Cubismo

El cubismo floreció entre 1907 y 1911. El cuadro de Pablo Picasso de 1907, Las señoritas de Aviñón, a menudo se ha considerado una obra protocubista .

En 1908, en su reseña de la exposición de Georges Braque en la galería de Kahnweiler , el crítico Louis Vauxcelles calificó a Braque como un hombre audaz que desprecia la forma, "reduciendo todo, lugares, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos". ^{[ 15 ] [ 16 ]}

Vauxcelles relató cómo Matisse le dijo entonces: «Braque acaba de enviar al Salón de Otoño de 1908 un cuadro hecho de pequeños cubos». ^{[ 16 ]} El crítico Charles Morice transmitió las palabras de Matisse y habló de los pequeños cubos de Braque. El motivo del viaducto de l'Estaque había inspirado a Braque a producir tres cuadros marcados por la simplificación de la forma y la deconstrucción de la perspectiva. ^{[ 17 ]}

Las Casas en l'Estaque de Georges Braque de 1908 (y obras relacionadas) llevaron a Vauxcelles, en Gil Blas , el 25 de marzo de 1909, a referirse a bizarreries cubiques (rarezas cúbicas). ^{[ 18 ]} Gertrude Stein se refirió a los paisajes realizados por Picasso en 1909, como Embalse en Horta de Ebro , como las primeras pinturas cubistas. La primera exposición colectiva organizada por cubistas tuvo lugar en el Salon des Indépendants de París durante la primavera de 1911 en una sala llamada 'Salle 41'; incluyó obras de Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier , pero no se exhibió ninguna obra de Picasso ni de Braque. ^{[ 13 ]}

En 1911, Picasso fue reconocido como el inventor del cubismo, mientras que la importancia y la precedencia de Braque se debatieron posteriormente, con respecto a su tratamiento del espacio, el volumen y la masa en los paisajes de L'Estaque. Pero «esta visión del cubismo está asociada a una definición claramente restrictiva de qué artistas deben ser llamados propiamente cubistas», escribió el historiador de arte Christopher Green: «Marginalizando la contribución de los artistas que expusieron en el Salon des Indépendants en 1911 [...]» ^{[ 13 ]}

La afirmación de que la representación cubista del espacio, la masa, el tiempo y el volumen apoya (en lugar de contradecir) la planitud del lienzo fue hecha por Daniel-Henry Kahnweiler ya en 1920, ^{[ 19 ]} pero fue objeto de críticas en las décadas de 1950 y 1960, especialmente por parte de Clement Greenberg . ^{[ 20 ]}

Las visiones contemporáneas del cubismo son complejas, formadas en cierta medida como respuesta a los cubistas de la "Salle 41", cuyos métodos eran demasiado distintos de los de Picasso y Braque como para ser considerados simplemente secundarios a ellos. Por lo tanto, se han desarrollado interpretaciones alternativas del cubismo. Las visiones más amplias del cubismo incluyen a artistas que posteriormente se asociaron con los artistas de la "Salle 41", por ejemplo, Francis Picabia ; los hermanos Jacques Villon , Raymond Duchamp-Villon y Marcel Duchamp , quienes a partir de finales de 1911 formaron el núcleo de la Section d'Or (o el Grupo Puteaux ); los escultores Alexander Archipenko , Joseph Csaky y Ossip Zadkine, así como Jacques Lipchitz y Henri Laurens ; y pintores como Louis Marcoussis , Roger de La Fresnaye , František Kupka , Diego Rivera , Léopold Survage , Auguste Herbin , André Lhote , Gino Severini (después de 1916), María Blanchard (después de 1916) y Georges Valmier (después de 1918). De manera más fundamental, Christopher Green sostiene que los términos de Douglas Cooper fueron "posteriormente socavados por interpretaciones de la obra de Picasso, Braque, Gris y Léger que enfatizan cuestiones iconográficas e ideológicas en lugar de métodos de representación". ^{[ 13 ]}

John Berger dijo: «El modelo metafórico del cubismo es el diagrama: el diagrama es una representación simbólica visible de procesos, fuerzas y estructuras invisibles. Un diagrama no tiene por qué prescindir de ciertos aspectos de la apariencia, pero estos también serán tratados como signos, no como imitaciones o recreaciones». ^{[ 21 ]}

Existía una clara diferencia entre los cubistas de Kahnweiler y los cubistas del Salón. Antes de 1914, Picasso, Braque, Gris y Léger (en menor medida) contaban con el apoyo de un único y comprometido marchante de arte en París, Daniel-Henry Kahnweiler, quien les garantizaba una renta anual a cambio del derecho exclusivo a comprar sus obras. Kahnweiler vendía únicamente a un reducido círculo de entendidos. Su apoyo les brindaba a sus artistas la libertad de experimentar con relativa privacidad. Picasso trabajó en Montmartre hasta 1912, mientras que Braque y Gris permanecieron allí hasta después de la Primera Guerra Mundial. Léger residía en Montparnasse. ^{[ 13 ]}

