cómics filipinos

Algunos creen que el origen de las caricaturas indígenas filipinas se remonta al activista independentista José Rizal . Rizal creó en privado varias historias ilustradas , siendo un ejemplo notable su versión ilustrada de 1885 del cuento popular filipino La tortuga y el mono , que presentaba una combinación de palabras e imágenes similar a las caricaturas modernas. ^{[ 7 ]}

Como en muchos países, la caricatura comercial en Filipinas se originó con viñetas políticas en periódicos satíricos . ^{[ 8 ]} Revistas y periódicos como Te con Leche y El Tío Verdades durante el período colonial español , seguidos por Lipang Kalabaw y Philippines Free Press bajo el dominio estadounidense , criticaron extensamente tanto a las potencias coloniales como al gobierno local a través de caricaturas. ^{[ 8 ] [ 9 ]} Las primeras caricaturas políticas personificaban a la nación como "Filipinas", una doncella ingenua cortejada por el Tío Sam , quien más tarde fue reemplazada por Juan dela Cruz , un hombre común que usaba sandalias, presentado por Jorge Pineda en The Independent . ^{[ 10 ]} Pintores notables de esta época, como Fernando Amorsolo y Botong Francisco , también fueron conocidos por sus caricaturas. ^{[ 11 ]}

El semanario Liwayway , la primera revista literaria de Filipinas, presentó su primera tira cómica en 1929. ^{[ 8 ] [ 12 ] [ 13 ]} Titulada Mga Kabalbalan ni Kenkoy (Desventuras de Kenkoy), la tira se centraba en Kenkoy , un filipino que intentaba imitar a los estadounidenses. ^{[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]} Este notable personaje fue creado por el escritor Romualdo Ramos y por el ilustrador Tony Velasquez , quien tenía 18 años en ese momento, por encargo del editor Ramon Roces . ^{[ 14 ]} El breve cómic se expandió rápidamente para ocupar una página a todo color, ^{[ 8 ]} luego pasó a las diversas ediciones en idiomas de la revista. ^{[ 16 ]} El apodo "Kenkoy" se arraigó en el lenguaje coloquial filipino como un término que significa "alguien que es ruidosamente hilarante, gracioso o divertido", ^{[ 17 ]} y el personaje persistió en los cómics y los medios visuales hasta bien entrado el siglo XXI. ^{[ 14 ]} Velásquez ha llegado a ser llamado "padre del cómic filipino", en parte debido a su papel como editor en años posteriores, proporcionando a numerosos creadores una plataforma para publicar sus obras. ^{[ 18 ]}

Durante la década de 1930, los cómics filipinos reflejaban en gran medida las tiras cómicas estadounidenses. ^{[ 19 ]} José Zabala-Santos fue reconocido por sus creaciones inspiradas en Popeye , Lukas Marakas y Popoy . ^{[ 20 ] [ 21 ]} El primer cómic de aventuras, Kulafu de Francisco Reyes , presentaba a un héroe al estilo de Tarzán en las selvas de Luzón durante la época prehispánica . ^{[ 19 ] [ 22 ] [ 23 ]} En medio de las presiones de la occidentalización, tales aventuras pseudohistóricas continuaron cautivando al público en Filipinas. ^{[ 24 ]}

Durante la Guerra del Pacífico , Manila cayó bajo control militar japonés en enero de 1942. ^{[ 25 ]} Las autoridades militares japonesas impusieron una prohibición a los periódicos locales, mientras que utilizaron publicaciones propiedad de la familia Roces, como Liwayway y The Tribune, para propaganda. ^{[ 26 ]} Las tiras cómicas estadounidenses, incluyendo The Lone Ranger y Fritzi Ritz , que se habían serializado en The Tribune , fueron reemplazadas por The Boy 'Pilipino' del dibujante japonés Keizo Shimada y The KALIBAPI Family de Tony Velasquez. ^{[ 27 ]} Estas obras, sujetas a la censura del Cuerpo de Propaganda japonés, promovían programas de asimilación como la enseñanza del idioma japonés y sugerían formas de abordar la escasez de suministros. ^{[ 28 ]}

