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Adiós al lenguaje

Adiós al lenguaje ( en francés : Adieu au Langage ) es un ensayo cinematográfico narrativo franco-suizo de 2014,escrito y dirigido por Jean-Luc Godard . Está protagonizado por H...

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Adiós al lenguaje ( en francés : Adieu au Langage ) es un ensayo cinematográfico narrativo franco-suizo de 2014,escrito y dirigido por Jean-Luc Godard . Está protagonizado por Héloïse Godet, Kamel Abdeli, Richard Chevallier, Zoé Bruneau, Jessica Erickson y Christian Grégori, y fue filmado por el director de fotografía Fabrice Aragno . Es el 42.º largometraje de Godard y su 121.º proyecto cinematográfico o de vídeo, y el primero en utilizar la tecnología 3D . En las zonas francófonas de Suiza donde se rodó, la palabra «adieu» puede significar tanto adiós como hola. La película muestra a una pareja que tiene una aventura. El marido de la mujer descubre la infidelidad y el amante es asesinado. Dos parejas de actores interpretan a la pareja y sus acciones se repiten y reflejan mutuamente. La perra de Godard, Roxy Miéville, tiene un papel destacado en la película y ganó un premio en el Festival de Cannes. Al igual que muchas de las películas de Godard, incluye numerosas citas y referencias a obras artísticas, filosóficas y científicas anteriores, entre las que destacan las de Jacques Ellul , Aleksandr Solzhenitsyn y Mary Shelley .

Godard se interesó en hacer una película en 3D en 2010 y le pidió a Aragno que hiciera algunas pruebas de cámara. Aragno no quedó satisfecho con los resultados de las cámaras 3D profesionales y construyó sus propios equipos personalizados utilizando Canon 5D y Flip Mino , rompiendo muchas de las reglas estándar de la cinematografía 3D. Godard y Aragno trabajaron en la película durante cuatro años, cada uno filmando de forma independiente antes de comenzar oficialmente la producción con los actores. Godard editó una versión en 2D de la película antes de que él y Aragno perfeccionaran el montaje en 3D con corrección de color y sonido envolvente .

Adieu au langage se estrenó en competición en el Festival de Cannes de 2014 y ganó el Premio del Jurado . Fue distribuida en Francia por Wild Bunch y en Estados Unidos por Kino Lorber , y ganó el premio a Mejor Película en los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de 2014. Recibió una recepción generalmente positiva y fue incluida como una de las mejores películas del año en varias listas de la crítica. En particular, se elogió su estilo visual, mientras que se criticó la trama, que algunos consideraron incomprensible. [ 1 ] [ 2 ] Muchos críticos han intentado analizar los temas de la película y su uso del 3D.

Algunas de las tomas más elaboradas de la película han sido consideradas técnicas innovadoras del lenguaje cinematográfico. Entre ellas se incluye una toma de "separación" en la que una toma continua se divide en dos tomas separadas que pueden verse simultáneamente con el ojo izquierdo o el derecho, para luego volver a una sola toma en 3D. Aragno y Godard también experimentaron con imágenes 3D de doble exposición y tomas con paralaje , difíciles de percibir para el ojo humano.

Sinopsis

"La idea es simple / Una mujer casada y un hombre soltero se encuentran / Se aman, discuten, vuelan los puños / Un perro vaga entre la ciudad y el campo / Pasan las estaciones / El hombre y la mujer se reencuentran / El perro se encuentra entre ellos / El otro está en uno, / el uno está en el otro / y son tres / El exmarido lo destruye todo / Comienza una segunda película: / igual que la primera, / y sin embargo no / De la raza humana pasamos a la metáfora / Esto termina en ladridos / y llantos de bebé / Mientras tanto, habremos visto a gente hablando de la desaparición del dólar, de la verdad en las matemáticas y de la muerte de un petirrojo."

— Godard en una sinopsis manuscrita escrita en verso y publicada por primera vez en Twitter [ 3 ] [ 4 ]

Adiós al lenguaje es una narración experimental que cuenta dos versiones similares de una pareja que tiene una aventura. Estas dos historias se titulan "1 Naturaleza" y "2 Metáfora", y se centran respectivamente en las parejas Josette y Gédéon, e Ivitch y Marcus, junto con un perro.

La película comienza con "1 Nature" en el centro cultural de Nyon. Una joven pareja, Marie y su novio, están montando un puesto de libros usados. Llega otra pareja, Davidson e Isabelle. Por la forma en que Marie, su novio y, más tarde, el personaje Ivitch se dirigen a Davidson, parece que es un profesor. Blandiendo un ejemplar de El archipiélago Gulag , Davidson comenta que su autor, Aleksandr Solzhenitsyn , no necesitó usar Google para buscar el subtítulo del libro. El profesor le pregunta entonces a Isabelle para qué servían los pulgares antes de los teléfonos inteligentes, haciendo un juego de palabras con el cuento infantil francés Hop-o'-My-Thumb . A continuación, da una conferencia improvisada sobre las ideas de Jacques Ellul , como la abdicación de los derechos y responsabilidades individuales en favor del Estado, una situación que Ellul declaró como el triunfo de Adolf Hitler . De repente, llega un coche, un hombre sale y, hablando en alemán, aborda a Josette, que estaba cerca. Tras exigirle que volviera a casa (dando a entender que el hombre era el marido de Josette), amenazarla con consecuencias y tratar de llevársela a la fuerza, el hombre se retira fuera de plano y dispara. Mientras los demás personajes corren hacia el lugar de los disparos, el coche se marcha. Josette se aleja, mientras Gédéon, que la ha estado observando todo el tiempo, la sigue. Mientras Josette se lava las manos en una fuente, Gédéon se acerca y le declara: «Estoy a tu servicio».

La película da paso a "2 Metáfora". A orillas del lago Nyon, Davidson está sentado en un banco hojeando un libro de reproducciones de Nicolas de Staël cuando Marie y su novio llegan para despedirse antes de partir a Estados Unidos. Llega Ivitch, vestido como Davidson, con gabardina y sombrero a juego. Mientras ambos discuten sobre la tiranía de las imágenes, llega el hombre de habla alemana y la escena se desarrolla como antes: aborda a Ivitch, dispara y se marcha. Como antes, un hombre se acerca a la mujer, visiblemente afectada. Esta vez, el hombre está fuera de plano y la mujer en pantalla (Ivitch tras unas rejas, una imagen utilizada en la promoción de la película). El hombre, Marcus, apoya la mano en las rejas y declara: "Estoy a su servicio".