En contraste, los cubistas del Salón construyeron su reputación principalmente exponiendo regularmente en el Salon d'Automne y el Salon des Indépendants, ambos importantes salones no académicos de París. Eran inevitablemente más conscientes de la respuesta del público y de la necesidad de comunicarse. ^{[ 13 ]} Ya en 1910 comenzó a formarse un grupo que incluía a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. Se reunían regularmente en el estudio de Henri le Fauconnier cerca del boulevard du Montparnasse . A estas veladas a menudo asistían escritores como Guillaume Apollinaire y André Salmon . Junto con otros jóvenes artistas, el grupo quería enfatizar la investigación de la forma, en oposición al énfasis neoimpresionista en el color. ^{[ 22 ]}

Louis Vauxcelles, en su reseña del 26º Salón de los Independientes (1910), hizo una referencia pasajera e imprecisa a Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger y Le Fauconnier como «geómetras ignorantes, que reducen el cuerpo humano, el lugar, a pálidos cubos». ^{[ 23 ] [ 24 ]} En el Salón de Otoño de 1910 , unos meses después, Metzinger exhibió su Nu à la cheminée (Desnudo) , muy fragmentado , que posteriormente fue reproducido tanto en Du "Cubisme" (1912) como en Les Peintres Cubistes (1913). ^{[ 25 ]}

La primera controversia pública generada por el cubismo surgió a raíz de las exposiciones en el Salón de los Indépendants durante la primavera de 1911. Esta muestra, con obras de Metzinger, Gleizes, Delaunay, Le Fauconnier y Léger, dio a conocer el cubismo al público general por primera vez. Entre las obras cubistas presentadas, Robert Delaunay exhibió su Torre Eiffel (Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York). ^{[ 26 ]}

En el Salón de Otoño del mismo año, además del grupo Indépendants de la Sala 41 , se exhibieron obras de André Lhote , Marcel Duchamp , Jacques Villon, Roger de La Fresnaye , André Dunoyer de Segonzac y František Kupka . La exposición fue reseñada en la edición del 8 de octubre de 1911 de The New York Times . Este artículo se publicó un año después de « The Wild Men of Paris » de Gelett Burgess ^{[ 27 ]} y dos años antes del Armory Show , que presentó a los estadounidenses, asombrados y acostumbrados al arte realista, los estilos experimentales de la vanguardia europea, incluyendo el fauvismo, el cubismo y el futurismo. El artículo del New York Times de 1911 retrató obras de Picasso, Matisse, Derain, Metzinger y otros fechadas antes de 1909; no exhibidas en el Salón de 1911. El artículo se titulaba «Los "cubistas" dominan el Salón de Otoño de París» y tenía el subtítulo « La excéntrica escuela de pintura aumenta su popularidad en la exposición de arte actual: ¿qué intentan hacer sus seguidores?». ^{[ 28 ] [ 29 ]}

Entre todas las pinturas expuestas en el Salón de Otoño de París, ninguna atrae tanta atención como las extraordinarias obras de la llamada escuela "cubista". De hecho, los reportajes desde París sugieren que estas obras son, sin duda, la principal atracción de la exposición. [...]

A pesar de lo descabelladas que parecen las teorías "cubistas", el número de quienes las defienden es bastante considerable. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger: estos son solo algunos de los nombres que aparecen en los lienzos ante los que París se ha detenido y ahora se detiene de nuevo, atónita.

¿Qué significan? ¿Acaso los responsables de ellas han perdido la razón? ¿Es arte o locura? ¿Quién sabe? ^{[ 28 ] [ 29 ]}