Después de la Segunda Guerra Mundial , los editores filipinos comenzaron a adoptar el formato de los cómics estadounidenses , influenciados por la abundancia de cómics en las guarniciones de los soldados estadounidenses. ^{[ 2 ] [ 20 ] [ 29 ]} A diferencia del formato de una sola historia común en los EE. UU., estas publicaciones periódicas filipinas eran típicamente antologías que oscilaban entre 36 y 45 páginas. ^{[ 4 ]} A la cabeza de esta tendencia estaba Halakhak Komiks , una publicación semanal de corta duración lanzada por Tony Velasquez en 1946. ^{[ 16 ]} Posteriormente, en 1947, Ramon Roces estableció Ace Publications, nombrando a Velasquez como editor en jefe. ^{[ 30 ]} Ace introdujo Pilipino Komiks y varias otras, incluyendo Tagalog Klasiks , Hiwaga Komiks y Espcsyal Komiks . ^{[ 16 ]} A medida que estas revistas quincenales se hicieron populares, evolucionaron a publicaciones semanales y luego bisemanales. La tirada inicial fue de 10 000 ejemplares, llegando a superar los 100 000. ^{[ 31 ]} En 1950, otras editoriales entraron en la industria y las revistas generales comenzaron a dedicar números especiales a los cómics. Además, los cómics estadounidenses traducidos se hicieron cada vez más comunes. ^{[ 31 ]} Si bien muchas de estas editoriales se enfrentaron a diversos desafíos y fluctuaciones de la industria, Roces y su familia seguirían siendo una figura dominante en la industria del cómic durante décadas. ^{[ 32 ]}

Los cómics filipinos vivieron una época dorada durante la década de 1950, ^{[ 31 ]} ya que los cómics asequibles se volvieron ampliamente disponibles en los quioscos callejeros y las tiendas de abarrotes ( tiendas sari-sari ), suplantando gradualmente a las revistas literarias. ^{[ 2 ] [ 33 ]} Mientras que los títulos estadounidenses como Superman , Archie y MAD , vendidos en supermercados y librerías, eran consumidos principalmente por las clases medias, ^{[ 34 ]} los cómics locales fueron adoptados por la gente común. ^{[ 35 ]} La mayoría de los creadores tampoco provenían de la élite intelectual. ^{[ 36 ]} Debido al grupo compartido de escritores, los cómics filipinos heredaron la característica del melodrama didáctico de la literatura popular. ^{[ 37 ]} Inicialmente sirviendo como un medio de escapismo de la realidad, los cómics evolucionaron con el tiempo, con historias que se volvieron más sofisticadas y géneros diversos que surgieron durante la década de 1980. ^{[ 38 ]}

Desde sus inicios, los cómics enfrentaron críticas de grupos conservadores y religiosos debido a su contenido considerado de baja calidad. ^{[ 39 ] [ 40 ]} En 1954, tras el establecimiento del Código de Cómics en la industria del cómic estadounidense, ^{[ 41 ]} se formó la Asociación de Editores y Editores de Cómics y Revistas Filipinas (APEPCOM), liderada por Ace. En colaboración con la Iglesia Católica, APEPCOM implementó un código de autorregulación destinado a excluir de sus obras la "inmundicia perjudicial para la moral", como el sexo explícito, el terror y las actividades delictivas. ^{[ 42 ]} En consecuencia, los cómics filipinos persistieron en evitar el humor ofensivo o vulgar hasta el siglo XXI, centrándose predominantemente en el humor simple y la sátira política. ^{[ 43 ]}

Durante esta época, surgieron muchos artistas que moldearían la historia del cómic filipino. ^{[ 42 ]} Francisco Coching , un guerrillero de la Segunda Guerra Mundial, ^{[ 22 ]} estableció el estilo indígena del cómic filipino con sus dibujos dinámicos e intrincados. ^{[ 2 ]} Apodado "el Decano del cómic filipino", Coching fue honrado póstumamente con un premio de Artista Nacional . ^{[ 44 ]} Larry Alcala dejó un legado duradero con su carrera de 56 años, en particular a través de Slice of Life , una serie de tiras cómicas de un solo panel que retrata la vida diaria en Filipinas sin diálogo. ^{[ 45 ]} Alcala también fue galardonado con el título de Artista Nacional. ^{[ 46 ]} Mars Ravelo presentó a la icónica superheroína filipina, Darna . ^{[ 2 ] [ 47 ]} Otras creaciones de Ravelo, como el Capitán Barbell , Lastikman , ^{[ a ]} ​​la sirena Dyesebel y el personaje humorístico Bondying , ^{[ 2 ]} han tenido remakes en el siglo XXI, cautivando a una nueva generación de lectores. ^{[ 49 ]} Otras figuras notables incluyen a Alfredo Alcala , Clodualdo del Mundo , Nestor Redondo , Alex Niño , Pablo S. Gomez y Jesse Santos . ^{[ 42 ]}