La película regresa a "1 Naturaleza". Gédéon y Josette tienen una aventura amorosa y pasan el verano juntos en una casa; conversan sobre literatura y asuntos domésticos. Gédéon hace referencia a El pensador de Rodin mientras está sentado en el inodoro y declara que las personas se igualan mediante el acto de defecar. En cierto momento, la escena cambia a Nyon, donde Marie examina el cuerpo de un hombre no identificado. De vuelta a la aventura amorosa de Gédéon y Josette, el perro Roxy retoza en el campo mientras un narrador habla sobre la relación de los humanos con los perros. Roxy se sube a un coche con Gédéon y Josette, quienes lo llevan a casa y continúan la conversación con Roxy presente. Josette menciona un cuchillo que Gédéon le regaló cuatro años antes. Gédéon y Josette parten para abordar un ferry, dejando a Roxy atrás.

La película retoma la metáfora de "2". Marcus e Ivitch tienen una aventura amorosa en la misma casa durante el invierno; hablan de pintura y temas políticos, como la opinión de Mao Zedong sobre la Revolución Francesa y cómo los rusos nunca serán europeos. Discuten mientras se duchan juntos, seguido de una toma de un cuchillo ensangrentado en un lavabo. A medida que su relación se deteriora, Ivitch le recuerda a Marcus que él le dijo: "Estoy a tu servicio". Marcus dice que deberían tener hijos. Ivitch dice que mejor deberían tener un perro.

En un epílogo, "3 Memoria/desgracia histórica", Roxy está de nuevo en el campo mientras una narración en off que representa los pensamientos de Roxy (y parafrasea Time and Again de Clifford D. Simak ) se pregunta qué intenta decirle el agua. Un narrador menciona que Mary Shelley escribió Frankenstein cerca de la casa de la pareja en Cologny ; se ve a Shelley en el campo escribiendo su libro con pluma y tinta, acompañada por Lord Byron y Percy Shelley. Un hombre y una mujer invisibles (Godard y Florence Colombani) pintan con acuarelas y tinta negra. Le ordenan a Roxy que salga de la habitación y (parafraseando Los demonios de Dostoievski ) comparan las dos preguntas de Kirillov , "una grande y una pequeña" (el otro mundo y el sufrimiento) y la "dificultad de encajar la planitud en la profundidad" con el acto de crear arte. Roxy se queda dormido en un sofá mientras un narrador (Anne-Marie Miéville) describe sus pensamientos y la película termina con los sonidos de un perro ladrando y un bebé llorando.

Referencias a otras obras

Al igual que muchas películas de Godard, Adiós al lenguaje contiene numerosas referencias a otras obras de arte o ciencia entrelazadas en la narrativa. Incluye fragmentos de películas como Por el mar más azul de Boris Barnet , El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Rouben Mamoulian , Los niños terribles de Jean-Pierre Melville , Ladoni de Artur Aristakisyan , Metrópolis de Fritz Lang , Solo los ángeles tienen alas de Howard Hawks , Gente en domingo de Robert Siodmak , Piraña 3D de Alexandre Aja y Las nieves del Kilimanjaro de Henry King . Cita verbalmente El testamento de Orfeo de Jean Cocteau sin mostrar ningún fragmento [ 5 ] y utiliza imágenes de archivo de eventos políticos del siglo XX, como la Alemania nazi y la Unión Soviética . [ 6 ]

La película hace referencia a varios autores de literatura, ciencia, filosofía y teoría política, o los cita. Esto incluye tanto citas directas (a menudo parafraseadas por personajes o narradores invisibles) como copias de libros que aparecen en las escenas. Las referencias incluyen Sentimientos, pasiones y signos de Alain , Antígona de Jean Anouilh , Alcools de Guillaume Apollinaire , Elsa, je t'aime de Louis Aragon , El renacimiento de la historia de Alain Badiou , La imagen de Samuel Beckett , Conceptos: Introducción al análisis de Joceyln Benoist , Awaiting Oblivion de Maurice Blanchot , El libro de arena de Jorge Luis Borges , La iglesia y Carta a Elie Faure de Louis-Ferdinand Céline , Eva o el diario interrumpido de Jacques Chardonne , La sociedad contra el Estado de Pierre Clastres , Un mundo en guerra de Jean-Paul Curnier , El origen del hombre y la selección en relación con el sexo de Charles Darwin , El animal que, por tanto , soy de Jacques Derrida , El evangelio en riesgo del psicoanálisis de Françoise Dolto , Los demonios de Fiódor Dostoievski , ¿ La victoria de Hitler? de Jacques Ellul , La educación sentimental de Gustave Flaubert , Heidegger: El pensamiento irreductible a sus errores de Hadrien France-Lanord , Nietzsche y la sombra de Dios de Didier Franck , Las lecciones introductorias al psicoanálisis de Sigmund Freud , El diario de Julien Green , La expiación de Victor Hugo , Totalidad e infinito de Emmanuel Levinas , La casa en la colina de César Pavese , Obras y usura: Tres ensayos de Ezra Pound , Jean Santeuil y La prisionera de Marcel Proust , Elegías de Duino de Rainer Maria Rilke , George SandElle et Lui y Lettres à Alfred de Musset , Rapport à la Convention de Louis Antoine de Saint-Just , 3 de marzo de 1794 , El ser y la nada de Jean-Paul Sartre , La edad de la razón , Las náuseas y el traidor , Frankenstein de Mary Shelley , Peter Bell III de Percy Bysshe Shelley , El tiempo y otra vez y la ciudad de Clifford D. Simak , Philippe Sollers La entrevista de Philippe Forest , los Aforismos de Paul Valéry , la Balada del ahorcado de François Villon , las Investigaciones filosóficas de Ludwig Wittgenstein , [ 5 ] El archipiélago Gulag de Aleksandr Solzhenitsyn , [ 7 ] Descartes y Pascal, lectores de Montaigne de Léon Brunschvicg , [ 8 ] AE van Vogt es el mundo de Null-A , [ 9 ] VS Naipaul 's A Bend in the River , la famosa cita de Mao Zedong (o Zhou Enlai ) "demasiado pronto para saberlo", [ 10 ] la Teoría de las distribuciones de Laurent Schwartz , la función delta de Dirac de Paul Dirac , [ 11 ] el proverbio de Platón "la belleza es el esplendor de la verdad" y obras de Bernhard Riemann , Jack London [ 12 ] y Luc Ferry . [ 13 ] También incluye referencias a Claude Monet y El pensador de Auguste Rodin [ 12 ] e imágenes del pintor Nicolas de Staël . [ 14 ]

Godard incluso se cita a sí mismo: «Mostrar un bosque, fácil. Pero mostrar una habitación con un bosque cerca, difícil », es una paráfrasis de la reseña que Godard hizo en 1958 de la película Une Vie de Alexandre Astruc . Algunas de las referencias son falsas, como una cita de Marcel Proust atribuida erróneamente a Claude Monet y una cita de William Faulkner que no se encuentra en sus obras conocidas. [ 5 ]