La abstracción y el objeto encontrado

Las formas más extremas del cubismo no fueron las practicadas por Picasso y Braque, quienes se resistieron a la abstracción total. Otros cubistas, por el contrario, especialmente František Kupka , y aquellos considerados orfistas por Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia y Duchamp), aceptaron la abstracción eliminando por completo el tema visible. Las dos obras de Kupka en el Salón de Otoño de 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs y Amorpha chromatique chaude , eran altamente abstractas (o no representacionales) y de orientación metafísica. Tanto Duchamp en 1912 como Picabia de 1912 a 1914 desarrollaron una abstracción expresiva y alusiva dedicada a temas emocionales y sexuales complejos. A partir de 1912, Delaunay pintó una serie de cuadros titulada Ventanas simultáneas , seguida de una serie titulada Formas circulares , en la que combinó estructuras planas con brillantes tonalidades prismáticas; Basándose en las características ópticas de los colores yuxtapuestos, su alejamiento de la realidad en la representación de imágenes fue casi total. En 1913-14, Léger produjo una serie titulada Contrastes de formas , haciendo hincapié de manera similar en el color, la línea y la forma. Su cubismo, a pesar de sus cualidades abstractas, se asoció con temas de mecanización y vida moderna. Apollinaire apoyó estos primeros desarrollos del cubismo abstracto en Les Peintres cubistes (1913), ^{[ 25 ]} escribiendo sobre una nueva pintura "pura" en la que el tema quedaba vacío. Pero a pesar de su uso del término orfismo, estas obras eran tan diferentes que desafían los intentos de ubicarlas en una sola categoría. ^{[ 13 ]}

También catalogado como orfista por Apollinaire, Marcel Duchamp fue responsable de otro desarrollo extremo inspirado en el cubismo. El ready-made surgió de la consideración conjunta de que la obra en sí misma se considera un objeto (al igual que una pintura) y que utiliza los desechos materiales del mundo (como el collage y el papier collé en la construcción y el ensamblaje cubistas). El siguiente paso lógico, para Duchamp, fue presentar un objeto ordinario como una obra de arte autosuficiente que se representa a sí misma. En 1913, adjuntó una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y, en 1914, seleccionó un escurridor de botellas como escultura en sí misma. ^{[ 13 ]}

Sección de Oro

La Section d'Or , también conocida como Groupe de Puteaux , fundada por algunos de los cubistas más destacados, fue un colectivo de pintores, escultores y críticos asociados al cubismo y al orfismo, activo desde 1911 hasta aproximadamente 1914, alcanzando notoriedad tras su controvertida exposición en el Salon des Indépendants de 1911. El Salon de la Section d'Or en la Galerie La Boétie de París, en octubre de 1912, fue posiblemente la exposición cubista más importante anterior a la Primera Guerra Mundial, ya que dio a conocer el cubismo a un público amplio. Se exhibieron más de 200 obras, y el hecho de que muchos de los artistas presentaran obras representativas de su desarrollo entre 1909 y 1912 le otorgó a la exposición el atractivo de una retrospectiva cubista. ^{[ 51 ]}

El grupo parece haber adoptado el nombre de Section d'Or para distinguirse de la definición más restrictiva del cubismo desarrollada paralelamente por Pablo Picasso y Georges Braque en el barrio de Montmartre de París, y para demostrar que el cubismo, en lugar de ser una forma de arte aislada, representaba la continuación de una gran tradición (de hecho, la proporción áurea había fascinado a los intelectuales occidentales de diversos intereses durante al menos 2400 años). ^{[ 52 ]}

La idea de la Sección de Oro surgió de las conversaciones entre Metzinger, Gleizes y Jacques Villon. El nombre del grupo fue sugerido por Villon, tras leer una traducción de 1910 del Tratado de la Pintura de Leonardo da Vinci realizada por Joséphin Péladan .

Durante finales del siglo XIX y principios del XX, los europeos descubrieron el arte africano , polinesio, micronesio y nativo americano . Artistas como Paul Gauguin , Henri Matisse y Pablo Picasso quedaron fascinados e inspirados por la fuerza y ​​sencillez de los estilos de esas culturas extranjeras. Alrededor de 1906, Picasso conoció a Matisse a través de Gertrude Stein , en un momento en que ambos artistas habían desarrollado recientemente un interés por el primitivismo , la escultura ibérica , el arte africano y las máscaras tribales africanas . Se convirtieron en rivales amistosos y compitieron entre sí a lo largo de sus carreras, lo que quizás llevó a Picasso a iniciar un nuevo período en su obra hacia 1907, marcado por la influencia del arte griego, ibérico y africano. Las pinturas de Picasso de 1907 se han caracterizado como protocubismo , como se aprecia especialmente en Las señoritas de Aviñón , antecedente del cubismo. ^{[ 14 ]}

El historiador de arte Douglas Cooper afirma que Paul Gauguin y Paul Cézanne "fueron particularmente influyentes en la formación del cubismo y especialmente importantes para las pinturas de Picasso durante 1906 y 1907". ^{[ 53 ]} Cooper continúa diciendo: "Generalmente se hace referencia a Las señoritas de pueblo como el primer cuadro cubista. Esto es una exageración, pues si bien fue un primer paso importante hacia el cubismo, aún no es cubista. El elemento transgresor y expresionista que contiene es incluso contrario al espíritu del cubismo, que observaba el mundo con una mirada realista y desapegada. Sin embargo, Las señoritas de pueblo es el cuadro lógico que debe tomarse como punto de partida del cubismo, porque marca el nacimiento de un nuevo lenguaje pictórico, porque en él Picasso subvirtió violentamente las convenciones establecidas y porque todo lo que siguió surgió de él". ^{[ 14 ]}