Cuando Ace Publication quebró en 1963 tras una huelga de impresores, los creadores que habían contribuido a la empresa se aventuraron en sus propios negocios. ^{[ 31 ]} Velásquez dirigió GASI (Graphic Arts Services Incorporated) con el apoyo de Roces. ^{[ 50 ]} Pablo Gómez y Mars Ravelo establecieron sus respectivas editoriales, PSG (1964) y RAR (1970), publicando varios títulos semanales. Sin embargo, muchos nuevos participantes en la industria del cómic a menudo enfrentaron inestabilidad, en parte debido a la lenta economía filipina. ^{[ 51 ]} Larry Alcala reflexionó sobre este período, señalando que la sobreproducción condujo a una disminución en la calidad, marcando el fin de la edad de oro. ^{[ 31 ]}

Los cómics " bomba " y "desarrollativos" son géneros únicos de Filipinas que surgieron en la década de 1960. ^{[ 31 ]} Los cómics bomba, publicados por editoriales efímeras, presentaban historias pornográficas , fotos de desnudos y mensajes políticos ocasionales. A pesar de la condena de grupos religiosos y feministas, las revistas bomba siguieron siendo populares hasta que se vieron obligadas a publicarse en la clandestinidad tras la intensificación de las medidas de represión durante la ley marcial a partir de 1972. ^{[ 43 ] [ 52 ]} Los cómics desarrollativos, publicados por agencias públicas, tenían como objetivo crear conciencia sobre la planificación familiar y fueron reportados por su impacto en el control de la población. ^{[ 42 ]} Los cómics también se utilizaron como herramienta de relaciones públicas del gobierno. ^{[ 36 ]} Durante la presidencia de Corazón Aquino a finales de la década de 1980, los cómics se utilizaron para difundir mensajes que instaban a los guerrilleros comunistas a rendirse, camuflados como historias románticas, y se distribuyeron a nivel nacional. ^{[ 36 ]}

En la década de 1970, los artistas filipinos comenzaron a penetrar el mercado estadounidense, siendo pioneros Tony DeZuniga , un inmigrante filipino radicado en Nueva York. Reclutado por el editor de DC Comics, Joe Orlando , en 1970, DeZuniga crearía al héroe del oeste Jonah Hex y contribuiría a Conan el Bárbaro , así como a varios títulos de romance , terror y guerra . ^{[ 53 ] [ 54 ] [ 55 ]} En 1971, DeZuniga recomendó al editor de DC, Carmine Infantino, que visitara Filipinas para buscar nuevos talentos a precios moderados. ^{[ 54 ]} Esta iniciativa resultó en una importante afluencia de artistas filipinos, incluidos Alex Niño, Nestor Redondo y Alfredo Alcala. ^{[ 53 ] [ 54 ]} Reconocidos por su destreza en el dibujo, rapidez y diversa gama artística, los artistas filipinos se convirtieron en una presencia importante en los cómics estadounidenses. Sin embargo, a medida que las preferencias de los lectores cambiaron en la década de 1980, muchos artistas filipinos transitaron hacia trayectorias profesionales alternativas, como la animación. ^{[ 54 ]}

En 1972, la administración de Ferdinand Marcos impuso la ley marcial , obligando a todos los editores a alinearse con una postura pro-régimen. ^{[ 57 ]} La administración reconoció la influencia significativa de los cómics en la opinión pública y publicó cómics para promover sus políticas, ^{[ 57 ] [ 58 ]} al tiempo que estableció el Consejo Asesor de Medios para regular el contenido de los cómics. ^{[ 59 ]} La industria del cómic acató, lo que llevó a la desaparición de obras que representaban pobreza o disturbios sociales de sus páginas. ^{[ 57 ]} Aunque Filipinas había disfrutado previamente de un nivel excepcional de libertad para la sátira política entre los países del sudeste asiático, ^{[ 10 ]} los caricaturistas políticos críticos con el gobierno comenzaron a ser marginados. ^{[ 60 ]} Los periódicos y revistas bajo la influencia de Marcos publicaron caricaturas humorísticas desprovistas de comentarios políticos, fomentando un florecimiento del género. ^{[ 36 ] [ 61 ]} Nonoy Marcelo , entre los incluidos en la lista negra, eludió la censura al unirse a la agencia de medios estatal e infundió una sutil sátira política en sus caricaturas protagonizadas por su personaje de rata Ikabod . ^{[ 60 ]} Finalmente, Marcos fue derrocado en 1986, pero las caricaturas satíricas no recuperaron su antigua prominencia, ya que los conglomerados mediáticos excluyeron cada vez más el contenido considerado perjudicial para los intereses comerciales. ^{[ 62 ]}