La música de la película incluye la canción folclórica de Alfredo Bandelli, «La caza de brujas» , interpretada por Pino Masi. También se escuchan breves fragmentos del segundo movimiento de la Sinfonía n.º 7 de Ludwig van Beethoven , «Abii Ne Viderem » de Giya Kancheli , la segunda parte de la Suite en estilo antiguo de Dobrinka Tabakova , la Marcha eslava de Piotr Ilich Chaikovski , « La noche transfigurada » de Arnold Schoenberg , la Sinfonía n.º 2 y el Vals triste de Jean Sibelius , y « Dios santo » de Valentyn Sylvestrov . [ 5 ]

Elenco

  • Héloïse Godet como Josette
  • Kamel Abdeli como Gédéon
  • Richard Chevallier como Marcus
  • Zoé Bruneau como Ivitch
  • Christian Gregori como Davidson
  • Daniel Ludwig como el marido
  • Jessica Erickson como Mary Shelley
  • Alexandre Païta como Lord Byron
  • Dimitri Basil como Percy Shelley
  • Roxy Miéville como el perro
  • Marie Ruchat como Marie, la chica pelirroja.
  • Jeremy Zampatti como el joven
  • Isabelle Carbonneau como Isabelle
  • Jean-Luc Godard como el hombre invisible
  • Florence Colombani como la mujer invisible
  • Anne-Marie Miéville como narradora
  • Gino Siconolfi
  • Alain Brat
  • Stéphane Colin
  • Bruno Allaigre [ 15 ] [ 16 ] [ 17 ]

Producción

Algunas escenas de la película se rodaron en la orilla del lago Nyon , cerca del lago Lemán .

Godard anunció por primera vez sus planes para la película durante el Festival de Cannes de 2010 , cuando dijo que su título sería Adieu au langage . En una entrevista de noviembre de 2010, bromeó diciendo que quería contar con Humphrey Bogart y Ava Gardner , y dijo: "Se trata de un hombre y su esposa que ya no hablan el mismo idioma. El perro con el que salen a pasear interviene y habla". También reveló su interés en el 3D y la posibilidad de usar a su propio perro en la película. Godard inicialmente quería contar con grandes estrellas en los papeles principales [ 18 ] y les pidió a Sophie Marceau y Vincent Cassel que interpretaran a la pareja. Cassel se negó y Godard decidió usar actores desconocidos en su lugar. [ 17 ] Ese año Godard había contemplado la posibilidad de retirarse, pero según su director de fotografía de toda la vida, Fabrice Aragno , "no puede vivir sin hacer películas". [ 19 ]

El rodaje tuvo lugar en Suiza , incluyendo Nyon cerca del lago Lemán [ 20 ] y en la casa de Godard en Rolle . [ 17 ] [ 21 ] Godard trabajó con un equipo mínimo y un pequeño equipo, incluyendo a Aragno, el asistente de Godard Jean-Paul Battaggia y un "joven que se asegura de que los actores y los accesorios no se pierdan y que ningún transeúnte se meta en el encuadre". Todo el equipo cabía en una sola furgoneta e incluía dos cámaras 3D , una cámara de mano que manejaba Godard, una grabadora de sonido y un paraguas. [ 20 ] Godard dijo que prefería trabajar con equipos pequeños en lugar de equipos más grandes "como los de las películas estadounidenses donde se les permite tener cuarenta personas. Porque, si son menos, se sienten demasiado solos". [ 22 ] El metraje de la película se rodó durante cuatro años. [ 23 ]

Godard escribió un guion detallado para la película que incluía tanto texto como storyboards , [ 24 ] pero en lugar de un guion tradicional, el escenario consistía en "una serie de piezas escritas en prosa con anotaciones e ideas". Kamel Abdeli dijo que tuvo que buscar en Google todas las referencias del guion para poder entenderlo: "no se podía leer el escenario, se podía sentir y mirar". [ 25 ] El actor Daniel Ludwig escribió: "Junto con textos en clave sibilina y los collages e imágenes hechos a mano por el propio maestro, el guion es salvajemente, caóticamente, maravillosamente sugerente, una obra de arte". [ 20 ]

Tanto la protagonista femenina (Héloïse Godet y Zoé Bruneau) como el protagonista masculino (Kamel Abdeli y Richard Chevallier) fueron elegidos para que se parecieran físicamente. Las escenas con Bruneau y Chevallier se rodaron en verano, las escenas con Godet y Abdeli en invierno. [ 26 ] Los actores esperaron dos años y medio para comenzar a rodar después de ser elegidos [ 27 ] debido a constantes retrasos. Después de ensayar durante dos años, Abdelli viajó de París a Rolle para el primer día de rodaje, solo para descubrir que Godard había cambiado de opinión. [ 25 ] Las memorias de Bruneau de 2014, Waiting for Godard, narran la realización de la película. Godard a menudo reescribía escenas la noche anterior al rodaje y no permitía improvisación en el set, aparte de pequeños ajustes de pantalla. [ 27 ] Una de esas improvisaciones involucró a una actriz sentada frente a una lámpara, lo que resultó en un destello de lente que Aragno llamó "magia" en 3D. [ 28 ] Godet dijo que la dirección de Godard fue "muy precisa y muy suave, pero clara y sin discusión al respecto". Hubo muy poco tiempo de ensayo para los actores, pero Aragno se tomó mucho tiempo para preparar cada toma. [ 24 ] Godet dijo que "el set era silencioso y concentrado. Dedicado. Pero la actitud férrea de [Godard] ocasionalmente se transformaba en una cálida sonrisa. Se le ocurrían chistes divertidos o se mostraba extremadamente considerado con nosotros". [ 29 ] Se le pidió a la historiadora de cine francesa Florence Colombani que viajara a la casa de Godard y actuara en la película, luego descubrió que él solo quería filmar sus manos dibujando la Cruz de Lorena mientras ella decía su diálogo. [ 17 ]

Aragno dijo que él y Godard no querían usar el 3D como un efecto especial típico o un truco. En cambio, deseaban usarlo "para expresar cosas nuevas". [ 28 ] Se usaron varias cámaras, pero la mayor parte de la película se filmó con la Canon 5D y la Canon 1DC . [ 23 ] Otras cámaras incluyeron GoPros y Lumixes . [ 26 ] Aragno usó lentes Leica en las Canons "porque los lentes Canon son demasiado perfectos... ¿Cómo puedes enamorarte de una persona digitalmente perfecta? ¡Errar es humano! Los lentes Leica tienen algunas imperfecciones involuntarias". [ 22 ] Las cámaras Canon les permitieron filmar la mayor parte de la película usando fuentes de luz natural o disponible . Godard encuadró intencionalmente tomas para imágenes 3D, como cuando las sombras del personaje están en 2D pero la acera está en 3D. El perro en la película es la propia mascota de Godard, Roxy Miéville, a quien Godard filmaba cada vez que lo sacaba a pasear. Godard utilizó cámaras de consumo de Fujifilm y Sony para estas tomas. [ 23 ] Aragno también filmó algunas imágenes de forma independiente antes de que comenzara oficialmente la producción, incluyendo tomas de sus dos hijos corriendo alrededor de olivos. [ 28 ]