La objeción más seria a considerar a Las señoritas de pueblo como el origen del cubismo, con su evidente influencia del arte primitivo, es que «tales deducciones son ahistóricas», escribió el historiador de arte Daniel Robbins . Esta explicación común «no tiene suficientemente en cuenta las complejidades de un arte floreciente que existía justo antes y durante el período en que se desarrolló la nueva pintura de Picasso». ^{[ 54 ]} Entre 1905 y 1908, una búsqueda consciente de un nuevo estilo provocó rápidos cambios en el arte en Francia, Alemania, los Países Bajos, Italia y Rusia. Los impresionistas habían utilizado un doble punto de vista, y tanto Les Nabis como los simbolistas (que también admiraban a Cézanne) aplanaron el plano pictórico, reduciendo sus temas a simples formas geométricas. La estructura y la temática neoimpresionistas , que se aprecian sobre todo en las obras de Georges Seurat (por ejemplo, Parade de Cirque , Le Chahut y Le Cirque ), fueron otra influencia importante. También hubo paralelismos en el desarrollo de la literatura y el pensamiento social. ^{[ 54 ]}

Además de Seurat, las raíces del cubismo se encuentran en dos tendencias distintas de la obra tardía de Cézanne: primero, la fragmentación de la superficie pictórica en pequeñas áreas multifacéticas, enfatizando así la perspectiva plural que proporciona la visión binocular ; y segundo, su interés por la simplificación de las formas naturales en cilindros, esferas y conos. Sin embargo, los cubistas exploraron este concepto más allá de Cézanne. Representaban todas las superficies de los objetos en un único plano pictórico, como si todos sus rostros fueran visibles simultáneamente. Este nuevo tipo de representación revolucionó la forma en que se visualizaban los objetos en la pintura y el arte.

El estudio histórico del cubismo comenzó a finales de la década de 1920, basándose inicialmente en fuentes de datos limitados, concretamente en las opiniones de Guillaume Apollinaire . Posteriormente, se fundamentó en gran medida en el libro de Daniel-Henry Kahnweiler, Der Weg zum Kubismus (publicado en 1920), que se centraba en la evolución de Picasso, Braque, Léger y Gris. Los términos «analítico» y «sintético», que surgieron posteriormente, han sido ampliamente aceptados desde mediados de la década de 1930. Ambos términos son imposiciones históricas que surgieron después de los hechos que identifican. Ninguna de las fases fue designada como tal en el momento de la creación de las obras correspondientes. «Si Kahnweiler considera el cubismo como Picasso y Braque», escribió Daniel Robbins, «nuestro único error reside en someter las obras de otros cubistas al rigor de esa definición limitada». ^{[ 54 ]}

La interpretación tradicional del «cubismo», formulada a posteriori como medio para comprender las obras de Braque y Picasso, ha afectado nuestra apreciación de otros artistas del siglo XX. Resulta difícil aplicarla a pintores como Jean Metzinger , Albert Gleizes, Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier , cuyas diferencias fundamentales con el cubismo tradicional llevaron a Kahnweiler a cuestionarse si debían considerarse cubistas. Según Daniel Robbins , «sugerir que, simplemente porque estos artistas se desarrollaron de manera diferente o se apartaron del patrón tradicional, merecían ser relegados a un papel secundario o satélite dentro del cubismo es un profundo error». ^{[ 54 ]}

La historia del término «cubismo» suele destacar que Matisse se refirió a «cubos» en relación con una pintura de Braque en 1908, y que el crítico Louis Vauxcelles publicó el término en dos ocasiones en un contexto similar. Sin embargo, la palabra «cubo» fue utilizada en 1906 por otro crítico, Louis Chassevent, no en referencia a Picasso ni a Braque, sino a Metzinger y Delaunay.

«M. Metzinger es un mosaicista como M. Signac , pero aporta mayor precisión al tallado de sus cubos de color, que parecen haber sido elaborados mecánicamente [...]». ^{[ 54 ] [ 55 ] [ 56 ]}

El uso crítico de la palabra «cubo» se remonta al menos a mayo de 1901, cuando Jean Béral, al reseñar la obra de Henri-Edmond Cross en la revista Indépendants in Art et Littérature , comentó que «utiliza un puntillismo grande y cuadrado, dando la impresión de mosaico. Uno incluso se pregunta por qué el artista no ha utilizado cubos de materia sólida de diversos colores: serían bonitos revestimientos». (Robert Herbert, 1968, p.  221) ^{[ 56 ]}