La década de 1970 presentó múltiples desafíos para la industria del cómic filipino. Además de perder talento frente a sus homólogos estadounidenses mejor pagados, ^{[ b ]} la industria enfrentó críticas de la administración y la Iglesia Católica con respecto al contenido considerado "perjudicial", sin mencionar la recesión económica. ^{[ 64 ]} Si bien varias editoriales más débiles sucumbieron a estas presiones, compañías como GASI y Atlas, propiedad de Ramon Roces, continuaron prosperando. La circulación y los ingresos de GASI se cuadruplicaron entre 1975 y 1978. ^{[ 57 ]}

La popularidad de los cómics filipinos alcanzó su punto máximo en la década de 1980, marcada por la publicación de 47 cómics semanales y una circulación total de 2,5 a 3 millones de copias a mediados de la década de 1980. El número real de lectores superó con creces estas cifras debido al intercambio convencional de copias entre amigos y familiares, lo que convirtió a los cómics en la forma de publicación más consumida, incluso superando a los periódicos. ^{[ 65 ]} Con una red de distribución nacional bajo su propiedad, Roces continuó manteniendo una posición dominante, ^{[ 66 ]} siendo propietaria de 62 de los 71 títulos en el mercado para 1992. ^{[ 67 ]} El modelo de publicación establecido por la familia Roces, caracterizado por períodos de publicación cortos, una amplia gama de títulos y precios asequibles, enfrentó mínimos desafíos por parte de editoriales más pequeñas. ^{[ 67 ]} Sin embargo, este oligopolio condujo a un enfoque conservador del contenido, favoreciendo a menudo las ideas recicladas sobre la innovación. ^{[ 66 ]} La búsqueda incesante de velocidad de producción resultó en una disminución de la calidad, ejemplificada por el escritor Carlo Caparas, quien una vez produjo 36 obras (normalmente 4 páginas cada una ^{[ 68 ]} ) semanalmente, mientras que otro artista completó 19 obras por semana con ayuda para el trabajo de pluma. ^{[ 66 ]}

En la década de 1990, la inestabilidad económica, la agitación política y los desastres naturales afectaron las finanzas familiares, lo que resultó en una fuerte caída en las ventas de cómics. ^{[ 69 ]} Simultáneamente, nuevas formas de entretenimiento, como la televisión, los videojuegos, Internet y los cómics extranjeros, intensificaron aún más la competencia. ^{[ 66 ]} Además, la partida de artistas destacados a otras industrias u oportunidades en el extranjero, junto con técnicas de impresión y encuadernación obsoletas, contribuyó a las dificultades de la industria. ^{[ 70 ]} Para hacer frente a la recesión del mercado, las editoriales de cómics emplearon diversas estrategias, como la integración de la estética del anime y los videojuegos japoneses en títulos infantiles y la incorporación de humor para adultos. Estas medidas solo ofrecieron un alivio temporal. ^{[ 71 ]} Algunos de los títulos de mayor duración en el mundo, en particular los cuatro iniciales fundados por Tony Velasquez alrededor de 1950, que acumularon colectivamente 11.500 números, dejaron de publicarse durante este período. ^{[ 70 ]}

El fallecimiento del titán de la industria Ramon Roces en 1993 marcó un momento crucial. Tras su muerte, las empresas de la familia Roces cerraron o cesaron por completo la publicación de cómics. ^{[ 72 ]} Muchos sostienen que el cómic filipino murió durante este período. ^{[ 73 ]} Como señaló un crítico: «Cuando el monopolio de los cómics de Roces cayó a finales de la década de 1990, se llevó todo consigo». ^{[ 70 ]} Aunque la publicación de cómics persistió, la disolución de la red de distribución de Roces redujo significativamente la industria y obligó a un cambio en el estilo de publicación. ^{[ 74 ]} Muchos artistas optaron por la autoedición , como Pol Medina Jr. , quien reimprimió su serial periodístico Pugad Baboy como novelas gráficas. ^{[ 75 ]}