Aragno grabó el sonido durante la producción y posteriormente fue el mezclador de sonido durante la posproducción. Godard editó un primer montaje en 2D de la película antes de que él y Aragno trabajaran en el montaje final en 3D . [ 23 ] Godard editó el primer montaje solo en HDCAM . Aragno dijo que:

Cuando quiere insertar algo, superpone las imágenes... Jean-Luc separa las imágenes que está editando de la consola de edición. Coloca la pantalla perpendicular a la consola para que no haya nada entre él y la imagen. Tiene que darse la vuelta para editar. Decide las ediciones muy rápidamente. Después de ver todo el metraje, usa miniaturas de imágenes fotocopiadas o impresas de cada escena y crea libros, pegando cada imagen en una página. [ 28 ]

Aragno utilizó el primer montaje de Godard para sincronizar manualmente las imágenes izquierda y derecha en el primer montaje 3D, lo que, según él, "¡llevó bastante tiempo!". Godard se sintió inicialmente decepcionado con el montaje, que "tenía sonido mono y muy poca corrección de color". El 18 de marzo, Aragno organizó una proyección de un montaje 3D con banda sonora estéreo para Godard en un cine de París. Aragno comentó que también habían editado una versión 2D de la película que "superpone las dos imágenes como en una doble exposición", que Godard pensó que podría ser la versión proyectada en el Festival de Cannes. Godard no había visto ninguna secuencia 3D de la película hasta esta proyección y quedó inmediatamente satisfecho con el resultado final. [ 28 ]

La edición del montaje final duró dos semanas en la casa de Godard, a la que apodaron "Chez les Anglais". Godard y Aragno "instalaron tres ordenadores sincronizados: Pro Tools para la mezcla de sonido envolvente, DaVinci Resolve para la corrección de color y la gestión 3D, y Final Cut para reproducir lo renderizado por DaVinci sincronizado con la mezcla de sonido de Pro Tools. La idea era mezclar, corregir el color y editar al mismo tiempo en HD 3D. Editábamos dos minutos por sesión". [ 28 ]

innovaciones 3D

En una escena vemos a una mujer y a un hombre mayor, su amante, sentados en un banco. Un segundo hombre, su marido, aparece con una pistola y la saca del encuadre, llevándola hacia la derecha. Pero en lugar de alternar entre las dos escenas, Aragno utilizó dos cámaras para capturarlas en 3D. El resultado es una imagen superpuesta de la mujer y su marido, combinada con la imagen del hombre en el banco, situada a la izquierda. Si cierras un ojo, solo verás a la mujer y a su marido; si cierras el otro, solo verás al hombre en el banco; y si abres ambos ojos, tu cerebro tendrá dificultades para visualizarlos simultáneamente. Sin embargo, al final de este singular experimento visual, las imágenes separadas se unen de nuevo en lo que Aragno ha denominado un «efecto romántico».

— Erin Whitney de The Huffington Post describiendo el primer plano experimental de "separación" de la película. [ 30 ]

Poco después de terminar Film Socialism (y tras el éxito de la película estadounidense en 3D Avatar ), Godard le pidió a Aragno que filmara algunas tomas de prueba en 3D. [ 28 ] Con la ayuda de Battaggia y el director de fotografía Paul Grivas (sobrino de Godard [ 31 ] ), Aragno investigó [ 19 ] y experimentó con técnicas 3D y construyó sus propios equipos de cámara personalizados. Comenzó usando "una costosa cámara Panasonic que tenía 3D incorporado", pero no quedó impresionado con los resultados. [ 28 ] En sus experimentos, Aragno concluyó que las "reglas" estándar para la cinematografía 3D ("No puede haber más de seis centímetros entre las dos cámaras. Si el fondo y el primer plano están demasiado lejos, no puede ser bueno") no eran interesantes. [ 23 ] Aragno construyó entonces un soporte de madera con dos Canon 5D, que según él «era mucho más tosco y expresivo. Normalmente, en el 3D con dos cámaras, estas se colocan muy cerca para minimizar el paralaje . Con el soporte que construí, las dos 5D estaban separadas unos cinco centímetros, lo que producía una imagen 3D mucho más dura». [ 28 ] En su soporte, una de las cámaras estaba boca abajo «para poder alinear los sensores con el mismo ángulo de visión para un 3D perfecto o "imperfecto", evitando el paralaje y así obtener el mejor efecto de ambas cámaras. No se utilizaron ordenadores en esta calibración. Solo un martillo y un cincel. Es cine artesanal». [ 22 ]

Aragno construyó otro dispositivo con dos cámaras Flip Mino que permitía que una de ellas hiciera un paneo. En una prueba con dos niños, Aragno dijo que:

Le pedí al chico que fuera a la cocina a mi derecha, y la cámara derecha lo siguió mientras la izquierda se quedó, así que el 3D se rompió. La chica está a la izquierda y el chico a la derecha. Cuando estaba en la cocina, el cerebro no sabía cómo mirar. Duele un poco mirarlo, pero fue interesante, y cuando el chico regresa con la chica, las dos cámaras volvieron al 3D clásico. Así que se lo mostré a Jean-Luc y decidió usarlo para la película.

Aragno también experimentó con la distancia entre las dos cámaras, a veces acercándolas o alejándolas más allá del estándar de la industria de seis centímetros. [ 23 ] Aragno le dijo más tarde a The Huffington Post : "Empecé a pensar en hacer algo en 3D que solo puede ser en 3D  ... 3D significa dos imágenes, una izquierda y una derecha, y ambas pueden estar juntas, pero también puedes hacer que una imagen sea diferente de la otra". [ 30 ]