El término Cubismo no se generalizó hasta 1911, principalmente en referencia a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. ^{[ 54 ]} En 1911, el poeta y crítico Guillaume Apollinaire aceptó el término en nombre de un grupo de artistas invitados a exponer en los Indépendants de Bruselas. Al año siguiente, en preparación para el Salon de la Section d'Or , Metzinger y Gleizes escribieron y publicaron Du "Cubisme" ^{[ 57 ]} en un esfuerzo por disipar la confusión que rodeaba la palabra y como una importante defensa del Cubismo (que había causado un escándalo público tras el Salon des Indépendants de 1911 y el Salon d'Automne de 1912 en París). ^{[ 58 ]} Aclarando sus objetivos como artistas, esta obra fue el primer tratado teórico sobre el Cubismo y sigue siendo el más claro e inteligible. El resultado, que no fue únicamente una colaboración entre sus dos autores, reflejó las discusiones del círculo de artistas que se reunían en Puteaux y Courbevoie . Reflejaba las actitudes de los "artistas de Passy", entre los que se encontraban Picabia y los hermanos Duchamp, a quienes se les leyeron secciones antes de su publicación. ^{[ 13 ] [ 54 ]} El concepto desarrollado en Du "Cubisme" de observar un sujeto desde diferentes puntos en el espacio y el tiempo simultáneamente, es decir, el acto de moverse alrededor de un objeto para captarlo desde varios ángulos sucesivos fusionados en una sola imagen (múltiples puntos de vista, perspectiva móvil, simultaneidad o multiplicidad), es un recurso generalmente reconocido utilizado por los cubistas. ^{[ 59 ]}

Al manifiesto de 1912, Du "Cubisme", de Metzinger y Gleizes, le siguió en 1913 Les Peintres Cubistes , una colección de reflexiones y comentarios de Guillaume Apollinaire. ^{[ 25 ]} Apollinaire había estado estrechamente vinculado a Picasso desde 1905 y a Braque desde 1907, pero prestó la misma atención a artistas como Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia y Duchamp. ^{[ 13 ]}

El hecho de que la exposición de 1912 se hubiera organizado para mostrar las sucesivas etapas por las que había transitado el cubismo, y que se hubiera publicado para la ocasión el libro «Du Cubisme» , indica la intención de los artistas de hacer comprensible su obra a un público amplio (críticos de arte, coleccionistas, marchantes y público en general). Sin duda, gracias al gran éxito de la exposición, el cubismo se convirtió en un movimiento de vanguardia reconocido como un género o estilo artístico con una filosofía u objetivo común específico. ^{[ 51 ]}

Una modificación significativa del cubismo entre 1914 y 1916 se caracterizó por un marcado énfasis en grandes planos geométricos superpuestos y la actividad de superficies planas. Esta agrupación de estilos de pintura y escultura, especialmente significativa entre 1917 y 1920, fue practicada por varios artistas, particularmente aquellos contratados por el marchante y coleccionista de arte Léonce Rosenberg . La mayor precisión en las composiciones, la claridad y el sentido del orden reflejados en estas obras llevaron al crítico Maurice Raynal a referirse a ellas como cubismo «cristalino». Las consideraciones manifestadas por los cubistas antes del inicio de la Primera Guerra Mundial —como la cuarta dimensión , el dinamismo de la vida moderna, lo oculto y el concepto de duración de Henri Bergson— habían sido abandonadas, reemplazadas por un marco de referencia puramente formal. ^{[ 60 ]}

El cubismo cristalino, y su asociativo rappel à l'ordre , se ha vinculado con una inclinación —tanto de quienes sirvieron en las fuerzas armadas como de quienes permanecieron en el sector civil— a escapar de las realidades de la Primera Guerra Mundial, tanto durante como inmediatamente después del conflicto. La purificación del cubismo desde 1914 hasta mediados de la década de 1920, con su unidad cohesiva y sus limitaciones voluntarias, se ha vinculado a una transformación ideológica mucho más amplia hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesas . ^{[ 13 ]}

Tsuguharu Foujita se mudó a París en 1913 y se integró al ecléctico ambiente artístico que más tarde se conocería como la École de Paris. Pronto compartió estudio con el pintor Riichirō Kawashima, quien tenía muchos contactos en el mundo artístico parisino. Tras trasladar su estudio a la Cité Falguière, Foujita y Kawashima entablaron amistad con los pintores Amedeo Modigliani y Chaim Soutine, y visitaron los estudios de Pablo Picasso y Diego Rivera, quienes los retrataron al estilo cubista.