En la década de 1990, surgió una nueva tendencia cuando los artistas comenzaron a autopublicar minicómics fotocopiados , predominantemente dentro del género de superhéroes al estilo estadounidense , a menudo vendiéndolos en festivales universitarios. ^{[ 70 ]} Alamat Comics, fundada en 1994 como una pequeña convención para que los creadores independientes se conectaran, ^{[ 70 ]} finalmente se expandió para publicar formalmente obras como Wasted de Gerry Alanguilan . ^{[ 76 ]} Mango Comics y otras editoriales también surgieron, lo que significó un cambio generacional en la publicación de cómics. ^{[ 77 ]}

Muchos jóvenes artistas se inspiraron para incursionar en la industria del cómic estadounidense gracias a Whilce Portacio , un inmigrante filipino que había alcanzado el éxito en Estados Unidos. ^{[ 78 ]} Portacio realizaba visitas frecuentes a su país natal a principios de la década de 1990, interactuando y asesorando a artistas locales, incluido el grupo Alamat. El estudio que Portacio fundó en Manila ha impulsado talentos como Alanguilan y Leinil Francis Yu , quienes posteriormente han contribuido a Marvel Comics . ^{[ 79 ] [ 80 ]}

Durante la década de 2000, los estilos de publicación de cómics se diversificaron, con más artistas que aceptaban obras de editoriales no especializadas en cómics o internacionales, junto con la tendencia de la autopublicación. ^{[ 84 ] [ 85 ]} Esta última facilitó la creación de una gama más amplia de obras. ^{[ 86 ]} A finales de la década de 2000, Alanguilan autopublicó Elmer , un drama social protagonizado por gallinas inteligentes, ^{[ 84 ] [ 87 ]} que obtuvo una nominación al prestigioso Premio Eisner . ^{[ 88 ]}

Las novelas gráficas surgieron como una alternativa viable a los cómics semanales tradicionales. ^{[ 89 ]} Obras notables como Trese de Budjette Tan y Kajo Baldisimo , miembros de Alamat, The Mythology Class y Trip to Tagaytay de Arnold Arre , y One Night in Purgatory de Carlo Vergara han sido publicadas en formato de libro por editoriales convencionales. ^{[ 89 ] [ 90 ]} La superheroína queer de Vergara , Zsazsa Zaturnnah , creada en 2002, alcanzó gran popularidad, lo que llevó a su adaptación a una película y una producción de teatro musical. ^{[ 91 ] [ 92 ]}

La década de 1990 también presenció un aumento en la influencia del manga y el anime japoneses. ^{[ 93 ]} Esta tendencia se remonta a la década de 1970, cuando títulos de anime como Voltes V y G-Force ganaron popularidad entre la creciente audiencia televisiva de la clase media. Sin embargo, el impulso del auge del anime se vio frenado cuando la administración de Marcos prohibió estas series, aunque las razones de estas restricciones siguen siendo objeto de debate. ^{[ 94 ] [ 95 ] [ c ]} A finales de la década de 1980, tras un cambio de régimen, el anime experimentó un resurgimiento con la emisión de Dragon Ball Z y Sailor Moon . ^{[ 96 ]} Sin embargo, no fue hasta finales de la década de 1990 que el anime realmente se extendió al público general. El popular programa de comedia Bubble Gang jugó un papel importante en esto al presentar Voltes V , evocando recuerdos del régimen militar y contribuyendo al atractivo más amplio del anime. ^{[ 94 ] [ 96 ]}

La subcultura japonesa cautivó a una generación más joven distinta de los lectores de cómics tradicionales. ^{[ 4 ]} En 2000, Culture Crash Comics debutó, mostrando obras de alta calidad inspiradas en el manga. ^{[ 70 ] [ 97 ]} Aunque la revista no duró mucho debido a dificultades financieras, ^{[ 97 ]} su popularidad impulsó el surgimiento de seguidores como Mangaholix del mismo editor, ^{[ 70 ]} junto con Questor y Nautilus Comics . ^{[ 98 ]} La editorial de cómics de superhéroes Mango Comics lanzó el título shōjo Mango Jam . ^{[ 70 ] [ 85 ]} Incluso revistas infantiles de larga trayectoria como Funny Komiks adoptaron ilustraciones de estilo manga. ^{[ 4 ] [ 99 ]} Estas creaciones de artistas filipinos, denominadas "manga filipino", marcaron una era de "cómics, komiks y manga" (obras en los estilos estadounidense, filipino y japonés). ^{[ 100 ] [ 101 ]} Entre las obras de manga filipinas notables se incluye Love is in the Bag de Ace Vitangcol. ^{[ 85 ]}