Esta técnica de separación de la imagen 3D ha sido denominada un nuevo plano en el cine, aunque es parcialmente comparable a los planos de la primera película en 3D, El poder del amor . Calum Marsh, de The Dissolve, afirmó que «el vocabulario del cine se ha enriquecido. Hay una nueva herramienta a disposición de los cineastas: una nueva técnica, como el corte abrupto que la precedió», y que en sus películas anteriores Godard «ha estado buscando una manera de unificar ideas, de unir imágenes dispares para crear una nueva. Este plano es la materialización». [ 32 ] Erin Whitney, de The Huffington Post, escribió que «El momento es tan innovador e inusual que Godard y su director de fotografía, Fabrice Aragno, ni siquiera tenían un nombre para él (Aragno se ha referido al plano como "separación", a falta de un término mejor)». [ 30 ] David Ehrlich de The Dissolve ha llamado a la técnica una toma de " elige tu propia aventura " y escribió, "al hacer que las imágenes dispares sean separadas pero simultáneas, Godard ha encontrado una manera para que los espectadores comparen imágenes separadas en el momento en que las ven. Goodbye To Language argumenta eficazmente que cada corte es poroso, y que ver es solo mirar, si está distraído por la memoria". [ 33 ] Amy Taubin de Film Comment calificó la toma como "una secuencia alucinante, dislocadora de los globos oculares, narrativamente profunda" e informó que después de que la toma concluyó la audiencia estalló en aplausos en el estreno de la película durante el festival de cine de Cannes. [ 34 ] Jonathan Romney de Film Comment dijo que "es magia en la cámara de la época de Méliès : un truco barato, pero brillante y simplemente ejecutado, encontrando un deleite hasta ahora insospechado en un simple uso 'inapropiado' del 3-D". [ 10 ]

Aragno también experimentó con imágenes 3D en la postproducción. Estas incluían "pruebas de superposición y combinación de imágenes 2D y 3D. Quería 'incrustar' diferentes imágenes y trabajar en diferentes planos en el espacio" y mezclar diferentes imágenes 2D para crear imágenes 3D de doble exposición . Godard utilizó posteriormente algunas de estas pruebas en su cortometraje Les trois désastres , incluido en la película colectiva 3x3D de 2013. [ 28 ]

Recepción

Estreno en el Festival de Cine de Cannes

Adiós al lenguaje se estrenó el 21 de mayo de 2014 en el Teatro Lumière, compitiendo en el Festival de Cannes de 2014. Se esperaba que Godard asistiera al festival, pero anunció su ausencia unos días antes de la proyección. Declaró a Radio Télévision Suisse que no deseaba la Palma de Oro y que, de ganarla, se la daría a su asesor fiscal, tal como había hecho con su Óscar honorífico . [ 35 ] Poco después, envió al presidente saliente del festival, Gilles Jacob, y al director artístico, Thierry Frémaux, una carta en vídeo [ 34 ] explicando su ausencia del festival y su estado de ánimo. La carta en vídeo estaba destinada a ser privada, pero Jacob la publicó como un cortometraje titulado Carta en movimiento a Gilles Jacob y Thierry Frémaux . [ 8 ] [ 36 ] La presidenta del jurado de la competición principal, Jane Campion, dijo: «El hecho de que prescinda de la narrativa, es como un poema. Me sentí conmovida. Era un hombre libre». [ 37 ] Amy Taubin asistió a la primera proyección y calificó la película de obra maestra, escribiendo que "podría ser la más hermosa, mozartiana en su ligereza y desinhibida al comunicar sentimientos sobre el amor". [ 34 ] Manohla Dargis de The New York Times escribió: "finalmente, la selección de la competencia tuvo algo que había necesitado desesperadamente toda la semana: una experiencia cinematográfica emocionante que casi hizo levitar el abarrotado teatro Lumière de 2300 butacas, convirtiendo una proyección más en un verdadero acontecimiento", y la calificó de "profundamente, emocionante y desafiante". [ 14 ]

Recepción crítica

En el sitio web agregador de reseñas Rotten Tomatoes , Goodbye to Language tiene una calificación de aprobación del 88% basada en 73 reseñas, con una calificación promedio de 7.1/10. El consenso de la crítica del sitio web dice: "Tan visualmente emocionante como inescrutable, Goodbye to Language 3D ofrece una obra maestra de la última etapa de un director legendario que aún domina su oficio". [ 1 ] En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 75 sobre 100, basada en 28 críticos, lo que indica "Críticas generalmente favorables". [ 2 ]

En Francia, Isabelle Regnier de Le Monde la calificó como "una película muy hermosa... de un hombre que ha entregado su vida al cine... y ha cambiado profundamente la historia del cine". [ 38 ] Gérard Lefort y Olivier Séguret de Libération elogiaron tanto su "deslumbrante destreza técnica" como su burla del proceso 3D. [ 39 ] Jean-Michel Frodon de Slate comparó los resultados de las tomas de "separación" con un artículo que Godard escribió en 1956 para Cahiers du cinéma sobre la aproximación de "imágenes múltiples" y dijo que Godard debería recibir un (inexistente) " Premio Nobel de Cine" por poner su teoría en práctica. [ 40 ] Antoine De Baecque dijo que la película se mantuvo fiel a los ideales de la Nouvelle Vague francesa al ser "absolutamente contemporánea" y contar la verdad de la era moderna. [ 41 ] Jean-Baptiste Doulcet de Benzine Magazine escribió que "no tiene nada que justificar y no se contentará con complacer" y criticó su humor escatológico y su complejidad, pero la calificó de "¡ligera y a veces conmovedora!". [ 42 ] Éric Neuhoff de Le Figaro escribió que Godard era un "viejo adolescente senil" que había "perdido su inspiración" y "no ha aprendido nada sobre el amor, la pareja [o] la sociedad", y se burló de la ovación de pie de 15 minutos que recibió la película en el Festival de Cine de Cannes. [ 43 ]

David Bordwell la llamó "la mejor película nueva que he visto este año, y la mejor película en 3D que he visto jamás". [ 26 ] Richard Brody de The New Yorker escribió que la "técnica 3D de la película es el primer avance en el trabajo de cámara de enfoque profundo desde el apogeo de Orson Welles ". [ 44 ] Scott Foundas de Variety escribió que la película "reafirma continuamente que ningún cineasta ha hecho más para probar y reafirmar las posibilidades de la imagen en movimiento durante el último medio siglo de esta forma de arte". [ 7 ] En The New York Times , A. O. Scott la llamó "desconcertante y hermosa, una ráfaga de fragmentos musicales y literarios dispuestos en contrapunto a una serie de imágenes de colores brillantes y evocadoras". [ 45 ] J. Hoberman de The New York Review of Books la llamó "una experiencia exaltada" y dijo que "verla es algo así como encontrarse con el cine por primera vez". [ 46 ] Jonathan Rosenbaum escribió que verla le hizo "sentir que estoy experimentando las posibilidades reales del 3D por primera vez". [ 47 ] Scout Tafoya de RogerEbert.com dijo que "Godard ha recalibrado el 3D en una nueva herramienta de investigación revolucionaria, una maravilla sensorial y, apropiadamente, la experiencia de ver 'Goodbye To Language' es similar a obligar a tu cerebro a experimentar un renacimiento violento en una nueva era, una que aún no hemos nombrado". [ 24 ] Blake Williams de Cinema Scope Magazine la comparó con Dog Star Man de Stan Brakhage y *Corpus Callosum* de Michael Snow , calificándola como "una obra ' vanguardista ' en el sentido original y más literal del término". [ 11 ]