Diego Rivera conoció a Picasso en París en 1914 y entabló amistad con él, incorporando elementos del movimiento cubista pero impregnándolos con su propia visión y sus inquietudes mexicanas. Surgió un conflicto en el estudio de Picasso, donde Rivera descubrió un lienzo recién pintado que consideró una copia casi exacta de sus propias técnicas y composiciones cubistas. Al confrontarlo, Picasso negó airadamente el plagio, y Rivera fue expulsado del estudio, poniendo fin a su relación. ^{[ 61 ]} Max Weber , quien estudió en París y se relacionó directamente con Pablo Picasso, es reconocido como el primer pintor cubista estadounidense. Otros artistas estadounidenses, como Alfred Maurer, Stuart Davis y Manierre Dawson, también fueron pioneros en la adopción temprana de la abstracción y las técnicas cubistas en los Estados Unidos. ^{[ 62 ]}

El período más innovador del cubismo fue anterior a 1914. Tras la Primera Guerra Mundial, con el apoyo del galerista Léonce Rosenberg , el cubismo resurgió como tema central para los artistas y continuó siéndolo hasta mediados de la década de 1920, cuando su estatus de vanguardia se vio cuestionado por el surgimiento de la abstracción geométrica y el surrealismo en París . Muchos cubistas, entre ellos Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes, Metzinger y Emilio Pettoruti , mientras desarrollaban otros estilos, volvieron periódicamente al cubismo, incluso mucho después de 1925. El cubismo resurgió durante las décadas de 1920 y 1930 en la obra del estadounidense Stuart Davis y el inglés Ben Nicholson . En Francia, sin embargo, el cubismo experimentó un declive a partir de 1925 aproximadamente. Léonce Rosenberg exhibió no solo a los artistas que quedaron aislados por el exilio de Kahnweiler, sino también a otros como Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin y Severini. En 1918, Rosenberg presentó una serie de exposiciones cubistas en su Galerie de l'Effort Moderne de París. Louis Vauxcelles intentó argumentar que el cubismo había muerto, pero estas exposiciones, junto con una muestra cubista bien organizada en el Salon des Indépendants de 1920 y la reactivación del Salon de la Section d'Or ese mismo año, demostraron que seguía vivo. ^{[ 13 ]}

El resurgimiento del cubismo coincidió con la aparición, entre 1917 y 1924 aproximadamente, de un conjunto coherente de escritos teóricos de Pierre Reverdy, Maurice Raynal y Daniel-Henry Kahnweiler y, entre los artistas, de Gris, Léger y Gleizes. El retorno ocasional al clasicismo —obra figurativa, ya sea exclusivamente o junto con la cubista— que experimentaron muchos artistas durante este período (denominado neoclasicismo ) se ha vinculado a la tendencia a evadir las realidades de la guerra y también al predominio cultural de una imagen clásica o latina de Francia durante y después de la guerra. El cubismo posterior a 1918 puede considerarse parte de un amplio giro ideológico hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesas . Sin embargo, el cubismo en sí mismo siguió siendo evolutivo, tanto dentro de la obra de artistas individuales, como Gris y Metzinger, como en la obra de artistas tan diferentes entre sí como Braque, Léger y Gleizes. El cubismo, como movimiento debatido públicamente, se unificó relativamente y se abrió a la definición. Su pureza teórica lo convirtió en un referente con el que comparar tendencias tan diversas como el realismo o el naturalismo , el dadaísmo , el surrealismo y la abstracción. ^{[ 13 ]}

El cubismo de Picasso y Braque tuvo un significado que trascendió lo técnico o formal, y las distintas actitudes e intenciones de los cubistas del Salón produjeron diferentes tipos de cubismo, en lugar de una simple derivación de su obra. «En ningún caso está claro», escribió Christopher Green, «hasta qué punto estos otros cubistas dependieron de Picasso y Braque para el desarrollo de técnicas como el facetado, el "paso" y la perspectiva múltiple; bien podrían haber llegado a estas prácticas con escaso conocimiento del cubismo "auténtico" en sus primeras etapas, guiados sobre todo por su propia comprensión de Cézanne». Las obras expuestas por estos cubistas en los Salones de 1911 y 1912 se extendieron más allá de los temas convencionales al estilo de Cézanne —la modelo posada, la naturaleza muerta y el paisaje—, preferidos por Picasso y Braque, para incluir temas de la vida moderna a gran escala. Dirigidas a un público amplio, estas obras enfatizaron el uso de la perspectiva múltiple y el facetado plano complejo para lograr un efecto expresivo, al tiempo que conservaban la elocuencia de temas dotados de connotaciones literarias y filosóficas. ^{[ 13 ]}