El gobierno japonés promovió activamente el manga como exportación cultural en Filipinas, al igual que en otras naciones asiáticas. ^{[ 89 ]} La recepción del manga japonés ha generado controversia, reflejando debates en otros países. ^{[ 89 ]} Alanguilan ha criticado a los artistas profesionales de manga filipinos por adoptar estilos estrechamente asociados con la identidad cultural japonesa, etiquetándolos como "filipinos". ^{[ 91 ] [ 102 ]}

A medida que se desarrollaban nuevos acontecimientos, también se estaban llevando a cabo esfuerzos para revivir los cómics tradicionales filipinos. Mango Comics relanzó a superhéroes clásicos como Darna, Lastikman y el Capitán Barbell alrededor de 2003. ^{[ 49 ]} Dirigido a un público de mayores ingresos, Mango optó por distribuir a través de tiendas especializadas en cómics en lugar de quioscos. ^{[ 84 ]} En 2007, la compañía se embarcó en una incursión fallida en los cómics semanales de gran tirada, nombrando al cineasta y escritor Carlo Caparas como portavoz. ^{[ 103 ]} El propio Caparas promovió los cómics filipinos a través de iniciativas como el establecimiento de premios para nuevos creadores y la organización de la Caravana de Formación de Artistas para impulsar la escena local del cómic. También impulsó el Congreso Nacional de Cómics y la Caravana de Cómics con el apoyo de la Comisión Nacional para la Cultura y las Artes para aumentar el conocimiento de los cómics en el país. ^{[ 84 ] [ 104 ]}

En la década de 2010, los cómics se diversificaron aún más en contenido y formatos de publicación. ^{[ 105 ] [ 106 ]} Desde el establecimiento de Komikon en 2005, ^{[ 107 ]} las convenciones para fanáticos de subculturas como cómics, anime y videojuegos se han convertido en eventos regulares en Filipinas. ^{[ 108 ]} Estas convenciones sirven como plataformas vitales para que los artistas independientes distribuyan sus obras. ^{[ 86 ] [ 100 ] [ 109 ]} Las actividades de los fanáticos en línea han prosperado, ^{[ 100 ]} permitiendo una mayor exposición a influencias internacionales y creando nuevas vías para la publicación. ^{[ 110 ]} Varias plataformas originarias de Filipinas, como Penlab, Webkom Alliance y Kudlis, permiten a los aficionados publicar webcómics. ^{[ 86 ] [ 111 ]} Algunos artistas han encontrado reconocimiento en webtoons coreanos . ^{[ 86 ]} Artistas veteranos como Pol Medina Jr. se han aventurado en la publicación y monetización en línea. ^{[ 74 ] [ 112 ]} La adaptación al anime de Trese de Budjette Tan , estrenada en Netflix en 2021, atrajo la atención internacional. ^{[ 86 ]}

La evolución de la cultura del cómic ha propiciado un aumento de creadoras. ^{[ 106 ]} En el pasado, los dibujantes de cómics operaban dentro de una dinámica de aprendizaje, que a menudo excluía a las mujeres. ^{[ 114 ]} Sin embargo, con el surgimiento de una nueva generación influenciada por los cómics y el manga occidentales como Sailor Moon y CLAMP , los cómics independientes de artistas femeninas se han vuelto más comunes. ^{[ 106 ]} A pesar del persistente dominio masculino en el panorama del cómic de la década de 2020, eventos como Komiket empoderan y apoyan activamente las actividades creativas de las mujeres. ^{[ 115 ]}

Los cómics son cada vez más reconocidos como una forma de arte, con frecuentes retrospectivas que honran a artistas pioneros como Ravelo y Coching. ^{[ 105 ]} En 2010, se presentó un proyecto de ley para un proyecto de archivo de novelas gráficas. ^{[ 100 ]} La creación de cómics ahora se está integrando en los planes de estudio universitarios, ^{[ 107 ]} y los grupos estudiantiles están fomentando activamente a artistas emergentes de cómics. ^{[ 116 ]} Si bien las cifras de circulación pueden no alcanzar los máximos anteriores, la cultura del cómic está experimentando un resurgimiento en el siglo XXI. ^{[ 109 ]} Los cómics del género boys' love que se centran en las experiencias vividas de la comunidad queer filipina se han vuelto populares en el país en los últimos años, mientras que los festivales de cómics queer se han vuelto convencionales cada Mes del Orgullo. ^{[ 117 ] [ 118 ] [ 119 ]}