Algunas críticas fueron negativas. Thomas Lee del San Francisco Chronicle escribió: «Una mezcla de imágenes desordenadas, cortes abruptos molestos y filosofía pretenciosa/pseudopsicología vacía, la película sin duda atraerá a los fanáticos acérrimos de Godard  ... Pero para el resto de nosotros, los estadounidenses que preferimos cierta apariencia de coherencia y pensamiento significativo, 'Adiós al lenguaje' será una gran decepción». [ 48 ] Daniel Engber de Slate criticó la trama incoherente de la película, pero elogió sus innovaciones en 3D. [ 49 ] Marc Mohan de The Oregonian la llamó «un denso collage de sonido e imagen, sin una narrativa coherente, que deconstruye el cine y la historia de maneras provocativas y a menudo incomprensibles». [ 12 ]

Las mejores películas y sus premios

Adiós al lenguaje fue una de las películas más aclamadas de 2014 y apareció en varias listas de las mejores películas del año de la crítica. [ 50 ] [ 51 ] Entre los críticos que la catalogaron como la mejor película del año se encuentran Carlo Chatrian , [ 52 ] Scott Foundas, [ 53 ] J. Hoberman , [ 54 ] John Powers , [ 55 ] James Quandt , [ 56 ] Jean-François Rauger, [ 57 ] Jonathan Rosenbaum, [ 58 ] Dan Sullivan , [ 59 ] Amy Taubin , [ 60 ] Armond White , [ 61 ] y Blake Williams. [ 62 ] Los equipos de Cahiers du Cinéma , [ 63 ] Film Comment [ 64 ] y Sight & Sound del British Film Institute la catalogaron en segundo lugar. [ 65 ]

Otros críticos que la incluyeron como una de las mejores películas del año son Kong Rithdee, [ 66 ] Michael Atkinson , [ 67 ] Richard Brody , [ 68 ] David Ehrenstein , [ 69 ] Dennis Lim, [ 59 ] Richard Corliss , [ 70 ] Mathieu Macheret, [ 57 ] Jonathan Romney, [ 71 ] Molly Haskell , [ 72 ] Miriam Bale, [ 73 ] Ignatiy Vishnevetsky , [ 74 ] Manohla Dargis [ 75 ] y Michael Phillips , [ 76 ] y los equipos de Reverse Shot , [ 77 ] The Village Voice , [ 78 ] IndieWire , [ 79 ] CineVue [ 80 ] y The AV Club . [ 81 ]

En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de 2014, fue votada como Mejor Película. Godard quedó en segundo lugar como Mejor Director y Aragno en tercer lugar como Mejor Fotografía. [ 82 ] En Francia, fue nominada al Premio Louis Delluc de 2014 , pero perdió ante Las nubes de Sils Maria . [ 83 ] En 2016, fue votada como la 49.ª mejor película del siglo XXI según la elección de 177 críticos de cine de todo el mundo. [ 84 ]

Festivales y lanzamientos

En el Festival de Cine de Cannes de 2014 ganó el Premio del Jurado , que compartió con Mommy de Xavier Dolan . [ 85 ] La perra de Godard, Roxy, ganó el Premio Especial Palm Dog . [ 86 ] Posteriormente se proyectó en festivales como el Festival Internacional de Cine de Locarno de 2014 en la sección "Fuori concorso", [ 87 ] el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2014 en la sección "Masters", [ 88 ] y el Festival de Cine de Nueva York de 2014. [ 89 ]

Se estrenó en París en una proyección anticipada en el teatro Le Panthéon el 24 de mayo de 2014. [ 90 ] Se estrenó en cines en Francia el 28 de mayo por Wild Bunch [ 91 ] y vendió 33.225 entradas. [ 92 ] Fue distribuida en Norteamérica por Kino Lorber , que lanzó un DVD Blu-ray 3D en 2015. [ 93 ] [ 94 ] Se estrenó en los EE. UU. en el Festival de Cine de Nueva York el 27 de septiembre de 2014 y se estrenó en cines el 29 de octubre. [ 89 ] Recaudó $27.000 en su fin de semana de estreno en dos cines, obteniendo el promedio por pantalla más alto del fin de semana. [ 95 ] Recaudó $390.099 en los EE. UU. [ 96 ]

Temas e interpretaciones

Cuando el sol ya penetra y el río aún duerme entre la niebla, ya no lo vemos, del mismo modo que él no se ve a sí mismo. Aquí ya es el río, y la mirada se detiene; uno ya no ve más que un vacío, una niebla que impide ver más allá. En esa parte del lienzo, no hay que pintar ni lo que se ve, puesto que no se ve nada, ni lo que no se ve, puesto que solo hay que pintar lo que se ve; sino lo que no se ve.

— Cita utilizada en la narración de la película, atribuida a Claude Monet , pero en realidad parafraseada de Jean Santeuil de Marcel Proust [ 5 ].

Muchos críticos de cine se han quejado de que Adiós al lenguaje es difícil de entender. Todd McCarthy de The Hollywood Reporter escribió: «Solo hay fragmentos de pensamientos, nada se desarrolla». [ 97 ] Charles Ealy de Austin 360 lo comparó con ver el sketch de Sprockets de Mike Myers de Saturday Night Live . [ 98 ] Bordwell ha criticado el análisis superficial de la película por parte de otros críticos, afirmando que «los críticos a quienes les disgusta Godard, creo, tienen una noción demasiado limitada de lo que es la crítica». [ 13 ]

Bordwell ha calificado la película de opaca, con personajes difíciles de interpretar, conflictos sin explicación y puntos clave de la trama que ocurren fuera de cámara. Godard también encuadra a los personajes de tal manera que resultan irreconocibles para el público, filma escenas con diálogos superpuestos de personajes dentro y fuera de pantalla, y utiliza puntos suspensivos para crear lapsos de tiempo. En ocasiones, también corta a imágenes negras, objetos en la escena o paisajes mientras aún se escucha el diálogo. Estas técnicas dificultan tanto la interpretación como la comprensión de la película. Bordwell opina que «deberíamos encontrar fascinantes los problemas de comprensión. Nos recuerdan las convenciones narrativas que damos por sentadas y nos impulsan hacia otras formas de contar historias, o de desentrañarlas». Bordwell cree que «bloquear o perturbar nuestro proceso de creación de historias sirve para revalorizar la imagen y el sonido individuales. Cuando no podemos vincular fácilmente lo que vemos y oímos con una trama en curso, nos vemos impulsados ​​a saborear cada momento como un microevento en sí mismo, como una palabra en un poema o una mancha de color en una pintura». [ 26 ]