En Du "Cubisme", Metzinger y Gleizes relacionaron explícitamente el sentido del tiempo con la perspectiva múltiple, dando expresión simbólica a la noción de "duración" propuesta por el filósofo Henri Bergson, según la cual la vida se experimenta subjetivamente como un continuo, con el pasado fluyendo hacia el presente y el presente fusionándose con el futuro. Los cubistas de salón utilizaron el tratamiento facetado del sólido y el espacio y los efectos de los puntos de vista múltiples para transmitir una sensación física y psicológica de la fluidez de la conciencia, difuminando las distinciones entre pasado, presente y futuro. Una de las principales innovaciones teóricas realizadas por los cubistas de salón, independientemente de Picasso y Braque, fue la de la simultaneidad , ^{[ 13 ]} basándose en mayor o menor medida en las teorías de Henri Poincaré , Ernst Mach , Charles Henry , Maurice Princet y Henri Bergson. Con la simultaneidad, el concepto de dimensiones espaciales y temporales separadas fue desafiado de manera integral. La perspectiva lineal desarrollada durante el Renacimiento fue abandonada. El tema ya no se consideraba desde un punto de vista específico en un momento dado, sino que se construía siguiendo una selección de puntos de vista sucesivos, es decir, como si se viera simultáneamente desde numerosos ángulos (y en múltiples dimensiones) con la mirada libre de recorrer de uno a otro. ^{[ 59 ]}

Esta técnica de representar la simultaneidad, los múltiples puntos de vista (o el movimiento relativo ) alcanza un alto grado de complejidad en Nu à la cheminée de Metzinger , expuesta en el Salón de Otoño de 1910; la monumental Le Dépiquage des Moissons (La trilla de la cosecha) de Gleizes , expuesta en el Salón de la Sección de Oro de 1912; Abundancia de Le Fauconnier , expuesta en los Indépendants de 1911; y Ciudad de París de Delaunay , expuesta en los Indépendants de 1912. Estas ambiciosas obras se encuentran entre las pinturas de mayor tamaño en la historia del cubismo. La obra de Léger, La boda , también expuesta en el Salón de los Independientes en 1912, dio forma a la noción de simultaneidad al presentar diferentes motivos dentro de un mismo marco temporal, donde las respuestas al pasado y al presente se interpenetran con fuerza colectiva. La conjunción de este tema con la simultaneidad vincula el cubismo de salón con las primeras pinturas futuristas de Umberto Boccioni , Gino Severini y Carlo Carrà , realizadas a su vez como respuesta al cubismo temprano. ^{[ 8 ]}

El cubismo y el arte moderno europeo se introdujeron en Estados Unidos en la ahora legendaria Armory Show de 1913 en Nueva York , que luego viajó a Chicago y Boston . En la Armory Show, Pablo Picasso exhibió La Femme au pot de moutarde (1910), la escultura Head of a Woman (Fernande) (1909–10), Les Arbres (1907) entre otras obras cubistas. Jacques Villon exhibió siete importantes y grandes puntas secas, mientras que su hermano Marcel Duchamp escandalizó al público estadounidense con su pintura Nude Descending a Staircase, No. 2 (1912). Francis Picabia exhibió sus abstracciones La Danse à la source y La Procession, Seville (ambas de 1912). Albert Gleizes exhibió La Femme aux phlox (1910) y L'Homme au balcon (1912), dos obras cubistas muy estilizadas y facetadas. Georges Braque , Fernand Léger , Raymond Duchamp-Villon , Roger de La Fresnaye y Alexander Archipenko también aportaron ejemplos de sus obras cubistas.

En el Salón de Otoño de 1912 se exhibió una instalación arquitectónica que pronto se conoció como la Casa Cubista, con arquitectura de Raymond Duchamp-Villon y decoración interior de André Mare junto con un grupo de colaboradores. Metzinger y Gleizes, en su obra "Du Cubisme" , escrita durante el montaje de la Casa Cubista, escribieron sobre la naturaleza autónoma del arte, haciendo hincapié en que las consideraciones decorativas no debían regir el espíritu artístico. Para ellos, la obra decorativa era la "antítesis de la pintura". «La verdadera imagen», escribieron Metzinger y Gleizes, «lleva en sí misma su razón de ser . Puede trasladarse de una iglesia a un salón , de un museo a un estudio. Esencialmente independiente, necesariamente completa, no tiene por qué satisfacer inmediatamente la mente: al contrario, debe conducirla, poco a poco, hacia las profundidades ficticias en las que reside la luz coordinadora. No armoniza con este o aquel conjunto; armoniza con las cosas en general, con el universo: es un organismo…». ^{[ 74 ]}