Los cómics tradicionales filipinos se inspiran no solo en el arte del cómic estadounidense, sino también en las ilustraciones de revistas dibujadas a pluma, como las de Charles Dana Gibson . ^{[ 128 ]} El icónico personaje Darna, creado por Mars Ravelo, fue influenciado por las obras del ilustrador peruano Alberto Vargas . ^{[ 48 ]} Según Gerry Alanguilan , un dibujante de cómics conocido por sus esfuerzos en la reimpresión y popularización de cómics clásicos, los dibujantes de cómics filipinos fueron influenciados significativamente por ilustradores estadounidenses reconocidos por su exquisita obra, ^{[ 128 ]} como Franklin Booth , JC Leyendecker , Norman Rockwell y Frank Frazetta . ^{[ 77 ]} Alanguilan caracteriza el estilo artístico filipino como "clásico y romántico, delineado por pinceladas exuberantes y elegantes". ^{[ 77 ]}

Francisco Coching fue un artista influyente que dejó una huella imborrable en sus contemporáneos a partir de la década de 1950, ganándose el apodo de "Decano de la Ilustración de Cómics Filipinos". Alanguilan elogió su pincelada "audaz y frenética", señalando que sus figuras "parecían moverse incluso cuando estaban quietas". ^{[ 129 ]}

Los cómics filipinos se originaron en la década de 1930 con obras humorísticas como Kenkoy , seguidas por la popularidad de cuentos heroicos históricos como Kulafu . El posterior auge del melodrama en las décadas de 1940 y 1950, que se inspiró en la tradición de la ficción popular filipina, ^{[ 130 ]} estableció el tono predominante de los cómics filipinos. ^{[ 131 ]} Mars Ravelo, uno de los escritores más renombrados del género, creó Roberta , en la que una joven es acosada por su madrastra. ^{[ 130 ]} Para la década de 1980, las narrativas melodramáticas impregnadas de temas de sexo, violencia y desigualdad de clases ganaron prominencia. ^{[ 65 ]} A pesar del predominio masculino en la industria, este género fue enriquecido por muchas escritoras, incluyendo a Elena Patron , quien produjo más de 350 cómics cortos y 120 seriales en 20 años, junto con Nerissa Cabral y Gilda Olvidado . ^{[ 65 ] [ 132 ]}

La acción y la fantasía también han sido populares durante mucho tiempo en los cómics filipinos. ^{[ 133 ]} En la década de 1950, Ravelo presentó a Dyesebel , la sirena que se enamora de un humano, y a la superheroína Darna. ^{[ 68 ]} Una historia común presentaba al protagonista adquiriendo un objeto mágico (como una máquina de escribir, un bolígrafo o una cesta de aventar) para superar la adversidad. ^{[ 134 ]} El género también presentaba una variedad de personajes inusuales, incluyendo niños mitad bestia, delfines parlantes, ^{[ 67 ]} mujeres con una serpiente o un ratón como hermanos gemelos, niñas de tres cabezas y "Las Manos", manos cortadas y animadas con ojos y poderes mágicos. ^{[ 135 ]} Estos personajes a menudo se inspiraban en una mezcla ecléctica de mitos filipinos , romanos y griegos . ^{[ 136 ]} El género alcanzó su apogeo en la década de 1970 con las obras de Pablo Gómez y Carlo Caparas, y para 1980, las narrativas fantásticas estaban presentes en alrededor del 70% de todas las revistas de cómics. ^{[ 136 ]}

Los cómics románticos se habían convertido en un género dominante en la década de 1990, abarcando más de la mitad de las historias publicadas en revistas populares, según lo indicado por una encuesta de 1992. ^{[ 67 ] [ 68 ]} El editor de cómics Emmanuel Martinez sugiere que los filipinos se sienten particularmente atraídos por las historias de amor debido a su naturaleza romántica, emocional y orientada a la familia. ^{[ 66 ]} Martinez señala que los lectores prefieren cuentos ligeros con finales optimistas. ^{[ 68 ]} Estas historias frecuentemente retrataban personajes como una prostituta compasiva, una hija que se sacrifica por su familia o una mujer engañada por su amante, con el protagonista finalmente prevaleciendo y encontrando la felicidad. ^{[ 68 ] [ 136 ]} Los géneros queer, como el amor entre chicos , han disfrutado recientemente de un aumento en popularidad, especialmente después del auge de las series cinematográficas queer en la década de 2020. ^{[ 137 ] [ 138 ] [ 139 ] [ 140 ]}