Esta técnica "opaca" ha sido el estilo característico de Godard durante muchos años. En 1995, Jean-Michel Frodon describió las mismas complejidades que Bordwell y escribió:

Al ver una película de Godard, hay momentos en que uno tiende a resistirse a la experiencia. A medida que la película se desarrolla, uno se siente repentinamente confundido, no comprende del todo algo y siente que pierde el equilibrio. Al borde de la inmersión, uno corre el riesgo de pensar que Godard es vago y oscuro, pero entonces se produce un movimiento o cambio, como el de un mar, y si uno se deja llevar por la siguiente ola, pronto recupera el rumbo de la película. [ 99 ]

Cuando se le preguntó sobre el mensaje de la película, Godard rechazó la premisa de la pregunta y sostuvo: "más bien, sería el mensaje de la ausencia de un mensaje. Es un mensaje en la vida cotidiana". [ 22 ] Colin MacCabe escribió que la película no tiene historia:

En cambio, hay patrones de imágenes y sonido superpuestos con citas de los autores  ... Existe una preocupación por la historia, sobre todo por Hitler y el nazismo, y por la comprensión de la historia como algo que no distingue entre imagen y realidad, de modo que la historia del cine y la historia del mundo moderno se entrelazan. [ 100 ]

El título de la película tiene un doble significado. En Vaud , la parte francófona de Suiza donde Godard se crió y vivió, la palabra "adieu" puede significar tanto adiós como hola [ 8 ] [ 101 ] "según la hora del día, el tono de voz". Godard reconoció que esta interpretación solo se entendería en Vaud y dijo "hoy en día, parece que hablar no tiene nada que ver, que el habla ya no existe". Creía que las palabras están perdiendo todo significado y que "estamos perdiendo el punto  ... cuando digo 'Adiós' al lenguaje, realmente significa 'Adiós', es decir adiós a mi propia forma de hablar". Pero Godard creía que las imágenes, como las películas que mezclan palabras y elementos visuales, todavía son capaces de una comunicación significativa, citando como ejemplo las prohibiciones islámicas y cristianas de ciertas imágenes mientras permiten las palabras. [ 22 ] Godard dijo que en la secuencia con Mary Shelley y él mismo pintando con acuarelas quería mostrar visualmente los actos físicos del lenguaje de la escritura y el lenguaje de las artes visuales. [ 8 ] Bordwell cree que un tema de la película es "la idea de que el lenguaje nos aliena de alguna conexión primordial con las cosas". [ 13 ]

Uso de 3D

Godard se interesó por el 3D porque «aún no existen reglas» y le pareció interesante porque todavía no se había explorado todo su potencial. Godard cree que la tecnología, como una cámara de cine, «revela algo cultural», como lo que «significa sobre la época en que surgió» y también cómo está limitada por lo que no puede hacer. Técnicas cinematográficas como CinemaScope , travellings , primeros planos o alta fidelidad se consideran innovadoras, pero en realidad crean limitaciones al establecer estándares y reglas técnicas. Compara sus experimentos con el 3D con las primeras películas de Auguste y Louis Lumière y D.W. Griffith , quienes realizaron películas antes de que existieran «reglas» sobre la técnica, afirmando que «cuando la técnica está en sus inicios, al igual que un niño, no conoce reglas». Su inspiración provino de la invención de la perspectiva en la pintura, cuando el espectador comprende la existencia de espacio fuera de los bordes del cuadro. Godard quería explorar la ilusión de profundidad en una imagen 3D sugiriendo algo "más allá del marco". [ 22 ] Al igual que la doble exposición de una imagen 3D, la película contiene dos narrativas paralelas que se repiten con dos parejas diferentes. [ 13 ] Godard seguía la teoría de Alfred Hitchcock de que "cuando quieres que algo se entienda, lo dices al menos dos veces". [ 22 ]

Bryant Frazer de Studio Daily escribió que Godard rompe las "reglas" convencionales del 3D de cinco maneras: "no mantiene un encuadre limpio" en sus composiciones de pantalla, "adopta cámaras de baja calidad", "se inclina hacia la cinematografía de enfoque profundo", "desgarra la imagen 3D y luego la restaura en una sola toma" y "usa el estereoscopía para realzar lo mundano" en lugar de temas espectaculares como las películas de superhéroes o fantasía . Frazer dijo que Godard "quiere experimentar con la tecnología, llamar la atención sobre ella, probar sus límites y ver qué sucede cuando la imagen se desintegra por completo". [ 102 ] Richard Brody de The New Yorker escribió que "en lugar de usar el 3D como un efecto para crear una sensación de vuelo o para hacer que un espectador se sienta como el objetivo de objetos propulsados, Godard usa el 3D para enfatizar la materialidad, las propiedades físicas, del mundo en cuestión". [ 6 ] Bordwell dijo que, aparte de "impresionarnos con efectos especiales", los propósitos del 3D suelen ser ser realistas al realzar la profundidad de los objetos y "avanzar en nuestra comprensión de la historia", lo cual generalmente se logra con solo una parte de la pantalla en 3D mientras que el resto está desenfocado y en 2D. En Adiós al lenguaje, Godard usa el 3D en tomas de gran profundidad de campo con imágenes que permiten al público escanear todo el encuadre. Bordwell escribió que el uso del 3D por parte de Godard "tiene como objetivo hacernos percibir el mundo despojado de nuestras construcciones conceptuales (lenguaje, trama, puntos de vista normales, etc.)". [ 13 ]

Brody escribió que Godard "trató el 3D como un recurso del cine independiente  ... abre la forma artística a otra dimensión, la virtual. Su uso del 3D es en sí mismo la gran idea de la película". [ 6 ] MacCabe escribió que Godard "usa [el 3D] para distanciar y a la vez involucrar" al público en lugar de simplemente realzar el realismo, influenciado por Bertolt Brecht . [ 100 ] Armond White escribió que Godard "utiliza la moda del 3D digital para considerar cómo se comunican hombres y mujeres  ... y luego, de forma lúdica, observa la lealtad de su perro  ... para demostrar fe pura, curiosidad pura y su propia insensibilidad en una era donde la Realidad y la Realidad Digital se confunden". White cree que el uso del 3D en la película se burla de la supuesta profundidad visual de la técnica y, en cambio, la utiliza para examinar la profundidad de la experiencia humana, como "la dinámica de las relaciones sexuales, políticas y artísticas". [ 103 ]

Interpretaciones sociales

La obra del filósofo Jacques Ellul y sus predicciones sobre la tecnología ocupan un lugar destacado en los temas de la película.

