] En} 1971, se convirtió en consultor de la facultad de la Fundación de Realismo Estético, una organización sin fines de lucro. ^{[ 48 ]} Como parte del trío The Kindest Art, ofreció consultorías a artistas y otras personas, enseñando que el arte responde a la pregunta más profunda de la vida: cómo ser plenamente uno mismo siendo justo con el mundo exterior. Impartió el curso El Arte del Dibujo: Superficie y Profundidad . Estudió Realismo Estético con Eli Siegel hasta 1978, y luego en clases profesionales con la Presidenta de Educación, Ellen Reiss. ^{[ 2 ]}

Sus escritos académicos como consultor del Realismo Estético, que muestran la relación entre el arte y la vida, incluyen consideraciones sobre las vidas y obras de los escultores Augustus Saint-Gaudens y Jacques Lipchitz ; los pintores René Magritte , Giorgio de Chirico , Henri Matisse , Rembrandt , Fernand Léger , Henri de Toulouse-Lautrec , Masaccio ; y muchos grabadores estadounidenses. Es autor de The Art of the Print , ensayos sobre obras de Picasso, Daumier , Munch , Hogarth y Duane Hanson . ^{[ 49 ]} Sus dibujos ilustran el libro de Siegel, Damned Welcome: Aesthetic Realism Maxims (Nueva York: Definition Press, 1972, 2011). ^{[ 50 ]}

Aunque conocido principalmente por su obra en blanco y negro, el interés pictórico de Koppelman por el color tomó una nueva forma en la década de 1970, cuando comenzó a utilizar el color en sus grabados. Después de 1980, trabajó cada vez más con pastel y acuarela. ^{[ 22 ]}

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  Sobre SoHo ( c. década de 1970 ) Litografía
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  Sobre Brooklyn (1975) Litografía
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  No está allí (1976–77) Litografía
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  Naturaleza muerta inquietante (1978) Pastel
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  El Mensajero Amable (1986) Grabado coloreado a mano, collage

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  Mi tetera roja (1979) Pastel
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  Naturaleza muerta (s.f.) Pastel
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  Melocotones (1980) Pastel

La obra de Koppelman aparece en importantes colecciones de grabados, incluyendo el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano, el Museo Whitney, el Museo de Brooklyn y el Museo Guggenheim; el Museo Peabody Essex , la Galería de Arte de la Universidad de Yale , la Galería Nacional, la Colección Pennell-Biblioteca del Congreso, el Instituto de Arte de Minneapolis , el Museo del Condado de Los Ángeles , el Centro de Arte Walker , el Museo Victoria y Alberto de Londres, el Museo de Bellas Artes de Anchorage y el Museo de Bellas Artes de Caracas. ^{[ 8 ]} Tanto Chaim como Dorothy Koppelman conservaron "libros de objetos" iniciados en 1949, que contenían bocetos de objetos cotidianos junto con, por sugerencia de Eli Siegel, tres frases descriptivas sobre cada objeto. ^{[ 51 ]} Estos bocetos y notas continuaron hasta el año 2000, y algunos volúmenes se encuentran entre los documentos de Chaim y Dorothy Koppelman en la colección de Archivos de Arte Americano de la Institución Smithsoniana. ^{[ 20 ]}

En 2000, se realizó una exposición retrospectiva de las obras sobre papel de Koppelman en la galería Beatrice Conde. ^{[ 52 ]} Chaim Koppelman falleció el 6 de diciembre de 2009 por causas naturales en el Centro Médico Beth Israel en Manhattan , Nueva York. ^{[ 2 ]} En 2010 se realizó una exposición conmemorativa que abarcaba siete décadas de su obra en la Galería Terrain. ^{[ 53 ]}

A lo largo de la dilatada trayectoria de Koppelman, la imagen de Napoleón es recurrente, y se celebró una exposición retrospectiva de más de ochenta obras y estudios sobre Napoleón en el Museo Napoleonico de Roma (del 11 de octubre de 2011 al 6 de mayo de 2012). ^{[ 6 ]} Titulada «Napoleón entrando en Nueva York: Chaim Koppelman y el emperador, obras 1957-2007» , incluía pinturas, pasteles, dibujos, collages, acuarelas, grabados en huecograbado, linograbados y muchas de las notas del artista en papel. La exposición también incluía selecciones de una conferencia que Siegel impartió en 1951, « Napoleón Bonaparte: o, Energía ordenada», a la que Koppelman había asistido y que, según él, inspiró gran parte de la obra expuesta. ^{[ 7 ]}

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  Litografía de Napoleón y yo (s.f.)
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  Napoleón entrando en Nueva York ( c. 1957 ) Aguatinta
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  Napoleón entrando en Coney Island (1957) Grabado
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  "Napoleón como un indio" (s.f.) Gouache
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  Napoleones sobre caimanes (1963) Grabado
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  Napoleón entrando en Brighton Beach (1981) Pastel
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  Napoleón y la pequeña bailarina (s.f.) Acuarela
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  Napoleón solo (s.f.) Acrílico y pastel al óleo

En su reseña, «Napoleón entrando en Brighton Beach, Coney Island» de Chaim Koppelman , el artista Richard Sloat, expresidente de SAGA, escribió: «En su arte, Chaim Koppelman fue un creador de historias sobre nuestro yo interior.  ... Que Napoleón dirija a su ejército en retirada por el paseo marítimo de Coney Island es un poco heroico, un poco trágico, un poco gracioso, un poco absurdo, pero también glorioso. ¿Acaso no es una maravillosa metáfora de cómo vivimos esta vida?» ^{[ 55 ]}

Al reseñar esta exposición, el diario italiano Corriere della Sera describió a Koppelman como "uno de los más grandes grabadores estadounidenses". ^{[ 56 ]}

• Koppelman, Chaim (1969). Así es como veo el realismo estético . Nueva York: Terrain Gallery & Definition Press.
• Koppelman, Chaim (1969). «Creo esto sobre el arte». En Kranz, Sheldon (ed.). Realismo estético: Ya lo hemos vivido – Seis artistas sobre la teoría de los opuestos de Siegel . Nueva York: Definition Press. ISBN 978-0-910492-11-9.
• Koppelman, Chaim (2004). Cuatro ensayos sobre el arte del grabado . Nueva York: Orange Angle Press. ISBN 978-0-9759813-0-6Archivado del original el 8 de abril de 2014. Consultado el 9 de septiembre de 2012 .
• Koppelman, Chaim (24 de julio de 2003). «La escultura de Augustus St. Gaudens: su significado para nuestras vidas» . The Southampton Press . ISSN 0745-6484 . Archivado del original el 7 de enero de 2015. Recuperado el 6 de noviembre de 2012 . 

• Sitio web oficial
• Sitio web de la Fundación Chaim y Dorothy Koppelman