La Maison Cubiste era una casa modelo completamente amueblada, con fachada, escalera, barandillas de hierro forjado y dos habitaciones: un salón —el Salón Burgués— donde se exhibían pinturas de Marcel Duchamp, Metzinger ( Mujer con abanico ), Gleizes, Laurencin y Léger, y un dormitorio. Era un ejemplo de L'art décoratif , un hogar donde el arte cubista podía mostrarse con la comodidad y el estilo de la vida burguesa moderna. Los espectadores del Salón de Otoño atravesaban la fachada de yeso, diseñada por Duchamp-Villon, para acceder a las dos habitaciones amuebladas. ^{[ 75 ]} Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , en Nueva York, Chicago y Boston, ^{[ 76 ]} figurando en el catálogo de la exposición de Nueva York como Raymond Duchamp-Villon, número 609, y titulada "Facade architectural, equation" ( Façade architecturale ). ^{[ 77 ] [ 78 ]}

El mobiliario, el papel pintado, la tapicería y las alfombras del interior fueron diseñados por André Mare y constituyen ejemplos tempranos de la influencia del cubismo en lo que posteriormente se convertiría en el Art Déco . Estaban compuestos por rosas de colores muy vivos y otros motivos florales en formas geométricas estilizadas.

Mare llamó al salón donde colgaban las pinturas cubistas el Salón Burgués . Léger describió este nombre como «perfecto». En una carta a Mare previa a la exposición, Léger escribió: «Tu idea es absolutamente espléndida para nosotros, realmente espléndida. La gente verá el cubismo en su entorno doméstico, lo cual es muy importante. ^{[ 2 ]}

«Los conjuntos de Mare fueron aceptados como marcos para obras cubistas porque permitían a las pinturas y esculturas su independencia», escribió Christopher Green, «creando un juego de contrastes, de ahí la participación no solo de Gleizes y Metzinger, sino también de Marie Laurencin, los hermanos Duchamp (Raymond Duchamp-Villon diseñó la fachada) y los viejos amigos de Mare, Léger y Roger La Fresnaye». ^{[ 79 ]}

En 1927, los cubistas Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de una casa-estudio en la rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , diseñada por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet , también coleccionista de pinturas postimpresionistas y cubistas (incluidas Las señoritas de Aviñón , que compró directamente al estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, ^{[ 80 ]} Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista. ^{[ 81 ] [ 82 ] [ 83 ]}

La arquitectura cubista original es muy rara. El cubismo se aplicó a la arquitectura solo en Bohemia (actual República Checa ) y especialmente en su capital, Praga . ^{[ 84 ] [ 85 ]} Los arquitectos checos fueron los primeros y únicos en diseñar edificios cubistas originales. ^{[ 86 ]} La arquitectura cubista floreció principalmente entre 1910 y 1914, pero también se construyeron edificios cubistas o influenciados por el cubismo después de la Primera Guerra Mundial . Después de la guerra, se desarrolló en Praga el estilo arquitectónico llamado Rondo-Cubismo, que fusionaba la arquitectura cubista con formas redondas. ^{[ 87 ]}

En sus reglas teóricas, los arquitectos cubistas expresaron la necesidad de dinamismo, que superaría la materia y la calma contenidas en ella, a través de una idea creativa, de modo que el resultado evocara sentimientos de dinamismo y plasticidad expresiva en el espectador. Esto se lograría mediante formas derivadas de pirámides, cubos y prismas, mediante disposiciones y composiciones de superficies oblicuas, principalmente triangulares, fachadas esculpidas en unidades salientes similares a cristales, que recuerdan al llamado corte de diamante , o incluso cavernosas que recuerdan la arquitectura gótica tardía . De esta manera, se esculpen todas las superficies de las fachadas, incluyendo incluso los hastiales y las buhardillas. Las rejas, así como otros ornamentos arquitectónicos, adquieren una forma tridimensional. Así, también se crearon nuevas formas de ventanas y puertas, por ejemplo, ventanas hexagonales . ^{[ 87 ]} Los arquitectos cubistas checos también diseñaron muebles cubistas.

Los principales arquitectos cubistas fueron Pavel Janák , Josef Gočár , Vlastislav Hofman , Emil Králíček y Josef Chochol . ^{[ 87 ]} Trabajaron principalmente en Praga, pero también en otras ciudades bohemias. El edificio cubista más conocido es la Casa de la Virgen Negra en el casco antiguo de Praga , construida en 1912 por Josef Gočár, que alberga el único café cubista del mundo, el Grand Café Orient. ^{[ 84 ]} Vlastislav Hofman construyó los pabellones de entrada del cementerio de Ďáblice entre 1912 y 1914, y Josef Chochol diseñó varias casas residenciales en Vyšehrad . Cerca de la plaza de Wenceslao también se conserva una farola cubista , diseñada por Emil Králíček en 1912, quien también construyó la Casa Diamante en la Ciudad Nueva de Praga alrededor de 1913.