Roxy Miéville aparece con la pareja, así como con Godard y Anne-Marie Miéville, a quienes no se ve , al final de la película. Godard y su pareja profesional y sentimental de larga data, Miéville, eran copropietarios de Roxy. [ 10 ] Durante la producción de la película, Godard habló a menudo de Miéville. Olivier Séguret, de Libération, observó que la mayor parte de la película se filmó en lugares que Godard y Miéville compartían en su vida personal y que el diálogo entre las dos parejas podría estar basado en conversaciones entre ellos. [ 21 ] Cuando fue entrevistado por NPR , Bordwell interpretó las tomas de Roxy como Godard "tratando de hacer que la gente mire el mundo de una manera un tanto incontaminada  ... Hay indicios a lo largo de la película de que la conciencia animal está más cerca del mundo que nosotros, que el lenguaje establece una barrera o filtro o pantalla entre nosotros y lo que realmente está ahí. Y aunque la película está llena de lenguaje, diálogo, texto impreso, etc., no obstante, creo que hay una sensación de que quiere que el espectador raspe muchas de las concepciones ordinarias que tenemos sobre cómo nos comunicamos y mire el mundo de nuevo". [ 104 ] Godard dijo que era parcialmente cierto que veía el mundo a través de los ojos de Roxy [ 8 ] y que Roxy "restablece el equilibrio" a la pareja cuando están en conflicto y representan a "la gente común" mientras que la pareja representa a "la nobleza" o "el clero". [ 22 ] MacCabe escribió que Roxy "ofrece una imagen de sociabilidad aceptable" en la película. [ 100 ] En una escena con Roxy, un narrador habla sobre la Declaración Universal sobre el Bienestar Animal , que Brody llama "el único y raro destello de optimismo histórico de Godard. Es como si Roxy fuera el agente de la reconciliación, no de un simple amante a otro, sino de Godard con el presente, con la generación venidera". [ 6 ]

Jonathan Romney expresó su dificultad para anotar cada referencia mientras veía la película, escribiendo que «las proposiciones, alusiones, sonidos e imágenes se suceden en oleada tras oleada, cada una construyendo una nueva capa sobre —o borrando violentamente— lo que ha aparecido inmediatamente antes. Intentar darle algún sentido a todo esto, incluso de la manera más rudimentaria o provisional, es un proceso angustioso» y que «quizás estarías más cerca de entender una película de Godard si hubieras leído todo lo que el director había leído, pero entonces también tendrías que haberlo leído exactamente de la misma manera que él lo leyó, estableciendo las mismas conexiones». [ 10 ] Ted Fendt escribió que «conocer las fuentes originales de la obra de Godard a menudo me parece tan útil para "desbloquear" las películas y los vídeos como leer una copia de La tierra baldía llena de notas a pie de página ». [ 5 ]

Brody ha observado que muchas de las referencias fueron utilizadas por Godard en su película anterior, convirtiéndolas en "toques autorreferenciales y retrospectivos". También relaciona las referencias visuales con los temas políticos de la película y compara las imágenes de archivo de la Alemania nazi y la Unión Soviética en la primera parte con las escenas de películas clásicas en pantallas de televisión en la segunda parte. Las imágenes históricas "parecen persistir como una influencia desproporcionada en la política, las historias e incluso las identidades actuales", mientras que las películas de Hollywood obligan a los personajes cinematográficos modernos a "vivir a la luz de la historia del cine, de la gran era de Hollywood y del cine clásico europeo que también domina e impresiona a los modernos". [ 6 ] Una técnica que utiliza Godard es hacer que las escenas narrativas se corten repentinamente a "una digresión, un collage de imágenes encontradas, intertítulos u otro material que parece desencadenado por algo mencionado en la escena". Bordwell ha denominado a esto una "forma asociativa" que se usa a menudo en películas de ensayo, similar al uso que hace el novelista John Dos Passos de historias periodísticas en su trilogía USA . [ 26 ]

La película examina muchos eventos históricos del siglo XX, en particular el ascenso de Hitler, el comunismo y la tecnología. Godard cita extensos pasajes del ensayo de Jacques Ellul de 1945, "¿Victoria de Hitler?", [ 5 ] en el que Ellul escribió: "Todo lo que Hitler dijo, lo logró" y examinó los peligros de que el individuo otorgara poder absoluto al Estado. Ellul concluyó: "Todo lo que el Estado conquista como poder, nunca lo pierde. Y esa es la segunda victoria de Hitler". [ 105 ] Eric Kohn de Indiewire escribió que mostrar el ensayo de Ellul siendo leído desde un teléfono inteligente "retrata la era de la información como el último aliento de la conciencia antes de que el pensamiento intelectual se homogeneice por los avances digitales" y que la película "sugiere que la humanidad se ha vuelto limitada por dispositivos que nos dicen todo lo que creemos necesitar saber". [ 106 ]

También hay breves referencias a África, [ 6 ] como la cita de Joceyln Benoist: "¿Señor, es posible producir un concepto sobre África?" [ 5 ] Brody dijo que esta referencia "sugiere la pobreza de la filosofía moderna —y del arte moderno— para abordar las crisis políticas que fueron erróneamente relegadas a los márgenes del siglo XX y que recientemente han salido a la luz". [ 6 ] White cree que la referencia de la película a Frankenstein es una "profecía de la compulsión del siglo XXI a degradarnos a nosotros mismos en monstruos y zombis, confundidos por la necesidad de dar sentido a las complejidades actuales. El repliegue de nuestra era plagada de culpa hacia una tecnología que pretende realismo en lugar de imaginación moral es patético". [ 103 ] Brody interpretó la referencia como una sugerencia de "que el libro en sí es un acto de metáfora política y creación de imágenes históricas". [ 6 ] MacCabe escribió que la película es el ejemplo más intenso del creciente " calvinismo extremo" del director Godard , y escribió que "es difícil no sentir que la película es, entre otras cosas, la obra de un viejo pastor protestante que fulmina contra los pecados del mundo y la caída irredimible del hombre". [ 100 ]

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Lecturas adicionales

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  • Godard, Jean-Luc (2014). Introducción a una verdadera historia del cine y la televisión . Montreal, Canadá: caboose. ISBN 978-0-9811914-1-6.
  • Sitio web oficial
  • Adiós al lenguaje en AlloCiné
  • Adiós al lenguaje 3D en IMDb
  • Adiós al lenguaje en Box Office Mojo
  • Adiós a Language 3D en Metacritic.
  • Adiós a Language 3D en Rotten Tomatoes.
  • Entrevista de Canon Camera con Godard. Archivada el 24 de mayo de 2014 en Wayback Machine.
  • Artículo del Ciné-club de Caen que incluye una descripción detallada de la película ( en francés ).
  • Artículo del blog de Philippe Sollers que incluye una descripción detallada de las referencias de la película ( en francés ).
  • Artículo de Courte Focale sobre la película ( en francés )
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