Además de estos géneros convencionales, los cómics filipinos exploraron una amplia gama de temas, incluyendo noticias, política, agricultura, biografía, historia ^{[ 77 ]} y deportes. Algunas historias representaban dramas que giraban en torno a personas comunes, basados ​​en narrativas enviadas por los lectores. Elementos de ciencia ficción , como aventuras espaciales, trasplantes de órganos, clonación y bebés probeta, eran frecuentes. ^{[ 65 ]} Además, no eran infrecuentes las obras que imitaban películas exitosas como Tiburón , El coloso en llamas y James Bond . ^{[ 141 ]}

En Filipinas, donde la mayoría de la población es católica, la pornografía está prohibida por ley y la homosexualidad también tiende a ser vista como indecente. Las representaciones positivas de la homosexualidad son raras en los medios de comunicación convencionales. ^{[ 142 ]} Según la investigadora de cómics Soledad Reyes , muchos cómics románticos tradicionales representaban a protagonistas que experimentaban una transformación repentina de "bebés mayores, hombres y mujeres que se chupaban el dedo, [...] y hombres afeminados" en individuos orgullosos y seguros "profundamente conscientes de su sexualidad" a través del poder del amor. ^{[ 143 ]} Zsazsa Zaturnnah (2003) de Carlo Vergara , un hombre gay que se transforma en una superheroína, marcó un avance significativo en la representación LGBTQIA+ en los cómics. ^{[ 144 ]} La obra atrajo la atención tanto del público en general como de la academia y allanó el camino para los cómics autobiográficos de artistas LGBTQIA+. ^{[ 144 ] [ 145 ]} Además, existe un fandom de yaoi de estilo japonés , que tenía una pequeña base de fans antes de 2015, ^{[ 146 ] [ 147 ]} pero ha crecido drásticamente desde la década de 2020 y se ha transformado en su propio subgénero de Pinoy BL. Las nuevas generaciones de autores de cómics queer, la mayoría de los cuales son queer ellos mismos, se han centrado en crear libros para presentar a la gente el mundo LGBTQIA+, cubriendo tanto las diferencias como las similitudes con la corriente principal heterosexual. Obras notables incluyen Ang Jowa Kong Crosswise , Champion of the Rose , Nang Mainlove Ako sa Isang Sakristan , y Sari Sari Story , ^{[ 148 ] [ 149 ] [ 150 ] [ 151 ]} mientras que varias antologías de cómics queer también se han publicado en los últimos años. ^{[ 152 ] [ 153 ]} En 2017, Saturnino Basilia publicó una antología de fanzines titulada BOSO: A Peep In Pinoy Bomba Komiks . ^{[ 154 ]} El fanzine comienza con una pregunta provocativa: ¿Por qué leer pornografía?El objetivo de Basilia es reivindicar la pornografía como un espacio donde se puedan explorar las emociones y experiencias más reprimidas de las personas, así como sus reflexiones sobre dichas experiencias. En lugar de considerar estos cómics únicamente como contenido explícito, los presenta como actos de resistencia contra la censura. Posteriormente, publicó otra antología de bombas komiks, SABIK: A Short Time in Pinoy Bomba Komiks .

El idioma, la geografía y la cultura filipinas a menudo se fusionaron con influencias estadounidenses y japonesas en diversas obras. ^{[ 4 ]} Mientras que los superhéroes estadounidenses suelen operar en entornos donde las habilidades sobrehumanas surgen de cualidades innatas o se obtienen mediante medios científicos y entrenamiento, los poderes de los héroes filipinos tradicionales a menudo provienen de la fe. Personajes como Darna, Panday y otros adquieren objetos mágicos como símbolos de la pureza de sus corazones. ^{[ 4 ]} La obra de Arnold Arre de 1999, The Mythology Class, exploró extensamente la mitología filipina, revitalizando el género fantástico que había sido fuertemente influenciado por los cómics de superhéroes estadounidenses. ^{[ 155 ]} Hacia 2020, las obras comerciales incorporan cada vez más el género negro y el misterio con criaturas del folclore . ^{[ 86 ] [ 156 ]}

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